Der Opener „Who Did You Think I Was“ erschien 2005 auf dem Live-Album ‚Try!‘ und machte sofort klar, dass Mayer hier nicht länger nur der sensible Pop-Gitarrist sein wollte. Stattdessen dominieren bissige Stratocaster-Sounds, aggressiver Anschlag und ein deutlich vom Texas-Blues inspirierter Stil. Besonders die Einflüsse von Stevie Ray Vaughan sind unüberhörbar – sowohl im phrasierten Vibrato als auch in den pentatonischen Läufen und dem druckvollen Attack der Rhythmusparts.

Trotz aller Blues-Wurzeln klingt der Song jedoch keineswegs wie eine bloße Kopie klassischer Vorbilder. Gerade das Zusammenspiel zwischen Jordan und Palladino sorgt für eine fast schon funkige Tightness, die den Tracks des Trios eine eigene Handschrift verleiht. Mayer arbeitet dabei mit viel mit und energischer Phrasierung. Das Gitarrenspiel wirkt roh und spontan, bleibt aber rhythmisch extrem kontrolliert. Und auch soundtechnisch steht „Who Did You Think I Was“ exemplarisch für die damalige Mayer-Ära. Typisch sind leicht angezerrte Fender-Amps, ein transparenter Overdrive und die klaren Single-Coil-Sounds seiner Stratocaster.

Das Riff

Die Live-Version dieses Blues-Rock in A lebt stark vom Groove der Rhythmusgruppe. Wichtig sind deswegen ein präzises Timing und ein kontrollierter aber harter Anschlag. Mayer variiert viele Phrasen subtil und spielt bewusst leicht „laid back“ hinter dem Beat. Die unten stehende Transkription des zweitaktigen Riffs ist also nur ein Beispiel, wie man das Main Riff spielen kann. Variationen und Ungenauigkeiten sind erwünscht. Den Ton A auf Zählzeit 1 greift Mayer übrigens mit dem Daumen. Für den authentischen Sound empfiehlt sich eine Stratocaster mit Singlecoils in Kombination mit einem transparenten Overdrive und einem eher clean eingestellten Röhrenamp.

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Die Aufnahmen entstanden im Studio 606 in Los Angeles. Große Teile wurden live eingespielt, bewusst ohne Clicktrack, was dem Material eine spürbare Unmittelbarkeit und Dringlichkeit verleiht. Der Titeltrack fungiert dabei als eine Art stilistische Klammer, da er mit seinem geradlinigen Aufbau und der klaren Gewichtung von Riff und Refrain die Richtung vorgibt, die auch die übrigen Stücke prägt. ‚Caught In The Echo‘ klingt nicht ganz so dreckig und ungeschliffen, setzt aber noch stärker auf Vorwärtsdrang, während im Up-Tempo-Punk von ‚Of All People‘ persönliche Themen in knapper Form verarbeitet werden. Auffällig ist die reduzierte Gesamtlänge von rund 36 Minuten. Das Album entfaltet sich ohne Umwege und verzichtet auf ausgedehnte Spannungsbögen. Der Fokus liegt auf Rock’n’Roll, auf Message und auf einzelnen musikalischen Ideen, die klar formuliert und zügig abgeschlossen werden.

Inhaltlich bleibt die Verarbeitung der vergangenen Jahre präsent, tritt aber in den Hintergrund. Dadurch wirkt das Album weniger retrospektiv als man nach den Entwicklungen der letzten Jahre hätte vermuten können. Mit Ilan Rubin (Nine Inch Nails, Paramore, Lostprophets u.a.) am Schlagzeug verschiebt sich der Bandsound leicht. Die Rhythmik wirkt präziser und teilweise härter. Die grundlegende Klangästhetik bleibt jedoch erhalten, sodass sich ‚Your Favorite Toy‘ als kompaktes und fokussiertes Album einordnen lässt.

Tracklist

01. Caught in the Echo
02. Of All People
03. Window
04. Your Favorite Toy
05. If You Only Knew
06. Spit Shine
07. Unconditional
08. Child Actor
09. Amen, Caveman
10. Asking for a Friend

Album-VÖ: 24.04.2026
Label: Roswell Records
www.foofighters.com

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Les Paul trifft Marshall

Im Zentrum steht selbstverständlich die angesprochene Kombination, die längst zum Klischee geworden ist. Schließlich setzten und setzen schon Legenden wie Jimmy Page, Gary Moore, Billy Gibbons oder Joe Bonamassa auf diese Zusammenstellung. Slash setzt seit den späten 80ern nahezu durchgehend auf Les-Paul-Modelle, insbesondere Repliken einer ’59 Standard, die bereits auf ‚Appetite for Destruction‘ zu hören ist. Der Klangcharakter ist entsprechend: Ausgeprägte Mittenbasis, dazu ein weicher, zugleich tragfähiger Höhenanteil sowie ein Sustain, das nicht durch Kompression erzeugt wird, sondern aus der Bauweise des Instruments hervorgeht.

Auf der Verstärkerseite dominieren Marshall-Topteile, vor allem Varianten des JCM800 und des Silver Jubilee. Entscheidend ist dabei: Der Sound des Amps ist durch die aufgedrehte Vorstufe verzerrt, aber nicht zu sehr. Es geht nicht um maximale Gain-Reserven, sondern um eine offene, atmende Verzerrung mit klarer Artikulation. Das Ergebnis ist ein Ton, der gleichzeitig warm und bissig wirkt – eine Balance, die viele Spieler unterschätzen.

Die Verzerrung

Die Verzerrung in Slashs Sound entsteht in erster Linie im Zusammenspiel von Vor- und Endstufe seines Marshall-Amps, der vergleichsweise laut gefahren wird und dadurch eine offene, dynamische Sättigung entwickelt. Der Gain ist dabei moderat eingestellt, sodass der Ton nicht vollständig komprimiert, sondern stark auf den Anschlag reagiert. Entscheidend ist zudem eine mittenbetonte Abstimmung, während Bass und Höhen kontrolliert dosiert bleiben, um Klarheit und Durchsetzungskraft zu sichern. Zusätzliche Verzerrungseffekte spielen nur eine untergeordnete Rolle und dienen eher als dezenter Boost für Leads.

Das Wah

Ein prägendes Element vieler Slash-Soli ist das Wah-Wah-Pedal, meist in einer modifizierten Version von Dunlop. Entscheidend ist hier die Anwendung: Das Wah wird nicht immer als Effekt im klassischen Sinne genutzt, sondern als eine Art Filter zur Formung einzelner Frequenzbereiche. Oft bleibt es in bestimmten Positionen stehen, anstatt rhythmisch durchgetreten zu werden. So entsteht ein fokussierter, mittiger Lead-Sound, der sich im Bandkontext klar durchsetzt, ohne lauter werden zu müssen.

Das „Original“-Setup

Die „Budget“-Variante

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Nachdem die Konkurrenten/Kollegen Die Toten Hosen für ihre diesjährige Tournee bereits Sozialtickets für ihre Konzerte anbieten, greifen nun auch Die Ärzte auf diese Maßnahme zur sozialen Nachhaltigkeit zurück. Die vergünstigten Karten sind zu einem Preis von 19,90 Euro zuzüglich Versand ausschließlich über den offiziellen Shop erhältlich. Der Erwerb setzt einen gültigen Nachweis über den Bezug bestimmter Sozialleistungen voraus, der im Bestellprozess hochgeladen und geprüft wird. Die Tickets sind personalisiert und nicht übertragbar, weshalb beim Einlass sowohl das Ticket als auch ein Ausweis und ein entsprechender Leistungsnachweis vorgelegt werden müssen. Pro Bestellung können bis zu vier Tickets erworben werden. Grundsätzlich benötigt jede Person einen eigenen Nachweis, mit Ausnahmen etwa innerhalb eines Haushalts. Zu beachten ist zudem, dass die konkreten Voraussetzungen und anerkannten Nachweise je nach Stadt variieren können.

Der Vorverkauf für die Tour startet am 15. April 2026 um 10 Uhr und erfolgt exklusiv über den bandeigenen Shop.

Tourtermine

08.04.2027 Berlin, Max-Schmeling-Halle
09.04.2027 Berlin, Max-Schmeling-Halle
12.04.2027 Dortmund, Westfalenhalle
13.04.2027 Dortmund, Westfalenhalle
14.04.2027 Dortmund, Westfalenhalle
17.04.2027 Chemnitz, Messe
20.04.2027 Leipzig, QUARTERBACK Immobilien ARENA
21.04.2027 Leipzig, QUARTERBACK Immobilien ARENA
24.04.2027 Düsseldorf, PSD BANK DOME
26.04.2027 München, Olympiahalle
27.04.2027 München, Olympiahalle
29.04.2027 Köln, LANXESS arena
30.04.2027 Köln, LANXESS arena
04.05.2027 Hamburg, Barclays Arena
05.05.2027 Hamburg, Barclays Arena
08.05.2027 Bremen, ÖVB-Arena
09.05.2027 Bremen, ÖVB-Arena
12.05.2027 A-Wien, Wiener Stadthalle
13.05.2027 A-Wien, Wiener Stadthalle
15.05.2027 Frankfurt, Festhalle
16.05.2027 Frankfurt, Festhalle
19.05.2027 CH-Zürich, Hallenstadion
20.05.2027 CH-Zürich, Hallenstadion
24.05.2027 Stuttgart, Hanns-Martin-Schleyer-Halle
25.05.2027 Stuttgart, Hanns-Martin-Schleyer-Halle
27.05.2027 Freiburg, SICK-ARENA
29.05.2027 Erfurt, Messe Erfurt
30.05.2027 Erfurt, Messe Erfurt
01.06.2027 Hannover, ZAG Arena Hannover
02.06.2027 Hannover, ZAG Arena Hannover
05.06.2027 Berlin, Parkbühne Wuhlheide
06.06.2027 Berlin, Parkbühne Wuhlheide

Die Ärzte im Netz:

Offizielle Website

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Warum brummt eine E-Gitarre überhaupt?

Vorab: Ein gewisses Grundrauschen ist bei einer an einen Verstärker oder eine DAW angeschlossenen E-Gitarre völlig normal. Deutliches Brummen entsteht jedoch, wenn elektromagnetische Störungen oder technische Schwächen ins Signal gelangen. Besonders Singlecoil-Tonabnehmer reagieren empfindlich auf äußere Einflüsse wie Bildschirme, Netzteile, Mobiltelefone oder Beleuchtung. Ein typisches Anzeichen hierfür ist, wenn sich das Brummen verändert, sobald man sich oder die Gitarre bewegt.

Häufige Ursachen

Pickups

Singlecoil-Tonabnehmer sind konstruktionsbedingt anfälliger für elektromagnetische Störungen als Humbucker. Das macht sich vor allem in Umgebungen mit vielen elektrischen Geräten bemerkbar. Ein typischer Fall aus der Praxis: Man sitzt mit der Gitarre vor dem Computer, und sobald man sich mit der Gitarre leicht dreht, verändert sich das Brummen deutlich. In diesem Moment fungieren deine Pickups quasi als Antenne und nehmen Störfelder aus der Umgebung auf. Bei Humbuckern ist dieses Problem deutlich reduziert, aber nicht vollständig eliminiert.

Erdung

Ein klassischer Hinweis auf ein Erdungsproblem ist, dass das Brummen leiser wird, sobald man die Saiten oder Metallteile der Gitarre berührt. Das liegt daran, dass der Körper in diesem Moment Teil der Masseverbindung wird und Störungen ableitet. Funktioniert diese Verbindung nicht sauber, kann sich das Brummen verstärken. In der Praxis lohnt sich hier ein Blick in die Elektronik der Gitarre. Oft ist es nur eine lose oder schlecht verlötete Masseverbindung.

Kabel und Pedale

Defekte oder schlecht geschirmte Kabel gehören zu den häufigsten Ursachen für Brummen und Rauschen. Ein typischer Praxistest: Wenn das Brummen verschwindet oder sich deutlich verändert, sobald man das Kabel bewegt, liegt das Problem sehr wahrscheinlich genau dort. Und auch Effektpedale können Störquellen sein, vor allem, wenn mehrere Geräte gleichzeitig im Einsatz sind. Besonders kritisch sind einfache Daisy-Chain-Netzteile, bei denen sich mehrere Effekte eine Stromquelle teilen. Auch ein mit zu wenig Ampere versorgtes Pedal kann zu Störgeräuschen führen. Was man in Sachen Stromversorgung zu beachten hat, findest du hier: Stromversorgung fürs Pedalboard – Ohne Strom kein Tone

Um herauszufinden an welcher Stelle des Boards die Probleme auftreten, kann ein radikaler Schritt sinnvoll sein: Alles entfernen und das Setup von Grund auf neu aufbauen – zuerst Gitarre und Amp, dann Schritt für Schritt jedes Pedal wieder hinzufügen. So lässt sich schnell erkennen, welches Element tatsächlich Probleme verursacht. Und: Eine Kette ist immer nur so stark wie ihr schwächstes Glied. Will heißen, wenn alles einwandfrei ist, aber irgendwo in der Kette ein billiges oder defektes Patchkabel sitzt, wird sich das am Ende bemerkbar machen. Auch die Reihenfolge der Effektpedale und ihre Verkabelung können Einfluss haben.

Das weiß sicher auch Rob Scallon:

Mehr zum Thema Pedalboard, Verkabelung und Stromversorgung findest du auch unter Pedalboard & Co. – Dein Guide zur Pedal-Glückseligkeit (Teil 1) und Teil 2  

Gain und Verstärker

Hohe Gain-Einstellungen gehören zu den häufigsten Gründen für hörbares Rauschen und Brummen. Verzerrung funktioniert technisch so, dass das Signal stark verstärkt und komprimiert wird – dabei werden nicht nur deine gespielten Töne, sondern auch alle Nebengeräusche angehoben. Das führt dazu, dass ein Setup, das im Clean-Bereich noch relativ ruhig ist, bei stärkerer Verzerrung plötzlich deutlich rauscht. Ein typisches Beispiel: Du spielst einen High-Gain-Sound, stoppst die Saiten – und sofort entsteht ein deutlich hörbares Grundrauschen. In diesem Moment hörst du nicht den Verstärker allein, sondern die Summe aller Störquellen im Signalweg.

Auch die Kombination mehrerer Gain-Stufen spielt eine Rolle. Ein Booster vor einem Overdrive oder ein zusätzlicher Preamp können das Problem verstärken, weil das Signal mehrfach angehoben wird. In der Praxis lohnt es sich deshalb, den Gain-Regler nicht höher einzustellen als nötig. Oft wirkt ein etwas reduzierter Verzerrungsgrad sogar definierter und kontrollierter – und reduziert gleichzeitig die Nebengeräusche deutlich.

Wenn du mit viel Gain arbeitest, kann ein Noise Gate sinnvoll sein, um das Signal zwischen den Noten zu beruhigen. Wie das funktioniert, kannst du hier nachlesen: Noise Gate erklärt

Ergo

Ein Brummen oder Rauschen im Gitarrensignal kann also verschiedene Ursachen haben und durch mehrere Faktoren gleichzeitig bedingt sein. Wenn man auf der Suche nach der Ursache systematisch vorgeht, sollte man schnell fündig werden. Und vielleicht findet man dabei ja noch weitere Ansatzpunkte das eigene Setup nachhaltig zu verbessern.

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Das Klangbild bleibt geprägt von schweren, oft im Midtempo verankerten Riffs, bluesbasierten Leads und einem insgesamt druckvollen Bandsound. Gleichzeitig arbeitet das Album mit deutlichen Kontrasten: Auf kompakte, riffzentrierte Stücke folgen immer wieder ruhigere Passagen oder Songs, die stärker auf Atmosphäre und Dynamik setzen. Diese Spannungsbögen ziehen sich durch weite Teile der Platte und strukturieren das Songmaterial hörbar. Während Tracks wie der Opener ‚Name in Blood‘ oder das bereits vor einem Jahr veröffentlichte ‚Lord Humungus‘ die typische, riffgetriebene Seite der Band betonen, öffnen andere Stücke das Spektrum in Richtung balladesker oder akustisch geprägter Arrangements. So wie der abschließende ‚Ozzy’s Song‘, eine Ode an Wyldes früheren, im letzten Sommer verstorbenen Mentor.

Wyldes Spiel ist weiterhin geprägt von markanten Vibrato-Phrasierungen, bluesigen Noten, schmutziger Verzerrung und einigen schrägen Tönen und bleibt das bestimmende Element. Gleichzeitig wird der Bandkontext stärker eingebunden als auf manch früherer Veröffentlichung, was sich vor allem in den Arrangements bemerkbar macht. So sind einige Passagen in den Gitarrensolos zweistimmig angelegt. Zweiter Gitarrist der BLS ist seit 2014 Dario Lorina.

„Der Titel ‚Engines Of Demolition‘ bezieht sich auf eine Haltung von Stärke, Entschlossenheit, Unnachgiebigkeit – zerstören, erobern, wiederholen“, erklärt Wylde zum neuen Album. „Du bekommst Zitronen, also machst du Limonade daraus. Was sollen wir sonst tun? Also machen wir eben Limonade. Wenn du etwas tun musst, das du hasst, dann tu es einfach. Beschwer dich nicht. Mach es – und geh danach in die Kneipe.“

Tracklist

01. Name In Blood
02. Gatherer Of Souls
03. The Hand of Tomorrows Grave
04. Better Days & Wiser Times
05. Broken and Blind
06. The Gallows
07. Above & Below
08. Back To Me
09. Lord Humungus
10. Pedal To The Floor
11. Broken Pieces
12. The Stranger
13. Ozzy’s Song

Album-VÖ: 27.03.2026
Label: MNRK Heavy
www.blacklabelsociety.com

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Vinnie Vincent schreibt dazu auf seiner Homepage: „GUITARMAGEDDON wird als exklusives Einzelstück (1 von 1) im Master-Format für 2.000.000 US-Dollar angeboten. Dies umfasst 10 Songs in Masterqualität im finalen Produktformat, sämtliche Masterdateien des Artworks, zugehörige Poster sowie 10 separate Vinyl- und CD-Artworks für jeden einzelnen Song.“ Die Masteraufnahmen werden auf einer Festplatte übergeben. Die zehn Single-Artworks sollen es dem Erwerber ermöglichen, die erworbenen Songs einzeln zu veröffentlichen. Denn: „Der Käufer kann das gesamte Album in jedem gewünschten Format veröffentlichen – Vinyl, CD oder in jeder anderen Konfiguration, ganz oder teilweise, nach eigenem Ermessen.“ Allerdings werden nicht automatisch die Urheber- und/oder Markenrechte an den Kompositionen mit erworben. Und auch „alle Marketingpläne und -ideen bedürfen der Zustimmung von Vinnie Vincent“.

Musik wird zum Kunstgegenstand

Was, zugegeben, zunächst wie ein exzentrischer PR-Stunt wirkt, entpuppt sich bei näherem Hinsehen jedoch als zwar radikale, aber durchaus konsequente Antwort auf die faktische Entwertung von Musik: Streamingdienste haben sie jederzeit verfügbar gemacht und gleichzeitig durch die geringen Vergütungen ökonomisch marginalisiert. Vincent dreht dieses Prinzip nun also um. Statt Millionen Hörer mit minimalen Einnahmen anzusprechen, richtet er sich an genau eine Person, bzw. an einen sehr kleinen Kreis potenzieller Käufer, für die zwei Millionen Dollar kein ernsthaftes Hindernis darstellen. Das Album wird damit nicht mehr als Massenprodukt verstanden, sondern als exklusives Gut, vergleichbar mit Kunstwerken oder seltenen Sammlerstücken. Und das war dem 73-Jährigen schon bei vorherigen Veröffentlichungen wichtig. Wer sich mit einem Preis von 200 Dollar für eine Single nicht anfreunden wollte, wurde vom Künstler persönlich in die Schranken gewiesen: „Kein Künstler möchte seine Musik kostenlos an undankbare, selbstherrliche Versager verschenken.“

Mit seinem neuen Modell setzt Vincent also wieder voraus, dass Musik eben nicht für alle zugänglich sein muss. Es geht nicht um Fairness oder Teilhabe, sondern um Wertschöpfung. Das mag auf den ersten Blick gierig und unsozial wirken, ist aber ökonomisch konsequent. Wenn ohnehin nur ein kleiner Teil der Hörer bereit ist zu zahlen, warum dann nicht direkt diejenigen adressieren, die es wirklich können und wollen? Außerdem zieht man, bei Licht betrachtet, mit einem so utopischen Preis eh nur Käufer an, die sowieso zu viel Geld haben.

Ob sich tatsächlich ein Käufer findet, ist natürlich noch dahingestellt. Ebenso wie die Frage, ob der es dann auch der Öffentlichkeit zugänglich macht. Muss er ja nicht. Wir werden sehen.

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Die neue Platte markiert nach Aussage des Gitarristen einen Schritt hin zu einer persönlicheren künstlerischen Handschrift. Anders als beim Vorgänger tritt O’Brien diesmal unter seinem vollen Namen auf; ein Detail, das den stärker autobiografischen Ansatz unterstreicht. Denn entstanden ist ‚Blue Morpho‘ über mehrere Jahre hinweg und ist geprägt von einer schwierigen Phase während der Pandemie. Der 57-Jährige beschreibt die Entstehung als Reaktion auf eine depressive Episode, in der ihn vor allem das intensive Gitarrenspiel und ein Rückzug in die Natur stabilisierten.

Produziert wurde das Album von Paul Epworth. Zu den Mitwirkenden zählen unter anderem der Saxofonist Shabaka Hutchings sowie der estnische Komponist Tõnu Kõrvits, dessen orchestrale Arrangements vom Tallinn Chamber Orchestra eingespielt wurden. Musikalisch bewegt sich das Material zwischen psychedelischem Folk, cineastischen Klangflächen und progressiv geprägten Strukturen. Die Gitarrenarbeit bleibt dabei zentral, tritt jedoch häufig in einen dialogischen Kontext mit orchestralen und elektronischen Elementen.

Parallel zur Veröffentlichung ist mit ‚Blue Morpho: The Three Act Play‘ ein begleitender Kurzfilm angekündigt, der das sieben Stücke umfassende Album visuell erweitern soll. Auch live denkt O’Brien das Projekt weiter, allerdings nicht im klassischen Bandformat. Stattdessen deutet er eine offenere, eher jazz- und ensembleorientierte Umsetzung an.

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Angeführt von den beiden Namensgebern Susan Tedeschi und Derek Trucks, setzt das zwölfköpfige Ensemble auf ,Future Soul‘ konsequent auf Verdichtung und Klarheit. Die elf Songs sind kompakter angelegt als auf dem ausufernden Vorgänger ,I Am The Moon‘ (2022), ohne dabei die musikalische Tiefe oder die charakteristische Banddynamik einzubüßen. Statt ausgedehnter Jam-Passagen dominieren diesmal prägnante Arrangements, die den Fokus stärker auf Songwriting, Groove und kollektives Zusammenspiel legen.

Mit den Vorab-Singles ,I Got You‘ und ,Who Am I‘ wurde bereits ein erster Eindruck vermittelt. Besonders ,I Got You‘, geschrieben von Gitarrist und Sänger Mike Mattison, verweist mit seinem warmen Midtempo-Charakter auf Einflüsse von Derek and the Dominos oder Delaney and Bonnie. Trucks beschreibt den Song als bewussten Aufbruch: „Es fühlt sich wie die Band an, aber nicht wie etwas, das wir zuvor gemacht haben.“

Entstehung

Produziert wurde das Album von Mike Elizondo, der bereits mit Künstlern wie Eminem oder Dr. Dre gearbeitet hat, gemeinsam mit Derek Trucks. Die Aufnahmen entstanden im bandeigenen Swamp Raga Studio in Jacksonville sowie in den Phantom Studios in Tennessee. Inhaltlich und klanglich vereint ,Future Soul‘ eine breite Palette an Einflüssen, von klassischem Soul und Rhythm’n’Blues über Funk bis hin zu Rock und punktuellen Americana-Elementen. Zwar stehen dabei Gesang und Gesamtarrangement stärker im Mittelpunkt, doch Tracks wie ,Devil Be Gone‘ liefern weiterhin markante Gitarrenmomente, inklusive der für Derek Trucks charakteristischen Slide-Passagen.

Parallel zur Veröffentlichung geht die Band 2026 auf umfangreiche US-Tour. Nach einer Residency im Beacon Theatre in New York startet im April eine mehrwöchige Tournee mit zahlreichen Stationen sowie Festivalauftritten, unter anderem beim Bonnaroo und dem New Orleans Jazz & Heritage Festival.

Tracklist

01. Crazy Cryin’
02. I Got You
03. Who Am I
04. Hero
05. What In The World
06. Future Soul
07. Under The Knife
08. Be Kind
09. Devil Be Gone
10. Shout Out
11. Ride On

Album-VÖ: 20.03.2026
Label: Fantasy Records
www.tedeschitrucksband.com

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Der Beitrag Platte der Woche: TEDESCHI TRUCKS BAND „Future Soul“ erschien zuerst auf Guitar-Player.

Aufgenommen wurde das Album in der Münchner Heimat der Band. Ein bewusst gewählter Gegenpol zu den globalen Krisen und Unsicherheiten, die in vielen Texten mitschwingen. Die lokale Verankerung wird dabei zum kreativen Ausgangspunkt: Aus dem vertrauten Umfeld heraus richten sich die Songs auf die großen Fragen der Gegenwart. Musikalisch knüpft die Band an ihre charakteristische Mischung aus Indie-Pop, Elektronik, Post-Rock und subtilen Jazz-Elementen an, wirkt dabei jedoch unmittelbarer und energetischer als auf den letzten Veröffentlichungen.

Große Besetzung

Eine Besonderheit: Zum ersten Mal seit dem Album ,12‘ von 1995 spielte die erweiterte Live-Besetzung von The Notwist wieder gemeinsam im Studio. Statt einzelne Tracks isoliert zu produzieren, entstand das Material kollektiv. Songs wurden in der Gruppe entwickelt, arrangiert, geprobt und schließlich live eingespielt. Diese Arbeitsweise prägt den Klang von ,News From Planet Zombie‘ deutlich: Viele Stücke leben von der Dynamik zwischen den Musikern und von Momenten, in denen sich Ideen scheinbar spontan entfalten.

Neben den Kernmitgliedern Markus Acher (Gesang, Gitarre), Micha Acher (Bass, Sousaphon, Euphonium, Trompete) und Cico Beck (Elektronik, Keyboards, Gitarre) ist eine größere Bandbesetzung beteiligt. Theresa Loibl steuert Klarinetten, Klavier und Harmonium bei, Max Punktezahl ergänzt Gitarrenparts, während Karl Ivar Refseth mit Vibraphon, Marimba und weiterer Percussion zusätzliche Farben einbringt. Schlagzeuger Andi Haberl, der sonst meist in jazzigen Kontexten aktiv ist, sorgt für die rhythmische Basis. Gastbeiträge kommen unter anderem von Sängerin Enid Valu, der japanischen Musikerin Haruka Yoshizawa am Taishōgoto (japanische Kastenzither) sowie von Bläsern wie Tianping Christoph Xiao und Mathias Götz.

Das Ergebnis ist ein Album, das seine Stärke weniger aus einzelnen Songs als aus der Gesamtstimmung zieht. ,News From Planet Zombie‘ wirkt wie eine Sammlung kleiner musikalischer Räume: elektronische Texturen, fragile Gitarrenlinien, Holzbläser und vibrierende Percussion verschränken sich zu Songs, die gleichzeitig introspektiv und offen klingen. „Ich würde sagen, es ist eine sehr persönliche Platte“, erklärte Markus Acher dem Tagesspiegel. „Aber natürlich muss man auch auf die Zeiten jetzt eingehen.“ Gerade in dieser Balance aus Nachdenklichkeit und leiser Hoffnung liegt die besondere Qualität der Platte, und vielleicht auch eine Antwort auf die Frage, wie Popmusik auf eine unruhige Gegenwart reagieren kann.

Tracklist

01. Teeth
02. X-ray
03. Propeller
04. Red sun
05. The turning
06. Snow
07. Silver lines
08. Who we used to be
09. How the story ends
10. Projectors
11. Like this river

Album-VÖ: 13.03.2026
Label: Morr / Indigo
www.notwist.com

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