Spielereihen wie Mario, Sonic, Zelda oder Final Fantasy prägten diese Entwicklung entscheidend mit und brachten zahlreiche Melodien hervor, die heute untrennbar mit ihren jeweiligen Franchises im Einklang stehen. Gleichzeitig entwickelte sich seit den ersten Heimkonsolen in den 1980er-Jahren auch die technische Seite grundlegend weiter: vom charakteristischen 8-Bit-Chiptune-Sound früher Konsolengenerationen bis hin zu aufwendig produzierten und teilweise vollständig orchestralen Soundtracks heutiger Videospiele.

Meistens denken wir dabei zunächst an Soundtracks, die längst weit über ihre ursprünglichen Spiele hinaus bekannt sind. Doch auch die Gitarre selbst taucht immer wieder prominent in Videospielen auf und manchmal bleibt es dabei nicht nur bei einem virtuellen Instrument.

Von einer extrem seltenen Jackson E-Gitarre aus dem Zelda-Universum über eine Stratocaster, die gleichzeitig als reales Instrument und virtuelles Item existiert, bis hin zur Taylor-Gitarre aus The Last of Us gibt es einige spannende Beispiele, bei denen die Grenzen zwischen Gaming und realen Instrumenten verschwimmen.

Daneben haben Gitarrenhersteller das Thema längst für sich entdeckt und gemeinsam mit großen Gaming-Franchises offizielle Sondermodelle entwickelt. Monster Hunter, Diablo oder Sonic the Hedgehog sind nur einige Beispiele dafür.

Wir haben uns deshalb einige der interessantesten Videospielgitarren, Gaming-Collabs und seltenen Sammlerstücke genauer angesehen.

Von der echten Welt ins Spiel – und umgekehrt

Unser erstes Instrument führt zurück ins Jahr 2000 und zu einem der düstersten Teile der The Legend of Zelda-Reihe: Majora’s Mask. Musik nimmt in diesem N64-Spiel selbst eine zentrale Rolle ein. Mithilfe einer Okarina kann Link verschiedene Songs im Game spielen, um sich – wie bereits im Vorgänger The Legend of Zelda: Ocarina of Time (1998) – beispielsweise zu teleportieren, die Tageszeit zu beeinflussen oder andere nützliche Aktionen auszulösen.

In Majora’s Mask kommt eine weitere Besonderheit hinzu: Neben zahlreichen Masken, die man im Spiel sammeln kann, kann Link mithilfe drei spezieller Masken seine Gestalt direkt verändern, wobei jede dieser drei Form ihr eigenes Instrument besitzt. Während Link in seiner normalen Gestalt weiterhin die Okarina nutzt, greift er als Deku zu Trompeten, während in seiner Goronen-Form Trommeln zum Einsatz kommen.

Fish Bone Zora Guitar

Als Zora (Fischmenschen in der Zelda-Reihe) kommt die sogenannte Fish Bone Zora Guitar zum Einsatz. Das bizarre Instrument erinnert optisch an das Skelett eines Fisches und gehört ursprünglich Mikau, dem Gitarristen der Zora-Band Indigo-Go’s.

Mikau liegt im Sterben und gibt Link kurz vor seinem Tod noch wichtige Hinweise in Form eines Songs zu den Geschehnissen rund um Lulu, ihre gemeinsame Band und die verloren gegangen Zora-Eier, die Link wieder finden muss.

Anschließend errichtet Link ihm ein Grab, das er mit Mikaus charakteristischer Fischgrätengitarre schmückt. Diese Zwischensequenz gehört definitiv zu einem meiner Lieblingsmomente im Spiel. Nachdem Link dessen Seele mithilfe des Song of Healing befreit und die Zora-Maske erhalten hat, ersetzt die Gitarre in seiner Zora-Gestalt die Ocarina of Time.

Unter anderem wird sie benötigt, um die New Wave Bossa Nova zu erlernen und Lulu vorzuspielen, wodurch schließlich die Riesenschildkröte erwacht, die Link zum Great Bay Temple, dem dritten Dungeon im Spiel bringt.

So weit, so gut. Richtig interessant wird die Geschichte allerdings 2001.

Jackson Special Edition Fish Bone Guitar: Eines der seltensten Zelda-Merchandise-Artikel überhaupt

Anlässlich einer Verlosung im amerikanischen Nintendo Power Magazine entstand nämlich eine echte Version der Zora Fish Bone Guitar. Die sogenannte Special Edition Fish Bone Guitar wurde von Jackson-Custom-Shop-Luthier Dan Lawrence von Hand geschnitzt und lackiert und orientierte sich unmittelbar an Mikaus virtuellem Instrument aus dem Spiel.

Insgesamt entstanden davon gerade einmal sieben Exemplare!

Das ursprüngliche Instrument war der Hauptpreis des Nintendo-Power-Gewinnspiels, sechs weitere Exemplare wurden für Verkauf und Präsentationszwecke gefertigt. Bei den realen Zora-Gitarren handelt es sich zudem tatsächlich um spielbare 7-Saiter und nicht lediglich um Requisiten.

Aufgrund der winzigen Stückzahl zählen sie heute zu den seltensten The Legend of Zelda-Sammlerstücken überhaupt. Für ein Exemplar wurden bereits Preise von bis zu 17.500 US-Dollar aufgerufen.

Damit dürfte die Zora Guitar zu den wohl interessantesten Fällen gehören, in denen ein virtuelles Instrument aus einem Videospiel tatsächlich seinen Weg in die reale Gitarrenwelt gefunden hat.

Final Fantasy XIV Stratocaster: Fender trifft Square Enix

Eine weitere reale E-Gitarre, die im Vergleich zur Zora Gitarre ihren Weg erst ins Spiel fand, ist die Final Fantasy XIV Stratocaster, die Fender und Square Enix 2021 im Rahmen der Endwalker-Erweiterung bei einem Final Fantasy-Fan-Fest präsentierte.

Anders als bei der Zora Guitar, die ihren Ursprung im Spiel hat und anschließend als reales Instrument umgesetzt wurde, verlief die Entwicklung bei der Final Fantasy XIV Stratocaster genau umgekehrt: Nachdem das reale Modell 2021 vorgestellt wurde, fand sie ihren Weg unmittelbar danach in das MMO und kann dort von der Bardenklasse ab Level 30 als spielbares Instrument genutzt werden.

Schicke Stratocaster mit „Limit Break“-Push-Push

Das überwiegend schwarze Instrument besitzt im Erlekorpus transparente blau-violette „Kristalle“, die die im Spiel zentralen Crystals of Darkness and Light symbolisieren sollen. Am zwölften Bund findet sich zudem das bekannte Meteor-Symbol von Final Fantasy als Inlay. Eine nummerierte Halsplatte mit FFXIV-Logo sowie ein spezieller Koffer und weitere Sammlerdetails unterstreichen den Sondermodell-Charakter.

Technisch steckt hinter der edlen Optik eine in Japan gefertigte Stratocaster. Sie besitzt einen Ahornhals im Modern-C-Profil, ein Palisandergriffbrett mit 9,5″-Radius und 21 Narrow-Tall-Bünde. Drei V-Mod Single Coils sind für den Sound verantwortlich, während ein Vintage-Style Synchronized Tremolo ebenso zur Ausstattung gehört.

Besonders gelungen ist allerdings ein Detail der Elektronik. Fender übertrug den aus FFXIV bekannten „Limit Break“ auf die Gitarre: Über den Push-Push-Schalter des zweiten Tone-Reglers lassen sich Mittel- und Steg-Pickup in Serie schalten. Dadurch entsteht ein kräftigerer Sound, der sich stärker einem Humbucker annähert.

Gerade dadurch ist die FFXIV Stratocaster eines der interessanteren Beispiele dafür, wie sich Gitarren- und Gaming-Kultur gegenseitig beeinflussen können.

Taylor The Last of Us 314c: Eine Gitarre aus der Postapokalypse

Während die Zora Guitar vor allem durch ihre abstruse Form und enorme Seltenheit auffällt und die Final Fantasy XIV Stratocaster im MMO selbst als Instrument verwendet werden kann, besitzt die Gitarre in The Last of Us eine ganz andere Bedeutung zwischen den beiden Hauptcharakteren des Franchises. Musik ist ein bedeutender Faktor der Beziehung zwischen Joel und Ellie und wird immer wieder genutzt, um besonders persönliche Momente der ansonsten düsteren postapokalyptischen Geschichte zu erzählen.

Besonders deutlich wird das in The Last of Us Part II. Joel ist dort mit einer Taylor-Gitarre zu sehen, während Ellie später selbst zur Gitarre greift. Eine der bekanntesten optionalen Szenen findet sich im Kapitel „Seattle Tag 1“: Ellie entdeckt in einem verlassenen Musikgeschäft eine Akustikgitarre und spielt Take On Me von a-ha. Neben dem Soundtrack von Gustavo Santaolalla gehören solche ruhigen Gitarrenszenen zu den musikalisch prägendsten Momenten des Franchise.

Mit der HBO-Serienadaption bekam das Instrument schließlich noch einmal zusätzliche Aufmerksamkeit. Passend zur zweiten Staffel brachte Taylor die The Last of Us 314c als reales Replica-Modell heraus. Die Gitarre orientiert sich optisch an dem Instrument aus der Serie und greift gleichzeitig Details auf, die Fans bereits aus dem Spiel kennen.

Basis bildet eine in den USA gefertigte Grand-Auditorium-Westerngitarre mit Cutaway. Eine massive Sitka-Fichtendecke trifft auf einen vollmassiven Sapelekorpus und Taylors V-Class Bracing. Hinzu kommen ein Mahagonihals und ein Ebenholzgriffbrett. Besonders auffällig ist das Moth-Inlay am dritten Bund, das unmittelbar auf Ellies Geschichte Bezug nimmt. Das Tobacco Sunburst Satin-Finish vervollständigt schließlich den Look des Instruments.

Taylor fertigte die The Last of Us 314c auf Bestellung und lieferte sie inklusive passendem Gitarrenkoffer aus. Mittlerweile ist das Modell nicht mehr erhältlich.

Wenn Gitarrenhersteller ins Gaming einsteigen: Weitere Kollaborationen

Nicht jede Gaming-Gitarre basiert allerdings auf einem Instrument, das innerhalb eines Spiels eine bedeutende Rolle übernimmt. Inzwischen existiert eine ganze Reihe offizieller Kooperationen, bei denen Gitarrenhersteller ihre regulären Modelle mit Designs bekannter Spiele und Figuren kombinieren.

Dabei entstehen teilweise ziemlich ausgefallene Sammlerstücke, die leider auch entsprechend schnell vergriffen sind.

Fender x PAC-MAN Player II Telecaster: Arcade-Klassiker auf sechs Saiten

Eine weitere Kollaboration zwischen Gaming und Gitarrenwelt erschien im Sommer 2026 mit der Fender x PAC-MAN Player II Telecaster. Gemeinsam mit Bandai Namco widmete Fender dem legendären Arcade-Spiel aus dem Jahr 1980 eine streng limitierte Sonderedition, die technisch auf der regulären Player II Telecaster basiert.

Im Mittelpunkt steht dabei das großflächige PAC-MAN-Artwork auf dem schwarzen Erlekorpus, das ein klassisches Spielfeld mit PAC-MAN, den bekannten Geistern und weiteren Elementen des Spiels zeigt. Auf der Rückseite befindet sich zusätzlich das Fender x PAC-MAN-Logo.

Abseits der auffälligen Optik bietet die Gitarre einen geschraubten Ahornhals im Modern-C-Profil, ein Palisandergriffbrett mit 22 Medium-Jumbo-Bünden und zwei Player Series Alnico V Single-Coils für den typischen Telecaster-Sound. Anders als einige Instrumente, die direkt aus Videospielen stammen, handelt es sich hier um eine reine Design-Kollaboration, die vor allem Retro-Gaming-Fans und Sammler ansprechen dürfte. Die Fender x PAC-MAN Player II Telecaster wurde exklusiv über den offiziellen Fender Online-Shop angeboten.

Fender Monster Hunter Rathalos Telecaster

Zum 20-jährigen Jubiläum von Monster Hunter widmete Fender Rathalos, einem der bekanntesten Monster des Franchise eine eigene Telecaster. Die limitierte Monster Hunter Rathalos Telecaster kommt zwar nicht als Instrument in den Spielen selbst vor, greift mit zahlreichen Details jedoch die Optik des namensgebenden Monsters auf und dürfte damit besonders für Fans der Reihe interessant sein.

Das Rathalos Red-Finish zieht sich über weite Teile des Instruments und wird durch Feder- und Flammenmuster ergänzt. Das Rathalos-Logo findet sich prominent auf der Rückseite des Korpus und in kleinerer Form als Griffbretteinlage am zwölften Bund. Ein Tortoiseshell-Schlagbrett ergänzt die rot gehaltene Gestaltung.

Unter dem Gaming-Design steckt eine Telecaster mit Erlekorpus, Ahornhals im Modern-C-Profil und Palisandergriffbrett. Auch bei den Pickups blieb es nicht bei Standardkomponenten: Fender spendierte dem Sondermodell spezielle Monster Hunter Rathalos Pickups, bestehend aus einem Single Coil am Steg und einem Humbucker am Hals. Schwarze Hardware, eine klassische 3-Saddle Tele Bridge und Vintage-Style-Mechaniken komplettieren die Ausstattung.

Anders als bei der Zora Guitar steht hier also nicht die Umsetzung eines virtuellen Instruments im Mittelpunkt. Stattdessen wird die Telecaster selbst zur Leinwand für eines der bekanntesten Monster der Reihe.

Jackson X Series LTD Kelly KE HT Diablo

Ähnlich düster wie die Fish Bone Guitar fällt Jacksons Version einer weiteren Gaming-Gitarre aus. In Zusammenarbeit mit dem Entwickler Blizzard entstand die Jackson X Series LTD Kelly KE HT Diablo, die passend zu Diablo IV: Lord of Hatred entwickelt wurde.

Als Basis dient die ohnehin schon ziemlich raue Kelly-Korpusform. Das spezielle Diablo Finish zeigt den Antagonisten Mephisto, während rotes Binding und spezielle Diablo Rune-Inlays im ersten, dritten und fünften Bund die Gestaltung ergänzen.

Auch technisch bleibt die Gitarre ihrem Metal-Anspruch treu. Ein Nyatoh-Korpus wird mit einem Ahornhals und einem Amaranth-Griffbrett kombiniert. Letzteres besitzt 24 Jumbo-Bünde und einen 12″–16″ Compound Radius. Für die elektrische Klangwandlung steht ein aktiver Jackson High Output Humbucker bereit, während eine Jackson HT6 Hardtail Bridge die Saiten aufnimmt. Ein Gigbag gehört ebenfalls zum Lieferumfang.

Damit ist die Diablo Kelly ein ziemlich klassisches Beispiel für die zweite Kategorie unserer Gaming-Gitarren: keine Gitarre aus der Welt von Sanctuary, sondern eine kompromisslose Metal-Gitarre, die optisch vollständig dem Diablo-Universum gewidmet wurde.

ESP/LTD Sonic the Hedgehog: Highspeed auf sechs Saiten

Sonic the Hedgehog dürfte der wohl schnellste Videospielcharakter in dieser Liste sein. Entsprechend passend ist es, dass sich das Franchise auf einer modernen Superstrat wiederfindet.

Die Geschichte hinter der ESP SONIC-II ist auf Gitarristen und Sega-Komponisten Jun Senoue zurückzuführen. Senoue ist unter anderem durch seine Arbeit an der Musik verschiedener Sonic-Titel sowie als Gitarrist von Crush 40 bekannt und setzte die SONIC-II für zahlreiche Songs aus dem Sonic-Universum ein. Dazu gehören Stücke wie Open Your Heart, Sonic Heroes, Live & Learn oder Knight of the Wind.

Das Instrument selbst basiert auf einer Superstrat-Konstruktion mit Erlekorpus, Ahornhals und Ebenholzgriffbrett. Ein Seymour Duncan SSL-4 Quarter Pound am Hals und ein Seymour Duncan TB-4 JB Trembucker am Steg bilden die HS-Pickup-Bestückung, während ein Floyd Rose Tremolo zur Ausstattung gehört.

Unübersehbar ist natürlich das Design: Sonic nimmt einen großen Teil der Korpusfront ein, während weitere Grafiken und Logos aus dem Franchise über das Instrument verteilt sind. Selbst die Kopfplatte wurde thematisch gestaltet.

Zum 25. Jubiläum von Sonic the Hedgehog erschien 2016 schließlich die ESP LTD SN-25th Sonic the Hedgehog Guitar-II als Neuauflage. Sie übernahm wesentliche Elemente des ursprünglichen Designs, erhielt jedoch unter anderem eine andere Reverse-Kopfplatte und einen entsprechenden „Sonic the Hedgehog 25th Anniversary“-Schriftzug. Passend dazu gab es spezielles Zubehör wie ein Sonic-Hardcase beziehungsweise Gigbag, ein von Jun Senoue signiertes Echtheitszertifikat, Plektren und weiteres Fan-Material.

Von Hyrule bis Sanctuary: Wenn Gaming und Gitarrenwelt aufeinandertreffen

Die Beispiele zeigen, wie unterschiedlich die Verbindung zwischen Videospielen und Gitarren ausfallen kann. Auf der einen Seite stehen Instrumente wie die Fish Bone Guitar oder die Taylor aus The Last of Us, deren Ursprung beziehungsweise Bedeutung unmittelbar mit der Spielwelt und ihren Charakteren verbunden ist. Die Final Fantasy XIV Stratocaster geht hingegen den umgekehrten Weg: Hier fand ein reales Instrument seinen Weg in die virtuelle MMO-Spielwelt.

Auf der anderen Seite stehen offizielle Collabs wie Rathalos Telecaster, Diablo Kelly und Sonic ESP/LTD. Hier wird nicht unbedingt eine Gitarre aus dem jeweiligen Spiel real, sondern das Instrument selbst zum Sammlerstück und zur Projektionsfläche für das entsprechende Franchise.

Und genau diese Mischung macht Videospielgitarren interessant. Manche sind spielbare Fanartikel, andere ernsthafte Signature- beziehungsweise Sondermodelle – und einige gehören aufgrund ihrer Geschichte und extrem geringen Stückzahl heute zu den seltensten Gitarren, die aus einer Zusammenarbeit mit der Gaming-Welt hervorgegangen sind.

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Neben neuen beziehungsweise wieder aufgelegten Finishes gibt es mit der ES-335 Figured in Raspberry Tea Burst zudem eine optisch auffälligere Interpretation mit Riegelahorn-Furnier des Semi-Hollow-Klassikers. Wir schauen uns die neuen Epiphone Modelle und ihre Ausstattung im Folgenden genauer an.

ES-335: Semi-Hollow-Klassiker in Cherry & Vintage Sunburst auch als Lefthand verfügbar

Den Anfang macht mit der Epiphone ES-335 eine der bekanntesten Semi-Hollow-Konstruktionen überhaupt. Das ursprüngliche ES-335-Design reicht bis ins Jahr 1958 zurück und kombiniert die Eigenschaften einer Hollowbody-E-Gitarre mit einem massiven Centerblock, der Sustain fördert und die Feedback-Anfälligkeit gegenüber einer vollständig hohlen Konstruktion reduziert.

Auch die neue Epiphone Version setzt auf dieses Prinzip. Der fünflagige Ahorn/Pappel-Korpus beherbergt einen massiven Ahorn-Centerblock, während der eingeleimte Mahagonihals im Rounded-C-Profil mit einem Palisandergriffbrett kombiniert wird. 22 Medium-Jumbo-Bünde, ein 12″-Radius und eine 24,75″-Mensur bilden die spieltechnischen Eckdaten.

Für den Sound sorgen zwei Epiphone Alnico Classic PRO Humbucker, die über einen 3-Wege-Toggle sowie jeweils eigene Volume- und Tone-Regler mit CTS Potentiometern gesteuert werden. LockTone Tune-O-Matic und Stop Bar, Grover Rotomatic Mechaniken und ein Graph Tech Sattel komplettieren die Ausstattung.

Erhältlich ist die neue ES-335 in Cherry und Vintage Sunburst. Beide Ausführungen stehen außerdem als Linkshändermodelle zur Verfügung.

ES-335 Figured: Raspberry Tea Burst und gemaserte Ahorndecke

Etwas auffälliger präsentiert sich die Epiphone ES-335 Figured in Raspberry Tea Burst. Das grundlegende Rezept bleibt der regulären ES-335 treu: Semi-Hollow-Konstruktion, massiver Ahorn-Centerblock, eingeleimter Mahagonihals und zwei Alnico Classic PRO Humbucker. Optisch setzt sich die Figured-Ausführung jedoch mit einem Riegelahornfurnier vom Standardmodell ab.

Auch hier kommen ein Palisandergriffbrett, 22 Medium-Jumbo-Bünde, 12″-Radius und 24,75″-Mensur zum Einsatz. LockTone Tune-O-Matic und Stop Bar sowie ein Graph Tech Sattel gehören ebenfalls zur Ausstattung. Zwei Volume- und zwei Tone-Regler mit CTS Potentiometern übernehmen gemeinsam mit dem 3-Wege-Toggle die Kontrolle über die Humbucker.

Innerhalb der hier vorgestellten Neuheiten erscheint die ES-335 Figured ausschließlich im Raspberry Tea Burst Finish, das die Maserung des Ahornfurniers besonders deutlich hervorhebt.

Epiphone ES-339: ES-Konzept im kompakteren Format

Wer den grundsätzlichen Aufbau einer ES-335 bevorzugt, aber einen kleineren Korpus sucht, findet mit der ES-339 die passende Alternative. Epiphone beschreibt das Instrument als kompaktere und leichtere Umsetzung des klassischen Semi-Hollow-Designs, deren Abmessungen stärker in Richtung Les Paul gehen.

Der Korpus besteht ebenfalls aus fünflagig geschichtetem Ahorn und Pappel und besitzt einen massiven Ahorn-Centerblock. Hinzu kommen ein eingeleimter Mahagonihals im Rounded-C-Profil, ein Palisandergriffbrett mit 22 Medium-Jumbo-Bünden und ein 12″-Radius.

Auch bei der Elektronik bleibt die Verwandtschaft zur ES-335 deutlich: Zwei Alnico Classic PRO Humbucker, zwei Volume- und zwei Tone-Regler mit CTS Potentiometern sowie ein 3-Wege-Schalter bilden die Schaltzentrale. LockTone Tune-O-Matic und Stop Bar sowie ein Graph Tech Sattel runden die Ausstattung ab. Die neue ES-339 kommt in Cherry und Vintage Sunburst.

Crestwood Custom: Epiphones frühe Solidbody kehrt zurück

Zwischen all den Hollow- und Semi-Hollow-Modellen fällt die Crestwood Custom schon konstruktiv aus dem Rahmen. Die ursprüngliche Crestwood erschien 1958 als Epiphones erste Solidbody-E-Gitarre. Bereits 1959 entwickelte sich daraus die Crestwood Custom, bevor das Modell Anfang der Sechziger weitere Änderungen erhielt. Für die neue Ausführung orientiert sich Epiphone bewusst an den frühen Versionen mit symmetrischem Double-Cutaway und abgerundeten Korpuskanten.

Der Solidbody-Korpus besteht aus Mahagoni und wird mit einem eingeleimten Mahagonihals im Medium-C-Profil kombiniert. Das Palisandergriffbrett bietet 22 Medium-Jumbo-Bünde, einen 12″-Radius und ovale Pearloid-Inlays.

Zwei Epiphone PRO Mini Humbucker mit jeweils eigenem Volume- und Tone-Regler sowie CTS Potentiometern übernehmen die elektrische Klangwandlung. Zu den auffälligeren historischen Details gehören außerdem der kleinere Kalamazoo-Headstock mit Epiphone Bikini Badge sowie das transparente Butterfly Pickguard. Epiphone nennt darüber hinaus ein Tremotone Vibrato mit Palisandereinlage als Bestandteil der Konstruktion.

Die Crestwood Custom erscheint in Cherry und Polaris White.

Casino, Rivera, Sheraton & Broadway

Casino: Vollständig hohl und mit zwei P-90

Einen konstruktiv anderen Weg geht die Epiphone Casino. Das 1961 eingeführte Modell zählt zu den bekanntesten Instrumenten der Marke und wurde im Laufe seiner Geschichte unter anderem von den drei Beatles-Gitarristen sowie Keith Richards, Paul Weller, Noel Gallagher und zahlreichen weiteren Musikern gespielt.

Anders als ES-335, ES-339 oder Riviera besitzt die Casino keinen Centerblock, sondern einen vollständig hohlen fünflagigen Ahorn/Pappel-Korpus. Dadurch fällt auch ihre akustische Resonanz stärker aus. Ein eingeleimter Mahagonihals im Rounded-C-Profil trifft auf ein Palisandergriffbrett mit 22 Medium-Jumbo-Bünden, 12″-Radius und klassischen Parallelogram-Inlays.

Klanglich setzt Epiphone hier auf zwei Dogear P-90 PRO Pickups. Je zwei Volume- und Tone-Regler sowie ein 3-Wege-Toggle übernehmen die Steuerung. Dazu kommen eine LockTone Tune-O-Matic Bridge, ein Trapeze Tailpiece, Epiphone Vintage Deluxe Mechaniken und ein Graph Tech Sattel. Die Casino erscheint in Natural und Vintage Sunburst.

Riviera: Mini Humbucker und Frequensator Tailpiece

Die Riviera gehört ebenfalls zu Epiphones eigenen historischen Designs und wurde wie die Casino erstmals 1961 vorgestellt. Konstruktiv steht sie allerdings näher an der ES-335: Ein fünflagiger Ahorn/Pappel-Korpus wird mit einem massiven Ahorn-Centerblock kombiniert, während ein eingeleimter Mahagonihals im Rounded-C-Profil und ein Palisandergriffbrett mit 22 Medium-Jumbo-Bünden zum Einsatz kommen.

Einen wesentlichen Unterschied bilden die beiden Epiphone PRO Mini Humbucker, die gegenüber klassischen Fullsize-Humbuckern eine eigene klangliche Ausrichtung mitbringen. Die traditionelle Regelung aus zwei Volume-, zwei Tone-Reglern und 3-Wege-Toggle bleibt dagegen erhalten.

Charakteristisch für die Riviera ist außerdem das Frequensator Tailpiece, das mit einer LockTone Tune-O-Matic Bridge kombiniert wird.

Sheraton: Semi-Hollow mit klassischer Luxusausstattung

Auch die Sheraton greift das ES-inspirierte Semi-Hollow-Konzept auf, positioniert sich optisch jedoch traditionell etwas aufwendiger. Der Korpus besteht aus laminiertem Ahorn, während ein eingeleimter Mahagonihals im schmalen 60s SlimTaper Profil mit einem Indian-Laurel-Griffbrett kombiniert wird. Pearl & Abalone Block Inlays und goldene Hardware setzen entsprechende optische Akzente.

Zwei Epiphone ProBucker Mini Humbucker übernehmen hierbei die Klangwandlung. Geschaltet wird klassisch über einen 3-Wege-Toggle, hinzu kommen separate Volume- und Tone-Regler für beide Pickups. Eine LockTone Bridge und das für die Sheraton typische Frequensator Tailpiece bilden die Saitenaufhängung.

Die neuen Varianten werden in Natural und Vintage Sunburst angeboten und führen damit zwei besonders traditionelle Finishes innerhalb der Modellreihe fort.

Broadway: große Hollowbody mit Wurzeln in den 1930ern

Noch weiter zurück reicht die Geschichte der Epiphone Broadway. Das Modell wurde bereits 1931 als akustische Archtop vorgestellt und erhielt 1958 eine elektrische Ausstattung. Die aktuelle Broadway knüpft an diese Tradition mit einer großen, tiefen und vollständig hohlen Korpuskonstruktion an.

Boden und Zargen bestehen aus geschichtetem Ahorn, während für die Decke Fichte verwendet wird. Dazu kommt ein dreiteiliger Ahornhals im SlimTaper 60s C Profil mit Palisandergriffbrett, 20 Medium-Jumbo-Bünden sowie aufwendigen Block- und Abalone-Triangle-Inlays.

Zwei Alnico Classic PRO Humbucker mit CTS-bestückter 2-Volume-/2-Tone-Schaltung und 3-Wege-Toggle kümmern sich um die elektrische Seite. Eine einstellbare, schwimmende Palisanderbrücke trifft auf ein goldenes Frequensator Split Trapeze Tailpiece, während Grover Rotomatic Mechaniken und weitere goldene Hardware den klassischen Archtop-Look ergänzen.

Die Broadway kommt in Vintage Sunburst und Wine Red. Ein Premium Gig Bag gehört wie bei den übrigen Modellen zum Lieferumfang.

Acht Epiphone Klassiker in zahlreichen Varianten

Mit den neuen Modellen konzentriert sich Epiphone stark auf die eigene Historie und deckt dabei eine erstaunlich große konstruktive Bandbreite ab. ES-335, ES-339 und Riviera setzen auf das klassische Semi-Hollow-Prinzip mit Centerblock, während die Casino als leichte Thinline-Hollowbody einen deutlich eigenständigeren Charakter besitzt. Die große Broadway wiederum bleibt der traditionellen Archtop-Bauweise verpflichtet, während die Crestwood Custom als einzige klassische Solidbody der Runde auftritt.

Dazwischen positionieren sich Sheraton und ES-335 Figured als aufwendiger gestaltete Varianten bekannter Konzepte. Mit Cherry, Vintage Sunburst, Natural, Wine Red, Royal Tan, Polaris White und Raspberry Tea Burst fällt zudem die Auswahl an Finishes breit aus. Bei der regulären ES-335 werden Cherry und Vintage Sunburst zusätzlich als Left-Hand-Versionen angeboten.

Damit besteht die Neuheitenrunde weniger aus radikalen Neukonstruktionen als aus einer umfangreichen Auffrischung klassischer Epiphone Modelle. Von Designs aus den frühen 1930er-Jahren bis zu den prägenden Hollowbody-, Semi-Hollow- und Solidbody-Konzepten der späten Fünfziger und frühen Sechziger ist für jeden Geschmack etwas dabei.

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Dabei verfolgen die Ghost Telecaster in Arctic White und die Phantom Telecaster in Black trotz vieler Gemeinsamkeiten zwei unterschiedliche Ansätze. John 5 selbst spielt entsprechende Ghost- und Phantom-Instrumente bereits seit einiger Zeit; die Ghost bezeichnete er zuletzt sogar als seine bevorzugte Gitarre, während die schwarze Phantom mit Floyd-Rose-Tremolo insbesondere bei Mötley Crüe zum Einsatz kommt.

Ghost Telecaster: Arctic White und Hardtail Bridge

Die John 5 Ghost Telecaster fällt zunächst durch ihr vollständig in Arctic White gehaltenes Erscheinungsbild auf, welches durch zahlreiche rote Highlights ergänzt wird. Neben dem Korpus erhält auch die Kopfplattenfront das weiße Finish, wodurch wir einen schicken Matching Headstock bekommen. Der Ahornhals besitzt ein klassisches C-Profil und wird mit einem ebenfalls aus Ahorn gefertigten Griffbrett mit 9,5″-Radius kombiniert.

Sowohl am Hals als auch am Steg sitzen DiMarzio D’Activator Humbucker, die für hohe Ausgangsleistung, eine straffe Basswiedergabe und eine klare Ansprache bei verzerrten Sounds ausgelegt sind. Auf einen Tone-Regler verzichtet John 5 bewusst: Ein einzelner Volume-Regler und ein Killswitch bilden die komplette Bedienoberfläche.

Auch bei der Saitenaufhängung bleibt die Ghost geradlinig. Fender stattet das Modell mit einer festen Hardtail Bridge aus. Eine Signature Neck Plate komplettiert zudem die Ausstattung.

Phantom Telecaster: schwarzes Gegenstück mit Floyd Rose FRTS2000 Double Locking 2-Point Tremolo

Die John 5 Phantom Telecaster verfolgt optisch das entgegengesetzte Konzept. Korpus und Kopfplattenfront erscheinen in Schwarz, während auch die übrige Gestaltung entsprechend dunkel gehalten ist. Dass die Phantom für John 5 inzwischen mehr als nur ein neues Signature-Modell ist, zeigt sich auch auf der Bühne: Der Gitarrist bezeichnete eine entsprechende Custom-Ausführung 2026 als seine wichtigste Gitarre für Mötley Crüe.

Gegenüber der Ghost unterscheidet sich die Phantom jedoch nicht nur durch die Farbe. Der C-förmige Ahornhals trägt hier ein dunkles Lorbeer-Griffbrett mit 12″-Radius. Die Pickup-Bestückung bleibt mit zwei DiMarzio D’Activator Humbuckern identisch, ebenso das auf einen einzelnen Volume-Regler und Killswitch reduzierte Bedienkonzept.

Den größten funktionalen Unterschied bildet das Floyd Rose FRTS2000 Special Series Tremolo. Damit ist die Phantom besonders interessant für alle, die neben High-Gain-Riffs auch ausgeprägte Tremolo-Effekte und Dive Bombs einsetzen möchten. John 5 hatte die Entwicklung einer schwarzen Phantom Telecaster bereits vor einiger Zeit öffentlich angekündigt und das Instrument anschließend auch live eingesetzt.

DiMarzio D’Activator und bewusst reduzierte Elektronik

Bei beiden Modellen steht eine möglichst direkte Bedienung im Mittelpunkt. Statt des traditionellen Telecaster-Layouts mit Singlecoils, Pickup-Schalter und Tone-Regler kommen jeweils zwei DiMarzio D’Activator Humbucker, ein Volume-Regler und ein Killswitch zum Einsatz. Damit sind Ghost und Phantom klar auf John 5s Spielweise zugeschnitten, bei der schnelle Wechsel zwischen Rhythmus- und Lead-Passagen sowie abrupte Staccato-Effekte eine wichtige Rolle spielen.

Gleichzeitig bleibt die Telecaster als Ausgangspunkt deutlich erkennbar. Das passt zu John 5s langjähriger Verbindung mit dem Modell: Der Gitarrist besitzt eine umfangreiche Telecaster-Sammlung und bezeichnet die Bauform seit Jahren als sein bevorzugtes Gitarrenkonzept. Seine bisherigen Fender-Signature-Modelle haben die traditionelle Konstruktion dabei bereits mehrfach mit Humbuckern und anderen für härtere Musik ausgelegten Ausstattungsmerkmalen kombiniert.

Ghost oder Phantom?

Trotz ihres gemeinsamen Grundkonzepts setzen die beiden neuen John-5-Modelle unterschiedliche Schwerpunkte. Die Ghost Telecaster Arctic White kombiniert Ahornhals und Ahorn-Griffbrett mit einem 9,5″-Radius und einer festen Hardtail Bridge und bildet damit die geradlinigere Variante ohne viel Schnickschnack. Die Phantom Telecaster Black bietet dagegen ein Lorbeer-Griffbrett mit flacherem 12″-Radius sowie das Floyd-Rose-Tremolo.

Gemeinsam sind beiden Gitarren die DiMarzio D’Activator Pickups, das minimalistische Volume/Killswitch-Layout und eine Gestaltung, die kaum mit einer traditionellen Telecaster verwechselt werden dürfte. Damit führen Ghost und Phantom John 5s langjährige Idee konsequent weiter: die Telecaster als vertraute Grundlage zu verwenden und sie technisch wie optisch an die Anforderungen moderner Hard-Rock- und Metal-Gitarristen anzupassen.

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Die Jackson Chris Rörland SL7 kombiniert einen Nyatoh-Korpus mit Ahorn-Furnieren und einem durchgehenden, dreiteiligen Ahornhals im schnellen Speed-Neck-Profil. Auf dem Ebenholzgriffbrett stehen 24 Jumbo-Bünde und ein von 12″ auf 16″ ansteigender Compound-Radius bereit, der komfortables Rhythmusspiel und schnelle Leads gleichermaßen unterstützen soll.

Für den passenden High-Gain-Sound sorgen zwei aktive EMG 81-7H und 85-7H Humbucker, die speziell im Zusammenspiel mit der siebensaitigen Konstruktion für druckvolle Riffs und klar definierte Leads prädestiniert sind. Komplettiert wird die Ausstattung durch ein Floyd Rose 1000 Series Tremolo, das ausdrucksstarke Vibratos und extreme Pitch-Effekte ermöglicht und damit natürlich auch auf Chris Rörlands persönlichem Signature-Modell nicht fehlen darf.

Die Features im Überblick

• Nyatoh-Korpus mit Ahornfurnier
• Dreistreifiger Neck-Thru-Hals aus Ahorn
• Ebenholzgriffbrett mit 24 Jumbo-Bünden
• 12″-16″-Compound-Griffbrettradius
• 26,5″-Mensur (673 mm)
• EMG 85-7H Hals-Humbucker
• EMG 81-7H Steg-Humbucker
• Floyd Rose 1000 Series Tremolo
• Satin Black Finish
• Inklusive Gigbag

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PRS John Mayer Silver Sky Defender

Genau genommen sind es gleich zwei Serien, die es ab sofort für Fans und Sammler zu erstehen gibt. Zum einen ist da die vier Modelle umfassende Palette der PRS Silver Sky Defender aus dem Core-Lineup der US-amerikanischen Fertigung. Die hochwertigen Ausführungen der Silver Sky stehen dem Ursprungsmodell in nichts nach und bieten einen Korpus aus sorgsam selektierter Erle, einen geschraubten 635JM-Ahornhals und drei speziell für das John-Mayer-Modell gewickelte PRS 635JM Single-Coils in Hals-, Mittel- und Stegposition.

Dazu noch ein robustes PRS Steel Tremolo und praktische PRS Vintage-Style-Mechaniken mit nützlicher Locking-Funktion. Die erhältlichen Farbausführungen wurden aus dem über 1000 Farben zählenden Angebot des Herstellers Land Rover selektiert und decken mit Arles Blue, Portofino Red, Willow Green und Sandglow Yellow eine besonders geschmackvoll gestaltete Farbpalette ab. Zusätzlich zum Instrument gibt es noch ein passendes PRS/Land Rover ATA Case mit Defender Badge und eine nummerierte Land Rover Neck Plate

Arles Blue

Portofino Red

Willow Green

Sandglow Yellow

PRS SE John Mayer Silver Sky Defender

Zu den Ausführungen aus US-amerikanischer Fertigung gibt es gleich noch weitere vier Modelle aus Indonesien, die auf den Namen PRS SE Silver Sky Defender hören. Auch hier befindet sich ein klassisches Silver-Sky-Modell der SE-Kollektion unter der Haube, Fans können sich also auf erstklassige Sounds dreier PRS 635JM „S“ Single-Coils und hochwertige Hardware in Form von PRS 2-Point Steel Tremolo und optisch stimmigen Vintage-Style-Mechaniken freuen.

Das ebenfalls in streng limitierter Stückzahl erhältliche Line-Up der SE-Serie hält gleich vier weitere Farben aus dem Land-Rover-Katalog bereit: Petra Copper, Sedona Red, Carpathian Grey und Woolstone Green. Die dezent und edel gestalteten Farben mit leichtem Metallic-Sparkle-Effekt bilden hierbei einen stimmigen Kontrast zu den schwarzen Highlights in Form von Pickguard und Pickups. Darüber hinaus gibt es zu jedem SE-Defender-Modell eine speziell für die Serie gestaltete Gitarrentasche mit den Logos von PRS und Land Rover.

Petra Copper

Sedona Red

Carpathian Grey

Woolstone Green

Die PRS Silver Sky Defender aus US-Fertigung ist ab sofort für ca. € 3840,- zu haben, die Ausführung PRS SE Silver Sky Defender bereits für ca. € 959,-. Wie bei jeder Limited Edition gilt auch hier: nur solange der Vorrat reicht!

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Klassisches Design in moderner Ausführung

Zunächst eine kurze Einführung ins Fame-Sortiment. Das Basismodell Fame Forum IV ist in ihren beiden verschiedenen Ausführungen Classic oder Modern erhältlich. Während die Fame Forum IV Classic mit kräftigem Full-Thickness-Body aus Mahagoni, einem Gespann aus Seymour Duncan SH-2 Jazz und SH-4 JB Humbucker Pickups mit traditionellen Nickel-Covers und soliden Gotoh-Mechaniken aufwartet, bietet die Fame Forum IV Modern einen schlankeren Korpus, dieselbe Pickup-Bestückung, allerdings in Open-Coil-Ausführung, und praktische Gotoh-Locking-Mechaniken. Was die Modern aber tatsächlich von der Classic-Version abhebt, ist ihr in die GraphTech ResoMax Bridge im TOM-Stil eingelassenes Piezo-Tonabnehmersystem, das die klanglichen Möglichkeiten des Modells ungemein erweitert. Sowohl die regulären Modelle als auch die Anniversary-Versionen werden übrigens von erfahrenen Gitarrenbauern in Tschechien gebaut, insofern kann die Fame Forum IV also mit Fug und Recht das Gütesiegel ‚Made in Europe‘ tragen.

Fame Forum IV Modern 20th Anniversary – Features:

• Jubiläumsmodell zum 20-jährigen Geburtstag der Fame Forum IV
• Korpus aus Khaya-Mahagoni mit zweiteiliger Maserpappeldecke (Poplar Burl)
• Geleimter Sapelli-Hals mit D-Profil
• 24-bündiges Ebenholzgriffbrett
• „20th-Anniversary“-Griffbretteinlage am 12. Bund
• Seymour Duncan SH-2n Jazz und SH-4b JB Humbucker Pickups
• GraphTech Ghost Loaded Resomax Tune-o-Matic Bridge mit Piezo-Tonabnehmer
• Volume-Regler und Piezo-Blend-Regler mit Push/Pull-Funktion (Piezo an/aus)
• Coil Split Mini Switch
• Gotoh-Mechaniken mit Locking-Funktion
• Fame Gigbag im Lieferumfang

Hals & Korpus

Ergonomischer Korpus aus Khaya-Mahagoni

Für die Korpuskonstruktion setzen die tschechischen Gitarrenbauer laut Herstellerangaben auf selektiertes Khaya-Massivholz, das auch als African Mahogany bezeichnet wird. Hierbei handelt es sich um eine der unzähligen Holzarten, die unter den gemeinsamen Handelsnamen Mahagoni fallen. Dennoch ist das Holz im Gitarrenbau keineswegs unbekannt. Immerhin setzt US-Hersteller Gibson selbst seit vielen Jahren auf Khaya für die Konstruktion seiner Mid-Range Modelle. Wer sich intensiver mit den Klangeigenschaften von Tonhölzern auseinandersetzt, kann sich daher ein recht gutes Bild davon machen, wohin die Reise mit der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary gehen wird.

Edles Poplar Burl Top

Als Deckenholz kommt statt einer Riegelahorndecke eine dem Exklusiv-Modell vorbehaltene Massivdecke aus Maserpappel (Poplar Burl) zum Einsatz. Ein optisch besonders ansprechendes Tonholz aus der Maserknolle des Pappelbaums, das auch Premium-Hersteller wie Mayones, Ibanez oder ESP in letzten Jahren für sich entdeckt haben und jede Ausführung der Anniversary-Forum zum absoluten Unikat werden lässt. Die Instrumente werden daher separat nach Seriennummer sortiert angeboten, Interessenten können sich also in Ruhe durch alle erhältlichen Ausführungen blättern und ihr individuelles Wunschexemplar aussuchen. Eine Form der Exklusivität, die sonst nur bei weitaus teureren Custom-Shop-Instrumenten vorzufinden ist.

Die Decke verfügt über ein recht tief gestaltetes Carving, das ihr die charakteristische Wölbung verleiht und sicherlich zum edlen Look des Instruments beiträgt. Lediglich der hervorstehende Rand der Deckenwölbung wirkt etwas scharf und kann auf längeren Sessions zuweilen etwas stören, da hier der rechte Unterarm aufliegt.

D-Hals aus Sapelli & Ebenholzgriffbrett

Weiter geht’s mit dem geleimten Hals, der aus Sapelli besteht. Auch hier haben wir es mit einer eigenen Edelholzart zu tun, die genau wie Khaya oder Sipo ebenfalls der Familie der Mahagonigewächse zugerechnet wird. Das D-förmige Profil der Halsrückseite entpuppt sich als Allrounder und bietet sowohl den flinken Flitzefingern als auch den Bluesern, die ihre Bendings gerne gefühlvoll aus der ganzen Hand kommen lassen, eine solide Grundlage für Riffs und Licks aller Art. Diese gehen auf dem größeren Medium-Jumbo-Bunddraht besonders gut und widerstandslos von der Hand, wobei hier sicherlich auch der modernisierte Griffbrettradius von 12 Zoll eine nicht zu unterschätzende Rolle spielt. Das Griffbrett ist übrigens aus pechschwarzem Ebenholz und weist bis auf das ‚20 Years‘-Inlay am 12. Bund keine weiteren Einlegearbeiten auf, das verleiht ihm einen besonders edlen Look. Dennoch stehen dem Spieler gut sichtbare Side Dots zur Orientierung über alle 24 Bünde hinweg bereit.

Tonabnehmer & Elektronik

Seymour Duncan USA SH-2 & SH-4 Humbucker

Fester klanglicher Bestandteil der Fame Forum IV ist seit jeher ihre Tonabnehmerausstattung, die sich sowohl bei den Serienausführungen als auch auf den Anniversary-Exemplaren aus einem Seymour Duncan SH-2n Jazz Model am Hals und einem SH-4 JB Humbucker in Stegposition zusammensetzt. Wer sich ein wenig mit der Geschichte des US-amerikanischen Tonabnehmer-Gurus Seymour Duncan auseinandersetzt, weiß, dass es sich bei hierbei um die absolute Kult-Kombination des Herstellers handelt. Die beiden Pickups, die zu den ältesten Dauerbrennern in Seymours Portfolio zählen und um deren Entstehung sich zahlreiche Mythen zu Jeff Beck, American Graffiti, Jazz und Blues ranken, passen wie kaum ein anderes Tonabnehmer-Set zueinander.

Während der SH-4 in Stegposition für wirklich jeden Spaß von Blues über Country und Punk bis hin zu Hard Rock und Metal zu haben ist, sorgt der SH-2 Jazz für erstaunlich klar artikulierte Neck-Sounds, die in Kombination gespielt ein absolut sahniges Klangbild ergeben. Beide Pickups zeugen von klar umrissener Saitentrennung bei komplexen Akkorden und einem ausgewogenen Ansprechverhalten, das sowohl für perkussiv-rhythmische Licks als auch für flüssige Legato-Linien bestens geeignet ist.

Luftige Coil-Split-Sounds

Eine weitere nützliche klangliche Zusatzoption der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary verbirgt sich hinter dem kleinen Mini Switch, der, genau wie die Potis und der 3-Way Toggle, elegant in die Decke vertieft ist. Dieser sorgt nämlich dafür, dass beide Pickups in den Coil-Split-Modus geschaltet werden. Dadurch verringert sich zwar spürbar der Output des ausgehenden Signals, allerdings verändert sich auch das Klangbild in Richtung luftig-klarer Single-Coil-Note. Fans spritziger Funk-Sounds oder perlender Klänge à la Strat oder Tele werden diesen kleinen Schalter also sicherlich sehr zu schätzen wissen.

GraphTech Ghost Loaded ResoMax Piezo-Bridge

Wer die Coil-Split-Schaltung in der Push/Pull-Funktion des Tone-Reglers vermutet hätte, liegt gleich zweifach falsch. Denn erstens aktiviert dieser eben nicht den Coil-Split, sondern stattdessen den Piezo-Tonabnehmer, der in die GraphTech Ghost Loaded ResoMax Bridge im Tune-o-Matic-Stil eingelassen ist. Und zweitens handelt es sich hierbei gar nicht um einen klassischen Tone-Regler. Der als ‚Piezo Blend‘ beschriebene Regler tut genau das, was man der Bezeichnung zufolge vermutet: Er mischt nämlich das Signal des Piezo-Tonabnehmers stufenlos zum Signal der beiden Magnettonabnehmer. Das ergibt zuweilen einen interessanten Klangeffekt, der sich zwischen dem klaren, transparenten Sound des Piezo-Tonabnehmers und einem vollmundigen Humbucker-Sound einordnet.

Der Piezo-Tonabnehmer vollständig solo gespielt ergibt eine perfekte Basis für Fingerstyle und traditionelle Akustik-Sounds. Interessanterweise unterscheidet sich der Aufbau des in der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary verbauten Piezo-Systems von den Systemen, wie sie in akustischen Gitarren zum Einsatz kommen. Während die akustischen Piezos meist aus einem durchgehenden Element bestehen, das über alle Saiten hinweg unter der Stegeinlage angebracht ist, benötigt die Fame Forum sechs individuelle Elemente, die getrennt in den Saitenreitern der Tune-o-Matic-Brücke verbaut sind. Im Test erklingen alle sechs Saiten der Fame daher in einer ausgewogenen Lautstärke-Balance. Das System ist ab Werk sehr gut kalibriert und macht sowohl gezupft als auch mit dem Pick gespielt enorm viel Spaß.

Hardware von Gotoh und GraphTech

Neben Pickups und Holzauswahl befinden sich auch die Hardware-Parts der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary auf einem Niveau, das einer Sonderedition wie der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary würdig ist. Hinter den Herstellern der Anbauteile verbergen sich übrigens keine kleinen Namen. So entstammt beispielsweise die Brücke und der Sattel aus dem Hause GraphTech, dementsprechend kommen hier selbstschmierende Saitenauflagepunkte für Sattel und Saitenreiter zum Einsatz.

Praktische Locking-Tuner

Mein persönliches Highlight sind jedoch die sechs Gotoh-Mechaniken, die nicht nur verdammt edel aussehen, sondern auch über eine praktische Backlocking-Funktion verfügen. Saitenwechsel gehen wahnsinnig schnell über die Bühne, was vor allem für Live-Performer und Studio-Bewohner einen nicht zu unterschätzenden Vorteil darstellt. Hinzu kommt, dass neue Saiten quasi ab der ersten Sekunde stimmstabil sind. Erst kürzlich habe ich angefangen, zahlreiche meiner Gitarren mit Locking-Mechaniken aufzurüsten. Wer nämlich viele Gitarren sein Eigen nennt und diese stets frisch besaitet halten möchte, wird einen nicht ganz unerheblichen Teil seiner Lebenszeit damit verbringen, Gitarrensaiten aufzuwickeln und Saiten einzudehnen. Bei der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary sind die praktischen Klemmtuner bereits ab Werk verbaut, insofern gibt es hier definitiv Pluspunkte von mir.

Verarbeitung und Produktumfang

Wer sich die Holzselektion, die Elektronik und die Hardware-Ausstattung der Fame Forum IV Modern 20th Anniversary genauer anschaut und mit dem Preisschild von 1444,- € vergleicht, könnte sich durchaus fragen, wo denn hier jetzt genau der Haken liegen soll. Eine derart hochwertig ausgestattete Gitarre, die im Herzen von Europa gefertigt wird, muss zu diesem Preis doch sicherlich irgendwo Abstriche machen. Oder?

Ein Blick auf die Verarbeitung offenbart jedenfalls keine Schwächen: die Leimverbindungen sind äußerst solide ausgeführt, das Hochglanz-Finish im zum Anbeißen aussehenden Stonewashed Blue Gloss sorgsam und makellos aufgetragen. Selbst mit der Lupe lässt sich bei unserem Testexemplar keine Stelle finden, die darauf hinweisen könnte, dass hier unsauber oder unter Zeitdruck gearbeitet wurde. Lediglich das Setup musste ein wenig nachgestellt werden, um eine optimale Bespielbarkeit zu gewährleisten. Dies ist mit den üblichen Tools aus dem Werkzeugkoffer des Gitarristen allerdings schnell erledigt, bis zum perfekten Setup handelte es sich lediglich um kleinste Anpassungen.

Wer umfangreiche Case Candies auf Custom-Shop-Niveau erwartet, könnte jedoch enttäuscht werden, immerhin kommt das Instrument ohne Case oder Echtheitszertifikat. Dafür allerdings im eigenen Fame Forum Special Gigbag. Hierbei handelt es sich um eine Gitarrentasche, die weder besonders billig gefertigt ist, noch im Premium-Segment anzusiedeln wäre. Dennoch passt sie perfekt zur Bauform der Forum IV und verfügt über ein Zubehörfach mit weißem Fame-Logo. Wer seine Gitarre zur Probe oder zum Gig transportieren muss, kann es also stilecht und wettergeschützt tun.

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Nur wenige Gitarristen lassen sich bereits nach wenigen Tönen so eindeutig erkennen wie Brian May. Ob das gigantische Solo von „Bohemian Rhapsody“, das „boxy“ klingende Solo von „We Will Rock You“ oder die orchestralen Gitarrenarrangements zahlreicher Queen-Songs: Mays Gitarrensound ist seit den frühen Siebzigern ein wesentlicher Bestandteil des Sounds der britischen Rockband.

Dabei basiert sein Setup nicht etwa auf einer besonders großen Sammlung ständig wechselnder Gitarren und Verstärker. Ganz im Gegenteil: Brian May nutzt bis heute eine E-Gitarre, die er bereits als Teenager gemeinsam mit seinem Vater gebaut hat. Dazu kommen Vox AC30 Combos, wenige Effektpedale und einige ziemlich ungewöhnliche Lösungen, die teilweise ebenfalls in Eigenregie entstanden sind. Dazu aber später mehr!

Zeit also, einen genaueren Blick auf die wichtigsten Bestandteile des Brian-May-Sounds zu werfen.

Die Red Special: Eine selbstgebaute E-Gitarre wird zur Ikone

Als Brian May 1963 gemeinsam mit seinem Vater Harold mit dem Bau einer eigenen E-Gitarre begann, war zunächst keineswegs abzusehen, dass dieses Instrument einmal auf einigen der bekanntesten Rockaufnahmen überhaupt zu hören sein würde. Brian May war damals 16 Jahre alt und hatte ursprünglich von einer Fender Stratocaster oder Gibson Les Paul geträumt. Da eine entsprechende Gitarre jedoch außerhalb des Budgets lag, beschlossen Vater und Sohn kurzerhand, selbst ein Instrument zu bauen. In rund 18 Monaten war das Gitarrenbauprojekt der beiden schließlich abgeschlossen.

Heute können wir uns neben ganzen DIY-Bausätzen nahezu alle Ersatzteile einer E-Gitarre über einen mittlerweile großen Tuning- und Zubehörmarkt einfach selbst besorgen. In den 1960er-Jahren steckte dieser Markt jedoch noch tief in den Kinderschuhen, weshalb Brian May auf Materialien zurückgreifen musste, die heute wohl niemand auf der Einkaufsliste eines Gitarrenbauers erwarten würde.

Für den Hals verwendeten die beiden einen alten Mahagonibalken aus einem über 100 Jahre alten Kamin, während der Korpus unter anderem aus Eichenholz entstand und mit rot gebeiztem Mahagoni furniert wurde. Im Inneren befinden sich Hohlräume, sodass die Konstruktion gewisse Parallelen zu einer Semi-Hollow-Gitarre aufweist, jedoch entsprechend nur gekammert und nicht offen ist.

Noch kreativer wird es beim selbst konstruierten Tremolosystem. Zwei Federn aus dem Ventiltrieb eines alten Motorrads wirken hier dem Saitenzug entgegen, während als Messerkante tatsächlich ein Teil eines Brotmessers aus der hauseigenen Küche zum Einsatz kam. Um die Reibung der Saiten zu reduzieren und die Stimmstabilität zu verbessern, konstruierte Brian May außerdem eine Brücke mit kleinen Rollen.

Das Resultat erhielt später den Namen Red Special, wird von May selbst aber auch liebevoll „Old Lady“ genannt. Und obwohl mittlerweile zahlreiche Repliken und offizielle Signature-Versionen existieren, ist das Original bis heute seine bevorzugte Gitarre.

Drei Pickups und jede Menge Schalter

Ein entscheidender Bestandteil der Red Special sind ihre drei Burns Tri-Sonic Single-Coils. May hatte zunächst versucht, eigene Pickups zu bauen, griff schließlich jedoch auf drei Tonabnehmer aus einer Burns Vibra-Artist zurück. Um unerwünschtes mikrofonisches Pfeifen bei hohen Lautstärken zu reduzieren, wurden die Pickups zusätzlich in Kunstharz vergossen.

Besonders interessant ist allerdings die Elektronik des Instruments. Statt eines klassischen Drei- oder Fünfwegschalters besitzt die Red Special für jeden Pickup eigene On/Off-Schalter. Die Tonabnehmer können dadurch nicht nur einzeln aktiviert und deaktiviert, sondern zusätzlich in ihrer Phase umgekehrt werden, weshalb neben Tone- und Volume-Regler insgesamt sechs Schalter zu sehen sind. Das ermöglicht Kombinationen, die mit einer gewöhnlichen Stratocaster- oder Les-Paul-Schaltung zu dieser Zeit nicht ohne Weiteres möglich gewesen wären.

Zu Mays meistgenutzten Sounds gehört beispielsweise die Kombination aus Steg- und Mittelpickup in Phase, die einen kräftigen und mittigen Charakter entwickelt. Für andere Sounds nutzt May gezielt Out-of-Phase-Kombinationen. Auch der sahnige Solosound von „Bohemian Rhapsody“ wird mit einer solchen gegenphasigen Pickup-Kombination in Verbindung gebracht.

Wichtig zu erwähnen ist außerdem, dass May mit drei Vox AC30 Combos und separatem Treble Booster ein Setup fährt, dessen Clean- und Gain-Verhalten er zu einem großen Teil über den Volume-Regler seiner Gitarre steuert.

Damit besitzt die Red Special zwar eine außergewöhnliche Konstruktion, entscheidend ist aber, dass Brian May ihre Eigenheiten seit Jahrzehnten bis ins Detail kennt und zu nutzen weiß. Statt zwischen unterschiedlichen Gitarren zu wechseln, holt er einen großen Teil seiner Klangvielfalt aus ein und demselben Instrument heraus.

Auhtentische Kopien und besondere Varianten der Red Special

Im Laufe der Jahre wurden zahlreiche Kopien der Red Special von diversen Gitarrenbauern angefertigt. In Brian Mays Live-Setup finden sich dabei einige spannende Varianten des Instruments: Für den Song Fat Bottomed Girls nutzt May beispielsweise ein spezielles Drop-D-Modell mit einer festen Brücke. Andere Nachbauten von verschiedenen Gitarrenbauern wiederum sind so authentisch nah am Original konstruiert, dass sie auf Tour schlicht als Ersatzgitarren dienen.

Ein Instrument sticht jedoch besonders heraus: Die „The Archtop MkII“, auch „The Badger“ (der Dachs) genannt. Auffällig ist nicht nur die Wölkchenahorn-Decke mit dunklem Finish, sondern vor allem die Semi-Hollow-Konstruktion sticht hier direkt ins Auge. Brain und sein Vater wollten die erste Red Special ursprünglich als Semi-Hollow-Gitarre mit F-Loch entwerfen. Da diese Konstruktion für ihre begrenzten Mittel damals zu komplex war, wurde die originale Red Special schließlich als gekammerte Solidbody-Gitarre konstruiert.

The Archtop MkII (The Badger)

Der Gitarrenbauer Andrew Guyton konstruierte schließlich ein Semi-Hollow-Modell, welches Brian für Live-Einsätze testete. Basierend auf Brians Feedback während der Proben für die erste Tour von Queen + Adam Lambert, entschieden sich sein langjähriger Gitarrentechniker Pete Malandrone und der Gitarrenbauer für eine Überarbeitung der ursprünglichen BM Archtop.

Der erste Prototyp (Mk1) war Brian schlichtweg zu weit von seinem charakteristischen Live-Sound entfernt. Um das Instrument für die Tour 2014 bühnentauglich zu machen, wurde es so modifiziert, dass es näher am Orignal liegt: Es wurde ein dritter Burns Trisonic Tonabnehmer inklusive Mays Schiebeschalter-Elektronik integriert. Die alte Piezo-Brücke musste zudem einem zuverlässigeren Tonabnehmer-System weichen.

Laut Andrew Guyton war die Montage dieser Hardware auf einer gewölbten Decke (Arched Top) eine logistische Meisterleistung. Die Lösung war ein maßgefertigtes, handgeformtes Schlagbrett aus Acryl, das sich perfekt an die Konturen der Gitarrendecke anschmiegt. Die akustische Brücke wurde aus einem einzigen Stück brasilianischem Rosenholz gefräst. Zudem kamen Piezo-Saitenreiter von L.R. Baggs zum Einsatz.

Auch optisch gab es einen Neuanstrich: Die Ahorndecke wurde abgeschliffen und mit einem transluzenten, schwarzen Finish versehen. Da das Holz von Natur aus etwas dunkler war, traten nach dem Schliff gold- und bronzefarbene Highlights hervor, die der Wölbung eine schicke Tiefe verleihen.

Das optische Highlight – und der Namensgeber des Instruments – ist jedoch ein kleines, im Schlagbrett eingelassenes Dachsgesicht aus Perlmutt. Als Brian May das fertige Prachtstück in den Händen hielt, fand es sofort seinen festen Platz im Set: Seitdem ist es die gesetzte Gitarre für den Queen-Klassiker Crazy Little Thing Called Love.

Kein Plektrum: Brian Mays Sixpence

Brian May verwendet neben seinen Fingern statt eines gewöhnlichen Plektrums traditionell eine alte britische Sixpence-Münze. Für ihn bietet die Münze einen besonders direkten Kontakt zu den Saiten. Gleichzeitig lässt sich der Klang abhängig vom Winkel deutlich verändern: Mit einer relativ parallelen Haltung entsteht ein sauberer Anschlag, während die geriffelte Kante der Münze bei stärkerem Winkel einen raueren und obertonreicheren Attack erzeugt.

Gerade diese Anschlagtechnik sollte man beim Versuch, den Brian-May-Sound nachzubauen, nicht unterschätzen. Die charakteristische Artikulation entsteht eben nicht ausschließlich durch Gitarre, Verstärker und Effekte, sondern zu einem wesentlichen Teil an der rechten Hand.

Vox AC30 und Treble Booster: Das Fundament des Queen-Sounds

Brian Mays Name vor allem mit einem Gitarrenverstärker verbunden: dem Vox AC30. May entdeckte den Amp bereits in den frühen Queen-Jahren. Zusammen mit seinem damaligen Rangemaster Treble Booster probierte er gebrauchte AC30 aus und fand damit den Grundsound, bei dem er anschließend blieb.

Der Treble Booster ist dabei mindestens genauso wichtig wie der Verstärker selbst. Statt lediglich zusätzliche Höhen zu liefern, treibt er den Eingang des AC30 stärker an und prägt damit dessen Verzerrverhalten. Auf frühen Queen-Aufnahmen verwendete May einen Dallas Rangemaster, nachdem dieser bei einem Konzert jedoch verloren gegangen war, entstanden später unter anderem speziell für ihn gebaute Booster von Pete Cornish und Greg Fryer.

Der Treble Booster findet sich dabei in unterschiedlichen Formen in Brian Mays Rig. Neben einem Treble Booster mit rotem Metallgehäuse innerhalb seines Stage-Racks nutzt May speziell für ihn angefertigte Varianten, die sich direkt am Gitarrengurt seiner Haupt- und Ersatzgitarren befinden.

So beeinflusst das der Treble Booster bereits das unmittelbare Gitarrensignal, bevor das es in ein Senheise Wireless Pack läuft. Da das rote Treble Booster Pedal relativ schwer ist, wurde für die Varianten am Gurt der Schaltkreis in ein leichtes Kunststoffgehäuse gepackt. Je nach gewünschter Gain-Intensität kommt der Treble Booster innerhalb des Rigs hinzu.

Statt ständig zwischen unterschiedlichen Gain-Stufen umzuschalten, arbeitet er also hauptsächlich mit dem Volume-Regler der Red Special. Wird dieser zurückgenommen, gelangt weniger Pegel in den Treble Booster und der Sound wird cleaner.

Das Grundrezept des klassischen Brian-May-Sounds lässt sich damit ziemlich knapp zusammenfassen: Red Special, Treble Booster und ein weit aufgedrehter Vox AC30.

Drei AC30 für ein riesiges Stereo-Setup

Im Laufe der Jahre wurde das Live-Rig allerdings deutlich aufwendiger. Eine besonders typische Konfiguration besteht aus drei Vox AC30, wobei der mittlere Verstärker das trockene Gitarrensignal wiedergibt und die beiden äußeren Verstärker für die Effektsignale zuständig sind.

Dadurch bleiben Attack und Definition des Direktsignals in der Mitte erhalten, während Delays, Chorus und andere räumliche Effekte über die seitlichen Verstärker wiedergegeben werden. Mays Guitar-Tech beschreibt das Setup entsprechend als trockenen Center-Amp mit „wet“ betriebenen Verstärkern links und rechts.

Schon in den Achtzigern war das System erheblich komplexer. Ein von Pete Cornish dokumentiertes Rig von 1982 verteilte das Signal auf mehrere Gruppen von jeweils drei AC30. Zwei MXR Digital Delays erzeugten unterschiedliche Delay-Signale, während ein modifiziertes Roland CE-1 einen weiteren Verstärkerzweig mit Chorus versorgte.

Gerade diese gestaffelten Delays sind ein wichtiger Bestandteil von Mays größer klingenden Gitarrenarrangements. Anstatt lediglich einen einzelnen Echoeffekt hinter die Gitarre zu legen, lassen sich Wiederholungen räumlich voneinander trennen und so der Eindruck mehrerer Gitarrenstimmen erzeugen.

Brian Mays Modulationseffekte

Obwohl Gitarre, Booster und AC30 das Fundament bilden, kamen über die Jahre weitere Effekte hinzu. Besonders wichtig wurden dabei Delay-Effekte, mit denen May nicht nur räumliche Tiefe erzeugte, sondern auch mehrstimmige und kanonartige Gitarrenpassagen realisieren konnte.

In seinem dokumentierten 1982er-System finden sich unter anderem zwei MXR DDL II Digital Delays im Rack-Format, ein Foxx Phaser und ein stark modifiziertes Roland CE-1 Chorus Ensemble. Später gehörten auch Geräte wie der TC Electronic SCF Stereo Chorus/Flanger zu seinem Equipment.

Das Interessante daran: Die Modulationseffekte stehen bei May selten für sich, sondern erweitern den ohnehin stark charakteristischen Grundsound aus Red Special, Treble Booster und den beiden äußeren AC30 Combos. Chorus, Phaser und andere Effekte sorgen dabei je nach Einsatz für zusätzliche Bewegung und räumliche Tiefe. Besonders deutlich wird das im Zusammenspiel mit den beiden links und rechts positionierten Verstärkern, über die May zusätzliche beziehungsweise modulierte und verzögerte Signalanteile wiedergibt und seinen Gitarrensound so deutlich breiter erscheinen lässt.

Der Deacy Amp: Ein Verstärker aus Elektroschrott

Neben den großen Vox-Amps gehört vor allem ein winziger Verstärker zu den interessantesten Bestandteilen des Queen-Sounds. Der sogenannte Deacy Amp wurde von Queen-Bassist John Deacon aus Elektronikteilen gebaut, die er aus weggeworfenem Equipment gewonnen hatte.

Der kleine Transistorverstärker entwickelte sich im Studio zu einem wichtigen Werkzeug für Brian May. In Kombination mit der Red Special und einem Treble Booster ließ sich damit ein stark komprimierter, mittiger Sound erzeugen, den May für zahlreiche mehrstimmige Gitarrenarrangements einsetzte.

Besonders spannend ist, dass der Deacy Amp nicht nur für klassische Gitarrenklänge verwendet wurde. Durch unterschiedliche Mikrofonpositionen und den Einsatz eines Wah-Pedals als Klangregler erzeugte May damit Sounds, die an Trompeten oder Posaunen erinnern konnten.

Nach Mays eigener Beschreibung war dafür keine aufwendige elektronische Nachbearbeitung notwendig. Ein großer Teil entstand schlicht durch Amp, Mikrofonierung und Spielweise. Damit spielte der Deacy Amp eine wichtige Rolle bei dem Eindruck eines regelrechten Gitarrenorchesters, der viele Queen-Produktionen auszeichnet.

„Bohemian Rhapsody“ im Wohnzimmer: Es geht auch mit einem kleinen Vox

Dass man für einen überzeugenden Brian-May-Sound nicht zwingend eine Wand aus AC30 benötigt, zeigte May selbst während der Corona-Zeit. In einem Video, in dem er das Gitarrensolo von „Bohemian Rhapsody“ erklärt, spielt er zu Hause über einen kleinen Vox Mini5 Rhythm Modeling Combo.

Das ist eigentlich ein schönes Gegenstück zu seinem großen Bühnen-Rig. Denn obwohl die historischen Queen-Sounds mittels AC30, Treble Booster und kreativen Aufnahmetechniken entstanden sind, zeigt sich hier, wie viel von Mays Wiedererkennungswert letztlich aus Red Special und vor allem seiner Spielweise stammt.

Brian Mays Sound: Eigenbau statt Standardrezept

Brian Mays Setup ist in vielerlei Hinsicht außergewöhnlich. Die wichtigste Gitarre wurde gemeinsam mit seinem Vater aus verfügbaren Materialien gebaut, als Plektrum dient eine Münze und einer seiner berühmtesten Studioverstärker entstand aus weggeworfenen Elektronikteilen. Selbst viele seiner späteren Treble Booster und Live-Systeme wurden speziell für seine Anforderungen entwickelt oder modifiziert.

Trotzdem ist der grundlegende Brian-May-Sound über die Jahre erstaunlich konstant geblieben. Red Special, Sixpence, Treble Booster und Vox AC30 bilden seit Jahrzehnten das Fundament seines einprägsamen Queen-Sounds. Deacy Amp, Delays, Phaser und Chorus erweitern dieses Grundgerüst, ohne seinen eigentlichen Charakter zu ersetzen.

Brian May hat nicht über Jahrzehnte versucht, mit immer neuem Equipment einem bestimmten Klang hinterherzulaufen. Er hat sich bereits sehr früh ein eigenes System geschaffen und daraus einen der unverwechselbarsten Gitarrensounds der Rockgeschichte entwickelt.

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Wir haben uns ein paar der interessantesten Filmgitarren herausgesucht, die man definitiv kennen sollte und blicken hinter die Geschichten dieser besonderen Instrumente.

Mad Max: Fury Road – Die Flammenwerfer-Gitarre des Doof Warrior

Wenn es um völlig übertriebene Filmgitarren geht, dürfte Mad Max: Fury Road von 2015 nur schwer zu schlagen sein. Während Immortan Joes War Boys mit ihren Fahrzeugen durch die Wüste rasen, sorgt der Coma-Doof Warrior auf dem sogenannten Doof Wagon für die musikalische Begleitung. Gespielt wird die Figur vom australischen Musiker iOTA, der dabei mit einer riesigen Doppelhalsgitarre mit separatem E-Gitarren- und E-Bass-Hals vor einer Wand aus Lautsprechern hängt. Als wäre das noch nicht genug, schießen aus dem Instrument auch noch Flammen.

Das Ganze sieht zunächst nach einem typischen Hollywood-Prop aus, tatsächlich wurde für die Dreharbeiten aber ein echtes spielbares Instrument gebaut. Die vom Industrial Designer Matt Boug gestaltete Konstruktion soll gewaltige 60 Kilogramm wiegen und musste beim Dreh deshalb mit elastischen Seilen gehalten werden. Beim unteren Hals handelt es sich um einen Basshals, während bei den beiden Headstocks sogar Zündkerzen aus dem Automobilbereich als Mechaniken beziehungsweise deren Bedienelemente zum Einsatz kommen. Unterhalb des Korpus befindet sich außerdem ein Stück eines Datsun-1600-Chassis.

Und auch der Flammenwerfer war keineswegs nur ein Spezialeffekt aus der Postproduktion. Hinter dem oberen Headstock befand sich ein Ventil, aus dem tatsächlich Flammen geschossen werden konnten. Die Bedienung erfolgte über den Tremolohebel. Damit dürfte die Doof-Warrior-Gitarre zu den wenigen Instrumenten gehören, bei denen der Begriff „Firebreathing Guitar“ einmal ziemlich wörtlich genommen werden kann.

Innerhalb der Filmwelt erfüllt der Doof Warrior übrigens ebenfalls einen Zweck. Seine Musik dient nicht nur der Unterhaltung: Ähnlich historischen Militärmusikern soll er die War Boys antreiben und gleichzeitig Immortan Joes Befehle über die gewaltige Beschallungsanlage des Doof Wagon weitergeben.

Back to the Future – Wo ist Marty McFlys Gibson ES-345?

Kaum eine Gitarrenszene dürfte so berühmt sein wie Marty McFlys Auftritt beim „Enchantment Under the Sea“-Schulball in Back to the Future von 1985. Michael J. Fox greift dort zu einer kirschroten Gibson ES-345 und spielt „Johnny B. Goode“, wobei sein Auftritt zunehmend von Gitarristen wie Pete Townshend, Jimi Hendrix und Eddie Van Halen inspiriert wird.

Die Szene wurde somit zu einem der bekanntesten Gitarrenmomente der Filmgeschichte. Das Originalinstrument selbst hat allerdings eine beinahe ebenso filmreife Geschichte: Es ist verschwunden.

Hast du diese Gitarre gesehen?

Laut Gibson wollte das Filmteam die Gitarre bereits während der Arbeiten an der Fortsetzung wiederfinden, allerdings war sie zu diesem Zeitpunkt nicht mehr aufzutreiben. Wo die Cherry Red ES-345 anschließend landete, blieb über Jahrzehnte ungeklärt.

Zum 40. Jubiläum von Back to the Future startete Gibson deshalb 2025 eine weltweite Suche nach der Originalgitarre. Dabei wurden Fans, Sammler, Vintage-Händler und praktisch jeder, der Hinweise auf den Verbleib des Instruments haben könnte, um Mithilfe gebeten. Parallel dazu begann Gibson Films mit der Produktion der Dokumentation Lost to the Future, die sich dieser Suche nach der berühmten Film-ES-345 widmet.

Zusätzliches Fauxpas: Der historische Filmfehler der ES-345

Eine zusätzliche Kuriosität steckt direkt in der Filmszene: Marty reist bekanntlich in das Jahr 1955 zurück. Eine Gibson ES-345 konnte er zu diesem Zeitpunkt allerdings noch gar nicht spielen. Das Modell wurde erst im Jahre 1958 offiziell eingeführt. Ausgerechnet eine der berühmtesten Gitarrenszenen der Filmgeschichte enthält damit einen ziemlich großen Gitarren-Anachronismus.

Nichtsdestotrotz prägte dieser Filmmoment eine ganze Generation an Musikerinnen und Musikern. Michael J. Fox selbst erklärte später, dass seine Performance bewusst Elemente verschiedener Gitarrenhelden aufgreifen sollte. Umso interessanter ist der Einfluss der Szene: Laut Fox erzählten ihm später unter anderem John Mayer und Chris Martin, dass dieser Filmauftritt sie dazu motiviert habe, selbst Gitarre zu spielen.

Purple Rain – Prince und die erste Cloud Guitar

Eine weitere legendäre Filmgitarre mit einer interessanten Geschichte stammt aus dem berühmten Streifen Purple Rain von 1984, in dem Prince selbst den jungen Musiker Kid spielt. Zum halbautobiografische Film brachte Prince mit dem gleichnamigen Album nicht nur sein sechstes Studioalbum heraus, sondern diente gleichzeitig als Soundtrack zum Film.

Im Fokus steht hier natürlich die berühmte Cloud Guitar: Das auffälige Instrument wurde nicht einfach für eine Filmszene aus dem vorhandenen Equipment des Musikers ausgewählt, ihre Geschichte beginnt nämlich unmittelbar mit dem Film selbst.

Die erste Cloud entstand 1983 bei Knut Koupeé Music in Minneapolis. Gebaut wurde sie von Gitarrenbauer Dave Rusan, wobei auch Tommy Stinson an dem Instrument arbeitete. Grundlage für die Konstruktion waren unter anderem vorhandene Bauteile des sogenannten O’Hagan „Shark“-Modells; die charakteristische Form orientierte sich zudem am Sardonyx F Bass, den Prince bereits Ende der 1970er-Jahre besaß. Diese Bauform wurde schließlich die Basis der ersten Cloud Guitar, welche in Purple Rain zu sehen.

Die Spezifikationen der Cloud Guitar

Technisch war die Cloud keineswegs nur ein extravagantes Filmrequisit. Das Instrument besitzt einen Korpus und Hals aus Ahorn, eine Mensur von 24,75 Zoll sowie 22 Bünde. Für die elektrische Seite kamen ein EMG SA Single Coil am Hals und ein EMG 81 Humbucker am Steg zum Einsatz. Hinzu kamen Schaller-Hardware sowie eine klassische Regelung aus Volume, Tone und Dreiwege-Pickup-Wahlschalter.

Was als Instrument für Purple Rain begann, entwickelte sich anschließend zu einem der wichtigsten visuellen Markenzeichen von Prince. Für die dazugehörige Tour entstanden weitere Exemplare und auch in späteren Jahren ließ Prince zusätzliche Cloud-Gitarren bauen. In den 1990er-Jahren entstanden schließlich sogar kommerzielle Varianten; später fertigte Schecter entsprechende Serienmodelle.

Besonders interessant ist jedoch der Verbleib des Originals. Prince schenkte 1993 eine Cloud Guitar dem Smithsonian. Lange war offenbar nicht vollständig geklärt, um welches Exemplar es sich dabei handelte. Untersuchungen einschließlich CT-Scan und Lackanalysen lieferten später starke Hinweise darauf, dass es sich tatsächlich um die erste für Prince gebaute Cloud und damit um die in Purple Rain verwendete Gitarre handelt. Unter der späteren gelben Lackierung fanden die Experten mehrere ältere Lackschichten.

Damit wurde aus einer eigens für einen Film entstandenen Custom-Gitarre letztlich ein Instrument, das Prince noch weit über Purple Rain hinaus begleitete und heute zur Sammlung des Smithsonian National Museum of American History gehört.

The Hateful Eight – Als Kurt Russell eine echte Vintage-Martin zerstörte

Die Geschichte hinter der Gitarre aus Quentin Tarantinos The Hateful Eight ist weniger erfreulich, dafür aber kaum zu glauben.

In einer Szene spielt Jennifer Jason Leigh als Daisy Domergue auf einer alten Martin-Akustikgitarre das australische Traditional „Jim Jones at Botany Bay“. John Ruth, gespielt von Kurt Russell, nimmt ihr schließlich das Instrument ab und schlägt es vor ihren Augen in Stücke. Das stand grundsätzlich auch im Drehbuch.

Das Problem: Russell zerstörte die falsche Gitarre.

Für die Aufnahmen hatte das Martin Guitar Museum eine echte Martin aus den 1870er-Jahren zur Verfügung gestellt. Das historische Instrument sollte lediglich für die Einstellungen verwendet werden, in denen Leigh tatsächlich darauf spielte. Das schmerzhafte daran ist, dass für die Zerstörungszene des Instruments sogar Repliken angefertigt wurden. Nach Angaben des Sound Mixers Mark Ulano existierten sechs Nachbauten, und unmittelbar vor dem Zerschlagen sollte das Original eignetlich ausgetauscht werden.

Doch dieser Wechsel fand nicht statt beziehungsweise Kurt Russell wusste nicht, dass er in diesem Take noch das Original in den Händen hielt. Er nahm die Gitarre und zertrümmerte damit tatsächlich das historische Museumsinstrument. Die Reaktion von Jennifer Jason Leigh, die unmittelbar erkennt, was gerade passiert ist, ist deshalb echt.

Martin erfuhr zunächst lediglich, dass das Instrument bei einem Unfall am Set beschädigt worden sei. Erst später wurde dem Unternehmen bekannt, unter welchen Umständen die Gitarre tatsächlich zerstört worden war. Dick Boak vom Martin Museum bezeichnete den Vorfall entsprechend als schwerwiegend. Die Konsequenz fiel drastisch aus: Martin kündigte an, Museumsinstrumente künftig nicht mehr für Filmproduktionen zur Verfügung zu stellen.

Kurt Russell selbst sprach Jahre später noch einmal über den Vorfall und machte deutlich, dass ihm während der Aufnahme nicht bewusst gewesen sei, welches historische Instrument er gerade in der Hand hielt.

So entstand ausgerechnet durch einen Fehler am Set einer der wohl teuersten und schmerzhaftesten „Gitarren-Smashes“ der Filmgeschichte. Jennifer Jason Leighs entsetzter Gesichtsausdruck benötigte dafür keinerlei Schauspielkunst, der Schock stand ihr ins Gesicht geschrieben.

Wenn die Gitarre mehr als nur Requisite ist

Ob Flammenwerfer, Zeitreise, Custom-Anfertigung oder ein folgenschweres Missverständnis am Set: Diese vier Instrumente zeigen ziemlich gut, welche unterschiedlichen Rollen Gitarren im Film einnehmen können. Die Doof-Warrior-Gitarre wurde eigens für eine postapokalyptische Filmwelt konstruiert, während Marty McFlys ES-345 nach ihrem berühmtesten Auftritt selbst zum Gegenstand einer jahrzehntelangen Suche wurde. Prince machte eine ursprünglich für Purple Rain gebaute Gitarre anschließend zu einem seiner Markenzeichen und bei The Hateful Eight wurde aus einer geplanten Zerstörungsszene unfreiwillig ein Stück Gitarrengeschichte ausradiert.

Fallen Euch noch weitere Filmgitarren ein, die eine interessante Historie mitbringen? Schreibt es uns in die Kommentare!

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Titelbild: mattboug.com

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Shortscale-Bass mit Jaguar-DNA

Wer mit der Geschichte des Bass VI vertraut ist, weiß, dass Fender hier damals die schmale Gratwanderung zwischen klassischem E-Bass und der damals brandneuen Jaguar E-Gitarre angetreten ist. Das Resultat ist ein wirklich einzigartiges Instrument, dessen Einordnung zwischen den beiden Welten oft nicht eindeutig ausfällt. Wie bereits das Original setzt der Limited Edition George Harrison 1967 Bass VI hier auf klassische Zutaten: ein Offset-Korpus aus zwei Teilen Erle, ein geschraubter Ahornhals mit ovalem C-Profil der Sixties und ein gebundenes Palisandergriffbrett in AAA-Qualität bilden die solide Basis des Bass VI.

Jaguar Single-Coils und Strangle-Switch

Aus klanglicher Sicht bietet der Bass VI zahlreiche von der Jaguar bekannte Features. So lassen sich die drei Custom Shop Hand-Wound Flat Magnet Jaguar Single-Coils einzeln an oder ausschalten, zusätzlich steht ein Strangle Switch zur Beschneidung der Bässe für definiertere Sounds bereit. Ein besonderes Highlight: Die zugehörige Control Plate ist mit den originalen Pfeilmarkierungen versehen, die George nutzte, um seine bevorzugten Einstellungen festzuhalten.

Ebenfalls an Bord befindet sich die Kombination aus 6-Saddle Vintage-Style Adjustable Bridge und Fender Floating Tremolo. Erstere verfügt über einen Bass VI Mute, mit dem sich bei Bedarf gedämpfte Klänge erzeugen lassen. Das Tremolo ermöglicht hingegen coole Tonhöhenverzierungen, die in tiefen Registern nur selten zu hören sind.

Der Fender Limited Edition George Harrison 1967 Bass VI ist ab sofort zu einem stolzen Preis von 10.099 € erhältlich. Selbstverständlich befinden sich ein passendes Hardshell Case, ein Custom Shop Instrumentengurt und ein handsigniertes Echtheitszertifikat im Lieferumfang.

Fender Limited Edition George Harrison 1967 Bass VI – Features

• Limited Edition aus dem Fender Custom Shop
• Offset-Korpus aus selektierter Erle
• Schraubhals aus Ahorn mit ’60s Oval-C-Profil
• AAA-Palisandergriffbrett mit Binding
• 21 Bünde im Vintage-Format
• 7,25″-Griffbrettradius
• Block-Griffbretteinlagen aus Perloid
• Drei Fender Custom Shop Hand-Wound Flat Magnet Jaguar Single-Coils
• Separate Pickup On/Off Switches und „Strangle“-Switch
• Pickup Switch Control Plate mit George Harrisons Markierungen seiner bevorzugten Einstellungen
• Master Volume und Master Tone
• 6-Saddle Vintage-Style Adjustable Bridge mit Bass VI Mute
• Fender „Floating“ Tremolo
• Vintage-Style Mechaniken mit Fender-Logo
• Bleached 3-Color Sunburst Nitrozellulse-Finish mit Relic-Treatment
• Inklusive Koffer, Gurt und Echtheitszertifikat

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Während IVs Monarkh mit einer gewaltigen 30″-Mensur, EverTune Bridge und Fishman Fluence Pickups die Grenze zwischen E-Gitarre und Shortscale-Bass auslotet, setzt der fünfsaitige Signature Pro-Mod San Dimas Bass V von III auf eine 34,4″ bis 35,5″ lange Multiscale-Mensur und eigens abgestimmte Fishman-Elektronik.

Sleep Tokens Custom-Instrumente als Vorbild

Dass Sleep Token bei ihren Instrumenten nicht unbedingt auf konventionelle Spezifikationen setzen, dürfte angesichts der tiefen Tunings und des ausgefallenen Stils der Band wenig überraschen. Gitarrist IV war in der Vergangenheit bereits mit verschiedenen Extended-Range- und Baritoninstrumenten unterwegs. Dazu gehört auch eine Jackson Custom Shop Monarkh mit sechs Saiten, 30″-Mensur, EverTune Bridge und Pale-Moon-Ebony-Griffbrett. Daneben kamen unter anderem achtseitige Jackson Monarkh und Soloist Modelle zum Einsatz.

Auch III hat bereits eine enge Verbindung zu Charvel. Neben regulären Pro-Mod San Dimas Bässen ist insbesondere ein speziell angefertigter Charvel USA Custom Shop Bass dokumentiert, der unter anderem mit karamellisiertem Ahornhals, Fishman Fluence Pickups und Reverse Headstock ausgestattet ist.

Die beiden neuen Signature-Instrumente greifen viele dieser Ansätze auf und machen daraus eigenständige Serienmodelle für Sleep Token-Fans und für alle, die nach einem einzigartigen Instrument suchen.

Jackson Pro Series Signature IV Monarkh mit 30″-Mensur

Besonders ungewöhnlich fällt die neue Jackson Pro Series Signature IV Monarkh Transparent Black Burst aus. Trotz ihrer sechs Saiten kommt die Gitarre mit einer enormen 30″-Mensur, die speziell für IVs Stimmung eine komplette Oktave unter Standard-Tuning ausgelegt ist. Damit bewegt sich das Instrument konstruktiv deutlich im Baritonbereich und soll auch in diesen extrem tiefen Registern für eine klare Ansprache und entsprechende Saitenspannung sorgen.

Als Basis dient ein Mahagonikorpus mit Ahorndecke und Quilted-Maple-Furnier, der mit einem dreiteiligen Set-Neck aus karamellisiertem Ahorn kombiniert wird. Graphitverstärkungen erhöhen die Stabilität des Halses. Das Pale-Moon-Ebony-Griffbrett besitzt einen von 12″ auf 16″ verlaufenden Compound-Radius, 22 Jumbo-Bünde aus Edelstahl sowie Pearloid Teardrop Inlays. Luminlay Side Dots sorgen zusätzlich für Orientierung auf dunklen Bühnen.

Um eine bombenfeste Stimmung zu garantierten, kommt zudem eine EverTune F6 Bridge mit speziellen Tension Saddles zum Einsatz. Gerade angesichts der 30″-Mensur und Oktav-Tieferstimmung dürfte die Kombination aus langer Mensur und EverTune einen wesentlichen Teil des Konzepts ausmachen.

Fishman Fluence Open Core Classic für IV

Interessant ist auch die Pickup-Wahl der Signature Monarkh: Zwei aktive Fishman Fluence Open Core Classic Humbucker machen hier die Musik, während über den Push/Pull-Volume-Regler unterschiedliche Voicings zur Verfügung stehen. Ein klassischer 3-Wege-Toggle übernimmt dabei die Pickup-Auswahl.

Damit soll die Gitarre nicht nur die massiven tiefen Riffs abdecken, für die Sleep Token bekannt sind. Die unterschiedlichen Fluence-Voicings sind ebenso auf die klaren und atmosphärischen Passagen ausgelegt, die innerhalb der Arrangements der Band regelmäßig einen Gegenpol zu den besonders schweren Parts bilden.

Optisch bleibt die Monarkh mit Transparent Black Burst, passendem Headstock und der Jackson Sweetone 3+3-Kopfplatte vergleichsweise düster. Ein Gigbag gehört ebenfalls zum Lieferumfang.

Charvel Pro-Mod Signature III San Dimas Bass V

Auf der Bassseite bekommt III mit dem neuen Charvel Pro-Mod Signature San Dimas Bass V Black einen eigenen Fünfsaiter. Als Basis dient ein San-Dimas-Korpus aus Pappel, kombiniert mit einem Hals und Griffbrett aus karamellisiertem Ahorn.

Besonders interessant ist hier die 34,4″ bis 35,5″ Multiscale-Mensur. Durch die aufgefächerten Bünde erhält insbesondere die tiefe H-Saite die längere Mensur, während die höheren Saiten schrittweise kürzer ausfallen und so ihre tighte Ansprache beibehalten. Das soll eine ausgewogenere Saitenspannung über alle fünf Saiten ermöglichen und gleichzeitig die Definition in den tiefsten Registern unterstützen. Das Griffbrett besitzt einen 12″-16″-Compound-Radius, insgesamt 24 Jumbo-Bünde und Luminlay Side Dots.

Auch optisch gibt sich das Modell unverkennbar modern: Schwarzes Finish und der Reverse Licensed Stratocaster Headstock sorgen zusammen mit den auffälligen roten Pickups für einen ziemlich eigenständigen Auftritt.

Rote Fishman Fluence Pickups und drei Voicings

Für den Sound kommen zwei speziell für das Instrument ausgeführte rote Fishman Fluence Soapbar Pickups zum Einsatz. Ein 3-Wege-Mini-Toggle erlaubt den Wechsel zwischen drei unterschiedlichen Pickup-Voicings. Hinzu kommen Master Volume, Pickup Blend und ein aktiver Fishman 2-Band-EQ mit konzentrischem Bass-/Treble-Regler.

Damit lässt sich das Ausgangssignal nicht nur über das Verhältnis der beiden Pickups formen, sondern direkt am Instrument hinsichtlich Bass- und Höhenanteil bearbeiten. Die unterschiedlichen Fluence-Voicings erweitern das Spektrum zusätzlich von klar definierten Sounds bis zu aggressiveren Klangfarben.

Für die Hardware setzt Charvel auf Hipshot UltraLite Open-Gear Mechaniken sowie Locking Strap Pins. Wie bei der Jackson Monarkh gehört auch beim Signature Bass ein Gigbag zum Lieferumfang.

Zwei Signature-Instrumente für Sleep Tokens extremes Low-End

Spannend an beiden Neuerscheinungen ist letztendlich weniger der reine Signature-Faktor als die technische Umsetzung. Eine sechssaitige 30″-Gitarre in vollständiger Oktav-Tieferstimmung ist selbst im Extended-Range-Bereich alles andere als gewöhnlich. Bei IV lässt sich zudem eine klare Linie zu seinen bisherigen Custom-Shop-Instrumenten erkennen: Eine 30″-Jackson-Monarkh mit EverTune gehört bereits zu seinem dokumentierten Equipment.

Ähnliches gilt für III, der bereits seit einiger Zeit Charvel-Bässe und Fishman-Fluence-Pickups verwendet. Der neue Signature Bass entwickelt dieses Konzept mit fünf Saiten, Multiscale-Konstruktion und drei Pickup-Voicings weiter.

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Titelbild: Fender/Jackson/Charvel

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