Die 1985 in Florenz geborene Italienerin mit österreichischen Wurzeln begann mit klassischer Gitarre. Später kamen Gesang, brasilianisch geprägte Gitarrenmusik sowie Soul und Gospel hinzu. In ihrer Jugend schrieb sie bereits eigene Stücke; mit Produzent und Gitarrist Fabio Balestrieri entstand schließlich das Debüt ‚Escapizm‘, das 2007 bei Warner Music erschien. Auf dem Album wirkten unter anderem der große Jazz-Mundharmonikaspieler Toots Thielemans sowie Phil Gould und Mike Lindup von Level 42 mit. Vorgestellt wurde die Platte damals mit einem ausverkauften Konzert im Blue Note in Mailand.

Noch im selben Jahr begann Winters Verbindung zur italienischen Hitsingle-Garantin Giorgia (Todrani): Für deren Album ‚Stonata‘ sang Winter beim Stück „Vieni Fuori“ mit. Seit 2009 gehört sie regelmäßig zu Giorgias Livebesetzung – als Sängerin und Gitarristin, auf Tourneen, in Arenen und bei großen Benefiz- und TV-Produktionen. In diesem Sommer ist Winter wieder bei der „G Summer Tour“ dabei; Mike Scott spielt dort ebenfalls Gitarre.

Als Solokünstlerin legte Winter 2015 das zweite Album ‚Tender Hearted‘ vor. Zuletzt rückte sie mit den Live-in-Studio-Veröffentlichungen ‚Collected Sounds Vol. I‘ (2025) und ‚Vol. II‘ (2026) wieder stärker in den Vordergrund. Gerade bei diesem Projekt setzte sie bewusst auf unmittelbare Aufnahmen ohne nachträgliche Schönheitskorrekturen. Winter studierte außerdem Klinische Psychologie, später Musikdidaktik und Künstlerische Vokologie; seit 2019 unterrichtet sie Popgesang am Saint Louis College of Music in Rom.

www.dianawinter.com

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Mike Dawes wurde mit seiner Solo-Version von Gotyes „Somebody That I Used to Know“ bekannt, die auf YouTube mehrere Millionen Aufrufe erreichte. Sein Spezialgebiet: Bass, Akkorde, Melodie und perkussive Elemente gleichzeitig auf einer einzigen Gitarre unterzubringen. 2017 und 2018 wählten ihn die Leser von Total Guitar und MusicRadar zum besten Akustikgitarristen der Welt. Zudem spielte Dawes mit Justin Hayward von The Moody Blues, nahm mit Tommy Emmanuel das gemeinsame Album „Accomplice Vol. 3“ auf und arbeitete mit der Metal-Band Periphery zusammen.

Im Gespräch erklärt der 37-Jährige Engländer, warum die Tour kein Virtuosenwettkampf werden soll, weshalb er auf der Akustikgitarre bewusst Platz lassen muss und welche Rolle In-Ears und wahrscheinlich sogar eine E-Gitarre spielen.

Interview

„Das wird wirklich besonders“

Mike, Eure Tour nennt sich „Escape The Internet II“. Warum ist es gerade für jemanden wie dich eine gute Sache, dem Internet zu entkommen?

Naja, das Lustige ist ja: Die drei anderen Typen auf der Tour – Ola, Charles und Bernth – und natürlich auch ich spielen sehr viel live. Bei mir ist das Touren das, womit ich den Großteil meiner Zeit verbringe. Trotzdem bin ich immer wieder erstaunt, wie viele Menschen unsere Musikvideos oder anderen Content gesehen haben, aber noch nie die Gelegenheit hatten, uns live spielen zu sehen.

Deswegen wollen wir die Konzerte sehr stark bewerben. Denn bisweilen hat man den Eindruck, dass es auf der einen Seite leicht ist, den Leuten ein kurzes Video zu präsentieren, in dem man über Equipment oder Gitarren spricht. Auf der anderen Seite wird es gleichzeitig immer schwieriger, sie mit wirklicher Musik zu erreichen. Das liegt nicht daran, dass die Menschen diese Musik wollen, es wird lediglich immer schwieriger, sie von den Algorithmen, Plattformen und all diesen Dingen anzeigen zu lassen. Und ich liebe ich es, Gitarre zu spielen. Das ist alles, was ich tun möchte.

Und wir wollen eine Show auf die Bühne bringen, die es so nie wieder geben wird. Ola Englund ist vermutlich der bekannteste Heavy-Metal-Chug-Gitarrist im Internet. Dann haben wir Bernth, der, ganz ehrlich, wahrscheinlich der beste Leadgitarrist ist, den ich je in meinem Leben gesehen habe. Und Charles ist wiederum vermutlich der beste Bassist, den ich je in meinem Leben gesehen habe. Es ist mir eine Ehre, mit ihnen zu spielen, und wir werden etwas wirklich Besonderes erschaffen: eine ganz besondere Show, in der jeder mit jedem spielt. Das wird großen Spaß machen.

Wie sieht das Konzept denn genau aus?

Das Konzept ist im Grunde ein vollkommen einzigartiger Musikabend. Wir werden Stücke zu viert spielen, als Trios, als Duos und solo. Jeder wird in der Show seinen Moment bekommen, um zu zeigen, was er macht. Gleichzeitig erhalten das Publikum und auch wir selbst die einmalige Gelegenheit zu hören, wie es klingt, wenn diese beiden oder jene beiden Musiker zusammenspielen.

Das Coole daran ist: Nach meiner Erfahrung mit solchen Tourneen, die ich bereits mit anderen Künstlern gemacht habe, entstehen im Laufe einer langen Tour, auf der man gemeinsam im Tourbus sitzt, neue Songs und Arrangements. Ich bin mir ziemlich sicher, dass wir am Ende der Tour andere Stücke spielen werden als zu Beginn. Für uns Musiker wird das kreativ sehr viel Spaß machen. Und hoffentlich macht es auch dem Publikum Freude, etwas wirklich Einzigartiges zu erleben.

Ihr seid technisch alle sehr versiert. Wie verhindert ihr, dass Virtuosität und schnelles Spielen zu sehr in den Vordergrund rückt?

Virtuosität interessiert mich dabei überhaupt nicht. Ich bin ein Fingerstyle-Typ auf der Akustikgitarre und will einfach nur Musik spielen. Ich glaube nicht, dass irgendjemand daraus eine Olympiade machen möchte. Natürlich wird jeder seinen Moment haben wollen, in dem er glänzen und zeigen kann, was er kann. Aber ich weiß nicht, ob du schon einmal mehrere Gitarristen gleichzeitig sehr schnell spielen gehört hast. Das klingt nicht gut.

Es geht darum, einander Luft zu lassen und den jeweils anderen glänzen zu lassen – genau wie in einer Band, wenn ein Musiker ein Solo spielt. Dort werden nicht vier Leute die ganze Zeit mit 100 Meilen pro Stunde loslegen. Absolut nicht. Wir wollen eine dynamisch vollständig ausgearbeitete Show kreieren und arbeiten hinter den Kulissen bereits am Material. Das wird wirklich besonders. Zu viel kann ich noch nicht verraten. Aber im Laufe dieses Jahres werden weitere Musik und weitere Videos erscheinen, in denen wir alle zu sehen sein werden – vielleicht kleine Duos, Trios und solche Dinge. Das gibt dem Publikum weitere Hinweise darauf, was es erwarten kann.

„Ich werde machen können, was ich möchte“

Wie schafft ihr es denn, gemeinsam zu proben? Ihr kommt schließlich aus völlig unterschiedlichen Teilen des Erdballs?

Ironischerweise über das Internet. Charles war erst vor Kurzem hier in Bristol, England. Wir haben vor ein paar Wochen gemeinsam ein Musikvideo gedreht, das bald erscheinen wird. Charles kam nach Großbritannien,

Und Ola lebt in Stockholm und ist im Moment mit The Haunted auf Tour. Ich selbst werde im September im Rahmen meiner eigenen Tour wieder in Los Angeles sein. Dort lebt Bernth, also werden wir einige Dinge zusammen machen. Da wir alle ohnehin touren, unseren eigenen Sachen nachgehen und aus den unterschiedlichsten Gründen reisen, gibt es bis zur Tour überraschend viele Gelegenheiten, um zusammenzukommen.

Für die eigentlichen Proben der Vorproduktion werden wir, sobald wir unsere Parts vor der Tour gelernt haben, drei oder vier Tage lang mit kompletter Produktion und allem Drum und Dran gemeinsam in Warschau proben.

Wie viel Raum wird es deiner Meinung nach für Improvisation und spontane Momente geben?

Ich denke, im Laufe der Tour immer mehr. Was die Solostücke in der Show betrifft, werde ich in jedem Konzert andere Songs spielen, um mich auszutoben. Ob ich zwei, drei oder vier eigene Songs spiele, wird sich noch zeigen, denn die genaue Länge des Sets steht noch nicht fest. Dabei werde ich improvisieren und machen können, was ich möchte.

Je länger die Tour dauert und je wohler wir uns beim Zusammenspiel fühlen, desto mehr wird sich verändern. Wie gesagt: Ich glaube, dass wir am Ende der Tour völlig anders spielen werden als zu Beginn. Das ist sehr aufregend. Bernth, Ola und Charles sind natürlich ebenfalls Meister der Improvisation. Ich möchte nicht für sie sprechen, aber nachdem ich bereits mit ihnen gearbeitet habe, weiß ich, dass es unglaublich werden wird.

„Ich bin gespannt auf diesen Gegensatz“

Inwiefern verändert eine Tour in dieser Besetzung die Anforderungen an dein Spiel und dein Instrument?

Für mich wird der Unterschied vermutlich am größten sein, denn wir werden sehr wahrscheinlich ein In-Ear-Monitoring-System verwenden. Bei meinen eigenen Konzerten bevorzuge ich Wedges, weil ich mich nach niemandes Tempo richte außer meinem eigenen. Da wir hier zusammenspielen, brauchen wir beim Monitoring wesentlich mehr Kontrolle

Ich werde nicht in völliger Stille spielen können, sondern mit sehr viel Sound. Deshalb werde ich meine Arbeitsweise anpassen müssen, und darauf freue ich mich sehr. Ich habe jahrelang als Support und gemeinsam mit Justin Hayward von The Moody Blues gespielt. Dort verwenden wir In-Ears, ich bin also sehr daran gewöhnt. Es wird jedoch ganz anders sein als beispielsweise mit Tommy Emmanuel, wo wir die Lautstärke auf der Bühne einfach sehr weit aufdrehen.

Wenn ich mit ihm zusammen spiele, muss ich wirklich hart anschlagen, um die nötige Power zu erzeugen und mich gegen die hohe Bühnenlautstärke durchzusetzen. Diesmal wird das angenehmer. Obwohl die Musik laut und stark am Heavy Metal orientiert sein wird, könnte dies der entspannteste Auftritt werden, den ich je gespielt habe. Ich werde mich in diesem Kokon befinden. Deshalb freue ich mich darauf, für das Publikum die lautesten Konzerte zu spielen, die ich je gegeben habe, während es für mich zugleich am kontrolliertesten und entspanntesten sein wird. Ich bin gespannt auf diesen Gegensatz und auf die Erfahrung.

Wenn du solo spielst, bist du ja dein eigener Schlagzeuger. In dieser Band gibt es nun aber einen Drummer. Was macht das mit deinem Spielstil?

Es geht darum, Platz zu lassen und die Leute atmen zu lassen. Es wird in der Show auf jeden Fall Songs ohne Schlagzeug geben. Vielleicht Stücke, die Charles und ich gemeinsam spielen und bei denen ich das gesamte Fingerstyle-Instrumentarium einsetze, sodass sich der Sound verändert.

Aber wenn Sebastian am Schlagzeug mit Doublebass und allem Drum und Dran loslegt, dürfen meine Parts natürlich nicht damit kollidieren. Wir haben einen Promo-Song aufgenommen, der inzwischen auf YouTube und Spotify zu hören ist. Er heißt schlicht „Escape the Internet 2“, so wie die Tour. Da kann man hören, was ich spiele, damit es in den Mix einer Metalband passt.

Es wird schön, sich wirklich als Teil einer Band zu fühlen, denn ich habe so lange nur solo gespielt. Und ich nehme die Herausforderung sehr gerne an: Wie fügt man sich in einen solchen Sound ein, ohne dass es wie ein Salat klingt, bei dem man einfach unterschiedliche Zutaten zusammenwirft und das Ergebnis serviert? Wir achten sehr genau darauf, dass sich jeder im richtigen Moment zurücknimmt.

Und ihr braucht vermutlich einen sehr guten Toningenieur.

Ja, den haben wir. Und deshalb haben wir auch die vier Tage Vorproduktion. Wenn man all diese verschiedenen Sounds kombiniert, besonders bei den Effekten, füllen manche Effekte einen wesentlich größeren Teil des Frequenzspektrums als andere. Wir stimmen das alles genau aufeinander ab und reisen mit unserer eigenen Crew.

„Harmonisch ähnelt meine Musik dem Metal sehr“

Was haben deine Art, Akustikgitarre zu spielen, und die Metal-Gitarre deiner Meinung nach gemeinsam?

Ich komme aus dem Metal, bin als Metal-Gitarrist aufgewachsen und habe in meiner Schulband eine Jackson Kelly gespielt. Meine Liebe zur keltischen Musik verband sich mit meiner Liebe zum Metal. Daraus entstand schließlich das, was ich heute auf der Akustikgitarre mache.

Auch harmonisch ähnelt meine Musik dem Metal sehr. Ich bin mit Iron Maiden aufgewachsen und verwende viele dieser Harmonien in den Strukturen meines eigenen Materials. Würde man bei einigen meiner Songs die Instrumentierung ändern, kämen sie der Heavy-Metal-Musik ohnehin ziemlich nahe.

Und auch die Perkussion und die Aggressivität der lauteren Songs haben viel mit Metal gemeinsam. Die Akustikgitarre ist für mich also zum Vehikel für ein Songwriting und eine Art des Auftretens geworden, die sich von Rock und Metal gar nicht so sehr unterscheiden. Diese Tour ist für mich eine Gelegenheit, mich wieder mit dem Punkt zu verbinden, an dem mein Weg abgezweigt ist. Ich glaube, mein Beitrag bei diesem Projekt funktioniert nur, weil ich diesen musikalischen Hintergrund und diese Vorgeschichte habe. Wäre ich irgendein Akustikgitarrist, der noch nie Metal gespielt hat, wäre es vermutlich viel schwieriger, musikalisch zusammenzufinden.

In der Welt der Akustikgitarre bin ich in einer ziemlich einzigartigen Position: Ich verstehe die typischen Merkmale, die Mechanismen und die DNA der Musik, die die anderen spielen. Deshalb funktionieren wir zusammen so gut. Wenn jemand ein Riff vorstellt, denke ich sofort: Alles klar, ich verstehe es. Ich weiß, was ich tun kann, um hier hineinzupassen.

Wirst du auf dieser Tour auch mal zur E-Gitarre zu greifen?

Ja. Wir haben darüber gesprochen, und ich möchte die Leute überraschen. Vielleicht spiele ich sogar Bass. Vielleicht steige ich bei Ola ein. Das habe ich noch nie gemacht. Du siehst jetzt das breite Grinsen in meinem Gesicht. Wir haben noch nicht entschieden, was genau passieren wird. Aber es wäre ausgesprochen dumm, diese Gelegenheit nicht zu nutzen. Deshalb freue ich mich sehr darauf.

Musst du etwas an deiner Übungsroutine ändern, damit du dich bei diesen Shows sicher fühlst?

Ja. Im Moment sind ungefähr zwei Drittel der Show fertig und eingeübt, einschließlich der Solosachen. Wir wollen aber noch ein paar weitere Kollaborationen schreiben und arbeiten in der zweiten Hälfte dieses Jahres daran. In diesem Jahr stehen für mich noch viele Solokonzerte in Großbritannien und den USA an. Wenn ich davon zurückkomme, werde ich mich im November und Dezember voll auf „Escape The Internet“ konzentrieren. Dabei geht es nicht nur darum, die richtigen Töne zu lernen, sondern um Dynamik und Spielweise. Zum Beispiel muss ich die Geräusche beim Rutschen über die Saiten vermeiden. Ich muss auf all die schmutzigen Details verzichten, die eine Akustikgitarre großartig machen. Deshalb werde ich beispielsweise darauf achten, beschichtete Saiten zu verwenden. Es gibt also klangliche Erwägungen, die in meine Übungsroutine einfließen werden.

Ich muss üben, Platz zu lassen. Nicht nur mit den Fingern und in den Arrangements, sondern auch bei der Art, wie der Sound im Mix präsentiert wird. Denn ich will, dass der Tontechniker meinen Kanal einfach einschaltet und denkt: „Oh ja, das klingt großartig.“ Die Akustikgitarre ist das ausdrucksstärkste Instrument der Welt. Natürlich sage ich das, weil ich zum Team Akustikgitarre gehöre. Aber es ist erstaunlich, was man allein durch Übung mit den Fingern bewirken kann. Man kann so viel machen. Viel mehr als mit einer E-Gitarre, deren Dynamikumfang deutlich stärker komprimiert ist.

Equipment: „Diese Gitarre kann alles“

Hast du dir schon Gedanken über das Equipment gemacht, das du mit auf Tour nehmen wirst?

Ja, ich nehme meine Cuntz Signature mit. Die Gitarren von Andreas Cuntz werden in der Nähe von Darmstadt gebaut. Mit dieser Gitarre habe ich seit 2016 jedes einzelne Konzert gespielt. Es ist also der zehnte Jahrestag mit diesem Instrument, meinem „Indian Rose“-Modell. Das wird während der gesamten Tour meine Hauptgitarre sein. Je nachdem, was die Setlist verlangt, nehme ich möglicherweise weitere Instrumente mit, wie meine Semi-Bariton-Gitarre von Nick Benjamin. Und falls ich auch E-Gitarre spiele, hängt es normalerweise von der Logistik und vom jeweiligen Part ab, ob ich meine eigenen Instrumente mitbringe.

Sollte ich eine E-Gitarre mitnehmen, wird es entweder diese Strandberg Sälen Jazz oder meinen Prototyp der Rick Toone Goshawk und eine sehr, sehr einzigartige Gitarre. Das ist die ultimative E-Gitarre: Der Pickup-Wahlschalter ist ein Zehnfach-Schalter. Es gibt also zehn verschiedene Tonabnehmerkombinationen, und so ist der Sound einer Strat, einer Tele, einer Les Paul oder einer PRS möglich. Diese Gitarre kann alles, und deshalb liebe ich sie so sehr.

Und was ist mit Effekten?

Ich nehme mein komplettes Pedalboard mit. Es ist um einen Bose-Mixer herum aufgebaut, und ich benutze viele verschiedene Effekte. Ich bin zum Beispiel ein großer Fan des Strymon Timeline, das wird mit mir auf Tour gehen. Nahezu alle Effekte, die man bei mir jemals hört, kommen aus dem Timeline und entstehen dadurch, dass ich sehr kreativ damit umgehe. Bei Gitarrencamps und ähnlichen Veranstaltungen fragen die Leute immer nach Equipment. Meine Antwort auf die Frage nach dem besten Equipment lautet: Wie viel Zeit bist du bereit, in das Erlernen eines Geräts zu investieren?

Ich verwende diesen Bose-Mixer und das Timeline noch immer, weil ich jedes einzelne Menü und jede noch so kleine Funktion kenne. Deshalb kann ich mehr Sounds aus den Geräten herausholen. Wenn ich ständig neue Sachen kaufe, schränke ich erstens mein Wissen darüber ein, was diese Geräte tatsächlich können. Und wenn bei einem Konzert etwas schiefläuft, würde ich außerdem in Panik geraten. Wenn beim Timeline hingegen beim Soundcheck etwas nicht funktioniert oder ein seltsames Geräusch entsteht, weiß ich, wie ich es beheben kann. Für die E-Gitarre werde ich allerdings einen Quad Cortex mitnehmen. Ich versuche also, in meiner Komfortzone zu bleiben – besonders bei einer Tour wie dieser, bei der so viele Dinge gleichzeitig passieren.

Du veränderst dein grundlegendes Akustikgitarren-Setup für diese Tour also nicht?

Nein. Ich behalte dasselbe Setup bei, werde die Effekte aber wesentlich zurückhaltender einsetzen. Ein klassisches Beispiel: Bei meinen Soloshows benutze ich die Boss-Oktavpedale OC-3 und OC-5. Die brauche ich nicht, denn ich habe Charles Berthoud. Darum werde ich all das nicht spielen. Ich werde den Raum respektieren, den die anderen Musiker ausfüllen.

Tourdaten „Escape The Internet II“

05.02.Warschau
06.02. Prag
07.02. Nürnberg
09.02. Antwerpen
16.02. Paris
18.02. Kopenhagen
19.02. Stockholm
20.02. Göteborg
21.02. Oslo
23.02. Berlin
24.02. Frankfurt
26.02. Köln
27.02. Hamburg
28.02. Utrecht
02.03. Stuttgart
03.03. Esch-sur-Alzette
04.03. Solothurn
05.03. München
06.03. Wien

Mike Dawes Website

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Eine Bauform, die viele Spielstile abdeckt

Martin greift bei diesem Modell auf die bewährte 000-Bauform zurück. Sie gilt seit Jahren als vielseitige Alternative zu größeren Korpusformen und spricht Gitarristen an, die ein ausgewogenes Verhältnis zwischen Komfort und Klangvolumen suchen. Gerade Singer-Songwriter und Fingerstyle-Spieler schätzen die ergonomischen Maße, ohne dabei auf einen vollen Akustikklang verzichten zu müssen.

Dazu kommt die etwas kürzere Mensur von 632 Millimetern. Sie sorgt für ein geschmeidiges Spielgefühl und erleichtert Bendings ebenso wie längere Spielsessions.

Klassische Tonhölzer mit moderner Konstruktion

Auch bei der Holzauswahl bleibt Martin seiner Linie treu. Eine massive Fichtendecke trifft auf einen Korpus aus massivem Sapele, also eine Kombination, die sich in vielen hochwertigen Westerngitarren bewährt hat. Unterstützt wird die Decke von einem Scalloped X Bracing, das ihr mehr Bewegungsfreiheit verleiht und so zu einer lebendigen Ansprache beiträgt.

Gerade Spieler, die Wert auf Dynamik legen, dürften an dieser Konstruktion Gefallen finden. Sanft angeschlagene Passagen werden ebenso differenziert wiedergegeben wie kräftiges Strumming.

Komfort für den Alltag

Neben dem Klang spielt bei einer Akustikgitarre vor allem das Spielgefühl eine entscheidende Rolle. Martin stattet die 000-10E deshalb mit dem hauseigenen Performing-Artist-Halsprofil aus, das sich angenehm schlank anfühlt und auch bei längeren Sessions für ein entspanntes Greifen sorgt.

Das Griffbrett aus ostindischem Palisander bietet dabei die vertraute Haptik, die viele Gitarristen schätzen. Zusammen mit der moderaten Sattelbreite entsteht ein Instrument, das sowohl Fans mit etwas Spielerfahrung als auch fortgeschrittene Musiker anspricht.

Signature-Details mit Augenmaß

Während manche Signature-Modelle auf eine besonders auffällige Optik setzen, bleibt die Martin 000-10E Shawn Mendes vergleichsweise zurückhaltend. Das satinierte Natural Finish mit Antique Toner verleiht der Gitarre einen leicht klassischen Charakter, ohne künstlich auf Vintage zu trimmen.

Einige Details heben das Instrument dennoch klar von Martins Standardmodellen ab. Dazu gehören die Abalone-Rosette, das individuell geformte Tortoise-Schlagbrett und vor allem das Eagle Inlay auf dem Griffbrett. Diese Elemente verleihen der Gitarre eine persönliche Note, ohne das Gesamtbild zu dominieren.

Bereit für die Bühne

Wer regelmäßig live spielt oder seine Gitarre unkompliziert aufnehmen möchte, findet mit dem integrierten Martin E-1 Tonabnehmersystem eine zeitgemäße Lösung. Das System arbeitet dezent im Hintergrund und bietet neben den Bedienelementen für den verstärkten Sound auch ein integriertes Stimmgerät. Zusammen mit den geschlossenen Mechaniken und dem mitgelieferten Gigbag ergibt sich eine Ausstattung, die den Einsatz im Proberaum, auf der Bühne oder unterwegs erleichtert.

Einordnung der Martin 000-10E Shawn Mendes

Mit der 000-10E Shawn Mendes erweitert Martin sein Signature-Programm um ein Modell, das sich weniger über den prominenten Namen als über seine ausgewogene Gesamtausstattung definiert. Vollmassive Bauweise, kompakte Abmessungen und eine moderne Bühnenausstattung machen die Gitarre zu einer interessanten Neuheit für alle, die eine vielseitige Westerngitarre suchen. Dass sie dabei einige individuelle Designmerkmale mitbringt, verleiht ihr einen eigenen Charakter, ohne ihren praktischen Nutzen in den Hintergrund zu stellen.

Titelbild: Martin

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Wer ist Ben Harper?

Ben Harper zählt bereits seit den 1990er-Jahren zu den vielseitigsten Singer-Songwritern seiner Generation. Bekannt wurde er durch seine Mischung aus Folk, Blues, Rock, Soul und Reggae, die er mit einer sehr persönlichen Handschrift verbindet. Neben seinem Gesang sticht vor allem sein Gitarrenspiel hervor, das er im Alter von 17 Jahren auf seiner Weissenborn Slide-Gitarre zu lernen begann. Dementsprechend ist sein Spielstil von ausdrucksstarken Slide-Techniken und offenen Tunings geprägt.

Harper ist übrigens nicht nur Solo-Künstler, sondern auch mit Bands wie den Innocent Criminals erfolgreich und wurde mehrfach mit Grammy Awards ausgezeichnet. 2005 räumte er in den Kategorien Best Pop Instrumental Performance und Best Traditional Soul Gospel Album ab, 2014 folgte ein weiterer in der Kategorie Bestes Bluesalbum zusammen mit Charlie Musselwhite.

Taylor Ben Harper Gold Label 512e

Bens Gold Label 512e basiert auf einer komfortablen Grand Concert Bauform, die für ein ausgewogenes, direktes Spielgefühl sorgt. Trotz der eher kompakten Größe liefert die Gitarre daher eine überraschend große Klangfülle mit viel Tiefe und Dynamik.

Die Kombination aus Fichte und Mahagoni liefert einen klaren, definierten Ton mit kräftigen Mitten und angenehmer Wärme, eignet sich also ideal für Fingerstyle, Singer-Songwriter-Arrangements und dynamisches Strumming.

Die Features im Überblick

• Torrefizierte Sitka-Fichtendecke
• Boden & Zargen aus Mahagoni
• Fanned V-Class Bracing
• Mahagonihals, einstellbar
• Palisandergriffbrett
• 24,85″-Mensur (632 mm)
• Taylor Claria Tonabnehmersystem
• Custom Shaded Edgeburst Finish

Fanned V-Class Bracing

Ein zentrales Element der Ben Harper Gold Label 512e ist das Fanned V-Class Bracing, das für mehr Sustain, bessere Intonation und eine insgesamt größere Klangprojektion sorgt. Zusätzlich kommt Taylors bewährtes Halsdesign zum Einsatz, das nicht nur stabil ist, sondern auch präzise Einstellbarkeit ermöglicht.

Die Taylor Ben Harper Gold Label 512e Grand Concert ist ab sofort für 3807,- UVP erhältlich. Ein Koffer ist im Lieferumfang enthalten.

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Die gebürtige Hessin hat einen ungewöhnlichen Werdegang hinter sich, den sie im Gespräch selbst nachzeichnet. Ihre klassische Ausbildung trifft auf eine ausgeprägte stilistische Offenheit, die sich weder auf ein Genre noch auf ein Instrument festlegen lässt. Diese Kombination hat der 27-Jährigen nicht nur eine wachsende Präsenz auf YouTube eingebracht, sondern auch eine feste Rolle als Gitarristin der Band Funky Times, mit der in Kürze eine Tour durch Deutschland und anschließend durch Asien (inkl. Java Jazz Festival) ansteht. Parallel dazu ist sie regelmäßig Teil der Live-Band von Bülent Ceylan – inklusive Auftritt beim Wacken Open Air.

Ein Blick auf ihr bisheriges Schaffen zeigt die Bandbreite ihres Ansatzes: Interpretationen von Bach’schen Cello-Suiten stehen neben eigenständigen Loop-Arrangements, funkorientierten Bandkontexten und Kooperationen mit Herstellern wie Ibanez, Siccas Guitars, D’Addario oder Baton Rouge Guitars. Es entsteht das Bild einer Musikerin, die sich nicht auf ein klar umrissenes Feld festlegen lässt, sondern mehrere künstlerische Linien oder gar Karrieren parallel verfolgt. Eine spannende Künstlerin, von der noch vieles zu erwarten ist. Nun erstmal das

Interview

Der Werdegang

Julia, lass uns vorne anfangen: Wie bist du zur Gitarre gekommen?

Ich habe mit acht Jahren angefangen. Mein großer Bruder sollte Gitarre lernen, weil meine Eltern das cool fanden. Also haben sie ihm eine Gitarre gekauft. Er hat es dann aber sehr schnell wieder bleibenlassen. Es war nicht sein Ding, er hat sich eher für Autos interessiert. Aber ich habe dann eigentlich ausschließlich klassische Gitarre gespielt, bis ich so 16 war – inklusive „Jugend musiziert“ und so weiter. Irgendwann fingen die Wettbewerbe an mich zu nerven, gleichzeitig habe ich Künstler wie Tommy Emmanuel oder Mike Dawes auf YouTube gesehen, mit eigenen Arrangements und eigenen Stücken. Das hat mich fasziniert. Dann habe ich mir eine Akustikgitarre mit Stahlsaiten geholt und einfach angefangen, das auszuprobieren und weiterzubasteln. Ich hatte aber vorher selbst schon einen YouTube-Channel gestartet und ein paar Klassikvideos hochgeladen. Das habe ich dann weitergemacht.

Und wie kamst du dann schließlich zur E-Gitarre?

Ich habe in Dresden akustische Gitarre studiert, „World Music“ heißt das da. Kurz vor dem Lockdown hatte ich ein Klassikkonzert mit zwei Brüdern, Julius und Leo Imhäuser. Julius war als Special Guest an der Akustikgitarre dabei, Leo hat den Sound gemacht. Der Veranstalter fragte uns dann, ob wir nicht eine Band für einen Frank-Sinatra-Tribute-Abend stellen könnten, unter dem Motto „New York, New York“. Wir hatten überhaupt keinen Plan, haben aber zugesagt.

Wir hatten vorher nie wirklich zusammen Musik gemacht, haben dann aber den ganzen Sommer über dieses Zwei-Stunden-Programm vorbereitet. Julius hatte die Idee, zwischen zwei Standards einen Funk-Part einzubauen. Und diese Minute hat uns am meisten Spaß gemacht. Ich habe da zum ersten Mal mit einem Pick gespielt, ein bisschen funky. Dann haben wir uns gefragt: Wo gibt es mehr davon? Kennst du Vulfpeck? Ich so: keine Ahnung. Dann haben wir uns das Madison-Square-Garden-Konzert angeschaut und waren sofort Fans.

Diesen kleinen Funk-Snippet haben wir aufgenommen, um das Sinatra-Konzert zu bewerben. Ich habe einfach auf Instagram „Funky Times“ dazu geschrieben. Das erste Video ging direkt viral. Dann haben wir weitere Snippets gemacht, immer mit demselben Hinweis: „Funky Times 2“, „Funky Times 3“. Irgendwann haben die Leute uns einfach so genannt, und wir dachten: Dann sind wir wohl eine Band und heißen Funky Times… Dann kam der Lockdown – viel Zeit zum Musikmachen und Videos produzieren im Wohnzimmer. So hat das angefangen. Es war nie geplant, E-Gitarre zu spielen. Das hat sich durch Zufälle ergeben.

Nochmal einen Schritt zurück: Warum hast du damals dein erstes YouTube-Video aufgenommen?

Das weiß ich noch genau. Ich hatte viele Stücke, die sehr schwer waren und viel Übung erforderten. Gleichzeitig wollte ich neue Stücke lernen, und dachte: Die alten sind nirgendwo festgehalten. Also wollte ich etwas aufnehmen. Erst dachte ich an eine CD. Dann habe ich gemerkt: Das kostet Geld – und wer würde die kaufen? Familie, zwei Nachbarn, eine Tante, sonst niemand. Also habe ich Videos gemacht. Die ersten sind im Freien aufgenommen, es windet total, alles sehr DIY. Ich hatte jemanden über meinen Klassikgitarrenlehrer, der Aufnahmen macht. Einen Tag konnte ich mir leisten, habe zwei Wochen intensiv geübt, alles eingespielt, mir eine Kamera geliehen, ein Schnittprogramm gekauft und mit einer Freundin die ersten Videos gemacht.

Mit welchem Ziel? Wolltest du damals schon Musikerin werden?

Ja, auf jeden Fall. Das war schon klar für mich seit ich zwölf Jahre alt war. Schon damals wollte ich klassische Konzerthäuser spielen, das war mein Ziel. Mit der Zeit hat sich mein Geschmack verändert, ich habe neue Sachen kennengelernt, und es ging in eine andere Richtung.

Und als was würdest du dich heute am ehesten bezeichnen? Klassische Gitarristin? E-Gitarristin?

Am liebsten einfach Gitarristin. Alles andere steckt einen in eine Schublade. Eine typische klassische Gitarristin bin ich nicht mehr. Ich komponiere aber viel für klassische Gitarre, da kommt auch bald ein erstes Stück raus. Ich mag einfach viele Stile.

Genres und ihre Vermischung

Würdest du zustimmen, wenn ich behaupte, dass die einzige Verbindung zwischen Klassik und Funk die Präzision ist?

Ja, aber unterschiedliche Arten von Präzision. Im Funk geht es um Timing. Klassisch gespielt würde das nicht funktionieren. Timing ist da ein ganz anderes Konzept. Aber Perfektion spielt in beiden Bereichen eine Rolle. Am Anfang war mein Timing echt schlecht. Das brauchte ganz viel Üben. Es gibt ein paar Aufnahmen von früher, die sind komplett furchtbar. Und das krasse ist, dass man es selber auch nicht hört. Es dauert, ein Bewusstsein dafür zu entwickeln. Um es mit Sprache zu vergleichen: Klassik ist eher wie wenn man ein Gedicht vorträgt, flexibel im Tempo. Funk ist eher wie Rap, wo alles sehr auf den Punkt sein muss. Was mir sehr geholfen hat: Wir haben von Anfang an alles aufgenommen. Das ist das beste Training. Man hört sich selbst, bekommt Feedback und verbessert sich.

War dein Zugang über Spieler wie Mike Dawes auch schon rhythmisch geprägt?

Ein bisschen. Aber wenn ich mir alte Sachen anhöre, war auch das timingmäßig nicht besonders groovy. Man spielt allein, ohne Gegenpol. Trotzdem war es ein Übergang in die Richtung.

Kannst du deine klassische Ausbildung in die Musik irgendwie einfließen lassen oder passiert das automatisch?

Ich glaube, das passiert oft automatisch. Vor allem in Sachen Üben. In der Klassik arbeitet man sehr diszipliniert: Man nimmt sich etwas vor und übt das dann jeden Tag gezielt, damit es bis zu einem bestimmten Zeitpunkt sitzt. Diese Übekonzepte und die Art, Dinge aufzuschlüsseln, die steck auch in dem, was ich bei Funky Times mache. Ich denke da gar nicht bewusst drüber nach, aber es ist einfach so.

Und rein vom Tonmaterial oder von der Spieltechnik – nutzt du da etwas aus der Klassik?

Da musste ich ehrlich gesagt sehr viel umlernen. Das war richtig hart und ist teilweise immer noch schwierig. In der Klassik mutet man keine Saiten mit der linken Hand, das macht man einfach nicht. Die Finger stehen sehr steil auf dem Griffbrett. Bei der E-Gitarre liegt die Hand oft ganz anders am Hals, Das gibt es in der Klassik nicht.

Gerade beim Strumming ist das ein Problem, weil man die Saiten dämpfen muss. Ich habe mir dann erst ziemlich komische Techniken angewöhnt, viel mit dem ersten Finger gearbeitet, und habe das später wieder umgestellt. Irgendwann merkt man, dass andere Wege besser funktionieren. Ein großer Teil des E-Gitarrenspiels besteht wirklich aus dem Abdämpfen der Saiten. Das ist einem gar nicht bewusst, wenn man damit aufwächst. Wenn man aus der Klassik kommt, ist das eine riesige Umstellung.

Hast du im Funk-Bereich Vorbilder?

Ja, Cory Wong, ganz klar. Ihn habe ich damals über Vulfpeck entdeckt. Diese Spielfreude auf der Bühne hat mich total gepackt. Und sein sehr cleaner Funk-Sound und die Art, Rhythmusgitarre in den Vordergrund zu stellen, haben mich stark beeinflusst.

Equipment

Was benutzt du zur Verstärkung deiner Akustikgitarre?

Das L.R. Baggs Anthem und von da aus gehe ich in den Quad Cortex. Daraus benutze ich Hall, Delay und, EQ. Außerdem ein Expression-Pedal für Wah/Volume. Das ist mein Setup.

Welche E-Gitarren spielst du aktuell?

Ich habe eine Ibanez AZ-Modell, also meine custom-made Glitzergitarre, und eine von diesen Fender Ultra Luxe Vintage, die letztes Jahr rausgekommen sind. Auch mit ihnen gehe ich in das Quad Cortex. Auf Tour gehen wir von da aus direkt in die Anlage, splitten aber das Signal auch zu einem Amp auf der Bühne. Teilweise nutzen wir auch Speaker-Boxen als Amp-Ersatz.

Tourdaten Funky Times

09.04.26 Halle, Objekt 5
10.04.26 Plauen, Malzhaus
12.04. I-Mailand, Blue Note
16.04. DNK-Copenhagen, Spillestedet Stengade
17.04.26 Lübeck, Treibsand
18.04.26 Hannover, Jazz-Club
19.04. NL-Utrecht, Tivoli Vredenburg
23.04.26 Aschaffenburg, Colos-Saal
24.04.26 Karlsruhe, Jubez

Julia Lange im Netz:

Offizielle Website Funky Times

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Die Saite als Ausgangspunkt des Tons

Die Klangerzeugung entsteht mit der schwingenden Saite, die wir mit unseren Fingern anschlagen. Wird eine Saite gezupft oder angeschlagen, beginnt sie zu schwingen. Die Schwingung allein ist natürlich nicht ausreichend, denn sie erzeugt einen zunächst sehr leisen Schall. Spannst du eine Saite einfach zwischen zwei Punkten, wäre sie kaum laut genug. Sie benötigt einen Korpus mit einem Schallloch, der Resonanz erzeugt. Aus diesem Grund sind E-Gitarren übrigens auf eine komplexe Konstruktion aus Tonabnehmern angewiesen.

Doch wieder zurück zur Gitarrensaite, die anhand dreier Faktoren die Tonhöhe bestimmt. Zunächst ist sie von der Saitenlänge abhängig, denn kürzere Saiten produzieren höhere Töne. Dabei verkürzt das Greifen auf dem Griffbrett die Länge der schwingenden Saite, weshalb unterschiedliche Töne entstehen. Auch durch eine höhere Saitenspannung entsteht ein höherer Klang, während dickere Saiten tiefere Töne hervorbringen. Eine weitere wichtige Rolle spielt das Saitenmaterial. So produzieren Westerngitarren mit ihren Stahlsaiten einen lauteren und höhnbetonteren Klang, Konzertgitarren mit Nylonsaiten klingen hingegen sanfter.

Doch erst durch die Gitarre selbst entsteht aus einer simplen Schwingung ein ausgewachsener Gitarren-Sound.

Übertragung der Schwingung durch den Steg

Die Aufgabe des Steges ist nicht nur die Befestigung der Saiten an der Decke. Im Gegenteil: Er wirkt wie eine Art Übertragungsstation. Schlägst du eine Saite an, nimmt er deren Schwingung auf und leitet sie an die Decke weiter. Sobald diese in Bewegung gerät, beginnt die eigentliche Klangverstärkung.

Die Decke als Herz der Akustikgitarre

Kommen wir zur Hauptdarstellerin in Sachen Klangproduktion einer Akustikgitarre. Die Decke ist der wichtigste klangbestimmende Part und funktioniert ähnlich wie eine Lautsprechermembran. Wenn die Saite schwingt, setzt der Steg die Decke in Bewegung. Diese Bewegung bringt wiederum die Luft in Schwingung, wodurch ein hörbarer Ton entsteht.

Aus diesem Grund achten Gitarrenbauer besonders auf die Decke. Für einen schnell ansprechenden Ton muss sie leicht genug für eine hohe Schwingungsfreudigkeit sein. Ebenso erfordert sie eine ausreichende Stabilität, um den Saitenzug auszuhalten.

Den Klangcharakter prägen außerdem die verwendeten Gitarrenhölzer. Typische Hölzer für Gitarrendecken sind Fichte für einen brillanten Klang sowie Zeder, die einen warmen und schnell ansprechenden Ton erzeugt. Möchtest du dich umfassender über Tonhölzer informieren, schau dir auch gerne den Beitrag Lexikon der Tonhölzer an.

Auch die innere Verstrebung der Decke, das sogenannte Bracing, beeinflusst die Bewegung der Decke und damit zugleich den Klang.

Die Korpusform beeinflusst Resonanz und Lautstärke

Der Gitarrenkorpus wirkt als Resonanzraum, der den Klang zusätzlich verstärkt und formt. Schwingt die Decke, bewegt sich die Luft im Inneren des Korpus und wird durch das Schallloch nach außen abgegeben. Größe und Form des Korpus haben daher deutliche Auswirkungen auf die Lautstärke, den Bassanteil und den Klangcharakter einer Akustikgitarre.

Beispielsweise erzeugt die klassische Dreadnought-Westerngitarre kräftige Bässe und viel Volumen, was sie zu einer der beliebtesten Gitarrenformen macht. Wer es eher ausgewogen und mittenbetonter mag, kann auf OM-, Auditorium- oder Parlor-Gitarren setzen.

Klangformung durch Boden und Zargen

Während die Decke zum größten Teil für den Sound verantwortlich ist, wirken Boden und Zargen eher wie Reflektoren. Sie beeinflussen, wie sich die Schwingungen im Korpus verteilen und zurück zur Decke reflektiert werden. Unterschiedliche Hölzer beeinflussen auch hier den Klang. Die beliebtesten Tonhölzer für Boden und Zargen sind Mahagoni für einen warmen und mittigen Klang, Palisander für tiefe Bässe und brillante Höhen sowie Ahorn für einen definierten Ton. Deshalb kann dieselbe Gitarrenform mit verschiedenen Hölzern unterschiedlich klingen.

Warum jede Akustikgitarre anders klingt

Selbst Gitarren des gleichen Modells klingen nie exakt gleich. Das liegt ganz einfach daran, dass Holz ein natürliches Material ist. Unterschiede in Holzstruktur, Dichte, Feuchtigkeit und Bauweise führen dazu, dass jede Gitarre ihre eigene klangliche Persönlichkeit entwickelt.

Fazit

Am Ende zeigt sich, dass der Klang einer Akustikgitarre weit mehr ist als nur das Ergebnis schwingender Saiten. Erst das Zusammenspiel aus Holz, Bauweise und Resonanzraum verwandelt eine einfache Bewegung der Finger in einen lebendigen Ton, der den Raum füllt. Jede Saite, jede Schwingung und jedes Stück Holz trägt dazu bei, dass eine Gitarre ihre eigene Stimme bekommt. Vielleicht ist es genau diese Kombination aus Physik und Handwerkskunst, die die Akustikgitarre so faszinierend macht.

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Der Jahrgang 2026 umfasst zehn Acts aus den Bereichen Country, Folk, Americana, Indie und Rock. Im Mittelpunkt stehen dabei weniger technische Virtuosität oder Signature-Modelle als vielmehr ein songorientierter Zugang zum Instrument. Martin setzt damit bewusst auf Gitarristinnen und Gitarristen, deren Spiel integraler Bestandteil ihrer kompositorischen Handschrift ist – häufig reduziert, narrativ und eng mit Stimme und Text verzahnt.

Junge Künstler:innen im Fokus

Zu den ausgewählten Künstlern zählt unter anderem Annahstasia, deren Folk-Pop-Ansatz stark von offenen Tunings, dynamischem Anschlag und textlicher Intimität lebt. Maggie Antone bringt eine rauere, moderne Country-Ästhetik ein, bei der akustische Gitarrenarbeit und direkte Lyrics im Vordergrund stehen. William Beckmann wiederum knüpft mit klassischen Songformen und traditionellem Picking an das Erbe des Texas-Country an, ohne sich rein retrohaft zu positionieren. Mit Rose Betts ist eine Künstlerin vertreten, die akustische Gitarrenarbeit sowohl im klassischen Songkontext als auch im Film- und Serienbereich einsetzt. Kaitlin Butts steht für einen erzählerischen Country-Ansatz, bei dem die Gitarre als rhythmisches und harmonisches Fundament dient. Debbii Dawson verbindet Pop-Songwriting mit akustischen Texturen, während Lily Fitts einen introspektiven, stark auf Begleitgitarre fokussierten Stil verfolgt.

Ergänzt wird die Auswahl durch den irischen Songwriter Darren Kiely, der Folk-Traditionen mit zeitgenössischem Songwriting kombiniert, sowie durch MJ Lenderman, dessen Indie-Rock-Ansatz bewusst zwischen lo-fi-Ästhetik und klassischer Gitarrenband-Struktur pendelt. Noah Rinker schließlich repräsentiert eine junge Songwriter-Generation, bei der akustische Gitarre weniger Stilmittel als erzählerisches Werkzeug ist.

Am zeitgenössischen Gitarrendiskurs teilnehmen

Für Martin Guitar ist das Artist Showcase auch eine programmatische Aussage: Die Marke positioniert sich weiterhin klar im Umfeld von Songwriter-Kultur, akustischer Gitarre und handwerklich geprägtem Musizieren – unabhängig von Trends zu digitalen Produktionsformen oder rein performativer Gitarrentechnik. Gleichzeitig dient das Programm als Seismograf für aktuelle Entwicklungen im gitarrenbasierten Songwriting. Die Class of 2026 folgt auf einen Jahrgang 2025, dessen Teilnehmer im Laufe des vergangenen Jahres verstärkt auf Tour, in Streaming-Playlists und in Fachmedien präsent waren. Martin knüpft damit an den Anspruch an, nicht nur Instrumente zu bauen, sondern aktiv am zeitgenössischen Gitarrendiskurs teilzunehmen.

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Die Black Deals beim Music Store sind zurück! Wie jedes Jahr bündelt sich eine große Auswahl an Angeboten aus nahezu allen Produktbereichen. Unter den diesjährigen Black Deals finden sich nicht nur Gitarren, Effektpedale und Verstärker, sondern auch umfangreiche Deals aus den Bereichen Keys & Pianos, Drums & Percussion, Recording, Synthesizer, DJ-Equipment, PA & Beschallung sowie Home Studio und Pro Audio.

Wer also auf der Suche nach neuem Equipment oder nach einem neuen Instrument ist, der sollte sich diese Angebote nicht entgehen lassen!

E-Gitarren, Akustikgitarren, E-Bässe und Verstärker stark reduziert

Im Gitarren- und Bassbereich stehen dieses Jahr wieder viele beliebte Marken im Fokus: Epiphone, Gibson, Marshall, PRS, Squier, Jackson, Fender, ESP/LTD und zahlreiche weitere Hersteller sind mit ausgewählten Modellen vertreten. Ob E-Gitarren, Akustikgitarren, Bass-Amps, Effekte oder Zubehör – viele Produkte sind zeitlich begrenzt zu Deal-Preisen erhältlich!

E-Gitarren im Deal

E-Bässe, Akustikgitarren und Verstärker im Deal

Von Synths bis Drums: Weitere Angebote außerhalb der Gitarren- und Basswelt

Abseits der Gitarrenwelt lohnt sich ein Blick in die weiteren Kategorien, die traditionell stark nachgefragt sind. Im Bereich Keys & Pianos finden sich Preisnachlässe auf Digitalpianos, MIDI-Controller, portable Keyboards und Stage Pianos namhafter Hersteller wie Yamaha, Roland, Kawai oder Arturia. Im Synthesizer-Bereich bieten Hersteller wie Korg, Novation, Moog oder Elektron reduzierte Synthesizer, Grooveboxen und Desktop-Geräte.

Auch die Drums & Percussion-Sektion ist Bestandteil der diesjährigen Black Deals: E-Drum-Sets, Pads, Mesh-Module und Drum-Amps von Roland, Alesis oder Yamaha sind ebenso vertreten wie Zubehör für akustische Schlagzeuge.

Wer seine Bühnen- oder Proberaumausstattung modernisieren möchte, findet im Bereich PA-Equipment zahlreiche Lautsprecher, Mischpulte, Funkstrecken und komplette Sets. Marken wie LD Systems, Bose, JBL oder Mackie bieten hier passende Lösungen für DJs, Solo-Musiker oder Bands. Ergänzend sind im Bereich Pro Audio zahlreiche Interfaces, Mikrofone, Studiomonitore und Software-Bundles verfügbar, sodass auch Produzentinnen und Produzenten ein breites Spektrum an vergünstigtem Equipment finden!

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Anfänge in den 1930er-Jahren

Die Geschichte der D-28 lässt sich bis in die frühen 1930er-Jahre zurückverfolgen. Zwar war sie nicht die erste Dreadnought, aber dennoch eine wahre Pionierin. Die ersten Dreadnought-Westerngitarren, deren Bezeichnung auf die Schlachtschiffe der englischen Marine zurückgeht, entstanden ab 1916 in Zusammenarbeit mit der Oliver Ditson Company. Zunächst fanden sie allerdings noch keine große Beachtung und waren daher ein Nischenprodukt. Schließlich brachte Martin Guitars die erste hauseigene Dreadnought auf den Markt und legte somit den Grundstein für eine wahre Legende.

Das Jahr 1931 markiert schließlich die Geburtsstunde der Martin D-28, die heute als die weltweit ikonischste Westerngitarre gilt. Mit ihrem charakteristischen Design, ausgewählten Materialien und ihrer hervorragenden Verarbeitung erregte sie schnell Aufsehen und fand ihren festen Platz unter Profimusikern. Der Erfolg der Dreadnought blieb natürlich auch von konkurrierenden Unternehmen nicht unbemerkt, die die Bauform kopierten und dauerhaft mit in ihr Sortiment aufnahmen. Nahezu jeder etablierte Gitarrenhersteller vertreibt bis heute verschiedenste Dreadnought-Modelle. Mit ihrem großen Korpus für ein höheres Volumen, mehr Tiefe und Präsenz hat Martin ein neues Klangideal geschaffen, das seinesgleichen sucht. Dabei wird jede Martin D-28 in Nazareth, Pennsylvania (USA) gebaut, wo erfahrene Gitarrenbauer jedes Detail von Hand fertigen.

Die Korpus-Konstruktion

Dies führt uns direkt zum Aufbau und den typischen Merkmalen der Martin D-28. Herzstück der Gitarre sind zweifelsohne ihre massiven Tonhölzer, die zu ihrem durchsetzungsstarken Klang beitragen. Wurden die ursprünglichen Modelle noch mit einer Decke aus Adirondack-Fichte sowie Boden und Zargen aus Rio-Palisander gefertigt, greift Martin Guitars heute auf eine Kombination aus Sitka-Fichte und (aus Naturschutzgründen) ostindischem Palisander zurück. Die Klangunterschiede sind dabei subtil, sodass der begehrte Sound nahezu unverändert bleibt. Näheres zu Tonhölzern findest du auch in dem Beitrag Lexikon der Tonhölzer.

Ein zentrales Element der Gitarre ist ihre Deckenverstrebung in Form des traditionellen X Bracings, das von Martin im 19. Jahrhundert entwickelt und zum Standard wurde. Innovationen sind natürlich auch an der D-28 nicht vorbeigegangen, weshalb sie heute mit dem Scalloped und Forward Shifted X Bracing ausgestattet ist.

Optisch ist die Gitarre eher minimalistisch gehalten. Meist kommt sie in einem klassischen Natural Finish mit Hochglanz- oder Satinlackierung, schlichten Bindings, einer Style 28 Multi-Stripe-Rosette und einem Faux-Tortoise-Schlagbrett. Fans auffälliger Gitarren-Designs dürfen sich jedoch auch über Modelle mit Natural Aged oder Sunburst Finishes freuen.

Hals und Griffbrett

Der Hals der Martin D-28 ist in einem flachen Modified Low Oval Profile gehalten und besteht ursprünglich aus Mahagoni. Dies wird allerdings je nach Verfügbarkeit auch durch Selected Hardwood ersetzt. Diesen Ansatz verfolgt Martin aus verschiedenen Gründen. Dazu zählen einerseits ökologische wie Naturschutz und Ressourcenschonung, andererseits wirtschaftliche im Hinblick auf die Preisgestaltung. Mahagoni steht unter starkem Schutz und unterliegt deutlichen Preisschwankungen, weshalb die logische Konsequenz daraus Flexibilität in der Materialauswahl ist. Klanglich und haptisch sind beide Varianten nahezu gleich, weshalb qualitativ keine Einbußen zu befürchten sind. Das Griffbrett und der Steg sind unterdessen aus hochwertigem Ebenholz gefertigt, das dir das glatte und angenehme Spielgefühl sowie die klare Tonübertragung einer professionellen Gitarre liefert.

Die modernen Varianten der Martin D-28

Nachdem wir uns den Aufbau und die Materialien dieser legendären Gitarre näher angesehen haben, widmen wir uns einigen der heutigen Modelle, die das Erbe der D-28 auf ihre jeweils eigene Weise weitertragen.

Neben der klassischen D-28 mit innovativen Modifikationen oder auch der limitierten, aber erfolglosen D-28E mit Tonabnehmer wartet Martin Guitars mit der D-28 Authentic 1937 auf. Sie richtet sich an diejenigen, die die Original D-28 in all ihrer Pracht spielen möchten. Gefertigt aus einer Adirondack-Fichtendecke und Boden und Zargen aus Guatemala-Palisander, dessen Sound dem des Rio-Palisanders erstaunlich ähnelt, erzeugt das Modell den unverfälschten Ton der 1930-Jahre, der aufgrund der innovativen Modifikationen noch durchsetzungsstärker erklingt. Ebenso Halsform, das Griffbrett-Binding und das Finish orientieren sich stark am Originalinstrument.

Auch die Martin HD-28 verströmt einen einmaligen Vintage Vibe. Dabei steht das H in diesem Fall für Herringbone, das charakteristische Ziermuster am Decken-Binding, das optisch an die 30er erinnert. Als HD-28E gibt es dieses Modell sogar mit eingebautem L. R. Baggs Anthem Pickup.

Für einen noch volleren Sound mit schwebenden Obertönen wurde die Martin HD12-28 entwickelt. Ihre Spezifikationen stimmen mit der HD-28 überein, nur dass es sich hierbei um eine Zwölfsaiter-Westerngitarre handelt.

Eine neue Interpretation der klassischen Martin D-28 ist zudem die D-28 Modern Deluxe. Neben ihren klassischen Features verfügt diese Gitarre über außergewöhnliche Innovationen wie eine asymmetrische Halsform und patentierte Liquidmetal Bridge Pins. Hier zeigt sich einmal mehr, dass es Martin Guitars immer wieder gelingt, Tradition und Fortschritt harmonisch miteinander zu verbinden.

Die Martin D-28: Eine Gitarre mit Geschichte und Charakter

Seit den 1930er-Jahren hat die Martin D-28 den Westerngitarren-Sound geprägt wie kein anderes Modell. Die Gitarre begleitet Musiker verschiedenster Stilrichtungen, die ihren so vielseitigen Klang seit jeher schätzen.

Auch wenn sich die Standardausführung im Laufe der Zeit gewandelt hat, bleibt der traditionelle Charakter der D-28 erhalten und bewahrt das, was ihn ausmacht. Alle Modelle und Variationen teilen denselben Grundgedanken, der Martin Guitars ausmacht: ehrliche Handwerkskunst, ausgewogene Klangbalance und ein Design, das sich über Jahrzehnte bewährt hat.

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Ikonen des Akustik-Sounds – jetzt günstiger als je zuvor

Wer schon immer von einer echten Martin geträumt hat, sollte also besser jetzt zugreifen. Ob Studioarbeit, Bühne oder Wohnzimmer – diese Instrumente liefern den typischen, offenen Martin-Klang, der unzählige Songs und Alben geprägt hat.

Hier ein Überblick über die verfügbaren Modelle im Sonderangebot:

Martin 000-28 Brooke Ligertwood Signature – Natural & Sunburst

In Zusammenarbeit mit Singer-Songwriterin Brooke Ligertwood (Hillsong) entstand dieses edle Signature-Modell. Die 000-28 vereint traditionelle Martin-DNA mit moderner Spielbarkeit: ein vollmassiver Korpus aus Sitka-Fichte und Palisander, Vintage-Ästhetik und ein ausgewogener, detailreicher Klang – perfekt für Fingerstyle und Studioarbeit.

Martin D-18 Satin Amberburst

Ein Klassiker in neuem Look! Die D-18 steht seit Jahrzehnten für druckvolle Mitten und ausgewogene Bässe – jetzt in edlem Satin Amberburst-Finish. Mahagoni-Korpus und Sitka-Decke liefern den charakteristischen, trockenen Martin-Sound, ideal für Songwriter und Recording-Künstler.

Martin GPCE Inception

Ein modernes Grand-Performance-Modell mit Cutaway und Elektronik – perfekt für die Bühne. Die GPCE Inception kombiniert hervorragende Tonprojektion mit eleganter Ergonomie. Dank integriertem Pickup-System ist sie sofort live-tauglich.

Martin D-41 – Sunburst & Natural

Ein Traum in Hochglanz: Die D-41 zählt zu den luxuriösesten Modellen der Martin-Reihe. Mit aufwendiger Abalone-Einlage, feinster Verarbeitung und atemberaubender Klangfülle ist sie ein Instrument fürs Leben. Sowohl in klassischem Natural als auch im edlen Sunburst-Finish erhältlich.

Warum sich der Deal besonders lohnt

Martin-Gitarren sind nicht nur Instrumente, sondern wahre Sammlerstücke, die die langjährige Tradition des Unternehmens C.F. Martin repräsentieren. Ihre Langlebigkeit und ihr einzigartiger Sound machen sie zu einer Investition, die sich lohnt.

Dank des aktuellen Sonderangebots bekommst du diese legendären Modelle zum unschlagbaren Preis. Die perfekte Gelegenheit also für Gitarristinnen und Gitarristen, die schon lange mit einer Martin liebäugeln oder ihre Sammlung erweitern wollen.

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