Dabei verfolgt Godin keinen Vintage-Ansatz um jeden Preis. Stattdessen verbindet die kanadische Manufaktur hochwertige Materialien mit zeitgemäßer Elektronik und einer Verarbeitung auf professionellem Niveau. Gerade die Fishman-Fluence-Humbucker verleihen der Gitarre einen deutlich moderneren Charakter, ohne klassische Sounds außen vor zu lassen.

Mit einem aktuellen Preis von 2.999 Euro bewegt sich die Godin Artisan ST-II klar im Premiumsegment. Entsprechend hoch sind die Erwartungen an Verarbeitung, Klang und Alltagstauglichkeit – und genau dort muss sie sich beweisen.

Design, Verarbeitung und erster Eindruck

Schon beim Auspacken hinterlässt die Artisan ST-II einen ausgesprochen hochwertigen Eindruck. Das Whisky-Burst-Finish bringt die Wölkchenahorndecke wirkungsvoll zur Geltung, ohne überladen zu wirken. Die Gold-Hardware setzt elegante Akzente, wirkt dabei aber nicht aufdringlich.

Die Lackierung ist makellos ausgeführt, Übergänge zwischen Hals und Korpus sind sauber gearbeitet und sämtliche Fräsungen hinterlassen einen präzisen Eindruck. Auch die Bundierung überzeugt mit sauber verrundeten Bundenden und einer angenehm niedrigen Saitenlage ohne Schnarren.

Der geröstete Ahornhals harmoniert optisch hervorragend mit dem dunklen Ebenholzgriffbrett. Zusammen entsteht ein modernes Erscheinungsbild, das eher auf Understatement als auf Showeffekte setzt.

Trotz der massiven Ausstattung wirkt die Gitarre ausgewogen. Weder kopflastiges Verhalten noch unnötiges Gewicht fallen im Spielbetrieb negativ auf. Bereits die ersten Minuten vermitteln den Eindruck eines Instruments, das für den täglichen Einsatz gebaut wurde.

Konstruktion und Ausstattung

Godin kombiniert bei der Artisan ST-II einen Korpus aus kanadischer Linde mit einer Decke aus Wölkchenahorn. Diese Konstruktion liefert eine ausgewogene Basis mit schneller Ansprache und klarer Mittenabbildung, während die Ahorndecke zusätzliche Definition beisteuert.

Der geschraubte Hals aus Roasted Maple vermittelt ein direktes Spielgefühl und profitiert gleichzeitig von der hohen Formstabilität gerösteten Holzes. Zusammen mit dem Ebenholzgriffbrett, dem 12-Zoll-Radius und den 22 Medium-Bünden entsteht eine moderne Spielplattform, die sowohl Akkordarbeit als auch schnelles Solospiel unterstützt.

Mit der klassischen 25,5-Zoll-Mensur bleibt das Spielgefühl vertraut, während der Graph-Tech-Sattel und die Locking-Mechaniken zuverlässig für saubere Stimmhaltung sorgen.

Besonders interessant ist die Elektronik. Zwei Fishman Fluence Gold Classic Humbucker arbeiten mit einem 5-Wege-Schalter sowie einem Push/Pull-Tonregler, der zusätzliche Voicings aktiviert. Dadurch entstehen deutlich mehr Klangvarianten als bei einer klassischen HH-Konfiguration. Laut Hersteller und den Informationen aus dem bereitgestellten Review werden sowohl Vintage-orientierte als auch moderne High-Fidelity-Voicings angeboten.

Die Tune-o-matic-Bridge mit String-Through-Body-Konstruktion unterstützt eine direkte Ansprache und sorgt für ein langes Sustain.

Ergonomie und Spielgefühl

Bereits nach kurzer Eingewöhnung fällt auf, wie komfortabel sich die Artisan ST-II spielen lässt. Der Hals besitzt eine moderne Kontur, die weder zu kräftig noch ausgesprochen flach wirkt und dadurch unterschiedlichste Spieltechniken unterstützt.

Das Ebenholzgriffbrett fühlt sich schnell und präzise an, Bendings gelingen mühelos und auch komplexere Akkorde profitieren von der angenehmen Halsgeometrie. Der Zugang zu den hohen Lagen ist für eine geschraubte Konstruktion ausgesprochen komfortabel.

Am Gurt bleibt die Gitarre angenehm ausbalanciert. Selbst längere Proben oder Live-Sets werden dadurch nicht zur Belastung.

Besonders positiv fällt die Dynamik auf. Die Artisan ST-II reagiert sehr sensibel auf unterschiedliche Anschlagstärken und vermittelt jederzeit direkten Kontakt zwischen Spieler und Instrument.

Klangcharakter

Der Grundcharakter der Godin Artisan ST-II ist klar, offen und ausgesprochen definiert. Statt ausgeprägter Eigenfärbung liefert sie eine neutrale Grundlage, auf der sich unterschiedliche Verstärker und Effekte hervorragend entfalten können.

Die Bässe bleiben kontrolliert und straff, während die Mitten ausreichend Substanz besitzen, ohne überbetont zu wirken. Die Höhen präsentieren sich brillant, aber nie scharf oder unangenehm.

Besonders auffällig ist die Transparenz bei komplexen Akkorden. Auch bei dichter Verzerrung bleiben einzelne Stimmen gut nachvollziehbar. Gleichzeitig entwickelt die String-Through-Konstruktion ein langes Sustain, ohne künstlich komprimiert zu wirken.

Die Ansprache erfolgt unmittelbar, wodurch sich dynamisches Spiel besonders gut umsetzen lässt.

Pickups und Sounds in der Praxis

Die Fishman Fluence Classic Humbucker gehören zu den größten Stärken der Artisan ST-II. Im Clean-Bereich entstehen sehr klare, breit aufgelöste Sounds mit hoher Transparenz. Funk-Rhythmen profitieren von der schnellen Ansprache, während Pop- und Fusion-Sounds ausgesprochen differenziert wirken.

Mit leichtem Crunch entwickelt die Gitarre warme Blues-Sounds und klassische Rock-Riffs mit guter Definition. Akkorde bleiben selbst bei höherem Gain sauber aufgelöst.

Im Classic Rock liefern die Humbucker ausreichend Druck, ohne dabei an Offenheit einzubüßen. Für moderne Rock-Produktionen oder Hard Rock steht genügend Output zur Verfügung, während High-Gain-Sounds erstaunlich kontrolliert bleiben. Das bereitgestellte Review hebt ebenfalls hervor, dass die Gitarre sowohl bei Clean-Sounds als auch bei mittleren und hohen Verzerrungsgraden überzeugt.

Besonders gelungen ist die Reaktion auf Anschlag und Volume-Poti. Bereits kleine Änderungen werden hörbar umgesetzt, wodurch sich viele Klangfarben direkt über die Spieltechnik formen lassen.

Die zusätzlichen Fluence-Voicings erweitern den Einsatzbereich sinnvoll, ohne den Grundcharakter der Gitarre zu verwässern.

Live- und Studioeinsatz

Im Bandkontext setzt sich die Artisan ST-II hervorragend durch. Die definierte Mittenstruktur verhindert, dass der Klang im Mix untergeht, während die kontrollierten Bässe genügend Platz für Bass und Schlagzeug lassen.

Im Studio überzeugt vor allem die hohe Detailauflösung. Einzelne Noten bleiben sauber nachvollziehbar und benötigen häufig weniger Nachbearbeitung als bei vielen traditionell abgestimmten Humbucker-Gitarren.

Die aktive Pickup-Technologie arbeitet ausgesprochen rauscharm. Zusammen mit der stabilen Hardware, den Locking-Mechaniken und dem Graph-Tech-Sattel ergibt sich ein Instrument, das auch bei längeren Sessions zuverlässig in Stimmung bleibt.

Für wen eignet sich die Gitarre?

Die Godin Artisan ST-II empfiehlt sich besonders für Studio-Gitarristen, Coverbands, Fusion-Spieler sowie professionelle Live-Musiker, die mit nur einer Gitarre möglichst viele Stilrichtungen abdecken möchten.

Auch Blues-, Pop-, Funk- und Rock-Gitarristen profitieren von der enormen Vielseitigkeit der Fishman-Elektronik. Wer regelmäßig zwischen Clean, Crunch und High Gain wechselt, erhält hier ein ausgesprochen flexibles Werkzeug.

Weniger geeignet ist die Artisan ST-II für Puristen, die ausschließlich traditionelle Vintage-Humbucker oder klassische Singlecoil-Instrumente suchen. Ihr moderner Grundcharakter und die aktive Pickup-Technologie sprechen eindeutig Spieler an, die Offenheit und Vielseitigkeit höher gewichten als maximale Vintage-Authentizität.

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Die Stage 7 ist in drei Ausführungen erhältlich. Während unser Testmodell mit einem eleganten Akazien-Furnier ausgestattet ist, gibt es außerdem die Variante White Burst mit markantem Riegelahorn-Furnier sowie eine Version mit ausdrucksstarkem Ziricote-Furnier. Die Unterschiede beschränken sich auf die Optik, denn Konstruktion und Ausstattung sind bei allen Modellen identisch.

Modern bis ins kleinste Detail

Bereits auf den ersten Blick wird deutlich, dass die Abasi Stage 7 keine gewöhnliche Konzertgitarre sein möchte. Die Kombination aus Ultra Thin Body mit markantem Cutaway erinnert mehr an eine moderne E-Gitarre als an eine klassische Nylonstring.

Auch das Schallloch in der oberen Zarge ist kein reines Designmerkmal, sondern bringt einen spürbaren Vorteil mit sich. Der Spieler nimmt den Klang wesentlich direkter wahr, was vor allem beim Fingerstyle-Spiel oder komplexen Arrangements einen echten Mehrwert bietet. Das direkte Feedback ermöglicht somit eine verbesserte Kontrolle über das eigene Spiel.

Auch die Verarbeitung hinterlässt einen hochwertigen Eindruck. Die Kombination aus massiver Fichtendecke, massivem Mahagoni für Boden und Zargen sowie dem sauber verarbeiteten Furnier vermittelt einen durchweg edlen Gesamteindruck.

Wie klingt die Abasi Stage 7?

Klanglich bewegt sich die Abasi Stage 7 auf einem interessanten Grat zwischen traditioneller Konzertgitarre und innovativer Bühnengitarre mit dem gewissen Etwas. Ihre klassische Tonholzkombination aus einer massiven Fichtendecke sowie Boden und Zargen aus Mahagoni liefert einen ausgewogenen Sound mit brillanten Höhen und warmen Mitten. Das speziell entwickelte Custom 4 pc. Fan Bracing sorgt zusätzlich für eine ausgewogene Projektion und eine erfreulich differenzierte Wiedergabe.

Das klangliche Highlight dieser einzigartigen Gitarre ist zweifellos die siebte Saite, die das Klangspektrum deutlich erweitert. Wer bisher nur auf regulären Sechssaitern gespielt hat, könnte dies zunächst gewöhnungsbedürftig finden, wird mit Sicherheit aber schnell von den neuen Möglichkeiten, die die zusätzliche Saite mit sich bringt, überzeugt. Gerade Solo-Kompositionen und moderne Arrangements erhalten hiermit eine neue Nuance, die die Komplexität steigert. So lassen sich beispielsweise tiefe Basslinien unabhängig von Melodien und Akkorden spielen, ohne dass das Instrument an Transparenz verliert. Dabei wurde natürlich genauestens darauf geachtet, dass der tonale Grundcharakter angenehm ausgewogen bleibt.

Überraschend vertrautes Spielgefühl

Für eine optimale Saitenspannung verfügt die Abasi Stage 7 über eine Multiscale, die von 647,7 bis 698,5 Millimetern verläuft. Gerade die siebte Saite profitiert von der verlängerten Mensur und bleibt auch bei tieferen Stimmungen definiert und sauber. Auch die hohen Saiten lassen sich ausgesprochen komfortabel greifen.

In puncto Ergonomie über zeugt die Gitarre mit einem Mahagonihals, einem Flat-C-Halsprofil mit einer etwas flacheren Rückseite, einem Griffbrett aus Palisander und 24 sauber verarbeiteten Bünden. Der Hals lässt sich hiermit leichter umschließen als bei einem herkömmlichen C-Profil mit stärkerer Rundung, sodass die Hand angenehm und flüssig gleiten kann. Mit einer Sattelbreite von 54 Millimetern bietet das Griffbrett zudem ausreichend Platz für die siebte Saite, ist jedoch zeitgleich schlank genug für kompliziertere Griffe. Somit liegt sie auch Spielern mit kleineren Händen und jenen, die an die übliche 52-Millimeter-Sattelbreite von Standard-Konzertgitarren gewöhnt sind, gut in der Hand.

Bühnentauglich dank Fishman Stage

Eine solch sensationelle und innovative Konzertgitarre will natürlich auch live präsentiert werden. In Zusammenarbeit mit Fishman entwickelte Córdoba das Stage Pickupsystem und kombiniert einen Undersaddle-Tonabnehmer mit im Korpus integrierten Sensoren für einen authentischen Nylonstring-Klang. Für eine leichte Bedienung verfügt das System über einen seitlich angebrachten Lautstärkeregler, einen Tone-Regler und einen Body Blend. Wer regelmäßig auf der Bühne steht, wird dieses System definitiv schätzen lernen.

Für wen ist die Córdoba Abasi Stage 7 geeignet?

Während Fans von Tosin Abasi eine unvergleichliche Signature-Gitarre ihres Idols erhalten, sind auch leidenschaftliche Bühnengitarristen hervorragend mit diesem Instrument beraten. Gerade die Kombination aus dem Klang einer klassischen Gitarre mit den spieltechnischen Möglichkeiten moderner Modelle macht sie so interessant. Die siebte Saite erweitert die spieltechnischen Möglichkeiten, von denen besonders Fingerstyle-Spieler und begeisterte Solisten profitieren, um ein Vielfaches und genügend Raum, sich mal so richtig auszutoben. Dank ihres schlanken Ultra Thin Bodys und der flacheren Halskonstruktion fällt auch der Umstieg von der E-Gitarre erstaunlich leicht.

Anfänger und jene, die die Gitarre als Gesangsbegleitung spielen, sind hingegen nicht die primäre Zielgruppe der Abasi Stage 7. Sie fokussieren sich besser auf klassische sechssaitige Konzertgitarren, die ihren Zwecken einfach besser dienen. Schließlich sind Soloarrangements hier weniger ein Thema.

Mehr als nur eine weitere Signature-Gitarre

Die Córdoba Abasi Stage 7 zeigt eindrucksvoll, dass sich die Konzertgitarre auch im Jahr 2026 noch neu erfinden lässt. Klassische Nylonklänge und ein erhöhtes Potenzial schaffen eine spannende Alternative für Gitarristen, die über traditionelle Konzepte hinausdenken möchten. Egal, ob Acacia, White Burst mit Riegelahorn-Furnier oder Ziricote mit markanter Maserung: Jede Variante bietet dieselbe innovative Technik in einem eigenständigen Look.

Titelbild: Córdoba

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Der Crazy Tube Circuits White Whale Jr. verbindet deshalb zwei klassische Amp-Effekte: einen echten analogen Federhall mit drei Federn und ein Tremolo, dessen Klangbild sich an historischen Bias- und Opto-Schaltungen orientiert. Das ist keine möglichst vielseitige Ambient-Workstation, sondern ein bewusst fokussiertes Boutique Pedal für Gitarristen, die Federhall als mechanischen, leicht unberechenbaren Bestandteil ihres Sounds verstehen. Mit einem Preis von 295 Euro ist der White Whale Jr. kein günstiges Kombipedal. Angesichts des realen Halltanks und der analogen Schaltung bleibt die Kalkulation jedoch nachvollziehbar.

Design und Verarbeitung des White Whale Jr.

Mit 83 × 154 × 68 Millimetern ist das Gehäuse größer und vor allem höher als ein gewöhnliches Standardpedal. Für ein Gerät mit integriertem 3-Feder-Halltank fällt es dennoch erstaunlich kompakt aus. Auf dem Pedalboard beansprucht der White Whale Jr. ungefähr den Platz eines mittelgroßen Doppelpedals, wobei wegen seiner Höhe auch die Position unter einem erhöhten Board oder in einem flachen Case geprüft werden sollte.

Die Bedienoberfläche ist klar in Reverb und Tremolo unterteilt. Unterschiedliche Reglerfarben helfen bei der Orientierung, während die beiden Soft-Touch-Fußschalter weit genug auseinanderliegen, um die Effektsektionen live gezielt zu schalten. Das Gehäuse wirkt stabil, die Regler sitzen praxisgerecht und die Beschriftung bleibt auch bei schwächerem Licht nachvollziehbar.

Der Boutique-Faktor entsteht hier nicht durch dekorativen Luxus, sondern durch die handgefertigte Konstruktion und den Aufwand, einen echten Federhall in diesem Format unterzubringen. Allerdings bleibt ein mechanischer Halltank naturgemäß empfindlicher gegen harte Stöße und Trittschall als eine vollständig elektronische Reverb-Schaltung. Der White Whale Jr. sollte daher nicht unmittelbar neben besonders energisch betätigten Pedalen oder auf einem stark schwingenden Board montiert werden.

Anschlüsse, Stromversorgung und Routing

Der White Whale Jr. arbeitet mono und besitzt jeweils einen Ein- und Ausgang. Stereo-Rigs, parallele Effektwege und Wet/Dry/Wet-Systeme lassen sich somit nur über zusätzliche Router, Splitter oder Mixer realisieren. Auch MIDI, Presets, Expression-Anschluss und Effektloop fehlen. Das entspricht dem bewusst traditionellen Konzept, begrenzt aber die Integration in komplexe moderne Rigs.

Beide Effektsektionen besitzen eigene Fußschalter und können getrennt oder gemeinsam verwendet werden. Relaisbasiertes True Bypass nimmt die Schaltung bei deaktiviertem Effekt aus dem Signalweg. Zusätzlich merkt sich das Pedal seinen letzten Schaltzustand. Nach dem Einschalten eines Rigs stehen Reverb und Tremolo somit wieder in der zuvor gewählten Kombination bereit.

Die Stromversorgung erfolgt mit 9 Volt DC, Minuspol innen. Ein Netzteil gehört nicht zum Lieferumfang. Laut den technischen Angaben sollte ein Anschluss mit mindestens 110 mA Reserve eingeplant werden. Wegen der analogen Audioschaltung und des mechanischen Halltanks empfiehlt sich ein sauberer, isolierter Ausgang des Pedalboard-Netzteils.

Vor einem cleanen oder leicht angezerrten Verstärker verhält sich der White Whale Jr. wie eine kompakte Interpretation klassischer Amp-Effekte. In einem seriellen Effektweg bleiben Hall und Tremolo bei stärkerem Preamp-Gain definierter. Beide Positionen funktionieren, führen aber zu deutlich unterschiedlichen Ergebnissen: Vor der Vorstufe wird die Hallfahne mitverzerrt, im Loop liegt sie hinter der Verzerrung und bleibt transparenter.

Bedienkonzept und direkter Workflow

Die Reverb-Sektion bietet Dwell, Tone, Mix und Volume. Das Tremolo wird über Speed, Intensity und einen eigenen Volume-Regler kontrolliert. Trotz der sieben Regler bleibt das Bedienkonzept unmittelbar verständlich. Es gibt keine Zweitbelegungen, Menüs oder gespeicherten Sounds. Jede Reglerbewegung verändert genau den Parameter, der auf dem Gehäuse steht.

Der separate Lautstärkeregler für jede Sektion ist im Alltag wichtiger, als es zunächst erscheint. Reverb und Tremolo lassen sich auf exakte Lautstärkeneutralität bringen oder bewusst als leichte Pegelanhebung einsetzen. Das Tremolo kann dadurch den wahrgenommenen Lautstärkeverlust ausgleichen, der bei tiefer Modulation häufig entsteht. Die Reverb-Sektion bietet genug Reserve, um den Federhall samt analoger Sättigungsfärbung als charaktergebenden Effekt hervorzuheben.

Der White Whale Jr. lädt dazu ein, während des Spielens nach Gehör zu arbeiten. Allerdings ist er kein Pedal für reproduzierbare Preset-Wechsel. Wer innerhalb eines Sets mehrere exakt definierte Hall- und Tremolo-Sounds benötigt, muss die Einstellungen manuell verändern oder mit einer einzigen Grundkonfiguration auskommen.

Echter Federhall statt digitaler Nachbildung

Die eigentliche Besonderheit dieses Effektpedal Tests liegt im mechanischen 3-Feder-Halltank. Das Eingangssignal versetzt reale Federn in Bewegung, deren Schwingungen wieder abgenommen und dem trockenen Signal zugemischt werden. Dadurch entsteht kein idealisiertes Reverb-Modell, sondern ein lebendiges System mit Resonanzen, leichten Verfärbungen und einer vom Anschlag abhängigen Reaktion.

Im Klang zeigt sich das durch eine körnige, räumlich kompakte Hallfahne. Einzelne Töne erhalten Tiefe und eine leicht metallische Bewegung, ohne hinter einer glatten digitalen Fläche zu verschwinden. Akkorde bleiben bei moderaten Einstellungen gut lesbar. Bei höheren Mix- und Dwell-Werten treten die typischen Federresonanzen deutlicher hervor. Der Sound wird dichter, spritziger und bewusster retro, ohne in einen endlos auslaufenden Ambient-Hall überzugehen.

Die analoge Röhren- und Sättigungsemulation gibt dem Reverb zusätzliche Substanz. Besonders mit einem Verstärker am Rand des Breakups verschmilzt die Hallfahne überzeugend mit dem Grundsound. Sie wirkt weniger wie ein nachträglich aufgesetzter Raumeffekt und eher wie ein Bestandteil des Verstärkers.

Vintage-Tremolo mit organischer Bewegung

Das Tremolo arbeitet weich und ausgesprochen musikalisch. Seine Bewegung erinnert weniger an eine hart schaltende Lautstärkezerlegung als an das Pulsieren eines klassischen Verstärkers. Langsame Einstellungen erzeugen ein breites Atmen, während höhere Geschwindigkeiten deutlich rhythmischer werden. Auch bei kräftiger Intensity bleibt der Grundcharakter rund.

Gerade zusammen mit dem Federhall entwickelt das Pedal seine stärkste Identität. Das Tremolo bewegt nicht nur den trockenen Ton, sondern verändert die Wahrnehmung des gesamten Raums. Langsame Akkorde bekommen eine schwebende Kontur, Single-Note-Linien wirken räumlicher und trockene Riffs erhalten sofort eine erkennbare Vintage-Färbung.

Für experimentelles Sounddesign fehlen allerdings alternative Wellenformen, Tap Tempo und rhythmische Unterteilungen. Das Tremolo ist kein programmierbares Modulationswerkzeug, sondern eine charaktervolle Amp-Style-Schaltung. Innerhalb dieses Rahmens lässt es sich sehr fein kontrollieren.

Die Parameter im musikalischen Einsatz

Dwell sollte nicht nur als Länge des Halls verstanden werden. Der Regler beeinflusst, wie stark der Tank angeregt wird und wie präsent seine Resonanzen im Ergebnis erscheinen. Niedrige Werte liefern einen kurzen räumlichen Schatten. Höhere Einstellungen bringen mehr mechanische Bewegung und einen deutlicheren Federcharakter hervor. Die Nachhallzeit wächst dabei nicht so unabhängig und gleichmäßig wie bei einem digitalen Reverb.

Tone entscheidet darüber, wie stark sich das typische metallische Spritzen im oberen Frequenzbereich durchsetzt. Dunklere Einstellungen eignen sich gut für angezerrte Sounds und dichter gespielte Akkorde. Ein weiter geöffneter Tone-Regler betont Attack, Federstruktur und Surf-Charakter, kann bei hellen Gitarren und brillanten Verstärkern aber schnell sehr präsent werden.

Mit Mix lässt sich der Effekt vom subtilen Amp-Hall bis zu einer deutlich hervortretenden Halltextur dosieren. Selbst weit aufgedreht bleibt die Wirkung jedoch stärker an klassischen Federhall gebunden als an vollständig verwaschene Ambient Gitarre. Der White Whale Jr. erzeugt Tiefe und Bewegung, aber keine grenzenlose Hallwolke.

Speed und Intensity greifen sehr musikalisch ineinander. Langsame, tiefe Modulationen eignen sich für breite Akkorde und Drone Sounds. Schnellere Einstellungen funktionieren bei kurzen Surf-Phrasen, perkussiven Figuren und nervöseren Texturen. Dank des Tremolo-Volume-Reglers lässt sich der Effekt anschließend exakt in den Bandpegel einpassen.

Ambient Gitarre, Drone Sounds und Effektketten

Obwohl der White Whale Jr. konzeptionell aus der Vintage-Welt kommt, lässt er sich auch für moderne Klangflächen einsetzen. Mit E-Bow, Volume-Pedal oder starkem Sustain erzeugt der Federhall bewegte Obertöne, die weniger glatt wirken als viele digitale Reverbs. Das Ergebnis ist körperlicher, unruhiger und besitzt eine markante metallische Textur.

Für große Reverb- und Delay-Ketten eignet sich der White Whale Jr. besonders als färbende Stufe. Vor einem langen digitalen Hall sorgt er für federnde Transienten und organische Unregelmäßigkeiten. Hinter einem Delay verbindet er Wiederholungen zu einem kompakteren Raum. Vor Overdrive oder Fuzz wird die Hallfahne selbst Teil der Verzerrung und kann bei höheren Einstellungen rau und psychedelisch werden.

Bei Drone Sounds und Sounddesign Gitarre sollte man allerdings keine endlosen Decays erwarten. Die Stärke des Pedals liegt eher in der Textur als in der Dauer. Es kann eine Ambient-Kette charakterlich eröffnen oder abschließen, ersetzt aber keine großformatige Hallmaschine für Shimmer, Freeze und minutenlange Klangflächen.

Das mechanische Prinzip lässt sich auch gezielt als Störquelle einsetzen. Ein Stoß gegen das Gehäuse kann den typischen scheppernden Federimpuls erzeugen. Das ist für Übergänge und experimentelle Geräusche interessant, im normalen Live-Betrieb aber zugleich ein Grund, das Pedal vor unbeabsichtigten Erschütterungen zu schützen.

Live- und Studio-Praxis

Live überzeugt der White Whale Jr. durch seine klar getrennten Sektionen. Reverb und Tremolo lassen sich unabhängig aktivieren, ohne durch verschiedene Modi schalten zu müssen. Eine subtile Hall-Grundeinstellung kann dauerhaft eingeschaltet bleiben, während das Tremolo nur für einzelne Songteile hinzukommt. Die Soft-Touch-Schalter arbeiten angenehm und reduzieren mechanische Schaltgeräusche.

Im Bandmix setzt sich der Federhall besser durch als ein sehr weicher, diffuser Raumklang. Seine oberen Resonanzen geben dem Gitarrenton Kontur, ohne zwangsläufig viel Tieftonenergie anzuhäufen. Bei dichten Arrangements sollte der Mix dennoch zurückhaltend eingestellt werden, da der charaktervolle Hall sonst mit Becken, Keyboards oder einer zweiten Gitarre konkurrieren kann.

Im Studio ist der White Whale Jr. mehr als ein Ersatz für fehlenden Verstärkerhall. Über seinen Volume-Regler kann die Reverb-Sektion leicht nach vorne geschoben und als klangformende Stufe aufgenommen werden. Auch Reamping bietet sich an, wenn eine zunächst trockene Spur nachträglich echten Federcharakter erhalten soll. Dabei sollte das Pedal erschütterungsarm aufgestellt werden, da Schritte, Stöße am Tisch oder Bewegungen des Pedalboards in den Tank gelangen können.

Dynamisch reagiert das Pedal überzeugend auf Anschlag und Gitarrenlautstärke. Leise Passagen bleiben räumlich, während härtere Anschläge die Federn deutlicher anregen. Genau diese Interaktion macht den entscheidenden Unterschied zu einem statischen Hallklang und sorgt dafür, dass sich der Effekt beim Spielen wie ein Teil des Instruments anfühlt.

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Auf dem Papier klingt das allemal vielversprechend. Doch funktioniert dieses Konzept im Übungsalltag tatsächlich oder finden wir hier nur eine weitere Übungsspielerei? Ich habe mir die Litejam Smart Guitar genauer angesehen und getestet, ob die LED-Technik einen echten Mehrwert bietet oder am Ende doch eher ein nettes visuelles Gimmick bleibt.

Features der Litejam Smart Guitar im Überblick

Auf den ersten Blick wirkt die Litejam wie eine gewöhnliche E-Gitarre mit Griffbrettbeleuchtung. Tatsächlich handelt es sich entsprechend auch um ein vollwertiges Instrument, dessen Griffbrett mit zahlreichen LEDs ausgestattet wurde und das für einen Preis von rund 425 Euro eine ziemlich solide Qualität bietet. Das eigentliche Highlight der Gitarre sind jedoch die LEDs im Griffbrett: Diese zeigen je nach gewähltem Lernmodus Akkorde, Tonleitern oder einzelne Noten direkt unter den Fingern an.

Die Steuerung erfolgt entweder direkt über die Gitarre oder über die kostenlose Litejam-App. Insgesamt stehen dabei drei Betriebsmodi zur Verfügung: Im Built-In-Modus lassen sich grundlegende Funktionen ohne Smartphone nutzen, während der In-App-Modus sämtliche Lernfunktionen freischaltet und es ermöglicht, die LEDs direkt per App zu steuern. Dabei fungiert das Smartphone quasi als Fernbedienung, was sich in der Praxis wunderbar umsetzen lässt. Zusätzlich steht ein Bluetooth-Modus zur Verbindung mit kompatiblen Geräten bereit.

Auch die Ausstattung der Smart Guitar macht einen guten Eindruck. Ein ST-Style-Lindenkorpus trifft auf einen geschraubten Ahornhals mit Palisandergriffbrett und 24 Bünden, was eine hervorragende Basis für ein erstes Instrument darstellt.

Für den Sound sorgen ein Humbucker in der Stegposition, ein Mini-Humbucker am Hals sowie ein Single Coil in der Mittelposition, wodurch die Smart Guitar definitiv ein klanglicher Allrounder ist.

Zusammen mit einem klassischen 2-Punkt-Tremolo und Druckgussmechaniken bringt die E-Gitarre alles mit, was man für den Einstieg benötigt, um von Blues bis Rock nahezu alle Stilrichtungen zu erlernen.

Der integrierte 4.000-mAh-Akku versorgt die LED-Technik mit Energie und ermöglicht eine Laufzeit von bis zu zehn Stunden. Der aktuelle Akkustand lässt sich jederzeit bequem über die Litejam-App überprüfen. Ist der Akku einmal leer, kann die Gitarre unkompliziert über den USB-C-Anschluss mit dem mitgelieferten Ladekabel wieder aufgeladen werden.

Praxistest

Für rund 425 Euro erhält man keineswegs nur eine „Lerngitarre“ mit eingebauten LEDs, sondern ein sauber verarbeitetes Instrument, das sich auch unabhängig von seinen Smart-Funktionen problemlos spielen lässt. Die generelle Verarbeitung, Hardware und das Tremolosystem wirken solide und vermitteln insgesamt eine hohe Wertigkeit für ihren Preis.

Zusammenspiel mit der Litejam-App

Die Verbindung zur Litejam-App funktioniert problemlos und die E-Gitarre wurde nach dem Einschalten sofort erkannt. Nach dem Bluetooth-Pairing muss die Smart Guitar zunächst in den entsprechenden Performance-Modus geschaltet werden, der per Doppelklick auf den Knopf oberhalb der USB-C-Schnittstelle am Korpus aktiviert wird.

Anschließend reagiert das Griffbrett unmittelbar auf sämtliche Änderungen innerhalb der App. Akkorde, Tonleitern oder individuelle Einstellungen werden praktisch in Echtzeit auf dem Griffbrett dargestellt, wodurch ich zu Beginn erst einmal sämtliche Lichtspielereien ausprobieren musste.

Dabei kann man sich tatsächlich schnell verlieren, denn die Übersicht aller Akkorde und Skalen ist in der App intuitiv aufgebaut und lässt sich auch von unerfahrenen Gitarristinnen und Gitarristen problemlos bedienen und nachvollziehen.

 

 

Funktionen der Litejam App

Gerade die App gehört zu den größten Stärken der Litejam Smart Guitar und sollte definitiv im Zusammenhang mit dem Instrument genutzt werden, um einen Mehrwert zu bekommen. Sie bietet eine übersichtliche Oberfläche, zahlreiche Akkord- und Skalentypen sowie umfangreiche Anpassungsmöglichkeiten, mit denen sich die LEDs im Handumdrehen individualisieren lassen. Farben können verändert, eigene Akkorde erstellt oder komplette Skalen über das gesamte Griffbrett je nach Geschmack und Vorliebe visualisiert werden. Besonders gelungen ist dabei, dass sich sogar einzelne Saiten gezielt ein- oder ausblenden lassen, wodurch sich bestimmte Übungen deutlich einfacher gestalten lassen.

Anfangs war ich allerdings skeptisch, ob ein leuchtendes Griffbrett Anfängerinnen und Anfängern tatsächlich beim Lernen hilft. Nach einigen Übungseinheiten muss ich zugeben, dass das Konzept durchaus seinen Reiz besitzt. Es macht schlicht Spaß, sich Skalen oder Akkorde direkt auf dem Instrument anzeigen zu lassen und unmittelbar auszuprobieren.

Selbst als erfahrener Gitarrist konnte ich der App noch etwas abgewinnen, obwohl einige Skalen bei mir über die Jahre etwas eingerostet waren. Obwohl ich eigentlich keinen weiteren „Crashkurs“ benötigte, hat die übersichtliche Darstellung einige eingestaubte Skalen und Akkordformen wieder ins Gedächtnis gerufen.

Gerade das freie Experimentieren mit unterschiedlichen Skalentypen funktioniert angenehm intuitiv und macht zur Abwechslung auch mal wieder Spaß.

Braucht man es wirklich, um besser üben zu können?

Dennoch blieb meine anfängliche Skepsis nicht vollständig unbegründet. Letztlich lassen sich sämtliche Skalen, Akkorde und Griffbilder ebenso in Lehrbüchern oder innerhalb weniger Sekunden im Internet finden. Im Zweifel lässt sich die Litejam-App auch ohne Gitarre nutzen, um eine übersichtliche Akkord- und Skalenbibliothek schnell abrufbereit zu haben. Rein objektiv betrachtet ersetzt das LED-Griffbrett also keine klassische Musiktheorie.

Die entscheidende Frage lautet deshalb: Erleichtert die Litejam tatsächlich das Lernen oder handelt es sich eher um eine technische Spielerei?

Meine Antwort liegt irgendwo dazwischen. Wer ohnehin gerne Theoretisch arbeitet, wird die meisten Inhalte vermutlich bereits kennen und die LEDs eher als nette Ergänzung wahrnehmen. Für Einsteiger oder Gitarristen, die bisher Schwierigkeiten hatten, Theorie und Praxis miteinander zu verbinden, kann das visuelle Konzept dagegen durchaus den entscheidenden Motivationsschub liefern. Gerade die direkte Übertragung theoretischer Griffbilder auf das Instrument macht abstrakte Zusammenhänge deutlich greifbarer. Insbesondere dann, wenn kein Gitarrenlehrer zur Verfügung steht, der diese Inhalte praktisch vermittelt.

Hat man die Lernphase irgendwann hinter sich gelassen, bleibt die Gitarre dennoch interessant. Im Performance-Modus verwandelt sich das Griffbrett in eine frei konfigurierbare Lichtshow, deren Farben und Animationen individuell angepasst werden können. Für Live-Auftritte oder Social-Media-Content sorgt das definitiv für einen zusätzlichen Hingucker.

Bespielbarkeit & Handling

Spürt man die LEDs im Griffbrett der Litejam Smart Guitar?

Eine weitere Frage, die ich mir gestellt habe, lautete: Spürt man die LEDs überhaupt beim Spielen? Kurz gesagt: Es gibt praktisch keinen Unterschied zu einer herkömmlichen E-Gitarre. Die LEDs sind sauber im Griffbrett eingelassen und während des Spielens haptisch nicht wahrnehmbar. Weder Slides noch Bendings werden dadurch beeinträchtigt und nach kurzer Zeit vergisst man sogar, dass sich überhaupt LEDs unter den Fingern befinden, sofern man im Flow ist.

Einen Kritikpunkt konnte ich im Praxistest allerdings nicht ignorieren. Um die LEDs zuverlässig erkennen zu können, musste ich mich gerade zu Beginn immer wieder nach vorne beugen. In einer normalen Sitzposition überlagern sich die LEDs aus der natürlichen Blickrichtung teilweise, sodass man den Kopf bewusst weiter über das Griffbrett bewegen muss, um die Muster sauber erkennen zu können.

Gerade Anfängerinnen und Anfänger, die noch stark auf die LED-Anzeigen angewiesen sind, könnten sich dadurch unbewusst eine ungünstige Spielhaltung angewöhnen. Ich selbst habe mich immer wieder dabei erwischt, wie ich meinen Oberkörper nach vorne verlagerte, um bestimmte Griffbilder oder Skalenverläufe besser erkennen zu können. Das ist zwar kein gravierender Mangel, sollte beim Kauf jedoch berücksichtigt werden.

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Trotz dieser konzeptionellen Ausrichtung bleibt das LD303 ein unmittelbar spielbares Delay. Es kann klare Digital-Echos, wärmere Analogfärbungen und weichere Tape-Anklänge erzeugen, ohne dass für jeden Basissound erst ein Preset programmiert werden muss. Seine eigentliche Stärke zeigt sich jedoch bei Musikern, die Wiederholungen bewusst arrangieren und nicht nur als räumliche Ergänzung verwenden.

Mit einem Preis von 219 Euro positioniert sich das Pedal zwischen gut ausgestatteten Standard-Delays und deutlich teureren Sounddesign-Zentralen. Angesichts von Stereo-I/O, MIDI, Wet-FX-Loop, 50 Speicherplätzen und der ungewöhnlichen Layer-Architektur wirkt dieser Preis ausgesprochen vernünftig. Der Ibanez LD303 Layer Delayer Test zeigt allerdings auch, dass die große Bedienoberfläche nicht jede denkbare Verschaltung der einzelnen Taps erlaubt.

Design und Verarbeitung des Ibanez Layer Delayer

Optisch zitiert das LD303 unverkennbar die Ästhetik früher Digital-Racks und Arcade-Automaten. Schwarzer Untergrund, pinkfarbene Beschriftungen, mehrfarbige LEDs und die Segmentanzeige vermitteln einen deutlichen Achtzigerjahre-Charakter. Das ist eigenständig und funktional, dürfte auf zurückhaltend gestalteten Pedalboards allerdings ziemlich dominant wirken.

Das 175 × 125 × 62 Millimeter große Gehäuse benötigt ungefähr den Platz von zwei bis drei kompakten Pedalen. Die Stellfläche ist angesichts der zahlreichen Regler sinnvoll genutzt. Mit rund 640 Gramm bleibt das Gerät transportabel, steht aber stabil genug für den Bühneneinsatz. Die drei Fußschalter für Start, Preset/Bank und Tap sind mit ausreichend Abstand angeordnet.

Die beleuchtete Tap-Matrix ist mehr als Dekoration: Sie zeigt, wann die aktivierten Sechzehntel- und Triolenebenen erklingen und wie hoch ihr Pegel eingestellt ist. Bei komplexeren Patterns erfasst man dadurch schneller, warum ein Rhythmus funktioniert oder an welcher Stelle sich Wiederholungen gegenseitig verdichten. In dunkler Umgebung ist das hervorragend ablesbar. Wer ein optisch ruhiges Boutique Pedal erwartet, könnte die Vielzahl blinkender LEDs dagegen als überladen empfinden.

Das LD303 wird ausschließlich über ein externes 9-Volt-Netzteil mit Minuspol innen betrieben und benötigt 300 mA. Ein Netzteil gehört nicht zum Lieferumfang, Batteriebetrieb ist nicht vorgesehen. Bei einem Pedal dieser Größe und Leistungsaufnahme ist das technisch nachvollziehbar, sollte bei der Board-Planung aber berücksichtigt werden.

Stereo-Anschlüsse, MIDI und Wet-FX-Loop

Stereo-Ein- und -Ausgänge machen das Layer Delayer für moderne Gitarren-Rigs, Synthesizer und parallele Studio-Setups interessant. Im Mono-Betrieb werden jeweils die linken Buchsen verwendet. Ein rückseitiger Schalter passt den Eingangspegel an Instrumenten- oder Line-Signale an. Dadurch lässt sich das Pedal sowohl direkt hinter der Gitarre als auch im Effektweg eines Verstärkers oder hinter einem Amp-Simulator einsetzen.

Der zusätzliche Send/Return-Weg liegt ausschließlich im Wet-Signal. Ein dort eingeschleifter Chorus, Phaser, Pitch-Shifter oder Reverb bearbeitet folglich nur die Wiederholungen, während das Direktsignal unangetastet bleibt. Das ist für Sounddesign Gitarre besonders wertvoll: Ein Reverb im Loop erzeugt diffuse Echoebenen, ohne den Anschlag der Gitarre zu verwischen. Mit Verzerrung oder Bitcrusher im Loop entstehen aggressive Repeats, während der Grundton definiert bleibt.

MIDI In und Thru sind als reguläre fünfpolige DIN-Buchsen ausgeführt. Sämtliche relevanten Parameter lassen sich per MIDI-CC steuern, Program Changes rufen Presets auf und MIDI Clock synchronisiert die Delay-Zeit. Über USB-C werden Firmware-Updates sowie die Verbindung zur Layer-Delayer-App realisiert. Die App ist für das Preset-Management komfortabel, für die eigentliche Klangprogrammierung aber nicht zwingend notwendig.

Einen eigenen Anschluss für ein Expression-Pedal gibt es nicht. Bewegte Filterfahrten oder andere Echtzeitsteuerungen sind dennoch über einen entsprechend ausgestatteten MIDI-Controller möglich. Für ein komplexes Live-Rig ist das eine schlüssige Lösung, für ein kleines Pedalboard allerdings aufwendiger als ein direkter Expression-Eingang.

Bedienkonzept zwischen Direktzugriff und Preset-System

Die obere Reglerreihe deckt Mix, Filter, Delay-Zeit, Feedback, Klangcharakter, Panning und Tail Decay ab. Darunter sitzt das eigentliche Layer-Feld. Die Delay-Zeit lässt sich in Millisekunden oder BPM anzeigen und per Tap-Fußschalter eingeben. Das Display bleibt klein, liefert im Zusammenspiel mit den Status-LEDs aber alle wesentlichen Informationen.

Mix arbeitet praxisgerecht über den gesamten Bereich: von vollständig trocken über eine gleichgewichtete Mischung bis zum reinen Wet-Signal. Das erleichtert sowohl den normalen Pedalboard-Betrieb als auch parallele Effektwege. Der Tone-Regler blendet stufenlos zwischen Tape-, Analog- und Digitalcharakter. Es handelt sich also nicht um drei hart getrennte Algorithmen, sondern um einen kontinuierlichen Verlauf, in dem Zwischenfarben ausdrücklich vorgesehen sind.

Die sieben Layer-Regler repräsentieren vier Sechzehntelpositionen und drei Triolenpositionen. Jeder Tap besitzt eine eigene Lautstärke. Die Unity-Gain-Position liegt ungefähr bei drei Uhr; darüber stehen bis zu 3 dB Boost zur Verfügung. Dadurch können einzelne Wiederholungen als Akzent aus dem Pattern hervortreten, statt lediglich zusätzliche Echos zu liefern.

20 Werks-Presets geben einen schnellen Überblick, insgesamt lassen sich 50 Sounds in fünf Bänken speichern. Am Gerät können Presets über zwei kleine Taster vorwärts und rückwärts gewählt werden. Der Fußschalter schaltet dagegen nur vorwärts; längeres Drücken wechselt zur nächsten Bank. Wer während eines Songs flexibel zwischen weiter auseinanderliegenden Speicherplätzen wechseln möchte, sollte daher einen MIDI-Fußcontroller einplanen. Das ist der deutlichste Workflow-Kompromiss des ansonsten sehr direkten Konzepts.

Klangcharakter und Effektarchitektur

Die Grundqualität des Delays überzeugt bereits ohne aufwendige Layer. Im digitalen Bereich bleiben Wiederholungen klar und präsent, ohne unangenehm spröde zu werden. In Richtung Analog verlieren sie kontrolliert an Kontur, während die Tape-Seite weicher, dunkler und etwas diffuser wirkt. Der Tone-Regler verändert dabei nicht nur die Höhen, sondern den gesamten Eindruck der Repeats. Gerade die Übergangsbereiche zwischen den drei Charakteren liefern musikalisch brauchbare Farben.

Das Layer-System erzeugt keine voneinander unabhängigen Delay-Linien mit jeweils eigener Zeit. Alle Taps beziehen sich auf dasselbe rhythmische Raster. Genau darin liegt die Stärke: Das Pedal bleibt synchron und lässt sich schnell programmieren. Aus einem Viertelnotenbezug entstehen Sechzehntel- und Triolenpositionen, die einzeln beigemischt werden. Eine punktierte Achtel ist beispielsweise unmittelbar über den entsprechenden Tap erreichbar, ohne eine zweite Delay-Zeit berechnen zu müssen.

Werden nur wenige Layer verwendet, entstehen klar erkennbare Antwortfiguren. Mit mehreren ähnlich lauten Taps verdichtet sich das Signal zu einer rhythmischen Textur. Kombiniert man Sechzehntel und Triolen, entwickeln sich polymetrisch wirkende Bewegungen, obwohl alle Wiederholungen vom selben Grundtempo abgeleitet sind. Das funktioniert mit perkussiven Clean-Sounds ebenso gut wie mit langen Akkorden.

Das simulierte Ladder-Tiefpassfilter greift ausschließlich auf das Wet-Signal zu. Bei niedriger Resonanz dient es als musikalische Höhenbegrenzung, mit höheren Resonanzwerten wird die Grenzfrequenz selbst zum klangprägenden Element. Dann kann das Filter scharf, synthetisch und beinahe vokal wirken. Besonders ergiebig ist die Kombination aus einem hellen Digital-Delay und weit geschlossenem, resonantem Filter.

Layer, Filter und Auto-Panning in der Praxis

Die unabhängigen Layer-Pegel sind das eigentliche Instrument des LD303. Werden die ersten Positionen leiser und die späteren Taps lauter eingestellt, scheint sich das Pattern nach hinten zu öffnen. Umgekehrt entsteht mit einem kräftigen frühen Tap und zurückgenommenen Folgewiederholungen eine klar konturierte rhythmische Antwort. Der zusätzliche Boost erlaubt deutliche Akzente, verlangt bei hohem Feedback aber etwas Pegeldisziplin.

Das Filter wirkt global auf sämtliche Wiederholungen. Das hält die Bedienung übersichtlich, begrenzt aber die Tiefe der Layer-Architektur. Individuelle Cutoff-Werte oder Panorama-Positionen pro Tap wären für sequenzartige Filterbewegungen äußerst reizvoll gewesen. Auch ein interner LFO für den Cutoff fehlt. Solche Verläufe lassen sich teilweise über MIDI realisieren, sind dann jedoch nicht direkt Bestandteil eines einfachen Pedal-Presets.

Die acht Auto-Panning-Modi umfassen schmale und breite Varianten von Dreieckbewegungen, Läufen von links nach rechts beziehungsweise rechts nach links sowie Ping-Pong. Die Geschwindigkeit wird separat geregelt. Das komplette Wet-Signal bewegt sich dabei als Einheit; die einzelnen Layer erhalten keine eigenen Panoramapositionen. In Stereo entstehen dennoch breite, lebendige Echos, wobei Ping-Pong die rhythmische Struktur am deutlichsten hörbar macht. Mono bleibt das Pattern vollständig nutzbar, der räumliche Mehrwert entfällt jedoch.

Tail Decay bestimmt, wie lange die Wiederholungen nach dem Ausschalten weiterlaufen. Bei null wird der Wet-Anteil sofort abgeschnitten, hohe Einstellungen erzeugen lange Übergänge. Dieser Parameter ist nicht bloß eine globale Trails-Option, sondern lässt sich klanggestalterisch einsetzen: Ein komplexes Pattern kann ausklingen, während bereits trocken weitergespielt oder zum nächsten Preset gewechselt wird.

Ambient Gitarre, Drone Sounds und rhythmische Anwendungen

Für Ambient Gitarre bietet sich das LD303 als strukturgebende Stufe vor einem großen Reverb an. Statt eine Hallfläche lediglich mit gleichmäßigen Echos zu füllen, erzeugen unterschiedlich gewichtete Layer kleine Impulse innerhalb des Sustains. Das Ergebnis bleibt bewegt, ohne dass permanent neue Noten gespielt werden müssen. Besonders bei offenen Akkorden verhindert der Filter, dass sich zu viele helle Transienten im Reverb ansammeln.

Mit E-Bow, Volume-Pedal oder starkem Kompressor wird das Delay zur Quelle für schwebende Drone Sounds. Lange Feedback-Werte und gemischte Triolen- und Sechzehntel-Layer erzeugen innere Pulsationen, während ein Effekt im Wet-Loop die Wiederholungen weiter vom Direktsignal entfernt. Reverb, Chorus und Pitch-Shifting sind hier naheliegend, aber auch ein Fuzz im Loop kann reizvoll sein: Der gehaltene Grundton bleibt kontrollierbar, während die Echos zunehmend textural werden.

Bei rhythmischen Riffs genügt häufig ein einzelner zusätzlicher Tap. Punktierte Achtel, synkopierte Antworten und sequenzartige Clean-Patterns lassen sich schneller einstellen als bei einem Delay mit mehreren frei laufenden Zeiten. Mit mehreren Layern sollte die eigene Spielweise allerdings sparsamer werden. Das Pedal füllt Zwischenräume sehr effizient; zu viele gespielte Noten führen entsprechend schnell zu einem dichten, schwer lesbaren Klangbild.

Für Übergänge zwischen Songteilen ist Tail Decay besonders nützlich. Ein breites Stereo-Pattern kann in den nächsten Abschnitt hinein auslaufen, ohne dass das neue Gitarrensignal weiter durch dieselbe Delay-Struktur geschickt wird. Damit eignet sich das LD303 nicht nur als Effekt, sondern als Werkzeug für Arrangement und Dramaturgie.

Live- und Studio-Praxis

Im Band-Kontext funktioniert das Layer Delayer am besten, wenn die rhythmischen Taps als Teil des Arrangements verstanden werden. Klare Digital- oder Analog-Zwischenstellungen behaupten sich gut zwischen Schlagzeug und Bass, während dunklere Tape-Einstellungen hinter dem Direktsignal zurücktreten. Der Eingangspegel bleibt auch im Effektweg kontrollierbar, solange die passende Line-Einstellung gewählt wird.

Live überzeugt die direkte Veränderbarkeit der wichtigsten Parameter. Tempo, Feedback, Filter und Tap-Pegel sind ohne Menütauchen erreichbar. Bei komplexen Preset-Folgen wird die einseitige Fußnavigation jedoch umständlich. Für ein fest programmiertes Set mit MIDI ist das Pedal ausgezeichnet vorbereitet; auf einem kleinen Board ohne zusätzliche Steuerung verlangt die Reihenfolge der Speicherplätze sorgfältige Planung.

Im Studio macht sich die vollständige Stereo-Verarbeitung bezahlt. Das LD303 kann hinter einem Loadbox- oder Amp-Simulator ebenso überzeugend arbeiten wie an Synthesizern und Keyboards. Der Wet-FX-Loop eröffnet zudem Bearbeitungen, die sonst paralleles Routing in der DAW erfordern würden. Trotz seiner Sounddesign-Fähigkeiten bleibt der Grundklang stabil und gut kontrollierbar. Das Pedal erzeugt Komplexität über Rhythmus und Bewegung, nicht über zufällige Instabilität.

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Mit der 330 Mapleglo führt der amerikanische Traditionshersteller dieses Erbe bis heute fort. Doch kann die Semi-Hollow-Gitarre auch abseits von Beatles, Byrds oder Tom Petty überzeugen? Für unseren Test musste sie sowohl an einem Vox AC30 als auch an einem Marshall JVM antreten.

Verarbeitung und erster Eindruck

Bereits beim ersten Auspacken hinterlässt die Rickenbacker 330 Mapleglo einen hervorragenden Eindruck. Während viele Gitarristinnen und Gitarristen die ikonische Fireglo-Lackierung mit dem Hersteller verbinden, wirkt das naturbelassene Mapleglo-Finish deutlich dezenter und lässt die Maserung des Ahorns hervorragend zur Geltung kommen. Gerade live entwickelt die Gitarre dadurch einen ganz eigenen Charme und hebt sich von den bekannteren Farbvarianten der Marke ab.

Besonders der eingeleimte Ahorn-/Walnuss-Hals fügt sich harmonisch in das Gesamtbild ein und vermittelt sofort den hochwertigen Eindruck, für den Rickenbacker seit Jahrzehnten bekannt ist. Auch das unlackierte Caribbean-Rosewood-Griffbrett passt hervorragend zum natürlichen Erscheinungsbild der Gitarre und fühlt sich ausgesprochen hochwertig an.

Auch die Hardware passt hervorragend zum Natural-Look der 330. Das verchromte „R“-Tailpiece gehört zu den Markenzeichen des US-Herstellers und verleiht der Gitarre ihren unverwechselbaren Vintage-Look. Zusammen mit der klassischen 6-Saddle-Bridge und den stabilen Gotoh-Mechaniken ergibt sich ein stimmiges Gesamtbild.

Mit rund 3,34 Kilogramm bringt die Semi-Hollow ein angenehmes Gewicht auf die Waage. Lediglich die werkseitige Saitenlage fühlte sich zunächst etwas ungewohnt an. Nach einer kleinen Nachjustierung spielte sich die Gitarre jedoch ausgesprochen komfortabel und vermittelte schnell ein angenehmes Spielgefühl.

Bespielbarkeit

Obwohl ich normalerweise eher Solidbody-Gitarren bevorzuge und Semi-Hollow-Instrumente nur selten spiele, hat mich die 330 schneller überzeugt, als ich gedacht hätte. Der Hals liegt angenehm in der Hand und das Caribbean-Rosewood-Griffbrett fühlt sich in jeder Lage hochwertig an. Dank der etwas kürzeren 24,75″-Mensur gelingen Bendings mühelos, während die 21 Bünde ausreichend Platz für Soli und Akkordarbeit bieten.

Die Rickenbacker spielt sich insgesamt direkter, als man es aufgrund ihrer halbakustischen Bauweise zunächst vermuten würde. Gerade offene Akkorde profitieren von der schnellen Ansprache der Semi-Hollow-Konstruktion, während sich auch Lead-Lines präzise umsetzen lassen.

Einzig der große Korpus wirkte auf mich zunächst etwas wuchtig. Das ist jedoch weniger ein Kritikpunkt an der Gitarre selbst, sondern vielmehr meinen persönlichen Vorlieben geschuldet, da ich normalerweise ergonomisch geformte Solidbody-Gitarren mit Belly Cut und schlankerem Korpus präferiere.

Rickenbacker Elektronik: Der „Fifth Knob“ und seine flexiblen Vorzüge

Ein echtes Alleinstellungsmerkmal der Rickenbacker 330 Mapleglo ist ihre Elektronik. Neben den klassischen zwei Volume- und zwei Tone-Reglern besitzt sie den berühmten Blend-Regler, den viele Gitarristen zunächst als fünften Lautstärkeregler missverstehen.

Tatsächlich übernimmt dieser Regler eine deutlich interessantere Aufgabe. Er beeinflusst das Mischungsverhältnis der beiden Hi-Gain-Single-Coils in der Mittelstellung des Dreiwegschalters. Während viele Gitarren in dieser Schalterposition lediglich beide Pickups parallel betreiben, lässt sich bei der 330 der Anteil des Hals-Pickups stufenlos anpassen beziehungsweise zum Steg-Tonabnehmer hinzu mischen. Dadurch entstehen zahlreiche fein abgestufte Klangvarianten, die auf jedes Verstärker-Setup wunderbar abgestimmt werden können.

Hat man das Prinzip nach einigen Minuten einmal verinnerlicht, möchte man den „Fifth Knob“ kaum noch missen. Gerade im Zusammenspiel mit Backing-Tracks oder im Bandkontext erlaubt die Schaltung deutlich präzisere Klangabstimmungen als klassische Zwei-Pickup-Konzepte. Der Blend-Regler ermöglicht es, beide Tonabnehmer sehr fein aufeinander abzustimmen und erweitert die ohnehin große Klangpalette der 330 noch einmal deutlich.

Ist ausschließlich der Halstonabnehmer ausgewählt, lässt sich dessen Ausgangspegel über den Blend-Regler beeinflussen. Dabei handelt es sich jedoch nicht um einen klassischen Volume-Regler. Der „Fifth Knob“ dient in erster Linie dazu, in der Mittelstellung des Pickup-Wahlschalters das Mischungsverhältnis beider Tonabnehmer fein abzustimmen. Außerhalb dieser Schalterstellung wirkt er sich ebenfalls auf die Lautstärke des Hals-Pickups aus, da er immer noch in dessen Signalweg liegt und reduziert entsprechend dessen Pegel.

Der „Fifth Knob“ ist eben kein zweiter Volume-Regler, sondern ein Blend-Poti, das über einen Serienwiderstand den Hals-Pickup belastet. Dadurch „zieht“ er den Pegel herunter, schaltet den Pickup aber nicht direkt hart gegen Masse wie ein normales Volume-Poti.

Sound

Klangtest am Vox AC30

Kaum eine Kombination besitzt einen ähnlichen Kultstatus wie Rickenbacker und Vox AC30. Entsprechend gespannt war ich auf diesen Teil des Tests! Bereits im Low-Input des AC30 entfaltet die 330 genau den Sound, den man mit dem Namen Rickenbacker verbindet. Im High-Input sorgt der Top-Boost des AC30 für die charakteristische Brillanz und den obertonreichen Chime-Sound, die den typischen Rickenbacker-Jangle prägen. Die Hi-Gain-Pickups liefern brillante, perlende Höhen, ohne dabei unangenehm scharf zu wirken. Genau dieser Eindruck zog sich durch den gesamten Test. Gleichzeitig sorgt die Semi-Hollow-Konstruktion für eine angenehme Wärme, wodurch Akkorde wunderbar offen und transparent klingen.

Gerade bei Clean- und leicht angezerrten Sounds zeigt die Gitarre ihre größten Stärken. Komplexe Akkorde bleiben sauber definiert, einzelne Saiten setzen sich hervorragend voneinander ab und der berühmte Jangle-Sound ist sofort präsent.

Überraschung am Marshall JVM

Mindestens genauso interessant war jedoch der Test am Marshall JVM. Hier zeigte sich schnell, dass die 330 deutlich vielseitiger ist, als ihr Ruf zunächst vermuten lässt.

Die Hi-Gain Single Coils liefern spürbar mehr Ausgangsleistung als klassische Vintage-Single-Coils und harmonieren hervorragend mit Crunch- und Rock-Sounds. Riffs besitzen ausreichend Druck, Powerchords setzen sich mühelos durch und auch Soli profitieren von der direkten Ansprache der Pickups.

Mit höheren Gain-Einstellungen im vierten Kanal des JVM überraschte mich die 330 dann endgültig. Trotz der Single-Coils entwickelte die Gitarre einen erstaunlich fetten Sound. Dabei spielt vor allem der Fifth Knob seine Stärken aus, da sich der Hals-Pickup sehr fein dosieren lässt und dem Klang zusätzliches Bass-Fundament verleiht. Gerade komplexere Riffs profitieren von der hervorragenden Notentrennung der Hi-Gain-Single-Coils. Statt in einer Wand aus Verzerrung unterzugehen, bleiben selbst schnelle Passagen sauber definiert. Für mich zeigt genau das, dass Heavy-Sounds nicht zwangsläufig Humbucker benötigen.

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Gerade in Verbindung mit bereits angezerrten Röhrenverstärkern entwickelt das Pedal seinen eigenen Charakter. Es erweitert den Grundsound eher, als ihn komplett zu ersetzen. Dadurch eignet sich der Godzilla Distortion sowohl für klassische Rock-Produktionen als auch für Stoner Rock, Doom, Alternative oder experimentelles Sounddesign Gitarre.

Mit einem Preis von rund 154 Euro bewegt sich das Pedal im gehobenen Seriensegment. Angesichts der Verarbeitung, der durchdachten Details und der ungewöhnlichen Klangabstimmung erscheint dieser Preis durchaus angemessen.

Design und Verarbeitung

Optisch gehört der Godzilla Distortion zu den auffälligeren Effektpedalen der letzten Jahre. Das umlaufende Artwork wirkt hochwertig umgesetzt und bleibt dennoch alltagstauglich für den Einsatz auf dem Pedalboard. Trotz der Sonderedition wirkt das Gehäuse keineswegs wie ein Sammlerstück, sondern vermittelt sofort den Eindruck eines robusten Arbeitsgeräts.

Die Metallkonstruktion hinterlässt einen äußerst stabilen Eindruck. Sämtliche Potis laufen mit angenehmem Widerstand, der Fußschalter arbeitet präzise und vermittelt auch nach häufiger Nutzung Vertrauen.

Besonders gelungen ist die Konstruktion des Batteriefachs. Statt einer klassischen Schraube kommt eine große Rändelschraube zum Einsatz, die sich meist werkzeuglos öffnen lässt. Gerade für Musiker, die gelegentlich auf Batteriebetrieb setzen, ist das eine ausgesprochen praktische Lösung. Gleichzeitig erhält man Zugang zu zwei internen Trim-Potis, die zusätzliche Eingriffe in den Grundcharakter erlauben.

Anschlüsse & Routing

Der Fender Godzilla Distortion setzt auf einen klassischen Mono-Aufbau mit Ein- und Ausgang sowie einem Anschluss für ein optionales 9-Volt-Netzteil. Alternativ lässt sich das Pedal auch mit einer internen Batterie betreiben.

Auf moderne Stereo-Optionen, MIDI oder Expression-Anschlüsse verzichtet Fender bewusst. Das Pedal versteht sich klar als klassische Distortion-Einheit für traditionelle Gitarren-Rigs.

Interessant wird die Integration in bestehende Setups vor allem vor einem bereits angezerrten Röhrenamp. Hier arbeitet der Godzilla weniger als alleinige Zerrquelle, sondern eher als zusätzlicher Klangformer mit eigenem Charakter.

Bedienkonzept & Workflow

Die Bedienung gelingt erfreulich direkt. Bereits nach wenigen Minuten entwickelt man ein gutes Gefühl dafür, wie das Pedal auf unterschiedliche Verstärker reagiert.

Besonders gelungen ist dabei, dass sich der Grundcharakter auch bei unterschiedlichen Gain-Einstellungen erhält. Das Pedal verliert nie vollständig seine eigene Identität, sondern verschiebt lediglich den Schwerpunkt zwischen offener Distortion und dichterer Sättigung.

Ein interessantes Detail sind die beiden internen Trim-Potis. Einer verändert den Mittenbereich, der andere arbeitet als Filter gegen übermäßige Höhen beziehungsweise Fizz. Dadurch lässt sich das Pedal deutlich besser an verschiedene Verstärker oder Lautsprecher anpassen, ohne dass diese Regler permanent auf der Oberseite Platz beanspruchen.

Klangcharakter & Effektarchitektur

Klanglich verfolgt Fender einen anderen Ansatz als viele moderne High-Gain-Pedale. Statt maximaler Präzision liefert der Godzilla Distortion einen organischen, leicht rauen und angenehm unperfekten Sound.

Das Zerrbild erinnert stellenweise an eine Mischung aus klassischer Distortion und kräftigem Fuzz. Einzelne Noten behalten genügend Definition, gleichzeitig entsteht eine angenehme Körnung, die Akkorden viel Eigenleben verleiht.

Besonders im mittleren Gain-Bereich entwickelt das Pedal seine Stärken. Der Ton wirkt dichter, bekommt mehr Körper und erzeugt eine gewisse Schwere, ohne vollständig in Kompression zu versinken. Gerade Doom-Riffs oder schwere Rock-Grooves profitieren von diesem Charakter. Im Test zeigte sich außerdem, dass das Pedal weniger auf modernes Metal-Voicing abzielt, sondern bewusst einen eigenständigen Vintage-orientierten Distortion-Charakter verfolgt.

Parameter im Praxis-Einsatz

Im musikalischen Einsatz fällt vor allem auf, wie unterschiedlich das Pedal auf verschiedene Verstärker reagiert.

Vor einem bereits stark zerrenden Amp sorgt es weniger für mehr Gain als vielmehr für zusätzliche Dichte und Sättigung. Der Grundsound gewinnt hörbar an Masse, ohne komplett verändert zu werden.

Vor moderater Vorstufenzerrung entsteht dagegen ein offenerer Distortion-Sound mit deutlichem Fuzz-Einschlag. Gerade einzelne Powerchords entwickeln dabei eine angenehme Rauheit, während Single-Note-Lines viel Charakter behalten.

Die internen Mitten- und Filtereinstellungen bieten zusätzliche Möglichkeiten, problematische Verstärker anzupassen oder den Grundsound etwas dunkler beziehungsweise präsenter auszulegen. Gerade dieser versteckte Feinschliff macht den Godzilla flexibler, als man zunächst vermuten würde.

Anwendung für Ambient, Drone und Sounddesign

Obwohl der Godzilla Distortion eindeutig als Rock-Distortion abgestimmt wurde, lässt er sich überraschend gut in größere Effektketten integrieren.

Vor langen Delays entstehen angenehm strukturierte Wiederholungen mit viel Obertongehalt. In Kombination mit großzügigen Reverbs entwickelt sich daraus ein dichter Ambient-Teppich, ohne vollständig zu verschwimmen.

Für Drone Sounds eignet sich das Pedal besonders in Verbindung mit E-Bow, Volume-Pedal oder langen Sustains. Die leicht fuzzige Struktur sorgt dafür, dass selbst stehende Töne lebendig bleiben und nicht steril wirken.

Wer experimentelles Sounddesign Gitarre betreibt, findet hier eine Distortion, die deutlich mehr Eigencharakter besitzt als viele moderne High-Gain-Pedale. Gerade für texturorientierte Klanglandschaften liefert sie interessante Obertöne.

Live- & Studio-Praxis

Im Bandkontext setzt sich der Godzilla Distortion angenehm durch, ohne den Grundcharakter des Verstärkers vollständig zu überdecken.

Das Spielgefühl bleibt dynamisch genug, um auch unterschiedliche Anschlagsstärken hörbar umzusetzen. Gleichzeitig vermittelt das Pedal ausreichend Kompression für lange Sustain-Passagen.

Im Studio überzeugt vor allem die organische Körnung. Der Sound wirkt nicht übermäßig bearbeitet oder künstlich glatt, sondern besitzt genügend Eigenleben, um sich gut in Rock-Produktionen einzufügen.

Als klassischer Ersatz für einen High-Gain-Amp versteht sich das Pedal allerdings nicht. Wer moderne, extrem straffe Metal-Sounds sucht, wird wahrscheinlich zu anderen Konzepten greifen. Wer dagegen charaktervolle Distortion mit eigener Persönlichkeit sucht, erhält hier ein interessantes Boutique Pedal im Serienformat.

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Ursprünglich auf der diesjährigen NAMM Show im Januar vorgestellt, wurden die unter dem Kürzel MDM geführten Bässe nun endlich ausgeliefert. Wir haben die Gelegenheit genutzt, Hand an den Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White als fünfsaitigen Vertreter zu legen und nachgehört, was die Neuzugänge so alles drauf haben!

Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White – Die Features im Überblick

• Erlekorpus mit Pearl White Hochglanz-Finish
• Roasted Maple Neck mit MDM5-Profil
• Ibanez All-Access Neck Joint
• Palisandergriffbrett mit Dot-Einlagen
• 24 Medium-Bünde aus Edelstahl
• Zwei Ibanez Delta S5J Single-Coil-Tonabnehmer (passiv)
• Ibanez Sonitech S Preamp mot 3-Band-Klangregelung
• Ibanez Aero-light Mechaniken
• Ibanez MR5S Bridge
• Pearl White Hochglanz-Finish
• Inklusive Gigbag
• Preis: ca. € 1199,-

Mode-Korpus aus Erle

Los geht’s mit einem Blick auf die Verarbeitung und das elegante Pearl White Hochglanz-Finish. Besonders ins Auge fällt zunächst der geschwungene Offset-Korpus aus massiver Erle, dessen Konturen klare Jazz-Bass-Genetik erkennen lassen. Die Platzierung der Taille ist sehr durchdacht, denn beim ersten Kontakt mit dem Instrument im Sitzen rutscht der Mode Bass nahezu von alleine in eine komfortable Spielposition, die er auch zuverlässig beibehalten möchte. Hier spielen natürlich auch die sogenannte Forearm Contour zur Auflage der Picking-Hand sowie der rückseitige Belly Cut eine nicht zu unterschätzende Rolle. Der Hals aus Roasted Maple kommt hingegen im recht schlanken MDM5-Profil und trägt ein Palisandergriffbrett mit Edelstahl-Bünden. Hier sind also die ersten Pluspunkte angesagt. Das Setup ab Werk ist allerdings nicht ganz ideal, lässt sich mit ein wenig eigener Schrauberei am Halsstab und den Saitenreitern aber erstaunlich gut anpassen.

Ibanez Delta S5J Single-Coils

Die zweifache Single-Coil-Ausstattung ist als deutlicher Verweis auf das Vorbild zu lesen. Die beiden Einzelspuler hören auf den Namen Ibanez Delta S5J, wobei die Modellbezeichnung Auskunft über die jeweilige Saitenzahl sowie den Stil der Pickups gibt. Hier handelt es sich also klar erkennbar um einen J-Style Pickup für Fünfsaiter. Besonders edel wirkt das Zusammenspiel der geschwärzten Magneten mit dem ebenfalls schwarz gehaltenen Kunststoffgehäuse, das gibt gerade auf der Pearl-White-Ausführung ein schickes und kontrastreiches Bild ab. Die Tonabnehmer sind übrigens passiv ausgeführt und werden über eine äußerst umfangreiche Aktiv-Elektronik gesteuert.

Ibanez Sonitech S Aktiv-Elektronik

Ein Blick auf das Control-Layout zeigt recht schnell, dass beim Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White weitaus mehr unter der Haube schlummert, als die Standardausrüstung der mittlerweile über 60 Jahre alten Vorlage bietet. Sage und schreibe sechs Potis und ein zusätzlicher Schalter mit drei Positionen bevölkern die untere Front des Ibanez Mode MDM1005-PW. Da man hier recht schnell den Überblick verlieren kann, liefert Ibanez die entsprechenden Funktionen aller Bedienelemente dankbarerweise im Rahmen einer anschaulichen Grafik gleich mit.

Das vordere Regler-Abteil gibt uns zunächst einen Master Volume an die Hand. Darauf folgt als nächstes der Balance-Regler, der eine besonders wichtige Komponente im vielfältigen Klangspektrum des E-Bass darstellt. Der dritte Regler ist eine klassische Höhenblende, die lediglich im Passiv-Modus wirkt und im Aktiv-Modus ohne Funktion ist. Per Push/Pull-Schaltung des Tone-Poti können wir hier aber jederzeit recht einfach zwischen beiden Modi hin- und herwechseln.

Die hinteren Reglereinheiten bilden schließlich den Equalizer, hier verbergen sich also von vorn nach hinten bzw. von unten nach oben gelesen Bass, Middle und Treble. Der Bass- und Treble-Regler agieren fast schon wie Kuhschwanzfilter mit leichter Abflachung am Ende der Kurve, der Peak reicht bis zu 18 dB Boost oder Cut. Hier sind also wirklich enorme Anpassungen möglich. Alle Regler verfügen über eine Mittenraste, sodass wir immer in Ausgangsstellung zurückfinden.

6 verschiedene Mittenfrequenzen dank Hexa Mid System

Wer Wert auf ein gepflegtes Mittenspektrum legt, wird mit dem integrierten Hexa Mid System seine helle Freude haben. Über den 3-Way Mid Frequency Switch auf der Vorderseite stehen nämlich jeweils drei Mittenfrequenzen zur Wahl, die der Mittenregler bearbeitet. Im Low-Modus agiert dieser wahlweise bei 250 Hz, 450 Hz oder 850 Hz. Wenn wir das Hex-System rückseitig hingegen auf den High-Modus umschalten, können wir zwischen 350 Hz, 600 Hz und 1 kHz wählen. Das macht den Mode Bass zu einem der flexibelsten Instrumente auf dem Markt und verhindert, dass er sich aus klanglicher Sicht in eine eng gefasste Nische zwängen lassen muss.

Solide Ibanez Hardware

Wie bei Instrumenten aus dem Hause Ibanez üblich, entstammen die verwendeten Hardware-Parts der hauseigenen Entwicklung. Hierbei orientiert sich Ibanez allerdings auch klar an bewährten Teilen anderer Hersteller. Ein Blick auf die besonders leichtgewichtigen Ibanez Aero-light Mechaniken lassen erkennen, dass man mehr oder minder deutlich dem Aufbau der Schaller BM Light mit halboffenem Gehäuse gefolgt ist. Dennoch ist hier wirklich erstaunliche Technologie hinter: Durch die Verwendung von Duralumin sind die Tuner trotz großer Lolipop-Flügel bemerkenswert leicht, Kopflastigkeit ist also auch beim Five-String wirklich kein Thema.

Ebenfalls als recht praktisch erweist sich die Ibanez MR5S Bridge, die streng genommen aus fünf einzelnen Brücken für jede Saite besteht. Bemerkenswert ist zunächst das äußerst flache Profil der Saitenreiter, das Techniken wie Palm Mutes besonders komfortabel von der Hand gehen lässt. Neben der Möglichkeit, Intonation und Saitenlage für jede Saite einzeln einzustellen, lässt sich darüber hinaus sogar das String Spacing pro Saite anpassen. Dieses ist ab Werk mit 18 mm für den 5-String angegeben, lässt sich aber noch um bis zu 1,5 mm in beide Richtungen korrigieren. Wer also gerne etwas mehr Platz zwischen den tiefen Saiten möchte, um Double Thumbs à la Victor Wooten besser umsetzen zu können, kann dies ganz einfach im Hand- bzw. Innensechskantschlüsselumdrehen tun.

Sound Test – für jeden Spaß zu haben?

Nachdem die Rahmenbedingungen soweit geklärt sind, kommen wir zum Sound Check. Gerade für einen Bass, der sich in keine Sparte alleinig zu Hause fühlt, stehen einige Tests auf dem Programm, die möglichst viele Spielrichtungen und-stile abdecken und sowohl Aktiv- als auch Passiv-Modus erkunden.

Passiv-Modus

Bevor wir ans Eingemachte gehen, überprüfen wir zunächst die rein passiven Qualitäten des Ibanez Mode MDM1005. Hier lohnt es sich übrigens sehr, mit einem klassischen Vertreter des Jazz Bass zu vergleichen, da – bis auf den Blend-Regler anstelle der separaten Volumes – wir von nahezu identischen Bedingungen ausgehen können.

Mit voll aufgedrehten Volume- und Tone-Reglern und dem Blend-Poti in Mittelstellung, also mit beiden Pickups aktiv, ergibt sich ein breit aufgestellter Sound mit weitreichendem Dynamikspielraum. Das Top-End ist detailliert und kann auch einzelne Feinheiten präzise wiedergeben, insgesamt ist das Klangbild jedoch recht mittig-warm. Dabei ergibt sich ein charakteristisches Knurren, das man fast schon in Preci-Gefilde verorten würde. Im direkten Vergleich wird jedenfalls sehr deutlich klar, dass der Ibanez Mode MDM1005 die unverkennbare DNA des Jazz Bass transportiert.

Wenn wir den Sound in seiner Einzelteile dividieren und mit dem Blend-Regler auf den reinen Sound des Neck Pickup wechseln, wird schnell klar, dass die knurrige Komponente ganz klar der Halsposition entstammt. Der Bridge Pickup stellt bekanntermaßen das Top End bereit, das alleinstehend betrachtet allerdings auch etwas zu klar, zu dünn ausfallen kann. Mit etwas geringerer Einstellung des Tone-Reglers lassen sich dem Stegtonabnehmer zwar auch stand-alone gespielt einige interessante Sounds entlocken, die mit etwas schlankerem und weniger schwerem Charakter brillieren. Am besten lässt sich die Funktion des Bridge-Pickup aber als Gewürz beschreiben, mit dem sich der wunderbar knarzige Sound des Neck Pickup bei Bedarf mit zusätzlicher Klarheit garnieren lässt.

Aktiv-Modus

Mit dem Tone-Poti in unterer Schaltposition befeuern wir schließlich den aktiven Schaltkreis des Ibanez Sonitech S Preamp und erhalten Zugriff auf die integrierte 3-Band-Klangregelung. Mit allen Reglern in Nullstellung ergibt sich zunächt schon ein ausgewogener Sound, der im Vergleich zum rein passiven Klang etwas mehr Bite und Definition in den hohen Mitten mit sich bringt. Vom Ausgangsklang der Flat-Stellung drehen wir den Bassregler ein wenig auf, das funktioniert hervorragend. Der Sound enthält einen gefüllten Low-End-Bereich, der erst im äußersten Randbereich dazu neigt, matschig zu klingen.

Über den Treble-Regler können wir den Höhen einen enormen Boost verleihen, müssen jedoch aufpassen, nicht auch die in diesem Bereich häufiger anzutreffenden Single-Coil-Störgeräusche in den Vordergrund zu stellen. Beim Treble-Cut wird der Sound spürbar dumpfer, allerdings nicht in derselben Intensität der passiven Höhenblende.

Den mit Abstand deutlichsten Unterschied bringt letztendlich der Mitten-Regler, der mit seinen sechs unterschiedlichen Mittenfrequenzen für nahezu jeden Spaß zu haben ist. Ein leichter Boost der tieferen Frequenzen um 350 Hz liefert zusätzlichen Tiefmitten-Punch, knarzig-vokale Jazz-Klänge erreichen wir hingegen im Bereich der 600 Hz. Wer hier stattdessen cuttet, kommt hingegen beim kühleren Scooped-Sound aus, der sich für High-Gain-Anwendungen des Metal besonders hervorragend eignet. Alles in allem lässt sich sagen, dass die zur Auswahl stehenden Frequenzen wohlüberlegt sind und sich in jeder Einstellung musikalisch anwenden lassen.

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Anstelle einer klassischen Ahorn- oder Riegelahorndecke setzt PRS hier auf eine auffällig gemaserte Mango-Decke, deren Muster sich nochmals deutlich von anderen Maserdecken unterscheidet. Neben der Optik wollen wir uns natürlich genauso die Technik unter der Haube anschauen. Die Custom 24-08 ist nämlich mit zwei TCI-Humbuckern ausgestattet, die mittels separat bedienbarer EQ-Mini-Switches authentische Split-Single-Coil-Sounds liefern. Dank dieses Schaltungskonzepts sollen diese besonders klar und dynamisch klingen – dazu jedoch später mehr!

Auf dem Papier liest sich die Ausstattung jedenfalls vielversprechend. Wie sich die Custom 24-08 Mango Top in der Praxis schlägt und ob dieses nicht gerade preiswerte Modell einen spürbaren Mehrwert gegenüber den regulären Core-Varianten der Custom 24-08 bietet, erfahrt ihr im folgenden Testbericht.

Verarbeitung und Ausstattung: Ein echter Leckerbissen!

Ich muss gleich zu Beginn sagen: Die Decke muss man definitiv live sehen! Auf den Werksbildern wirkte das Fire Red to Grey Black Fade-Finish auf den ersten Blick gar nicht mal so spektakulär – zumindest nicht im Vergleich zur PRS McCarty 594 Mango Top in Black Gold Burst, dessen Mangoholz-Decke wirklich positiv ins Auge sticht.

Vor allem die roten Bereiche kommen wesentlich kräftiger zur Geltung und setzen die Maserung der Mango-Decke wunderbar in Szene. Gerade diese Decke dürfte das eigentliche Highlight dieser Limited Edition sein. Ihre individuelle Struktur unterscheidet sich deutlich von den gewohnten Riegel- oder Flammahorndecken und sorgt dafür, dass jedes Instrument seinen eigenen Charakter besitzt.

Ansonsten setzt PRS auf die bewährten Spezifikationen der 24-08-Modelle. Der Mahagonikorpus wird mit einem geleimten Mahagonihals kombiniert, dessen Pattern Thin-Profil gemeinsam mit dem 10″-Griffbrettradius und der 25″-Mensur sofort das vertraute PRS-Spielgefühl vermittelt. Das Ziricote-Griffbrett mit den klassischen Bird-Inlays rundet den hochwertigen Gesamteindruck gelungen ab und fühlt sich beim Greifen erster Akkorde wirklich gut an.

Auch die Hardware bewegt sich erwartungsgemäß auf gewohnt hohem Niveau und wirkt insgesamt hochwertig verarbeitet. Das Gen III Tremolo funktioniert präzise, während die Phase III Locking Mechaniken zuverlässig für Stimmstabilität sorgen. Besonders erfreulich fiel im Test die allgemeine Verarbeitungsqualität auf. Obwohl man selbst bei hochpreisigen Instrumenten gelegentlich kleinere Lack- oder Verarbeitungsmängel entdecken kann, präsentierte sich das Testmodell in dieser Hinsicht absolut tadellos.

TCI-Humbucker und die 24-08-Schaltung

Eine der größten Besonderheiten der Custom 24-08 sind die beiden Mini-Switches, mit denen sich beide TCI-Humbucker unabhängig voneinander splitten lassen. Dadurch entstehen deutlich mehr Klangvarianten als bei einer klassischen Custom 24.

Die von PRS entwickelte TCI-Technologie (Tuned Capacitance and Inductance) soll dabei insbesondere im Single-Coil-Betrieb überzeugen. Während viele gesplittete Humbucker etwas dünn oder kraftlos wirken, verfolgt PRS hier das Ziel, einen authentischeren Single-Coil-Charakter mit mehr Definition und Dynamik zu erzeugen.

Im Praxistest funktionierte das Umschalten im Spielfluss problemlos und erweitert die klanglichen Möglichkeiten sinnvoll. Der Unterschied zwischen Humbucker- und Split-Betrieb fällt allerdings weniger spektakulär aus, als man zunächst erwarten könnte. Die gesplitteten Sounds wirken dennoch ausgewogen und liefern genau das, was man von einer modernen PRS erwartet: transparente Cleansounds mit guter Saitentrennung, ohne dabei zu spitz oder kraftlos zu werden.

Im Vergleich zu anderen Split-Schaltungen über beispielsweise Push/Pull-Potis oder herkömmliche 5-Wege-Schalter fiel im Test kein besonders großer Unterschied auf. Das dürfte allerdings auch daran liegen, dass moderne PRS-Humbucker generell bereits sehr ausgewogen auf den Split-Betrieb abgestimmt sind. Der eigentliche Vorteil der beiden Mini-Switches liegt daher weniger in einem grundlegend anderen Klangkonzept als vielmehr in der flexibleren Bedienung. Da sich beide Humbucker unabhängig voneinander splitten lassen, stehen deutlich mehr Pickup-Kombinationen zur Verfügung, die sich schnell und intuitiv abrufen lassen. Einen klanglichen Quantensprung gegenüber anderen gut umgesetzten Split-Schaltungen sollte man allerdings nicht erwarten.

Sound

Getestet wurde die Gitarre sowohl an klassischen Röhrenverstärkern als auch über verschiedene Modeling-Systeme. Unabhängig vom verwendeten Setup blieb der Grundcharakter des Instruments stets erhalten und das Feedback der Gitarre zum Amp fühlte sich durchweg sehr gut an.

Die TCI-Humbucker liefern dabei einen ziemlich ausgewogenen Sound mit hoher Transparenz und guter Dynamik. Cleansounds profitieren von einer angenehmen Offenheit, während verzerrte Sounds definiert bleiben und auch bei höheren Gain-Einstellungen eine saubere Saitentrennung ermöglichen. Gerade moderne High-Gain-Sounds profitieren von der klaren Ansprache der Pickups, ohne dass dabei Wärme oder Druck verloren gehen, weshalb sich diese Mango Top definitiv auch für härtere Gefilde eignet.

Die Split-Sounds ergänzen das Klangspektrum sinnvoll und liefern authentische Single-Coil-Varianten für Cleansounds oder leicht angezerrte Crunch-Sounds. Im direkten Vergleich zu anderen modernen Split-Konzepten – insbesondere innerhalb der aktuellen PRS-Core-Serie – stellen sie jedoch keinen wirklichen Gamechanger dar. Vielmehr handelt es sich um hervorragend funktionierende 24-08 Schaltung, die ohnehin schon in der Vergangenheit überzeugt.

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Mit einem Straßenpreis von rund 798 Euro bewegt sich das Pedal klar im Premiumsegment. Dafür erhält man jedoch weit mehr als eine klassische Delay-Workstation: Zwei gleichzeitig nutzbare Effekt-Engines, eine integrierte Reverb-Engine aus dem BigSky MX und ein äußerst flexibles Routing machen das TimeLine MX zu einem der umfangreichsten Effektpedale seiner Klasse.

Verarbeitung und Pedalboard-Praxis

Strymon bleibt seiner bekannten Designsprache treu. Das stabile Metallgehäuse vermittelt sofort Vertrauen und wirkt für den harten Live-Alltag gebaut. Die Potis laufen angenehm straff, sämtliche Schalter hinterlassen einen hochwertigen Eindruck und auch die Fußtaster arbeiten präzise.

Trotz des enormen Funktionsumfangs wirkt das Pedal nicht überladen. Das neue OLED-Display sorgt für deutlich mehr Übersicht als frühere Generationen und erleichtert die Navigation erheblich. Gerade beim Wechsel komplexer Presets oder beim Editieren verschachtelter Routings macht sich diese Verbesserung im Alltag schnell bemerkbar.

Mit seiner Gehäusegröße beansprucht das TimeLine MX zwar Platz auf dem Pedalboard, ersetzt im Gegenzug aber problemlos mehrere hochwertige Delay- und Reverb-Pedale.

Anschlüsse und Routing für moderne Setups

Die Anschlussausstattung orientiert sich klar an professionellen Rigs. Stereo-Ein- und Ausgänge gehören ebenso zur Ausstattung wie MIDI In und Out, USB-C sowie ein Expression-Anschluss.

Besonders interessant ist die frei konfigurierbare Signalführung. Beide Effekt-Engines lassen sich seriell, parallel oder als Split-Routing betreiben. Dadurch entstehen deutlich komplexere Klangarchitekturen als bei klassischen Dual-Delay-Konzepten. Im Praxiseinsatz lassen sich beispielsweise zwei unterschiedliche Delays unabhängig links und rechts verteilen oder Delay und Hall flexibel miteinander kombinieren.

Für moderne Stereo-Setups, Wet/Dry-Rigs oder MIDI-gesteuerte Boards eröffnet das enorme Möglichkeiten.

Bedienung und Workflow

Trotz seiner Komplexität bleibt das TimeLine MX überraschend direkt bedienbar. Die wichtigsten Parameter befinden sich jederzeit unter den Händen. Zeit, Wiederholungen oder Mischverhältnis lassen sich spontan verändern, ohne tief in Menüs einzutauchen.

Gerade das macht im musikalischen Alltag einen großen Unterschied. Presets dienen hier nicht als starre Speicherplätze, sondern als Ausgangspunkt für spontanes Klangdesign. Während des Tests zeigte sich immer wieder, wie schnell sich Sounds im laufenden Spiel verändern lassen, ohne den kreativen Fluss zu unterbrechen.

Das OLED-Display unterstützt dabei sinnvoll, ohne den Charakter eines klassischen Pedals zu verlieren.

Klangcharakter und Effektarchitektur

Der eigentliche Reiz des TimeLine MX liegt weniger in einzelnen Delay-Algorithmen als vielmehr in der Art, wie diese miteinander interagieren.

Die bekannten Tape-, Analog- und Digital-Delays wurden hörbar verfeinert. Hinzu kommen neue Algorithmen wie Oil Can, Spectral, Drum Delay oder MultiTap, die das klangliche Spektrum deutlich erweitern.

Besonders beeindruckend arbeitet das neue Oil-Can-Delay. Es erzeugt eine organische Mischung aus leicht instabilen Wiederholungen, subtiler Modulation und charaktervoller Alterung, die niemals künstlich wirkt. Gerade clean gespielte Akkorde entwickeln dadurch eine enorme Tiefe.

Die Spectral-Engine bewegt sich dagegen deutlich stärker in Richtung Granular-Processing. Hier entstehen fließende Texturen, harmonische Fragmente und schimmernde Klangwolken, die klassische Delay-Grenzen verlassen.

Das Drum Delay erzeugt dagegen ausgesprochen musikalische rhythmische Strukturen. Statt bloßer Wiederholungen entstehen fast perkussive Pattern, die sich hervorragend in moderne Produktionen integrieren.

Klangformung im musikalischen Einsatz

Entscheidend ist weniger die Anzahl der Parameter als deren musikalische Wirkung.

Filter und Grit verändern das Verhalten der Wiederholungen äußerst wirkungsvoll. Während Filter Delays elegant in den Hintergrund rücken oder bewusst hervorheben können, sorgt Grit für charaktervolle Alterung bis hin zu leicht digital wirkenden Lo-Fi-Strukturen.

Durch das Dual-Engine-Konzept entstehen sehr komplexe Klangverläufe. Ein rhythmisches MultiTap kann beispielsweise zunächst durch ein Filter-Delay laufen und anschließend in ein weit geöffnetes Reverb übergehen. Umgekehrt lassen sich auch zwei völlig unterschiedliche Delays kombinieren, wodurch ständig neue räumliche Bewegungen entstehen.

Dabei wirkt der Gesamtklang niemals steril. Selbst komplexe Presets behalten eine erstaunlich musikalische Kohärenz.

Ambient, Drone und Sounddesign

Hier spielt das TimeLine MX seine größten Stärken aus.

In Kombination mit Volume-Pedal oder E-Bow entstehen weitläufige Flächen, die sich über Minuten entwickeln können. Durch die integrierte BigSky-MX-Reverb-Engine verschmelzen Delay und Hall nahezu nahtlos miteinander.

Auch für Drone Sounds bietet das Pedal enormes Potenzial. Lange Feedback-Wege entwickeln sich organisch weiter, ohne statisch zu wirken. Besonders die Kombination mehrerer Delay-Engines erzeugt ständig neue Obertonbewegungen.

Ebenso überzeugend arbeitet der integrierte Stereo-Looper. Mit bis zu fünf Minuten Aufnahmezeit sowie Reverse- und Half-Speed-Funktionen eignet er sich hervorragend für Ambient-Performances oder experimentelles Layering. Während des Tests überzeugte vor allem die Möglichkeit, Loops inklusive laufender Effekte weiterzuentwickeln, wodurch sehr lebendige Klanglandschaften entstehen.

Live und im Studio

Live profitiert man vor allem von der hohen Klangqualität und der zuverlässigen MIDI-Integration. Presets wechseln sauber und ohne hörbare Unterbrechungen.

Im Studio überzeugt das Pedal durch außergewöhnliche Stereoabbildung. Wiederholungen bleiben transparent und behalten selbst bei dichten Arrangements ihre räumliche Staffelung.

Bemerkenswert ist außerdem, wie inspirierend das TimeLine MX arbeitet. Während des Tests entwickelte sich das Pedal immer wieder vom eigentlichen Effektgerät zum kreativen Kompositionswerkzeug. Einzelne Presets luden geradezu dazu ein, neue Akkordfolgen oder Melodien entstehen zu lassen – ein Merkmal, das hochwertige Effektgeräte von bloßen Werkzeugen unterscheidet.

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