Der Albumtitel bezieht sich auf dieses rätselhafte Radiosignal, das 1977 Astronomen für einen kurzen Moment glauben ließ, nicht allein im Universum zu sein. Muse interessiert dabei weniger die wissenschaftliche Erklärung als die Sehnsucht, die dahintersteckt. Was wäre, wenn tatsächlich jemand antworten würde? Diese Frage zieht sich durch das gesamte Album. Hinter den kosmischen Bildern stecken Zweifel, Hoffnung und der Wunsch nach Nähe. Das Universum dient diesmal weniger als Bühne für den Weltuntergang als vielmehr als Spiegel menschlicher Gefühle – kumuliert in so Sätzen wie „I can never cry again“ oder „I’ve used up every ounce of luck“.

Musikalisch bleiben Muse ihrer DNA treu. Matthew Bellamys Gitarrenwände (gespielt auf seiner Manson Guitar Works Signature) treffen auf Synthesizer, orchestrale Arrangements auf elektronische Beats, darüber Bellamys Stimme. Das klingt gewohnt gigantisch, wirkt aber durch die dann doch vergleichsweise abgespeckte Produktion deutlich stringenter als auf manchen Vorgängern. Die Band verzichtet weitgehend auf überflüssige Umwege und vertraut wieder stärker ihren Songs.

Natürlich bleibt ‚The Wow! Signal‘ ein großes und theatralisches Album, das einen (gerade im Zusammenhang mit den Videos) an Action-Epi aus Hollywood denken lässt. Aber der Bombast wirkt diesmal nicht wie Selbstzweck, sondern trägt die Songs, statt sie zu erdrücken. Muse scheinen gelernt zu haben, ihren Hang zum Größenwahn zu dosieren.

Tracklist

01. The Dark Forest
02. Nightshift Superstar
03. Shimmering Scars
04. Cryogen
05. Be With You
06. Hexagons
07. The Sickness In You & I
08. Unravelling
09. Hush
10. Space Debris

Album-VÖ: 26. Juni 2026
Label: Warner / Helium-3
www.muse.mu

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Lukather spielt nicht Gitarre

Zwischenzeitlich war das Gerücht umgegangen, der Toto-Gitarrist würde EVH ersetzen. Diesem Gerücht schob der 68-jährige allerdings schon im letzten Jahr einen Riegel vor: „Ich werde auf einem Van-Halen-Song niemals auch nur eine Gitarrennote spielen! Al hat mich gebeten, ihm dabei zu helfen, eine große Menge unvollendeter Aufnahmen durchzugehen, an denen Al und Ed gemeinsam geschrieben und aufgenommen haben und die bislang nie veröffentlicht wurden. Mehr gibt es im Moment nicht zu sagen. Dass irgendjemand auch nur eine Sekunde lang glaubt, ich würde auf diesem Material etwas spielen, ist schlicht lächerlich.“

In einem aktuellen Interview zeigt sich Lukather von den Zwischenständen und ersten Ergebnissen überzeugt. Schon als er die Aufnahmen erstmals gehört hatte, erzählt er, habe er Alex Van Halen gefragt: „Warum habt ihr das nie verwendet?“ Dessen Antwort: Für viele der Stücke habe es damals schlicht keine passenden Gesangsmelodien oder fertigen Songideen gegeben. „Wenn ihr denkt, dass es sich dabei um irgendwelchen Ausschuss handelt, den wir nur zusammenflicken, um ahnungslosen Van-Halen-Fans das Geld aus der Tasche zu ziehen, dann irrt ihr euch gewaltig.“

Hier mehr zu den neuen EVH-Modellen

Lange Freundschaft zwischen Luke und Ed

Dass Alex ausgerechnet Lukather an Bord geholt hat, kommt nicht von ungefähr. Die Freundschaft zwischen Lukather und Eddie Van Halen reicht Jahrzehnte zurück. Beide Musiker standen sich persönlich und musikalisch sehr nahe. Entsprechend sieht Lukather seine Rolle einerseits als Produzent, andererseits als jemand, der einem alten Freund hilft, dessen musikalisches Vermächtnis zu bewahren.

Wie das fertige Projekt aussehen wird, ist noch offen. Viele Entscheidungen liegen weiterhin bei Alex Van Halen, der 2024 mit ‚Unfinished‘ schon einen ersten unveröffentlichten Track geteilt hatte.

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Persönliche und kollektive Trauer

Für eine Musikerin wie Wallis Bird wäre es ein Leichtes gewesen, ein weiteres Album über Verlust und Trauer zu schreiben, das die Melancholie in den Vordergrund stellt. Stattdessen gelingt ihr mit ‚I Can See Your House From Here‘ etwas deutlich Schwierigeres: Sie macht Schmerz zum Ausgangspunkt für Nähe, Gemeinschaft und Hoffnung. „Viele um mich herum können all das kaum verkraften, die Traurigkeit ist zu viel – und doch haben sie so viel zu geben, so viel Trost und Vernunft“, sagt sie in einem Interview.

Schon der Titel deutet an, worum es Bird geht. „Ich kann dein Haus von hier sehen“ ist keine romantische Metapher, sondern eine Erinnerung daran, wie nah Menschen einander eigentlich sind, auch dann, wenn sie sich als Gegner betrachten. Die Songs kreisen um individuelle Verluste ebenso wie um kollektive Wunden. Dabei stellt Bird immer wieder die Frage, warum Empathie und Frieden so schwer geworden sind.

Musikalisch bewegt sich das Album zwischen Folk und Indie-Rock mit Arrangements, die oft zurückgenommen und beinahe fragil wirken. Da ist viel Raum zum Atmen trotz aller Intensität. Besonders „And So Turns The Wheel“, das den Verlust eines Freundes verarbeitet, gehört zu den emotionalen Höhepunkten der Platte. Gleichzeitig verhindert Bird konsequent, dass die Stimmung gänzlich kippt. Immer wieder öffnen sich die Songs, suchen nach Licht und Perspektive.

Erste Produktion in Eigenregie

Bemerkenswert ist dabei, wie selbstverständlich Bird das Persönliche mit dem Politischen verbindet. Ihre Trauer über einen verstorbenen Freund steht nicht isoliert neben ihrer Sorge um gesellschaftliche Entwicklungen, sondern wird Teil eines größeren Ganzen. Es geht nicht nur um individuelle Erfahrungen, sondern um die Frage, wie Menschen in einer zunehmend polarisierten Welt miteinander umgehen.

Auch produktionstechnisch markiert das Album einen wichtigen Schritt. Erstmals übernahm Bird die Produktion selbst. Das Ergebnis wirkt entsprechend geschlossen und unmittelbar. ‚I Can See Your House From Here‘ ist kein leichtes Album. Doch gerade in seiner Offenheit und Verletzlichkeit entwickelt das Werk eine bemerkenswerte Kraft. Wallis Bird betrachtet Trauer nicht als Endpunkt, sondern als Ausdruck von Liebe und Verbundenheit.

Tracklist

01. And So Turns The Wheel
02. Call The Healer
03. Grieving Is The Price You Pay For Love
04. Two Trees
05. Why Is Peace Problematic?
06. I’ll Take Anything
07. Let Me Buy You Flowers
08. Hold Tight!
09. To Love You Is To Have Done Something Good
10. I’m Your Witness
11. The Good Of The People

Album-VÖ: 05.06.2026
Label: Bród Records
www.wallisbird.com

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Die Geschichte von ‚The Moth‘ reicht bis in die Mitte der 2010er-Jahre zurück. Damals sprach Townsend erstmals über die Idee eines groß angelegten Musiktheaters, das Themen wie Identität, Macht, Spiritualität und persönliche Transformation behandeln sollte. Was zunächst als kaum realisierbare Vision erschien, nahm konkrete Formen an, als Townsend die Möglichkeit erhielt, mit dem niederländischen Noord Nederlands Orkest und einem großen Chor zusammenzuarbeiten. Aus der ursprünglichen Bühnenproduktion entwickelte sich schließlich ein Studioalbum, das nun den Abschluss eines kreativen Prozesses markiert, der ihn über ein Jahrzehnt begleitet hat.

Musikalisch bewegt sich ‚The Moth‘ weit über die Grenzen eines klassischen Metal-Albums hinaus. Orchestrale Passagen, Chöre und progressive Arrangements treffen auf die für Townsend typische Mischung aus Härte, Melodie und Größenwahn. Bereits die erste Single ‚Enter The City‘ deutet an, wie konsequent der Kanadier seine Vision verfolgt. Unterstützt wird er dabei unter anderem von Gitarrenvirtuose Steve Vai sowie Sängerin Anneke van Giersbergen, die auf mehreren Stücken zu hören sind.

Uraufführung 2025

Fans konnten Teile des Materials bereits 2025 erleben, als Townsend ‚The Moth‘ in einer aufwendigen Produktion mit Sinfonieorchester und Chor im niederländischen Groningen aufführte. Die Konzerte galten als eines der größten und kostspieligsten Projekte seiner Karriere. Nach dieser einmaligen Aufführung verschwand das Werk zunächst wieder von der Bildfläche, bevor nun die Studiofassung erscheint.

Insgesamt umfasst das Album 24 Titel, darunter ‚War Beyond Words‘, ‚The Moth‘, ‚Ode To My Eye‘, ‚A Proxy For God‘, ‚Metamorphosis‘ und ‚We Don’t Deserve Dogs‘. Inhaltlich beschreibt Townsend das Werk als eine Auseinandersetzung mit destruktiven Verhaltensmustern und persönlicher Veränderung, Themen, die sich wie ein roter Faden durch die komplexe Erzählung ziehen. Dass ‚The Moth‘ gerade jetzt erscheint, wirkt dabei fast symbolisch. Nach einer längeren Live-Pause kehrt Townsend im Herbst 2026 wieder auf die Bühne zurück. Das Album markiert damit nicht nur den Abschluss eines langjährigen Projekts, sondern zugleich den Beginn eines neuen Kapitels für einen Künstler, der seit Jahrzehnten konsequent seinen eigenen Weg geht. Townsend selbst nennt ‚The Moth‘ die Summe seiner bisherigen musikalischen Erfahrungen.

Tracklist

01. Semi-Prologue
02. War Beyond Words
03. The Moth
04. Ode To My Eye
05. Enter The City
06. Covered By Causes
07. Lexin
08. Runaways
09. A Proxy For God
10. The Mothers
11. Orion
12. Stay There
13. Home At Night
14. Intermission
15. Lexin Returns
16. The Clergy
17. Prepare For War
18. The Big Snit
19. Silver Princess
20. A Life In Review
21. Metamorphosis
22. Stained Hearts
23. Let Go
24. We Don’t Deserve Dogs

Album-VÖ: 29.05.2026
Label: InsideOut Music
www.hevydevy.com

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Die Zusammenarbeit mit dem Guns-N‘-Roses-Gitarristen Slash, der nicht nur das prägnante Solo beisteuerte, sondern auch mit Kravitz zusammen das zentrale Riff entwickelte, entstand eher zufällig während einer nächtlichen Jam-Session. Der Legende nach wartete Slash im Studio auf Kravitz, spielte vor sich hin und kam dabei auf die Grundstruktur des Riffs. So wurde aus dieser spontanen Begegnung einer der markantesten Gitarrenparts der frühen Neunziger.

Das Riff

Für Gitarristen ist ‚Always On The Run‘ ein Lehrstück in Sachen Groove, Timing und Riffgestaltung. In den Noten sind die in der Aufnahme nach links und rechts verteilten Rhythmusgitarren transkribiert. Sowohl Slash als auch Kravitz spielten damals Gibson Les Pauls. Der Song startet mit der oberen Notenzeile, die untere setzt nach zwei Durchgängen ein und ergänzt das Hauptriff hervorragend, sowohl rhythmisch als auch tonal.

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Dass Samantha Martin & Delta Sugar live besonders stark sind, ist kein Geheimnis. Seit Jahren verbindet die zehnköpfige Formation Soul, Gospel, Blues und Roots-Rock zu einem kraftvollen, breiten Band-Sound, der von Martins markanter Stimme getragen wird. „A Beautiful Buzz“ hält diese Energie nun erstmals auf einem vollständigen Live-Album fest. Aufgenommen wurde das Material am 26. November 2022 im A.C.T. Theatre in Maple Ridge, British Columbia.

Vorab erschien mit „Them Changes“ zuletzt die dritte Single aus dem Album. Der ursprünglich von Buddy Miles geschriebene Soul-Rock-Klassiker erhält in der Version von Samantha Martin & Delta Sugar eine neue Ausrichtung. Angetrieben von einer druckvollen Rhythmusgruppe, markanten Bläsern und deutlichen Gospel-Einflüssen entwickelt sich der Song zu einer ebenso respektvollen wie eigenständigen Neuinterpretation.

Elektrisierende Aufbruchsstimmung

Die Entstehungsgeschichte des Albums ist eng mit einer außergewöhnlichen Tour verbunden. Die ursprünglich für Januar 2022 geplante „Love Is All Around“-Tour musste mehrfach verschoben werden und konnte erst im November stattfinden. Als die Band schließlich aufbrach, war Samantha Martin bereits im sechsten Monat schwanger. Gemeinsam mit einer 13-köpfigen Crew reiste sie von den eisigen Temperaturen Saskatoons bis an die Westküste Kanadas. „Vielleicht war es die Aufregung der letzten Show oder die Erkenntnis, dass sich mein Leben bald grundlegend verändern würde“, erinnert sich Martin. „Was auch immer der Grund war – die Atmosphäre war elektrisierend und voller Aufbruchsstimmung.“

Musikalisch bewegt sich „A Beautiful Buzz“ zwischen Soul-Revue, Blues-Rock und Gospel. Neben Eigenkompositionen wie „Love Is All Around“, „Good Trouble“ oder „Loving You Is Easy“ finden sich auch Interpretationen von Robbie Robertsons „The Shape I’m In“ sowie den Rolling-Stones-Klassiker „Loving Cup“.

Gemischt wurde das Album von Renan Yildizdogan und Ross Hayes Citrullo, gemastert von Phil Demetro. Das Line-up der Band sieht wie folgt aus: Lead Vocals & Acoustic Guitar: Samantha Martin / Background Vocalists: Tafari Anthony & Sherie Marshall / Electric Guitar: Curtis Chaffey / Bass: Ian McKeown / Drums: Will Fisher / Keys: Jeff Heisholt / Trombone: Emily Ferrell / Saxophone: Andrew Moljgun / Trumpet: Brian Walters / Special guest bei einigen Songs: Steve Marriner

Tracklist

01. Love Is All Around
02. Don’t Have To Be
03. You’re The Love
04. Good Trouble
05. All Night Long
06. The Shape I’m In
07. I’ve Got a Feeling
08. My Crown
09. Loving You Is Easy
10. “Band Intro”
11. Pass Me By
12. Them Changes
13. Loving Cup

Album-VÖ: 22.05.2026
Label: Gypsy Soul Records
www.samanthamartinmusic.com

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Auslöser der Aktion ist ein schwerer Unfall im Februar 2026. Während eines Konzerts in Portugal stürzte Gomm von der Bühne und zog sich einen komplizierten Ellenbogenbruch zu. Nach eigenen Angaben musste er sich unmittelbar nach der Rückkehr einer Notoperation unterziehen, bei der zwei Titanschrauben eingesetzt wurden. Die Heilung verlaufe zwar positiv, begleitet von Physiotherapie, dennoch beschreibt der Musiker die vergangenen Monate als körperlich und emotional extrem belastend. Besonders schwer wiegt für ihn offenbar die erzwungene Pause vom Instrument.

In einem persönlichen Statement erklärt Gomm, dass seine Gitarre für ihn weit mehr sei als nur ein Arbeitswerkzeug. Gerade mit seinem ADHS empfinde er das Spielen als eine Art emotionalen Anker. Die Zeit ohne regelmäßiges Gitarrenspiel habe sich deshalb teilweise „wie ein Albtraum“ angefühlt.

Die Verlosung soll Fans eine Möglichkeit geben, ihn während der Genesungsphase zu unterstützen, ohne einfach nur Geld zu spenden. Parallel dazu kündigte Gomm seine „Unbroken Tour“ für den Herbst 2026 an. Die Konzertreise versteht er nach eigener Aussage als persönliches Ziel, auf das er während der Rehabilitation hinarbeitet. Geplant sind Termine in Nordirland, Großbritannien und Dänemark, darunter Shows in Belfast, Manchester, Edinburgh, Sheffield und London. Ein Konzert ist bereits ausverkauft.

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60 Watt, zwei Amps. 1,2 kg

Das Konzept verbindet dabei zwei Klangwelten, die erstaunlich gut zusammenpassen. Auf der einen Seite orientiert sich das Pedal am klassischen Laney Supergroup – also an genau jener Amp-Plattform, die eng mit den frühen Black Sabbath verbunden ist. Andererseits fließen Elemente des modernen Grace-Amps von Brian Carstens ein, den Corgan seit einigen Jahren live und im Studio nutzt. „Sie haben etwas gebaut, das ich wirklich ziemlich progressiv finde. Es ist ein 60-Watt-Head, was mich komplett umhaut, weil das Ding vielleicht sechs oder sieben Pfund wiegt,“ sagt Corgan, womit er leicht daneben liegt: Tatsächlich sind es nur 1,2 Kilo. „Gleichzeitig sind dort diese IR-Cabinets geladen“, fährt er fort. „Und eines dieser Cabinets ist tatsächlich mein Cabinet. Das ist großartig, weil damit wirklich mein Sound in dieser Box steckt. Und dazu kommt eben noch der Carstens-Amp, den ich gemeinsam mit Brian Carstens in Chicago entwickelt habe, plus natürlich dieser klassische Tony-Iommi-Supergroup-Sound.“

Traditioneller Sound, moderne Features

Entsprechend zielt das Supergrace weniger auf moderne High-Gain-Sounds ab, sondern eher auf offene, dynamische Verzerrungen mit viel Mittenpräsenz und vergleichsweise wenig Kompression. Akkorde sollen auch bei höherem Gain definiert bleiben, ohne völlig glattgebügelt zu wirken. Gerade Fans von Siamese-Dream-artigen Gitarrenwänden dürften den Ansatz nachvollziehen können. Technisch ist das Pedal allerdings deutlich moderner aufgestellt, als die Smashing-Sabbath-Referenzen zunächst vermuten lassen. Neben einer integrierten 60-Watt-Endstufe bietet das Supergrace unter anderem IR-Speaker-Simulationen, USB-Audio, MIDI, DI-Out und Silent-Recording-Funktionen. Damit richtet sich das Gerät klar auch an Gitarristen, die ohne großes Amp-Setup arbeiten wollen. Das Supergrace ist „etwas, das sowohl im Studio als auch live funktioniert. Das finde ich wirklich stark.“

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Der Opener „Who Did You Think I Was“ erschien 2005 auf dem Live-Album ‚Try!‘ und machte sofort klar, dass Mayer hier nicht länger nur der sensible Pop-Gitarrist sein wollte. Stattdessen dominieren bissige Stratocaster-Sounds, aggressiver Anschlag und ein deutlich vom Texas-Blues inspirierter Stil. Besonders die Einflüsse von Stevie Ray Vaughan sind unüberhörbar – sowohl im phrasierten Vibrato als auch in den pentatonischen Läufen und dem druckvollen Attack der Rhythmusparts.

Trotz aller Blues-Wurzeln klingt der Song jedoch keineswegs wie eine bloße Kopie klassischer Vorbilder. Gerade das Zusammenspiel zwischen Jordan und Palladino sorgt für eine fast schon funkige Tightness, die den Tracks des Trios eine eigene Handschrift verleiht. Mayer arbeitet dabei mit viel mit und energischer Phrasierung. Das Gitarrenspiel wirkt roh und spontan, bleibt aber rhythmisch extrem kontrolliert. Und auch soundtechnisch steht „Who Did You Think I Was“ exemplarisch für die damalige Mayer-Ära. Typisch sind leicht angezerrte Fender-Amps, ein transparenter Overdrive und die klaren Single-Coil-Sounds seiner Stratocaster.

Das Riff

Die Live-Version dieses Blues-Rock in A lebt stark vom Groove der Rhythmusgruppe. Wichtig sind deswegen ein präzises Timing und ein kontrollierter aber harter Anschlag. Mayer variiert viele Phrasen subtil und spielt bewusst leicht „laid back“ hinter dem Beat. Die unten stehende Transkription des zweitaktigen Riffs ist also nur ein Beispiel, wie man das Main Riff spielen kann. Variationen und Ungenauigkeiten sind erwünscht. Den Ton A auf Zählzeit 1 greift Mayer übrigens mit dem Daumen. Für den authentischen Sound empfiehlt sich eine Stratocaster mit Singlecoils in Kombination mit einem transparenten Overdrive und einem eher clean eingestellten Röhrenamp.

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Die Aufnahmen entstanden im Studio 606 in Los Angeles. Große Teile wurden live eingespielt, bewusst ohne Clicktrack, was dem Material eine spürbare Unmittelbarkeit und Dringlichkeit verleiht. Der Titeltrack fungiert dabei als eine Art stilistische Klammer, da er mit seinem geradlinigen Aufbau und der klaren Gewichtung von Riff und Refrain die Richtung vorgibt, die auch die übrigen Stücke prägt. ‚Caught In The Echo‘ klingt nicht ganz so dreckig und ungeschliffen, setzt aber noch stärker auf Vorwärtsdrang, während im Up-Tempo-Punk von ‚Of All People‘ persönliche Themen in knapper Form verarbeitet werden. Auffällig ist die reduzierte Gesamtlänge von rund 36 Minuten. Das Album entfaltet sich ohne Umwege und verzichtet auf ausgedehnte Spannungsbögen. Der Fokus liegt auf Rock’n’Roll, auf Message und auf einzelnen musikalischen Ideen, die klar formuliert und zügig abgeschlossen werden.

Inhaltlich bleibt die Verarbeitung der vergangenen Jahre präsent, tritt aber in den Hintergrund. Dadurch wirkt das Album weniger retrospektiv als man nach den Entwicklungen der letzten Jahre hätte vermuten können. Mit Ilan Rubin (Nine Inch Nails, Paramore, Lostprophets u.a.) am Schlagzeug verschiebt sich der Bandsound leicht. Die Rhythmik wirkt präziser und teilweise härter. Die grundlegende Klangästhetik bleibt jedoch erhalten, sodass sich ‚Your Favorite Toy‘ als kompaktes und fokussiertes Album einordnen lässt.

Tracklist

01. Caught in the Echo
02. Of All People
03. Window
04. Your Favorite Toy
05. If You Only Knew
06. Spit Shine
07. Unconditional
08. Child Actor
09. Amen, Caveman
10. Asking for a Friend

Album-VÖ: 24.04.2026
Label: Roswell Records
www.foofighters.com

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