Doch wie effektiv ist dieser Prozess eigentlich? Lässt sich eine Decke wirklich künstlich altern, sodass ein neues Instrument wie eine jahrzehntealte Gitarre klingt? Ganz so einfach ist es zwar nicht, aber dennoch hat eine Wärmebehandlung interessante Auswirkungen.

Warum alte Akustikgitarren so begehrt sind

Besonders Vintage-Instrumente aus berühmten Baujahren genießen unter Gitarristen einen hervorragenden Ruf und sind ausgesprochen begehrt. Dies liegt nicht nur ihrem optischen Charme, der Nostalgie erzeugt, oder seltenen Hölzern, sondern auch einem ausgereiften Klang. Da Holz ein lebendiges Material ist, verändern sich seine Eigenschaften mit den Jahren, was sich auch auf den Klang auswirkt. Besonders interessant ist das bei der Decke, denn schließlich spielt sie die Hauptrolle bei der Klangproduktion. Genau hier setzt die Torrefizierung an: Damit Gitarristen nicht jahrelang auf ihren ersehnten Vintage-Sound und den besonderen Look warten müssen, sollen diese Veränderungen durch eine kontrollierte Wärmebehandlung gezielt hervorgerufen werden.

Was bedeutet Torrefizierung?

Platt ausgedrückt wird das für die Decke vorgesehene Holz gebacken. Dies findet allerdings unter der Aufsicht von geschultem Fachpersonal statt. Temperatur, Dauer und Atmosphäre müssen während der gesamten Behandlung genau aufeinander abgestimmt sein, um eine professionelle torrefizierte Decke zu erhalten. Die Eigenschaften müssen sich so verändern, ohne das Holz für den Instrumentenbau unbrauchbar zu machen. Neben anderen Herstellern setzt auch Taylor Guitars bei vielen Modellen auf eine Thermobehandlung, die hier anschaulich demonstriert wird:

Wie wirken sich torrefizierte Decken auf den Klang aus?

Die klanglichen Eigenschaften torrefizierter Decken sind für Gitarristen besonders interessant, gleichzeitig aber subjektiv. Eine thermisch behandelte Decke wird von Herstellern mit einem direkten, offenen und bereits etwas eingespielten Klangcharakter beworben, während die typischen Eigenschaften einer Fichtendecke erhalten bleiben. In diesem Video präsentiert Taylor Guitars seine 600-Serie mit torrefizierter Sitka-Fichtendecke:

Der Klang einer Gitarre rührt allerdings nicht nur von der Decke her. Zwar ist sie das Herzstück der Klangproduktion, allerdings haben Korpusform, Stärke der Decke, Beleistung, Boden und Zargen, Stegkonstruktion und mehr auch noch ihren Anteil. Vielmehr entsteht der Sound durch ein Zusammenspiel verschiedener Faktoren. Zwei Gitarren mit torrefizierter Decke müssen deshalb keineswegs identisch klingen.

Klingt eine neue Gitarre dadurch wirklich wie ein echtes Vintage-Instrument?

Genau hier sollte man vorsichtig sein. Durch eine thermische Behandlung entsteht nicht wie von Zauberhand ein über Jahre gewachsener Vintage-Sound. Zwar durchläuft das Holz während der Torrefizierung bestimmte physikalische und chemische Prozesse der Alterung, dennoch kann sie nicht die komplette Geschichte einer alten Gitarre reproduzieren.

Wie bereits erwähnt, besteht eine Akustikgitarre nicht nur aus einer Decke. Das gesamte Instrument hat über die Jahre Temperaturwechsel, wechselnde Luftfeuchtigkeit und nicht zuletzt unzählige Stunden des Spielens durchlebt. Das hat Auswirkungen auf alle Bestandteile, die den Charakter einer Gitarre entsprechend verändern.

Somit ist eine thermische Behandlung keine Zeitmaschine, sondern eher die Möglichkeit, gezielt bestimmte Eigenschaften herauszuarbeiten, die mit gealterten Instrumenten in Verbindung gebracht werden.

Nicht nur der Klang verändert sich

Eine torrefizierte Fichtendecke im Natural Finish lässt sich häufig mit bloßem Auge erkennen. Während unbehandelte Fichte sehr hell ist, besitzt die wärmebehandelte Decke einen etwas dunkleren Farbton. Dadurch kann eine neue Gitarre optisch den Eindruck vermitteln, sie sei bereits über Jahre nachgedunkelt.

Auch die Reaktion auf Luftfeuchtigkeit wird durch den Prozess beeinflusst. Die Erhitzung des Holzes reduziert seine Fähigkeit, Feuchtigkeit aufzunehmen, was die Gitarre widerstandsfähiger gegenüber wechselnden klimatischen Bedingungen macht. Das bedeutet nicht, dass man die Gitarre nun getrost ungeschützt in der Gegend rumstehen lassen darf. Schließlich besteht sie nicht nur aus der Decke, sondern aus vielen anderen Materialien, die durch einen unbedachten Umgang Schäden davontragen können.

Sind torrefizierte Decken besser als unbehandelte?

Egal, ob torrefiziert oder nicht: auf den Gitarrenbauer kommt es an. Bei gewissenhafter Fertigung klingen sowohl unbehandelte als auch torrefizierte Decken fantastisch und sind nur eine Frage des Geschmacks. Entscheidend ist, welchen Klang Gitarrenbauer und Spieler erreichen möchten. Wer einen etwas reiferen Grundcharakter bevorzugt, tendiert wahrscheinlich zu einer Thermobehandlung, während andere wiederum einen frischen Klang mögen und gemeinsam mit ihrem Instrument altern möchten. Torrefiziert bedeutet also keineswegs automatisch besser.

Torrefizierung ist längst kein exotisches Feature mehr

Waren zunächst ausschließlich hochpreisige Profiinstrumente mit einer torrefizierten Decke ausgestattet, findet sich eine solche mittlerweile beinahe in jeder Preiskategorie. So hat sich die Thermobehandlung beispielsweise weit im Taylor-Sortiment verbreitet, sodass du mittlerweile sogar eine GS Mini zum günstigen Preis mit einer torrefizierten Sitka-Fichtendecke bekommen kannst. Das zeigt, dass die Technik nicht mehr nur als Spezialanfertigung für Vintage-Enthusiasten betrachtet wird. Sie ist zu einem Mittel geworden, die Eigenschaften einer Akustikgitarre gezielt zu beeinflussen.

Titelbild: Taylor Guitars

Auch interessant:

Wie eine Akustikgitarre Klang erzeugt

Die Akustikgitarre wirkt auf den ersten Blick wie ein einfaches Instrument. Ein Korpus, Saiten und [...]

> WEITERLESEN

Fichte vs. Zeder – Welche Gitarrendecke klingt besser?

Auch wenn du im Beitrag Lexikon der Tonhölzer einiges über den Klang und die Eigenschaften [...]

> WEITERLESEN

Holz, Draht und Mythos: Wie viel Einfluss hat das Tonholz wirklich?

Wer in den letzten Jahren den einen oder anderen Blick in die größeren Online-Foren rund [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Torrefizierte Decken: Was bringt künstlich gealtertes Holz? erschien zuerst auf Guitar-Player.

Mit der Affilele verlässt der kleine Affe nun gewissermaßen die Buchseiten und landet auf der Decke eines echten Musikinstruments. Herausgekommen ist eine Ukulele, die sich vor allem an Familien, junge Nachwuchsmusiker und Fans der Geschichte richtet, dabei aber keineswegs nur als dekoratives Fanprodukt gedacht ist.

Vom Kinderbuch zum Musikinstrument

Musik und Geschichten für Kinder haben einiges gemeinsam: Sie regen die Fantasie an, schaffen Erinnerungen und funktionieren besonders gut, wenn man sie gemeinsam erlebt. Genau an dieser Schnittstelle setzt die Fame Affilele an.

Wo ist mein Affi? basiert auf der erfolgreichen Anouk-Reihe von Hendrikje Balsmeyer und Peter Maffay. Im Mittelpunkt des Pappbilderbuchs steht ein für kleine Kinder sehr vertrautes Erlebnis: Das geliebte Kuscheltier ist plötzlich verschwunden und muss wiedergefunden werden. Das Buch richtet sich laut Verlag an Kinder ab 18 Monaten.

Die Affilele greift diese Verbindung zu Affi auf und überträgt sie auf ein Instrument, das wie kaum ein anderes für einen unkomplizierten Einstieg ins Musizieren steht: die Ukulele.

Konzertformat und Mahagoni

Technisch handelt es sich bei der Fame Affilele um eine Konzertukulele mit 385-mm-Mensur. Damit bietet sie etwas mehr Platz auf dem Griffbrett als viele kompakte Sopranmodelle und ist sowohl für kleinere als auch größere Hände interessant.

Bei der Holzauswahl setzt Fame auf einen bewährten Klassiker: Decke, Boden und Zargen bestehen aus laminiertem Mahagoni. Mahagoni gehört nicht ohne Grund zu den beliebten Materialien im Ukulelenbau. Bei der Affilele sorgt die Konstruktion für einen warmen, ausgewogenen Grundcharakter, der gut zum typischen, direkten Klang einer Ukulele passt.

Das macht das Instrument gleichermaßen für die ersten Akkorde, einfache Melodien und die Begleitung beim gemeinsamen Singen interessant. Gerade für Einsteiger ist ein unkomplizierter Sound von Vorteil: Akkorde lassen sich schnell zum Klingen bringen und schon mit wenigen Griffen können zahlreiche Songs begleitet werden.

Ein Instrument für die ersten musikalischen Schritte

Einsteigerinstrumente müssen vor allem eines sein: angenehm und unkompliziert zu spielen. Schließlich soll am Anfang die Freude am Musikmachen stehen und nicht der Kampf mit dem Instrument.

Die Fame Affilele besitzt einen Hals aus Selected Hardwood und ein widerstandsfähiges Composite-Griffbrett. Mit einer Sattelbreite von 36 mm bleibt genügend Raum zwischen den Saiten, um Akkorde sauber greifen zu können. Gleichzeitig bleibt der Hals kompakt genug für kleinere Hände.

Auch das Konzertformat spielt hier seine Stärken aus. Die 385-mm-Mensur bietet etwas mehr Platz für die Finger und macht die Ukulele damit nicht nur für Kinder interessant. Eltern, Gitarristen oder andere erwachsene Mitspieler können ebenfalls problemlos zur Affilele greifen.

Für die Stimmung sind verchromte Druckgussmechaniken zuständig. Gerade bei einem Instrument für Einsteiger ist eine zuverlässige Mechanik wichtig: Stimmen gehört schließlich von Anfang an zum Musizieren dazu.

Affi als Blickfang

Optisch hebt sich die Affilele deutlich von der klassischen Naturholz-Ukulele ab. Das Instrument trägt ein mattes Hand Rubbed Black Finish, das ihm einen modernen und zugleich zurückhaltenden Grundlook verleiht.

Der eigentliche Star sitzt jedoch auf der Decke: Affi. Das Motiv des kleinen Stoffaffen stellt unmittelbar die Verbindung zum Kinderbuch her und macht aus der Ukulele ein Instrument mit hohem Wiedererkennungswert.

Dabei funktioniert das Design gleich auf mehreren Ebenen. Wer die Geschichte kennt, entdeckt sofort den vertrauten Begleiter von Anouk. Gleichzeitig kann das Motiv gerade bei Kindern die Distanz zu einem zunächst unbekannten Musikinstrument verringern. Statt eines abstrakten Übungsgeräts wartet dort ein bekannter Charakter darauf, gemeinsam Musik zu machen.

Warum ausgerechnet eine Ukulele?

Für ein solches Konzept ist die Ukulele eine naheliegende Wahl. Vier Saiten, kompakte Abmessungen und leicht erlernbare Akkordformen ermöglichen schnelle Erfolgserlebnisse. Schon mit wenigen Akkorden lassen sich zahlreiche Kinderlieder, Popsongs und einfache Begleitungen spielen.

Hinzu kommt der soziale Aspekt. Eine Ukulele lässt sich schnell aus dem Regal nehmen, auf dem Sofa spielen oder mitnehmen. Musik muss damit nicht automatisch Übungszeit bedeuten. Eltern können Akkorde spielen, während die Kinder singen, Geschwister können gemeinsam musizieren und irgendwann wandert das Instrument vielleicht ganz selbstverständlich in die Hände des Nachwuchses.

Genau darin liegt der Charme der Fame Affilele: Das Instrument versucht nicht, Musik und die Welt von Wo ist mein Affi? nebeneinanderzustellen. Stattdessen werden beide miteinander verbunden.

Die Fame Affilele ist mehr als eine Ukulele mit Motiv

Natürlich fällt die Fame Affilele zuerst wegen ihres Designs auf. Doch hinter dem Affi-Motiv steckt eine vollwertige Konzertukulele mit laminiertem Mahagonikorpus, 385-mm-Mensur, 36-mm-Sattelbreite und Druckgussmechaniken.

Damit ist sie besonders für Familien und Einsteiger interessant, die nicht einfach irgendein erstes Instrument suchen. Wer Wo ist mein Affi? bereits aus dem Kinderzimmer kennt, bekommt einen zusätzlichen emotionalen Bezugspunkt. So wird aus der gemeinsamen Geschichte vielleicht irgendwann der erste gemeinsam gespielte Song.

Denn am Ende ist der schönste Einstieg in die Musik oft derjenige, der sich gar nicht wie Lernen anfühlt.

Auch interessant:

Warum Ukulele spielen so viel Spaß macht

Mit ihrem charmanten Klang und ihrem niedlichen Design hat sich die Ukulele in die Herzen [...]

> WEITERLESEN

Die Geschichte der Ukulele: Hawaii-Klassiker und Trendinstrument

Kaum ein anderes Instrument erzeugt ein solches Urlaubsgefühl wie die Ukulele. Ihr warmer Klang und [...]

> WEITERLESEN

Gitarre effektiv üben: 30 Minuten effizient nutzen

Zeit ist für viele Musikerinnen und Musiker der größte Engpass. Gerade heutzutage fällt es zunehmend [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Fame Affilele: Wenn aus einer Geschichte Musik wird erschien zuerst auf Guitar-Player.

Spoiler: Eine pauschal richtige Antwort gibt es wie immer eigentlich nicht. Beide Gitarrenformen haben ihre Stärken und sprechen unterschiedliche Spielertypen an. In diesem Beitrag beleuchten wir die Unterschiede dieser Bauformen einmal näher und zeigen dir, wo sie sich am besten einsetzen lassen.

Die Dreadnought – der Klassiker unter den Westerngitarren

Beim Gedanken an eine Westerngitarre haben die meisten wohl die markante Dreadnought vor Augen. Sie ist die sowohl älteste als auch beliebteste Bauform und aufgrund ihrer ähnlichen Form nach dem britischen Schlachtschiff aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts benannt. Ihre große Konstruktion zeichnet sich durch meist kantige Schultern, eine breite Taille mit sanfter Rundung und ein relativ gerades Korpusende aus. Eine der ersten und der berühmtesten Dreadnought-Westerngitarre ist die Martin D-28, die 1930 eingeführt wurde und seit jeher Künstler inspiriert.

Die Grand Auditorium – der vielseitige Allrounder

Eine etwas kompaktere Variante bietet die Grand Auditorium, die sich in ihrer Beliebtheit durchaus mit der Dreadnought messen kann. Ihr Korpus ist schmaler und stärker tailliert, was sie in ihrer Handhabung etwas ergonomischer macht.

Welche Bauform ist angenehmer zu spielen?

Der Spielkomfort ist mit eines der wichtigsten Kriterien beim Gitarrenkauf. Ein Modell kann so schön klingen und aussehen, wie es mag – wenn es sich nicht gut anfühlt, steht es früher oder später dauerhaft in der Ecke. Und das wäre doch schade.

Durch ihren großen Korpus wirkt die Dreadnought etwas wuchtiger, was die einen bevorzugen, den anderen aber Probleme in der Handhabung bereitet. Ein Kompromiss ist die Round Shoulder Dreadnought, die über sanfter abgerundete Schultern verfügt. Zwar hatte dies vor allem den Zweck, die Mittenfrequenzen mehr hervorzuheben, aber zusätzlich erhält die Bauform eine leicht kompaktere Gestalt.

Die Grand Auditorium liegt mit ihrer schlanken Taille und insgesamt kompakteren Form näher am Körper und wird häufig als etwas ergonomischer empfunden.

Dreadnought oder Grand Auditorium für Anfänger?

Gerade als Anfänger sollte das Spielgefühl bei der Wahl der ersten Gitarre hohe Priorität haben. Fühlt sich ein Instrument gut an, wird schließlich auch gerne geübt. Doch auf diese Frage gibt es keine eindeutige Antwort, denn es kommt einzig und allein auf dein subjektives Empfinden an. Viele Einsteiger entscheiden sich für eine Dreadnought, weil sie als klassischer Standard gilt und nahezu in jeder Preisklasse erhältlich ist. Es lohnt sich jedoch durchaus, auch die eine oder andere Grand Auditorium in die Hand zu nehmen. Vielleicht überzeugt dich ja ihr Spielgefühl, denn oft fühlt sie sich schon nach wenigen Minuten natürlicher an.

Wenn du bereits weißt, in welche Musikrichtung du einmal gehen möchtest, kannst du natürlich gleich das passendere Modell wählen. Als reine Gesangsbegleitung und Rhythmusinstrument bist du mit einer Dreadnought gut beraten. Tendierst du zum Fingerstyle und Solospiel, ist die Grand Auditorium eher die richtige Gitarre für dich. Da sie ein wahrer Allrounder ist, wirst du übrigens auch beim Akkordspiel am Anfang deine Freude mit dir haben.

Dreadnought oder Grand Auditorium – ein kurzer Vergleich

Hier eine übersichtliche Aufstellung davon, was dir die jeweilige Bauform bietet:

Jede Bauform hat also ihre ganz eigenen Stärken. Du musst lediglich entscheiden, welche dir mehr zusagen und wo du auf deinem musikalischen Weg hinmöchtest.

Unsere Empfehlung

Sowohl die Dreadnought als auch die Grand Auditorium sind unter den Westerngitarren ausgesprochen beliebt. Während die Dreadnought mit ihrem Klangvolumen überzeugt, begeistert die Grand Auditorium mit ihrem ausbalancierten Sound, ihrer Vielseitigkeit und einem hohen Spielkomfort. Darüber hinaus sind sie in jeder Preisklasse erhältlich. Am Ende entscheidet nicht die Form allein, sondern dein persönlicher Geschmack. Wenn du die Möglichkeit hast, spiele beide Bauformen direkt miteinander an. Schon nach kurzer Zeit wirst du merken, welche Gitarre besser zu deinem Spielstil passt – und genau das ist letztlich das wichtigste Kriterium.

Auch interessant:

Die Top 10 Westerngitarren für Einsteiger

Nachdem du in der letzten Woche die Top 10 Konzertgitarren für Einsteiger kennengelernt hast, dürfen [...]

> WEITERLESEN

Die Martin D-28: die Königin unter den Dreadnoughts

Als eine der ersten Dreadnought-Westerngitarren hat die Martin D-28 die Welt der Akustikgitarren geprägt wie [...]

> WEITERLESEN

Taylor 214ce im Test: Der perfekte Einstieg in die Taylor-Welt?

Wer sich für Akustikgitarren interessiert, kommt an dem Namen Taylor Guitars nicht vorbei. Als einer [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Dreadnought oder Grand Auditorium: Welche passt zu dir? erschien zuerst auf Guitar-Player.

Warum Schildpatt so beliebt war, weshalb es heute kaum noch erhältlich ist und welche Materialien seinen Platz eingenommen haben, erfährst du in diesem Beitrag.

Warum Plektren aus Schildpatt so geschätzt wurden

Mit Schildpatt sind die Hornplatten bestimmter Meeresschildkröten, insbesondere die der Echten Karettschildkröte gemeint. Das Material besteht überwiegend aus Keratin und lässt sich unter Wärme formen. Dies in Kombination mit seiner edel aussehenden goldbraunen Farbe macht es nicht nur haptisch, sondern besonders auch optisch interessant.

Plektren aus Schildpatt boten gleich mehrere Eigenschaften, die Musiker schätzten. Es war robust, gleichzeitig leicht flexibel und glitt mit wenig Widerstand über die Saiten. Viele Gitarristen beschrieben den Anschlag als warm, kontrolliert und dynamisch. Vor allem in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gehörten Schildpatt-Plektren deshalb zur Standardausstattung vieler Profi-Musiker.

Der Preis der Beliebtheit

Mit steigender Nachfrage nach Schildpatt für unterschiedlichste Einsatzbereiche entwickelte sich ein weltweiter Handel mit dem Panzer der Karettschildkröte. Natürlich stand der Konsum über dem Erhalt der Art, weshalb die Schildkröte schon bald zur gefährdeten Tierart wurde. Zusätzlich zur Verarbeitung ihres Panzers kommen noch die Klassiker Lebensraumverlust, Umweltverschmutzung und Beifang, die ihre Situation einmal mehr verschärften. Dass nach wie vor illegaler Handel betrieben wird, bessert die Situation ebenfalls nicht. Die Weltnaturschutzunion IUCN stuft die Schildkrötenart entsprechend mittlerweile offiziell als Critically Endangered (vom Aussterben bedroht) ein (Quelle: IUCN Red List).

Zum Schutz der Art wurde der internationale kommerzielle Handel mit Produkten aus Meeresschildkröten durch das Washingtoner Artenschutzübereinkommen (CITES), in dem sie in Anhang I gelistet ist, strikt verboten (Quelle: cites.org). Damit verschwanden auch Plektren aus echtem Schildpatt nahezu vollständig vom Markt. Wenn heute noch Schildplatt-Plektren auf Sammlerbörsen oder in Nachlässen auftreten, handelt es sich dabei meist um historische Stücke, die vor Inkrafttreten der Artenschutzbestimmungen hergestellt wurden.

Moderne Alternativen überzeugen längst

Um das ursprüngliche Tortoise-Feeling jedoch nicht aufgeben zu müssen, begann bereits vor vielen Jahrzehnten eine intensive Suche nach Ersatzmaterialien, die mit Schildpatt gleichziehen konnten. Zunächst kamen vor allem Kunststoffe wie Zelluloid zum Einsatz, die das Aussehen von Schildpatt nachahmten. Für Nostalgiker produzieren Hersteller nach wie vor Plektren in der klassischen braun-gelben Optik, die jedoch kein echtes Schildpatt enthalten.

Das Sortiment hat sich durch intensive Forschung selbstverständlich deutlich erweitert. Gitarristen können heute zwischen verschiedensten Kunststoffen wählen, die alle ihre eigenen Vorzüge haben. So zeichnet sich Nylon durch seine Flexibilität aus, während Delrin und Acetal einen definierten Anschlag ermöglichen. Wer sich besondere Präzision beim Anschlagen der Saite wünscht, ist hingegen mit Ultem gut beraten. Näheres zu den verschiedenen Formen und Materialien von Plektren findest du auch in dem Beitrag Pick your Pick: Welches Plektrum soll es sein?

Dabei lässt sich kein eindeutig bestes Material identifizieren. Entscheidend für die Wahl des für den Spieler besten Plektrums sind vor allem Spieltechnik, Musikstil und persönliche Vorlieben.

Nachhaltigkeit hat immer Vorrang

Generell hat die aktuelle Klima- und Umweltsituation den Instrumentenbau zum Umdenken bewogen. Baumbestände müssen geschont werden, der Plastikverbrauch wird reduziert und Produktionsprozesse gehören bewusster gestaltet. Auch wenn sich bestimmte Materialien seit langer Zeit bewähren, steht der Artenschutz immer über dem vermeintlich perfekten Instrument oder Zubehörteil. Deswegen experimentieren einige Hersteller auch mit biobasierten Kunststoffen, recycelten Werkstoffen oder dem bewussten Verbrauch von Rohstoffen. Viele große Firmen betreiben sogar Projekte zur nachhaltigen Instrumentenfertigung.

Auch interessant:

Pick your Pick: Welches Plektrum soll es sein?

Plektrum, Plektron, Pick, Plättchen… Kaum ein Zubehörteil ist günstiger und unscheinbarer, gleichzeitig aber so entscheidend [...]

> WEITERLESEN

Nachhaltige Tonhölzer: Welche Alternativen gibt es?

Vor einigen Jahrzehnten war die Auswahl an Tonhölzern für Akustikgitarren noch vergleichsweise einfach. Fichtendecke, Mahagoni- [...]

> WEITERLESEN

Nachhaltiger Gitarrenbau bei Taylor Guitars

Gitarre mit gutem Gewissen? Bei Taylor Guitars ist das kein Buzzword, sondern Handwerk mit Plan. [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Plektren aus Schildpatt: Warum sie heute Geschichte sind erschien zuerst auf Guitar-Player.

In diesem Ratgeber erfährst du, welche Unterschiede es zwischen den verschiedenen Saitentypen gibt und wie du den passenden Satz für deine Konzertgitarre findest.

Welche Saiten kommen auf eine Konzertgitarre?

Konzertgitarren werden grundsätzlich mit Nylonsaiten und niemals, wirklich niemals mit Stahlsaiten bespannt. Diese führen früher oder später zu Schäden am Instrument und klingen darüber hinaus auch nicht gut auf einer Konzertgitarre. Näheres dazu erfährst du im Beitrag: Warum du keine Stahlsaiten auf Konzertgitarre aufziehen solltest. Da Nylonsaiten zudem eine deutlich geringere Zugkraft auf den Hals ausüben, erzeugen sie den charakteristisch weichen Klang einer klassischen Gitarre.

Ein Satz für die Standard-Sechssaiter-Gitarre besteht aus drei Basssaiten mit einem Nylonkern und einer Umspinnung sowie drei Saiten aus Nylon oder Carbon. Je nach Hersteller kommen unterschiedliche Materialien zum Einsatz, die den Klang und das Spielgefühl beeinflussen.

Nylon oder Carbon – Wo liegt der Unterschied?

Nylon ist seit Jahrzenten das bewährte Standardmaterial für Saiten für Konzertgitarre. Es zeichnet sich durch seinen warmen Klang und ein besonders weiches Spielgefühl aus, das gerade Anfängern entgegenkommt. Aus diesem Grund ist die Konzertgitarre auch die beste Wahl für Einsteiger.

Saiten aus Carbon sind hingegen härter und dichter als Nylon. So sprechen sie schneller an und erzeugen einen stärker definierten Ton mit hoher Brillanz und Lautstärke. Daher eignen sie sich besonders gut für Fingerstyle-Spieler, die sich meist präzise Töne für komplexe Techniken wünschen. Allerdings spielen sich Carbonsaiten nicht ganz so weich wie Nylonsaiten.

Letztendlich hängt die Entscheidung von den persönlichen klanglichen Vorlieben und dem Einsatzgebiet der Saiten ab. Es gibt hier kein Besser oder Schlechter, sondern lediglich unterschiedliche Geschmäcker.

Welche Saitenstärke ist die richtige?

Neben dem Material spielt auch die Saitenstärke eine wichtige Rolle, denn auch sie wirkt sich auf Spielgefühl und Klang aus. Hersteller bieten ihre Saiten deswegen meist in unterschiedlichen Varianten an.

Light Tension Saiten für Konzertgitarre lassen sich besonders leicht spielen und eignen sich für Gitarristen mit empfindlichen Fingern oder für Anfänger, deren Finger erst noch die schützende Hornhautschicht bilden müssen. Auch wer ein weiches Spielgefühl bevorzugt, ist mit der geringsten Saitenstärke bestens beraten.

Hard Tension Saiten besitzen unterdessen eine sehr hohe Zugkraft, die einen deutlich lauteren Ton hervorbringt und eine schnellere Ansprache bietet. Allerdings brauchst du hier schon etwas mehr Kraft in der Greifhand, weshalb sich meist Fortgeschrittene für eine höhere Saitenstärke entscheiden.

Saiten mit Normal Tension präsentieren die goldene Mitte zwischen geringer und hoher Saitenstärke und eignen sich für Gitarristen, die nach einem Kompromiss zwischen Definition und guter Spielbarkeit suchen. Sie lassen sich leicht greifen und sind der empfohlene Standard für Konzertgitarren.

Natürlich gibt es unter den Light- und Hard Tension Saiten meist weitere Abstufungen wie Extra Light oder Extra Hard (und noch mehr), die die jeweiligen Eigenschaften nuancierter zur Geltung bringen.

Wann steht ein Saitenwechsel an?

Im Beitrag Wie oft soll ich die Saiten wechseln? Findest du einen umfassenden Ratgeber, wann und wie oft du deine Saiten wechseln solltest. Zur Vollständigkeit hier noch einmal in Kürze: Da es sich bei Saiten um Verschleißgegenstände handelt, ist ein regelmäßiger Wechsel zwingend notwendig. Nach einer gewissen Spielzeit sorgen natürliche Korrosion sowie Staub und Schweiß von den Fingern für eine Abnutzung, die sich negativ sowohl auf den Klang als auch auf die Haptik auswirkt.

Die deutlichsten Anzeichen sind zusammengefasst: Wenn die Gitarre dumpf klingt, sich die Saiten nicht mehr richtig stimmen lassen, Korrosion an den Basssaiten sichtbar wird oder sich die Umspinnung rau anfühlt. Dann ist es allerhöchste Eisenbahn.

Gibt es beschichtete Saiten für Konzertgitarre?

Ja. Eine hauchdünne Beschichtung aus Polymeren oder ähnlichen Materialien auf den Basssaiten erzeugt eine Schutzschicht, die die Lebensdauer der Saiten erhöht. Sie sind so besser vor Umwelteinflüssen geschützt und behalten ihren frischen Klang und ihr angenehmes Spielgefühl deutlich länger als unbeschichtete Saiten. Besonders Vielspieler oder Musiker, die viel touren profitieren von der längeren Haltbarkeit.

Saiten für Konzertgitarre: Unsere Empfehlung

Für die meisten Spieler sind hochwertige Nylonsaiten in Normal Tension ein hervorragender Ausgangspunkt. Sie sind wahre Allrounder und produzieren einen ausgewogenen Klang, ein angenehmes Spielgefühl und eignen sich für jede Stilrichtung.

Wünschst du dir mehr Lautstärke und Brillanz, etwa weil du bevorzugt Fingerstyle spielst, solltest du definitiv einen Saitensatz mit Diskantsaiten aus Carbon ausprobieren. Die gespielten Töne erhalten hiermit eine ganz neue Definition. Fortgeschrittene Gitarristen mit ordentlich Handmuskeln und Hornhaut auf den Fingerkuppen bevorzugen zudem harte Gitarrensaiten, die dem Spiel einmal mehr Klangvolumen verleihen.

Letztlich gibt es keinen allgemeingültigen perfekten Saitensatz. Jede Konzertgitarre reagiert etwas anders auf verschiedene Materialien und jeder Spieler hat zudem ein anderes Empfinden. Deshalb lohnt es sich, unterschiedliche Saiten für Konzertgitarre auszuprobieren, bis Klang und Spielgefühl optimal zu den eigenen Vorstellungen passen.

Auch interessant:

Wie oft soll ich die Saiten wechseln?

Der Saitenwechsel ist für alle Gitarristen ein wichtiges Thema. Da Gitarrensaiten beim Spiel im wahrsten [...]

> WEITERLESEN

Konzertgitarre besaiten – So machst du’s richtig!

Auch wenn viele angehende Gitarristinnen und Gitarristen auf ihr das Gitarrenspiel anfangen, ist die Konzertgitarre [...]

> WEITERLESEN

Warum du keine Stahlsaiten auf Konzertgitarre aufziehen solltest

Scheint doch zunächst eine gute Idee zu sein, oder? Bevor man Geld für ein neues [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Welche Saiten für Konzertgitarre? Der große Ratgeber erschien zuerst auf Guitar-Player.

Die Stage 7 ist in drei Ausführungen erhältlich. Während unser Testmodell mit einem eleganten Akazien-Furnier ausgestattet ist, gibt es außerdem die Variante White Burst mit markantem Riegelahorn-Furnier sowie eine Version mit ausdrucksstarkem Ziricote-Furnier. Die Unterschiede beschränken sich auf die Optik, denn Konstruktion und Ausstattung sind bei allen Modellen identisch.

Modern bis ins kleinste Detail

Bereits auf den ersten Blick wird deutlich, dass die Abasi Stage 7 keine gewöhnliche Konzertgitarre sein möchte. Die Kombination aus Ultra Thin Body mit markantem Cutaway erinnert mehr an eine moderne E-Gitarre als an eine klassische Nylonstring.

Auch das Schallloch in der oberen Zarge ist kein reines Designmerkmal, sondern bringt einen spürbaren Vorteil mit sich. Der Spieler nimmt den Klang wesentlich direkter wahr, was vor allem beim Fingerstyle-Spiel oder komplexen Arrangements einen echten Mehrwert bietet. Das direkte Feedback ermöglicht somit eine verbesserte Kontrolle über das eigene Spiel.

Auch die Verarbeitung hinterlässt einen hochwertigen Eindruck. Die Kombination aus massiver Fichtendecke, massivem Mahagoni für Boden und Zargen sowie dem sauber verarbeiteten Furnier vermittelt einen durchweg edlen Gesamteindruck.

Wie klingt die Abasi Stage 7?

Klanglich bewegt sich die Abasi Stage 7 auf einem interessanten Grat zwischen traditioneller Konzertgitarre und innovativer Bühnengitarre mit dem gewissen Etwas. Ihre klassische Tonholzkombination aus einer massiven Fichtendecke sowie Boden und Zargen aus Mahagoni liefert einen ausgewogenen Sound mit brillanten Höhen und warmen Mitten. Das speziell entwickelte Custom 4 pc. Fan Bracing sorgt zusätzlich für eine ausgewogene Projektion und eine erfreulich differenzierte Wiedergabe.

Das klangliche Highlight dieser einzigartigen Gitarre ist zweifellos die siebte Saite, die das Klangspektrum deutlich erweitert. Wer bisher nur auf regulären Sechssaitern gespielt hat, könnte dies zunächst gewöhnungsbedürftig finden, wird mit Sicherheit aber schnell von den neuen Möglichkeiten, die die zusätzliche Saite mit sich bringt, überzeugt. Gerade Solo-Kompositionen und moderne Arrangements erhalten hiermit eine neue Nuance, die die Komplexität steigert. So lassen sich beispielsweise tiefe Basslinien unabhängig von Melodien und Akkorden spielen, ohne dass das Instrument an Transparenz verliert. Dabei wurde natürlich genauestens darauf geachtet, dass der tonale Grundcharakter angenehm ausgewogen bleibt.

Überraschend vertrautes Spielgefühl

Für eine optimale Saitenspannung verfügt die Abasi Stage 7 über eine Multiscale, die von 647,7 bis 698,5 Millimetern verläuft. Gerade die siebte Saite profitiert von der verlängerten Mensur und bleibt auch bei tieferen Stimmungen definiert und sauber. Auch die hohen Saiten lassen sich ausgesprochen komfortabel greifen.

In puncto Ergonomie über zeugt die Gitarre mit einem Mahagonihals, einem Flat-C-Halsprofil mit einer etwas flacheren Rückseite, einem Griffbrett aus Palisander und 24 sauber verarbeiteten Bünden. Der Hals lässt sich hiermit leichter umschließen als bei einem herkömmlichen C-Profil mit stärkerer Rundung, sodass die Hand angenehm und flüssig gleiten kann. Mit einer Sattelbreite von 54 Millimetern bietet das Griffbrett zudem ausreichend Platz für die siebte Saite, ist jedoch zeitgleich schlank genug für kompliziertere Griffe. Somit liegt sie auch Spielern mit kleineren Händen und jenen, die an die übliche 52-Millimeter-Sattelbreite von Standard-Konzertgitarren gewöhnt sind, gut in der Hand.

Bühnentauglich dank Fishman Stage

Eine solch sensationelle und innovative Konzertgitarre will natürlich auch live präsentiert werden. In Zusammenarbeit mit Fishman entwickelte Córdoba das Stage Pickupsystem und kombiniert einen Undersaddle-Tonabnehmer mit im Korpus integrierten Sensoren für einen authentischen Nylonstring-Klang. Für eine leichte Bedienung verfügt das System über einen seitlich angebrachten Lautstärkeregler, einen Tone-Regler und einen Body Blend. Wer regelmäßig auf der Bühne steht, wird dieses System definitiv schätzen lernen.

Für wen ist die Córdoba Abasi Stage 7 geeignet?

Während Fans von Tosin Abasi eine unvergleichliche Signature-Gitarre ihres Idols erhalten, sind auch leidenschaftliche Bühnengitarristen hervorragend mit diesem Instrument beraten. Gerade die Kombination aus dem Klang einer klassischen Gitarre mit den spieltechnischen Möglichkeiten moderner Modelle macht sie so interessant. Die siebte Saite erweitert die spieltechnischen Möglichkeiten, von denen besonders Fingerstyle-Spieler und begeisterte Solisten profitieren, um ein Vielfaches und genügend Raum, sich mal so richtig auszutoben. Dank ihres schlanken Ultra Thin Bodys und der flacheren Halskonstruktion fällt auch der Umstieg von der E-Gitarre erstaunlich leicht.

Anfänger und jene, die die Gitarre als Gesangsbegleitung spielen, sind hingegen nicht die primäre Zielgruppe der Abasi Stage 7. Sie fokussieren sich besser auf klassische sechssaitige Konzertgitarren, die ihren Zwecken einfach besser dienen. Schließlich sind Soloarrangements hier weniger ein Thema.

Mehr als nur eine weitere Signature-Gitarre

Die Córdoba Abasi Stage 7 zeigt eindrucksvoll, dass sich die Konzertgitarre auch im Jahr 2026 noch neu erfinden lässt. Klassische Nylonklänge und ein erhöhtes Potenzial schaffen eine spannende Alternative für Gitarristen, die über traditionelle Konzepte hinausdenken möchten. Egal, ob Acacia, White Burst mit Riegelahorn-Furnier oder Ziricote mit markanter Maserung: Jede Variante bietet dieselbe innovative Technik in einem eigenständigen Look.

Titelbild: Córdoba

Auch interessant:

Mensur, Sattelbreite, Halsprofil: ihr Einfluss auf die Bespielbarkeit

Neben einem tollen Sound spielt auch der Spielkomfort einer Gitarre eine zentrale Rolle. Schließlich möchte [...]

> WEITERLESEN

Hanika 50 AF im Test

In der Welt der Konzertgitarren stößt man früher oder später definitiv auf den Namen Hanika. [...]

> WEITERLESEN

Die Martin 000-28EC Eric Clapton im Test

Die Martin Guitars 000-28EC Eric Clapton ist eine Gitarre mit einem großen Namen, die zweifelsohne [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Test: Córdoba Abasi Stage 7 – Moderne Nylonstring neu gedacht erschien zuerst auf Guitar-Player.

Wie funktioniert ein Kapodaster überhaupt?

Ein Kapodaster verkürzt die Länge der schwingenden Saite, indem er sie an einem bestimmten Bund herunterdrückt. Das Ergebnis: Die Tonhöhe aller Saiten steigt, während die gewohnten Akkordgriffe erhalten bleiben. Denn je kürzer oder kleiner der schwingende Körper, desto heller der Klang.

Das erleichtert dir das Gitarrenspiel um ein Vielfaches. Auch wenn du schon lange spielst und dir Barré-Griffe keine Schwierigkeiten mehr bereiten, musst du dir wahrscheinlich eingestehen, dass du sie vermeidest, wenn es geht. Mit einem Kapodaster kannst du ganz bequem weiterhin offene Akkorde spielen und trotzdem in einer anderen Tonart musizieren. Genau aus diesem Grund ist der Kapodaster für viele Singer-Songwriter und Fingerstyle-Enthusiasten die absolute Standardausrüstung.

In diesem Video bekommst du übrigens neben Tipps zum Spielen eines großartigen Songs einen Eindruck, wie dir ein Kapodaster das Spiel deutlich erleichtern kann.

Der häufigste Fehler: die falsche Position

Intuitiv setzt du deinen Kapodaster beim ersten Gebrauch wahrscheinlich mittig zwischen zwei Bünde. Das erscheint logisch, führt aber häufig zu schnarrenden Saiten oder unsauberen Akkorden. Verwende ihn stattdessen genau so, wie du deinen Zeigefinger beim Greifen eines Barré-Griffes setzen würdest: möglichst nah hinter dem Bundstäbchen.  Die Saiten benötigen so weniger Druck und schwingen sauberer. Das verbessert den Klang und sorgt zudem dafür, dass die Gitarre länger in Stimmung bleibt. Setze ihn zudem gerade auf, sodass jede Saite an der gleichen Stelle angedrückt wird. Damit vermeidest du Ungleichheiten bei der Stimmung.

Weniger Druck ist oft mehr

Damit kommen wir gleich zum nächsten Punkt. Übt ein Kapodaster einen hohen Druck aus, funktioniert er zwar zuverlässig, birgt aber auch Nachteile. Neben den bereits genannten Folgen werden die Saiten stärker gedehnt und klingen schnell zu hoch. Gerade bei hochwertigen Gitarren fällt das schnell auf. Praktischer sind daher Kapodaster, die eine einstellbare Spannung besitzen. Hier kannst du etwas experimentieren und den optimalen Druck finden, der den sauberen Klang der Saiten erhält.

Kurz nachstimmen lohnt sich

Doch auch wenn der Kapodaster perfekt sitzt, ändert sich die Saitenspannung minimal. Aus diesem Grund empfiehlt es sich, die Gitarre einmal kurz nachzustimmen. Ein kurzer Blick auf das Stimmgerät, und die Gitarre ist wieder top eingestellt. Gerade ältere Saiten oder wechselnde Temperaturen sorgen für ein schnelles Verstimmen des Instruments, weshalb sich dieser kleine Aufwand schnell bezahlt macht.

Mehr als nur eine andere Tonart

Du denkst, ein Kapodaster dient nur dem Transponieren von Songs? Weit gefehlt! Gleichzeitig verändert er nämlich den Charakter der Gitarre.

Je höher der Kapodaster sitzt, desto höhenbetonter und brillanter wird der Klang. Eine Dreadnought klingt so weniger basslastig und weitaus transparenter, während Fingerstyle-Stücke an Leichtigkeit gewinnen. Dabei gibt es keine Regel, welcher Bund der richtige ist. Probiere ruhig nach Lust und Laune, bis dein Ohr entscheidet, was gut klingt.

Welcher Kapodaster passt zu mir?

Im Handel finden sich zahlreiche verschiedene Modelle, die sich vor allem in der Bedienung unterscheiden.

Kapodaster mit Druckfeder sind die ideale Wahl, wenn du live schnell die Tonart wechseln musst. Unterdessen bieten dir Kapodaster mit Schraubmechanismus die bereits erwähnte feinere Abstimmung für die optimale Intonation. Darüber hinaus lohnt sich für Vielspieler durchaus die Investition in einen hochwertigen Kapodaster.

Achte beim Kauf aber unbedingt auf die Ausführung des Kapodasters. Western- und E-Gitarren haben gewölbte Griffbretter, während Konzertgitarren flache Griffbretter besitzen. Such dir daher unbedingt das richtige Modell für deine jeweilige Gitarrenart aus. Der falsche Kapodaster übt schließlich keinen gleichmäßigen Druck auf die Saiten aus und erzeugt Schnarren, Dämpfung und eine unsaubere Intonation.

Kapodaster: richtig einsetzen, besser klingen

Du siehst also: Ein Kapodaster eröffnet dir sowohl ein leichteres Spiel als auch ganz neue klangliche Möglichkeiten. Neben einer Tonlage, in der sich deine Stimme wohlfühlt, und einer angenehmen Spielbarkeit verleiht er Songs einen frischen Sound. Noch dazu ist er ganz leicht anzuwenden, was ihn zu einem wahren Wunder-Zubehör macht, auf das nicht nur Anfänger, sondern auch gestandene Profis gerne zurückgreifen.

Unser Tipp: Spiele deine Lieblingssongs bewusst einmal mit verschiedenen Kapodaster-Positionen. Vielleicht entdeckst du dabei Klangfarben und Möglichkeiten, die du vorher gar nicht auf dem Schirm hattest.

Auch interessant:

Capo-Shootout: Die 7 besten Kapodaster für Gitarre

Der Kapodaster – oder auch kurz Capo genannt – ist die wohl denkbar einfachste Methode, [...]

> WEITERLESEN

Welches Zubehör für Akustikgitarre brauche ich wirklich?

Beim Kauf einer Akustikgitarre darf natürlich auch das richtige Zubehör nicht fehlen. Das Angebot ist [...]

> WEITERLESEN

Gitarre Stimmen leicht gemacht – Ein Leitfaden für Einsteiger

Das Stimmen einer Gitarre ist eine grundlegende Fähigkeit, die jeder Gitarrist beherrschen sollte. Eine falsch [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Kapodaster: So setzt du ihn richtig ein erschien zuerst auf Guitar-Player.

Die gute Nachricht: wer heute eine hochwertige Akustikgitarre sucht, muss keineswegs auf einen exzellenten Klang verzichten. Moderne Alternativen und nachhaltige Forstwirtschaft sorgen dafür, dass Umweltbewusstsein und Musikgenuss hervorragend zusammenpassen.

Warum nachhaltige Tonhölzer im Gitarrenbau immer wichtiger werden

Da die Akustikgitarre zum größten Teil aus Holz besteht, ist es eine Herausforderung, sie nachhaltig zu produzieren. Viele der klassischen Tonhölzer wie Palisander oder Mahagoni wachsen nur in bestimmten Regionen der Welt und brauchen teilweise Jahrhunderte, um ihre optimale Reife zu erreichen. Dies steht in keinem Verhältnis zum Tempo des Verbrauchs, denn die Nachfrage nach hochwertigen Instrumenten und auch Möbelstücken steigt kontinuierlich.

Damit es nicht zur Ausrottung der Arten durch das Konsumverhalten der Menschheit kommt, beschäftigen sich Gitarrenhersteller intensiv mit der Suche nach gleichwertigen Alternativen und intelligenter Fortwirtschaft, ohne die natürlichen Ressourcen unnötig zu belasten. So gibt es mittlerweile neben neuen Holzarten zahlreiche Projekte zur verantwortungsvollen Gewinnung und zum effizienten Umgang mit dem verfügbaren Material.

Nicht jedes klassische Tonholz ist automatisch die beste Wahl

Auch wenn sich die klassischen Tonhölzer einen ausgezeichneten Ruf erarbeitet haben, heißt das nicht, dass andere Holzarten nicht an die klanglichen Eigenschaften von Fichte, Mahagoni oder Palisander herankommen. Ganz im Gegenteil. Jedes Tonholz erzeugt ganz eigene Nuancen. Manche sind höhenlastig, andere mittenbetont und wieder andere decken das komplette Frequenzspektrum auf beeindruckende Weise ab. Darüber hinaus entscheidet nicht bloß die Holzart über den Klang, sondern das Zusammenspiel aus Konstruktion, Verarbeitung und handwerklicher Qualität. Denn auch hochwertige Tonhölzer können eine schlechte Verarbeitung nicht mehr ausgleichen.

Viele Gitarrenhersteller setzen also heute auf Alternativen, die nachhaltiger verfügbar sind und interessante Klangeigenschaften mitbringen.

Sapele: warm, ausgewogen und vielseitig

Sapele zählt zu den Mahagonigewächsen und erzeugt eine angenehme Wärme und eine deutliche Höhenpräsenz. Mittlerweile hat es sich zu den bekanntesten Mahagoni-Alternativen gemausert und ist im Sortiment zahlreicher renommierter Gitarrenhersteller fest verankert. So ist die Sapele-Serie von Taylor ein wahrer Verkaufsschlager, während auch die Martin-Modelle mit Boden und Zargen aus Sapele hohe Erfolge verzeichnen.

Ovangkol: mehr Charakter, als viele vermuten

Diese westafrikanische Holzart liefert einen palisanderähnlichen Sound, der sich durch seine überragende Ausgewogenheit auszeichnet. Dabei überzeugt Ovankol durch ausgeprägte Bässe, mächtige Mitten und klare Höhen, weshalb es völlig zu Unrecht ein unterschätztes Material für Boden und Zargen ist. Denn gerade Fingerstyle-Spieler profitieren von seiner guten Saitentrennung und einer dynamischen Ansprache. Wer bereit ist, sich nicht nur auf die klassischen Holzarten festzulegen, findet hier eine wirklich gute Alternative zu den Favoriten.

Ahorn: Klarheit statt Färbung

Unterdessen verfolgt Ahorn einen etwas anderen Ansatz. Statt besonders warm oder bassbetont zu klingen, überzeugt dieses Holz durch seine direkte und transparente Klangwiedergabe mit starkem Sustain. Dazu wächst Ahorn schnell nach und ist auf der gesamten Nordhalbkugel heimisch, was kurze Transportwege ermöglicht. Gerade Gibson greift gerne auf dieses nachhaltige Tonholz zurück, das seinen High-End-Gitarren ihre Vielseitigkeit verleiht.

Nachhaltige Tonhölzer bedeuten mehr als nur Alternativen

Beim nachhaltigen Gitarrenbau geht es jedoch nicht nur darum, passende Alternativen zu exotischen Tonhölzern zu finden. Auch nachhaltige Forstwirtschaft leistet einen Beitrag. Aus diesem Grund betreiben viele Hersteller diverse Projekte zur verantwortungsvollen Bewirtschaftung. Dazu zählt die möglichst vollständige Nutzung jedes Baumstamms, wie es Taylor bereits erfolgreich umsetzt. In Zusammenarbeit mit der Crelicam Wood Mill in Yaoundé in Kamerun setzt sich Taylor Guitars für einen kontrollierten Verbrauch von Ebenholz durch die Verarbeitung von Abfallprodukten ein. Ebenholz ist die bevorzugte Holzart für Griffbretter, landete allerdings schon 1994 auf der Roten Liste gefährdeter Arten. Ursprünglich wurde nämlich ausschließlich das schwarze Kernholz verarbeitet, das jedoch nur einen Bruchteil des gesamten Stammes ausmacht. Für einen ressourcenschonenden Verbrauch beschränkt sich Taylor jedoch nicht nur hierauf, sondern verwendet ebenso den Verschnitt. Nachhaltigkeit steht hier also definitiv über unnötig hohen optischen Ansprüchen. Über weitere Projekte der Firma Taylor Guitars kannst du dich gerne im Beitrag Nachhaltiger Gitarrenbau bei Taylor Guitars informieren.

Auch Martin Guitars setzt sich intensiv für einen umweltschonenden Umgang mit Tonhölzern ein. Gerade die Biosphere-Serie ist eine echte Empfehlung für Musiker, die auf nachhaltige Tonhölzer setzen und ihrem Hobby mit gutem Gewissen nachgehen möchten. Plastikfrei und 100 % FSC-zertifiziert, stellt sich der Hersteller seiner Verantwortung und sorgt neben zahlreichen anderen Projekten dafür, den Gitarrenbau ökologisch zu gestalten.

Blick über den Tellerrand: alternative Materialien

Neben klassischen Hölzern oder deren Alternativen kommen mittlerweile auch Materialien zum Einsatz, die man früher kaum mit Gitarren in Verbindung gebracht hätte.

Griffbretter aus Richlite beispielsweise bestehen aus gepressten Papierfasern und sind besonders robust. Auch Bambus oder andere Verbundwerkstoffe sind eine großartige Alternative zu Ebenholz und Palisander. Noch dazu sind sie besonders beständig gegenüber Luftfeuchtigkeit sowie Temperaturschwankungen und daher besonders für jene geeignet, die häufig mit der Gitarre unterwegs sind.

Nachhaltige Tonhölzer und Klang schließen sich nicht aus

Die Zeiten, in denen nur seltene Tropenhölzer als erstklassige Tonhölzer galten, sind vorbei. Moderne Alternativen wie Sapele oder Ovangkol zeigen eindrucksvoll, dass hervorragender Klang auch nachhaltig möglich ist. Darüber hinaus steht Umweltschutz definitiv über Klangergebnissen, die sich höchstens in kleinen Nuancen von denen der Alternativen unterscheiden. Da zudem mehr und mehr Hersteller in verantwortungsvolle Forstwirtschaft investieren, musst du künftig auch nicht auf Mahagoni, Palisander oder Ebenholz verzichten. Davon profitieren nicht nur unsere Wälder, sondern auch Gitarristen, die den Klang traditioneller Hölzer mit gutem Gewissen genießen möchten.

Wie wichtig ist das Tonholz wirklich?

Die Klangeigenschaften von Tonhölzern sind unter Gitarristen Gegenstand langer Diskussionen und leidenschaftlicher Fachsimpelei.

Natürlich hat das Holz Einfluss auf den Klang einer Gitarre, jedoch sollten die Korpusform, Deckenbeleistung, die Qualität der Verarbeitung und nicht zuletzt der Spieler nicht außer Acht gelassen werden. Wenn du dir zum Beispiel einen basslastigen Sound wünschst, wirkt der große Korpus einer Dreadnought mehr als ein darauf ausgelegtes Tonholz einer kleineren Gitarre. Auch wird dir eine professionell gefertigte Gitarre aus nachhaltigen Tonhölzern langfristig mehr Freude bereiten als ein mittelmäßig verarbeitetes Instrument aus exklusivsten Materialien.

Worauf du beim Kauf achten kannst

Wenn dir Nachhaltigkeit am Herzen liegt, lohnt sich ein genauer Blick auf die Angaben des Herstellers. Viele Marken informieren transparent darüber, woher ihre Hölzer stammen und welche Maßnahmen sie für einen verantwortungsvollen Umgang mit natürlichen Ressourcen ergreifen. Um sicher zu gehen, kannst du jedes Instrument beim Musikhändler deines Vertrauens anspielen und dich höchstpersönlich davon überzeugen, dass nachhaltige Tonhölzer keine klanglichen Nachteile bergen.

Alternative Tonhölzer und nachhaltige Produktion überzeugen voll und ganz

Nachhaltigkeit und ein toller Klang schließen sich keineswegs aus. Gitarrenhersteller arbeiten mit vollem Einsatz daran, nachhaltige Alternativen zu finden und verantwortungsvolle Forstwirtschaft zu betreiben, ohne ihren Kunden schlechtere Ergebnisse zu liefern. An den Erfolgen der Instrumente zeigt sich, dass ihnen dies auch gelingt. Wer heute eine Akustikgitarre auswählt, entscheidet sich nicht nur für einen Klang, sondern auch für ein Instrument, das viele Jahre begleiten soll. Deshalb lohnt es sich, offen für neue Materialien und moderne Konzepte zu sein. Vielleicht wartet der persönliche Lieblingssound genau dort, wo man ihn zunächst gar nicht vermutet hätte.

Auch interessant:

Nachhaltiger Gitarrenbau bei Taylor Guitars

Gitarre mit gutem Gewissen? Bei Taylor Guitars ist das kein Buzzword, sondern Handwerk mit Plan. [...]

> WEITERLESEN

Lexikon der Tonhölzer

Klingt Mahagoni wirklich wärmer als Ahorn? Ist Zeder der bessere Kandidat für Fingerstyle auf Konzertgitarren? [...]

> WEITERLESEN

Fichte vs. Zeder – Welche Gitarrendecke klingt besser?

Auch wenn du im Beitrag Lexikon der Tonhölzer einiges über den Klang und die Eigenschaften [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Nachhaltige Tonhölzer: Welche Alternativen gibt es? erschien zuerst auf Guitar-Player.

In diesem Test präsentieren wir dir die Features dieser Westerngitarre und bewerten sie hinsichtlich ihrer Anfängertauglichkeit. Vielleicht ist sie ja genau das Richtige für dich.

Ein Klassiker für den Einstieg

Als klassische Dreadnought-Westerngitarre folgt die Fender CD-60S einem bewährten Konzept. Dabei ist das Modell bewusst schlicht gehalten. Mit dem dezenten Natural Finish und einem schwarzen Schlagbrett zum Schutz der Decke verzichtet Fender hier bewusst auf aufwendige Deko und konzentriert sich auf das Wesentliche: einen großartigen Klang und eine angenehme Bespielbarkeit. Besonders für Einsteiger ist dies eine gute Voraussetzung. Anstatt sich mit zahlreichen Ausstattungsdetails auseinanderzusetzen, können sie sich ganz auf das Erlernen der Technik und den Klang fokussieren. Also genau auf das, was am Anfang zählt.

Dreadnought mit vollem Klang

Als Dreadnought mit großem Korpus erzeugt die Fender CD-60S ein hohes Klangvolumen mit einem mächtigen Bassbereich, was sie zu einem klanglichen Kraftpaket macht. Nicht umsonst handelt es sich bei der Dreadnought um das beliebteste Format unter den Westerngitarren. Gerade Singer-Songwriter, die eine ausdrucksstarke Gesangbegleitung suchen, greifen besonders gerne zu Dreadnought-Modellen. Auch im Bandkontext ist sie ausgesprochen populär, da sie sich hervorragend behauptet. So bietet sie auch genügend Dynamik, um ruhigeres Fingerpicking sauber wiederzugeben.

Falls du jedoch nach einer kompakten Gitarre suchst, solltest du bedenken, dass die Dreadnought etwas mehr Platz am Körper einnimmt. In diesem Fall bist du besser mit einer Grand Auditorium oder einer Orchestra beraten.

Massive Decke: ein wahres Highlight

Das Premium-Feature der Fender CD-60S ist zweifelsohne ihre massive Decke aus Fichte. Warum ist das interessant? Die Decke ist das Herzstück der Klangproduktion einer Akustikgitarre. Dabei reagiert eine massiv gefertigte Decke direkter auf den Anschlag und erzeugt durch ihr verbessertes Schwingungsverhalten einen noch kräftigeren Sound. Üblicherweise findet sich eine massive Decke auch erst auf deutlich teureren Instrumenten, was dieses Modell besonders einzigartig macht.

Boden und Zargen bestehen unterdessen aus laminiertem Mahagoni, dessen warmer Klang die hervorragende Höhenansprache der Fichte perfekt ergänzt. Näheres zum Klangverhalten von Tonhölzern kannst du übrigens auch im Beitrag Lexikon der Tonhölzer nachlesen.

Schlichte Ausstattung der Fender CD-60S mit bewährten Komponenten

Bei der Ausstattung setzt Fender auf bewährte Standards. So verfügt die Gitarre über verchromte Druckgussmechaniken, die die Stimmung stabil halten, während der Hals aus Mahagoni und Griffbrett sowie Steg nun aus Walnussholz bestehen. Mit ihrer 643 Millimeter langen Mensur (die Länge der schwingenden Saite vom Sattel bis zur Stegeinlage) erfüllt der Hersteller hiermit zudem Standardmaße, die Einsteiger gleich an die herkömmliche Westerngitarre gewöhnen.

Definitiv erwähnenswert sind außerdem die Scalloped X Deckenverstrebung und die kompensierte Stegeinlage. Während die Decke durch die in der Mitte tiefergeschliffenen Leisten ein noch besseres Schwingungsverhalten aufweist, sorgt die Stegeinlage für eine angenehme Saitenlage und eine saubere Intonation. Beim Anspielen ergab sich somit ein präziser und für ein solch preiswertes Instrument ein professioneller Ton.

Fender „Easy-to-Play Neck“

Für viele Anfänger entscheidet jedoch nicht der Klang darüber, ob sie gerne zur Gitarre greifen, sondern ihre Bespielbarkeit. Hier kommt der Fender „Easy-to-Play Neck“ ins Spiel. Dieses eigens entwickelte Halsprofil bietet ein komfortables Spielgefühl, indem es zahlreiche Verarbeitungsmerkmale miteinander verbindet.

Dabei sind die Griffbrettkanten extra abgerundet, was ein extra sanftes Gefühl vermittelt und den Hals angenehm mit der Hand umschließen lässt. Im Vergleich zu einem Hals mit scharf ausgeführten Griffbrettkanten spürt man beim Umgreifen speziell in den hohen Lagen keine harten Kanten. Zusätzlich ist der Hals weder besonders dick noch klobig, sodass auch kleine Hände keine vermehrte Mühe beim Greifen komplexer Akkorde aufwenden müssen. Mit einer Sattelbreite von 43 Millimetern ist auch die Halsbreite schlank gehalten.

Für wen eignet sich die Fender CD-60S?

Die Fender CD-60S richtet sich besonders an ambitionierte Anfänger, die ein solides Instrument mit fortschrittlicher Ausstattung für den Einstieg suchen. Zwar ist das Modell eher schlicht gehalten und setzt auf bewährte Standards, bietet aber mit seiner massiven Decke und der innovativen Deckenverstrebung Features, die weit über die Ausstattungsmerkmale herkömmlicher Einsteigergitarren hinausgehen.

Genau aus diesem Grund ist sie ebenso eine hervorragende Wahl für Singer-Songwriter oder als Zweitinstrument. Auch Fortgeschrittene bekommen hier ein Instrument, das gehobenere Ansprüche erfüllt: eine klassische Bauform, die teilmassive Fertigung, eine angenehme Bespielbarkeit und eine unkomplizierte Handhabung zu einem phänomenalen Preis-Leistungs-Verhältnis. Genau diese Kombination macht die Fender CD-60S seit Jahren zu einer beliebten Wahl.

Auch interessant:

Die Top 10 Westerngitarren für Einsteiger

Nachdem du in der letzten Woche die Top 10 Konzertgitarren für Einsteiger kennengelernt hast, dürfen [...]

> WEITERLESEN

Yamaha FG 800 im Test: Viel Gitarre für wenig Geld?

Die Yamaha FG 800 gehört seit Jahren zu den beliebtesten Akustikgitarren im Einsteigersegment. Doch liegt [...]

> WEITERLESEN

Die Taylor GS Mini im Test

Seit ihrem Erscheinen im Jahr 2010 hat die Taylor GS Mini die Musikerwelt im Sturm [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Fender CD-60S im Check erschien zuerst auf Guitar-Player.

Eine Bauform, die viele Spielstile abdeckt

Martin greift bei diesem Modell auf die bewährte 000-Bauform zurück. Sie gilt seit Jahren als vielseitige Alternative zu größeren Korpusformen und spricht Gitarristen an, die ein ausgewogenes Verhältnis zwischen Komfort und Klangvolumen suchen. Gerade Singer-Songwriter und Fingerstyle-Spieler schätzen die ergonomischen Maße, ohne dabei auf einen vollen Akustikklang verzichten zu müssen.

Dazu kommt die etwas kürzere Mensur von 632 Millimetern. Sie sorgt für ein geschmeidiges Spielgefühl und erleichtert Bendings ebenso wie längere Spielsessions.

Klassische Tonhölzer mit moderner Konstruktion

Auch bei der Holzauswahl bleibt Martin seiner Linie treu. Eine massive Fichtendecke trifft auf einen Korpus aus massivem Sapele, also eine Kombination, die sich in vielen hochwertigen Westerngitarren bewährt hat. Unterstützt wird die Decke von einem Scalloped X Bracing, das ihr mehr Bewegungsfreiheit verleiht und so zu einer lebendigen Ansprache beiträgt.

Gerade Spieler, die Wert auf Dynamik legen, dürften an dieser Konstruktion Gefallen finden. Sanft angeschlagene Passagen werden ebenso differenziert wiedergegeben wie kräftiges Strumming.

Komfort für den Alltag

Neben dem Klang spielt bei einer Akustikgitarre vor allem das Spielgefühl eine entscheidende Rolle. Martin stattet die 000-10E deshalb mit dem hauseigenen Performing-Artist-Halsprofil aus, das sich angenehm schlank anfühlt und auch bei längeren Sessions für ein entspanntes Greifen sorgt.

Das Griffbrett aus ostindischem Palisander bietet dabei die vertraute Haptik, die viele Gitarristen schätzen. Zusammen mit der moderaten Sattelbreite entsteht ein Instrument, das sowohl Fans mit etwas Spielerfahrung als auch fortgeschrittene Musiker anspricht.

Signature-Details mit Augenmaß

Während manche Signature-Modelle auf eine besonders auffällige Optik setzen, bleibt die Martin 000-10E Shawn Mendes vergleichsweise zurückhaltend. Das satinierte Natural Finish mit Antique Toner verleiht der Gitarre einen leicht klassischen Charakter, ohne künstlich auf Vintage zu trimmen.

Einige Details heben das Instrument dennoch klar von Martins Standardmodellen ab. Dazu gehören die Abalone-Rosette, das individuell geformte Tortoise-Schlagbrett und vor allem das Eagle Inlay auf dem Griffbrett. Diese Elemente verleihen der Gitarre eine persönliche Note, ohne das Gesamtbild zu dominieren.

Bereit für die Bühne

Wer regelmäßig live spielt oder seine Gitarre unkompliziert aufnehmen möchte, findet mit dem integrierten Martin E-1 Tonabnehmersystem eine zeitgemäße Lösung. Das System arbeitet dezent im Hintergrund und bietet neben den Bedienelementen für den verstärkten Sound auch ein integriertes Stimmgerät. Zusammen mit den geschlossenen Mechaniken und dem mitgelieferten Gigbag ergibt sich eine Ausstattung, die den Einsatz im Proberaum, auf der Bühne oder unterwegs erleichtert.

Einordnung der Martin 000-10E Shawn Mendes

Mit der 000-10E Shawn Mendes erweitert Martin sein Signature-Programm um ein Modell, das sich weniger über den prominenten Namen als über seine ausgewogene Gesamtausstattung definiert. Vollmassive Bauweise, kompakte Abmessungen und eine moderne Bühnenausstattung machen die Gitarre zu einer interessanten Neuheit für alle, die eine vielseitige Westerngitarre suchen. Dass sie dabei einige individuelle Designmerkmale mitbringt, verleiht ihr einen eigenen Charakter, ohne ihren praktischen Nutzen in den Hintergrund zu stellen.

Titelbild: Martin

Auch interessant:

Johnny Cash Gitarren im Vergleich: Martin D-35 vs. Martin DX

Viele Gitarristen lieben Signature-Gitarren ihrer Idole, weil sie ein Stück Persönlichkeit des jeweiligen Musikers verkörpern. [...]

> WEITERLESEN

Die Martin 000-28EC Eric Clapton im Test

Die Martin Guitars 000-28EC Eric Clapton ist eine Gitarre mit einem großen Namen, die zweifelsohne [...]

> WEITERLESEN

Die Martin D-28: die Königin unter den Dreadnoughts

Als eine der ersten Dreadnought-Westerngitarren hat die Martin D-28 die Welt der Akustikgitarren geprägt wie [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag News: Martin 000-10E Shawn Mendes erschien zuerst auf Guitar-Player.