Der Name Hollywood Vampires geht auf einen Trinkclub zurück, der sich in den Siebzigern im Obergeschoss des Rainbow Bar & Grill in Los Angeles traf. Alice Cooper gehörte ebenso dazu wie Keith Moon und Harry Nilsson; John Lennon, Ringo Starr und weitere Kollegen schauten vorbei. Wer Mitglied werden wollte, musste vor allem eines können: die anderen unter den Tisch trinken. Die heutige Band bewahrt den Namen, hat mit dem damaligen Lebenswandel aber nicht mehr viel gemein. Cooper lebt seit Jahrzehnten abstinent, und aus dem feuchtfröhlichen Zirkel ist eine disziplinierte Rockband geworden. Geblieben ist der Gedanke, die Musik verstorbener Freunde und Wegbereiter nicht ehrfürchtig zu konservieren, sondern sie laut zu spielen.

Eigene Stücke und Klassiker

Gegründet wurden die Hollywood Vampires Anfang der 2010er-Jahre. Cooper hatte Johnny Depp während der Dreharbeiten zu ‚Dark Shadows‘ kennengelernt und mit ihm gejammt; Aerosmith-Gitarrist Joe Perry komplettierte den Kern der Band. Das selbstbetitelte Debüt von 2015 bestand überwiegend aus Coverversionen und brachte eine lange Reihe prominenter Gäste zusammen. ‚Rise‘ zeigte 2019 mit deutlich mehr eigenem Material, dass die Vampires auch als reguläre Band funktionieren. Tommy Henriksen, seit vielen Jahren Gitarrist in Coopers Soloband, Produzent und wichtiger Mitspieler der Hollywood Vampires, gehört längst ebenso zum festen Gefüge.

Der Mitschnitt aus Montreux dokumentiert genau den Übergang zwischen diesen beiden Phasen. Der Abend beginnt mit „I Want My Now“ und „Raise The Dead“, zwei eigenen Stücken, ehe die Band ihre Ahnengalerie öffnet. Dabei entsteht keine fein säuberlich kuratierte Rockausstellung. Die Songs werden durch drei Gitarren, eine robuste Rhythmusgruppe und Coopers unverwechselbare Stimme gezogen, bis sie zum Sound dieser Band passen. Das darf schmutzig sein. Muss es sogar. Joe Perry, Johnny Depp und Tommy Henriksen besetzen dabei keineswegs dreimal denselben Platz. Dadurch entsteht hier ein breiter, rauer Bandsound, in dem nicht jede Lücke zwanghaft gefüllt wird.

Abwechslungsreiche Setlist

Unterstützt wird das Trio von Chris Wyse am Bass, Glen Sobel am Schlagzeug und Buck Johnson an Keyboards und Gitarre. Wyse übernimmt bei ‚Ace of Spades‘ den Leadgesang. Die Motörhead-Nummer gehört zu den bislang unveröffentlichten Coverversionen des Albums und wird nicht auf Hochglanz gebracht: Bass und Schlagzeug treiben, die Gitarren sägen. Auch sonst lebt die Setlist von guten Reibungen. ‚I Got A Line On You‘ von Spirit und Loves ‚7 And 7 Is‘ führen zurück in die späten Sechziger, während ‚Five To One‘ und ‚Break On Through‘ zu einem Doors-Medley zusammenwachsen. Natürlich bedienen sich die Musiker auch in den eigenen Katalogen. Alice Cooper steuert ‚I’m Eighteen‘ bei und beendet den Abend mit ‚School’s Out‘, das wie gewohnt Pink Floyds ‚Another Brick In The Wall‘ streift. Von Aerosmith kommen ‚Combination‘ und ‚Sweet Emotion‘. Darüber hinaus stehen sechs Eigenkompositionen stehen zwischen all den Klassikern.

Tracklist

01. I Want My Now
02. Raise the Dead
03. I Got a Line on You
04. 7 and 7 Is
05. My Dead Drunk Friends
06. Five to One / Break on Through
07. The Jack
08. Ace of Spades
09. Baba O’Riley
10. As Bad as I Am
11. The Boogieman Surprise
12. I’m Eighteen
13. Combination
14. People Who Died
15. Sweet Emotion
16. Welcome to Bushwackers
17. Heroes
18. Train Kept A-Rollin’
19. School’s out / Another Brick in the Wall

Album-VÖ: 14. August 2026
Label: earMusic
www.hollywoodvampires.com

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18 Künstler und Bands greifen zum 70. Geburtstag des Ruhrpott-Songwriters in dessen Liederkatalog. Das hätte eine höfliche Gratulantenplatte werden können, mit all den üblichen Verbeugungen und ein paar Namen, die vor allem auf dem Cover funktionieren. Stattdessen zeigt dieses Doppelalbum, wie belastbar die Songs von Stoppok sind, sobald man sie aus seiner rauen, unverwechselbaren Stimme herauslöst.

Ein Tribute-Album zum Geburtstag

Der Anlass ist klar: Stoppok wurde im Februar 70, „26/70“ verweist auf das aktuelle Jahr und diesen Geburtstag. Doch die Platte blickt nicht einfach nur zurück. Sie nimmt Songs aus mehreren Jahrzehnten und stellt sie Künstlern unterschiedlicher Generationen hin, ohne sie in ein Konzept-Korsett zu zwängen. Sebel, seit Jahren auch Keyboarder in Stoppoks Band, hält das als Executive Producer und Mischer vieler Beiträge zusammen, obschon die einzelnen Handschriften bewusst erkennbar bleiben.

Schon „Wetterprophet“ macht das hörbar: Lina Maly, Phil Siemers und Pohlmann geben dem Einstieg drei Stimmen, Phil Siemers spielt Akustikgitarre. Tokunbo zieht „Leise“ mit Joe Fernandez an Gitarre, Bass und Piano in eine andere, feinere Richtung. Wolfgang Niedecken und BAP nehmen sich „Wie tief kann man sehn“ vor; Anne de Wolff steuert neben Chor und Percussion Geige, Bratsche und Cello bei, Ulrich Rode die Gitarre. Das ist keine Nachstellung des Originals, sondern eine ernst gemeinte Adaption.

„Mal dein Herz an“ als Finale

Überhaupt liegt die Stärke von „26/70“ darin, dass Stoppoks Texte und Melodien nicht wie Reliquien behandelt werden. Ringlstetter singt „…und retour“ in Mundart, Jan Plewka und Marco Schmedtje machen aus „Zwischen Twentours und Seniorenpass“ eine reduzierte Sache mit Gitarre und Percussion. Bei „Dein Glück“ treffen Alin Coens Gesang, Soumyojit Das, Sourendro Mullicks Piano, Tabla und Roger Schaffraths Slide-Gitarre aufeinander; Stoppok selbst spielt Akustikgitarre.

Fortuna Ehrenfeld, Brings, Fury in the Slaughterhouse, Östro 430, 17 Hippies, Joco, Miss Allie, Simon & Jan und die junge Hamburger Band D’Rest: Diese Auswahl hätte leicht beliebig wirken können. Tut sie aber nicht. Die Platte lässt zu, dass ein Stück mal schräger, mal zärtlicher, mal kräftiger ausfällt. Gerade weil sich nicht alles an einem glattpolierten Sound abarbeitet, entsteht ein Bild von Stoppok als Songwriter, der immer auch Rockmusiker war und dessen Figuren, Sätze und Refrains hängen bleiben dürfen.

Den Schluss bildet „Mal dein Herz an“, aufgenommen im Februar 2026 als Live-Session im Kölner Maarweg Studio. Christina Lux, Chris Schmitt, Wolfgang Niedecken, Purple Schulz, Rose Wambui Kemande und viele weitere Musiker versammeln sich um Stoppok. Da wird nicht klein beigegeben. Aber bei einer solchen Feier wäre falsche Bescheidenheit auch unerquicklich.

„26/70 – die Songs von Stoppok“ erscheint am 7. August 2026 bei Glitterhouse auf Doppelvinyl, CD und digital.

Tracklist

01. Phil Siemers, Pohlmann, Lina Maly – Wetterprophet
02. TOKUNBO – Leise
03. Niedeckens BAP – Wie tief kann man sehn
04. Ami Warning , Werner Schmidbauer, Martin Kälberer – Pack mit an
05. D’Rest – Aus dem Beton
06. Simon & Jan – Alles nur ein Film
07. Joco – Mülldeponie
08. Ringlstetter – Und Retour
09. Fortuna Ehrenfeld – Tage wie dieser
10. Alin Coen & Soumyojit-Sourendro – Dein Glück
11. Brings – Wenn Du weggehst
12. Jan Plewka, Marco Schmedtje – Zwischen Twentours und Seniorenpass
13. 17 Hippies – Kebap
14. Östro 430 – Giftig
15. Fury In The Slaughterhouse – Tanz
16. Desiree Klaeukens – Dumpfbacke
17. Miss Allie – Cool durch Zufall
18. Stoppok & Artgenossen – Mal Dein Herz an (Live Session aus dem Maarweg Studio in Köln, Feb. 2026)

Album-VÖ: 07. August 2026
Label: Glitterhouse Records / Indigo
www.stoppok.de

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Die Zusammenarbeit hat eine lange Vorgeschichte. Bereits 2008 holte Mundharmonika-Legende Charlie Musselwhite den jungen Gitarristen Matthew Stubbs in seine Tourband. Aus einer zunächst pragmatischen Idee entstand Jahre später mit GA-20 ein Trio, das mit kompromisslosen Live-Shows und einer Vorliebe für den rohen Blues der 50er- und 60er-Jahre schnell Aufmerksamkeit erregte. Nun treffen beide Welten auf ‚Blues Now‘ erneut aufeinander. Allerdings nicht in der klassischen Konstellation aus Solist und Begleitband, sondern als gleichberechtigtes Quartett.

Traditionell und überraschend frisch

Aufgenommen wurde das Album Anfang 2025 innerhalb von nur sechs Tagen im Rare-Signals-Studio in Cambridge, Massachusetts. Die Musiker spielten gemeinsam in einem Raum, verzichteten weitgehend auf Overdubs und nahmen Fehler bewusst in Kauf. Genau diese Unmittelbarkeit lässt die zehn Songs kantig und gleichzeitig klingen. Musikalisch bewegt sich ‚Blues Now‘ tief im Chicago Blues, öffnet sich aber immer wieder anderen Einflüssen. Das swingende ‚I Can’t Hold Out‘ erinnert an klassischen Rhythm and Blues, ‚Crazy Love‘ setzt auf schwere Gitarrenriffs, und mit ‚Cristo Redentor‘ wagt sich die Band zum Abschluss sogar in jazzige Gefilde vor. Besonders letzteres Stück nimmt eine zentrale Rolle ein: Bereits auf Musselwhites Debüt ‚Stand Back!‘ von 1968 enthalten, gehört die Komposition heute zu seinen Markenzeichen. Die neue Version mit Cody Nilsens Lap-Steel-Gitarre ist als einer der Höhepunkte des Albums hervorzuhoben.

Überhaupt lebt die Platte vom Zusammenspiel ihrer Protagonisten. Cody Nilsen und Musselwhite wechseln sich am Mikrofon ab, Matthew Stubbs liefert mal knochentrockene Blues-Licks, mal überraschend schwere Gitarrenfiguren, während Josh Kiggans am Schlagzeug für den nötigen Druck sorgt. Dass die Band weitgehend auf einen Bass verzichtet, verleiht den Songs zusätzlich eine raue Direktheit. Dabei geht es GA-20 ausdrücklich nicht darum, ein Museum zu eröffnen. „Es muss nicht jede Sekunde eine Geschichtsstunde sein“, sagt Stubbs in der offiziellen Biografie. Andere Genres hätten längst ihre Renaissance erlebt, nun sei es an der Zeit, auch dem Blues neues Leben einzuhauchen. Das Album erinnert zwar ständig an die Vergangenheit, zeigt aber gleichzeitig, dass der Blues auch im Jahr 2026 noch Musiker hervorbringt, die seinen Geist weitertragen.

Tracklist

01. Crazy Love
02. I Can’t Hold Out
03. I’ll Change My Style
04. Big Stars Falling
05. Universal Rock
06. The Blues Never Die
07. Strange Land
08. Stroll Out West
09. Short Dress Woman
10. Cristo Redentor

Album-VÖ: 31. Juli 2026
Label: New West Records
www.ga20band.com
www.charliemusselwhite.com

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Die ersten Aufnahmen zu „Reality Awaits“ entstanden in Costa Rica. Rick Rubin mietete dafür ein Haus auf einem Berg und ließ die Band draußen mit Blick auf den Ozean spielen. Fertiggestellt wurde das Album anschließend an verschiedenen Orten rund um die Welt. Rubin hatte bereits „The New Abnormal“ produziert, für das The Strokes 2021 den Grammy als bestes Rockalbum erhielten.

Mit „Going Shopping“ und „Falling out of Love“ sind bislang zwei Songs erschienen. Mehr gab es vorab auch für die Presse nicht zu hören. Das bekannte Wechselspiel der Gitarren ist noch da, doch Julian Casablancas stellt seine stark bearbeitete Stimme unüberhörbar in den Vordergrund. Beim leichtfüßigeren „Going Shopping“ ergibt das eine reizvolle Schieflage, das langsamere „Falling out of Love“ wirkt deutlich spröder. Gefällige Rückbesinnung geht anders. Das bislang verhaltene Echo auf die Singles scheint dem Interesse am Album keinen Abbruch zu tun.

Tracklist

01. Psycho Shit
02. Dine N’Dash
03. Lonely In The Future
04. Falling Out Of Love
05. Going To Babble On
06. Going Shopping
07. Liar’s Remorse
08. The Fruits Of Conquest
09. Tyrants Of The Mellow Moon

Album-VÖ: 24. Juli 2026
Label: RCA/Cult
www.thestrokes.com

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Lenny Kaye gehört zu den prägenden Figuren der Rockgeschichte, auch wenn er selten im Rampenlicht stand. Seit einem halben Jahrhundert ist er Gitarrist an der Seite von Patti Smith, kuratierte mit Nuggets eine der einflussreichsten Garage-Rock-Compilations überhaupt, produzierte unter anderem Suzanne Vega, Soul Asylum und Jessi Colter und machte sich auch als Autor einen Namen. Mit Büchern wie ‚Lightning Striking‘ oder der Autobiografie von Waylon Jennings blickte er immer wieder auf die Geschichte der populären Musik zurück. Nun richtet er den Blick erstmals konsequent auf sich selbst.

Persönliche Sammlung von Songs

Dabei versteht Kaye ‚Goin‘ Local‘ ausdrücklich nicht als späten Nachtrag seiner Karriere. Im Gegenteil: „Ich fühle mich wie ein neuer Künstler“, sagt er. „Ich glaube, dieses Album wird diejenigen überraschen, die meinen, sie würden mich aufgrund meiner bisherigen Arbeit kennen. Die Songs sind sehr persönlich. Sie sind über viele Jahre hinweg entstanden, und ich habe sie all die Zeit für mich behalten.“

Diese persönliche Herangehensweise zieht sich durch alle zwölf Stücke. Viele Songs entstanden über Jahre hinweg, einige reichen bis zu frühen Sessions mit Produzent Tony Shanahan zurück, dem langjährigen Bassisten der Patti Smith Band. Andere schrieb Kaye erst, als er sich entschloss, das längst begonnene Album endlich fertigzustellen. Das Ergebnis ist kein Gitarrenalbum im klassischen Sinn, sondern eine sehr persönliche Sammlung von Songs, in denen Folk, Rock, Americana und Singer-Songwriter-Traditionen selbstverständlich ineinanderfließen.

Eine Reise nach innen

Prominente Unterstützung erhält Kaye dabei von langjährigen Weggefährten. Patti Smith schrieb gemeinsam mit ihm den Titel ‚Solstice‘ und setzt damit eine Zusammenarbeit fort, die bereits Klassiker wie ‚Free Money‘, ‚Ghost Dance‘ oder ‚Radio Ethiopia‘ hervorgebracht hat. Weitere Gäste sind unter anderem Jazzpianist Matthew Shipp, David Mansfield, Tim Carbone und John Jackson von den Jayhawks.

Auch der Albumtitel beschreibt Kayes Haltung. Über den eigenwilligen Titelsong sagt er: „Ich habe das Lokale schon immer geliebt – seine Nähe und seinen Gemeinschaftssinn. Für mich bedeutet ‚Goin‘ Local‘ vor allem das Privileg, in meinen eigenen Gedanken einzutauchen und zu hören, wie ich für mich selbst klinge.“ Die eigentliche Reise führt also nicht an einen geografischen Ort, sondern nach innen – zu den eigenen Erinnerungen, Erfahrungen und Geschichten.

Dass Kaye erst mit 79 Jahren ein Solodebüt veröffentlicht, erscheint deshalb fast folgerichtig. Über Jahrzehnte definierte er sich vor allem als Begleiter, Produzent, Kurator und Chronist. ‚Goin‘ Local‘ ist nun der Moment, in dem all diese Erfahrungen zu einer eigenen musikalischen Stimme zusammenfinden. Gitarrist setzt Kaye diese für gewöhnlich übrigens über eine spezielle Fender Stratocaster, die nur über den Mittel-Pickup verfügt, in Kombination mit einem Marshall JCM900 um. Für Gitarristen ist das Album dabei weniger wegen virtuoser Soli interessant als wegen der Persönlichkeit, die in jedem Song hörbar wird. – und wegen eines Musikers, der nach einem halben Jahrhundert im Dienst anderer Künstler quasi noch einmal ganz von vorne beginnt.

Tracklist

01. Goin‘ Local
02. This Love
03. If I Were You
04. Let’s Make a Memory
05. A Friend Like You
06. Be That As It May (May Day)
07. Solstice
08. World Book Night
09. Pennsylvania Girls
10. Poppy
11. The Things You Leave Behind
12. Yes I Will

Album-VÖ: 17.07.2026
Label: Yep Roc
Lenny Kaye bei Bandcamp

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2006 bis 2026: 20 Jahre Count Your Blessings

Das ursprüngliche Count Your Blessings erschien am 30. Oktober 2006 und gilt heute als eine der wichtigsten Veröffentlichungen des frühen Deathcore. Songs wie Pray for Plagues machten die damals noch jungen Briten schnell zu einem Geheimtipp der extremen Metalszene.

Gleichzeitig war das Debüt geprägt von einer rohen Produktion und einer kompromisslosen Energie, die zwar bis heute Kultstatus genießt, von der Band selbst jedoch über viele Jahre kritisch betrachtet wurde.

Bereits kurz nach der Veröffentlichung verschwanden die meisten Songs aus den Live-Sets, während Bring Me The Horizon ihren Sound mit Alben wie Suicide Season, Sempiternal, That’s The Spirit, amo und den letzten beiden POST HUMAN-Alben immer wieder weiterentwickelten und sich und ihr Genre teilweise völlig neu definierten.

Mit Count Your Blessings | Repented erhält das Debüt nun eine zweite Chance. Unter der Leitung von Sänger Oli Sykes und Gitarrist Lee Malia wurde das komplette Album neu eingespielt und gemeinsam mit Buster Odeholm (u. a. Silent Planet, Orbit Culture und Allt) neu gemischt.

Das Ergebnis bewahrt die ursprüngliche Intensität des Albums und profitiert gleichzeitig von zwei Jahrzehnten musikalischer Erfahrung, wodurch die Songs härter, tighter und klanglich auf dem Niveau einer ausgereiften Metal-Produktion klingen. Quasi wie ein guter, 20 Jahre gereifter Wein. Besonders der Opener, Pray For Plagues, zeigt wunderbar, was wir vom Sound der Platte alles erwarten können!

Sound: Ursprüngliche Intensität neu entfacht

Von vornherein: Klanglich kann sich Count Your Blessings | Repented definitiv hören lassen. Der Sound wirkt insgesamt deutlich satter, ohne dabei den rohen Charakter des Originals zu verlieren. Gerade das ist hier wunderbar gelungen! E-Gitarren, Drums und Vocals greifen präzise ineinander und transportieren genau die Intensität, die Bring Me The Horizon vermutlich schon 2006 im Sinn hatten, jedoch aufgrund der noch begrenzten Erfahrung des damaligen Produzenten im Deathcore-Genre nicht vollständig eingefangen werden konnte. Gleichzeitig verzichtet die Band bewusst auf eine vollständig glattpolierte Metal-Produktion.

Die Gitarren behalten ihre raue, fast schon „nasty“ Note des damaligen 5150-High-Gain-Flaires und lassen Lee Malias technisch anspruchsvolles Riffing hervorragend zur Geltung kommen. Das Schlagzeug wurde mit enormem Punch und reichlich „Bleed“ abgemischt, wobei insbesondere die Snare durchweg hervorragend in diesem heftigen Kontext klingt. Das geschmackvoll eingesetzte Reverse-Reverb der Snare in Black & Blue (02:19) verdient hier definitiv eine Erwähnung!

Songs wie A Lot Like Vegas, (I Used to Make out With) Medusa oder Black & Blue haben es mir besonders angetan, während der legendäre „Move“-Drop beim zweiten Track Tell Slater Not to Wash His Dick (2:04) genau so rein knallt, wie ich es schon beim Original in der Brust gespürt habe!

Auch Oli Sykes‘ Gesang profitiert hörbar von zwanzig Jahren Erfahrung und einer gesünderen Herangehensweise beim Aufnehmen der technisch anspruchsvollen Scream- und Growl-Vocals. Zwar orientieren sich die neu aufgenommenen Songs durch zahlreiche Vocal-Layer klanglich stark am Original, besonders der neue Track Dehumanized zeigt jedoch, wie sehr sich seine gesanglichen Fähigkeiten seit dem Debüt weiterentwickelt haben.

Fazit: Ein wahrer Schmaus für Deathcore-Ohren!

Alles in allem werden hier nicht nur alte BMTH-Fans abgeholt, die seit der ersten Stunde dabei sind, sondern ebenso neues Publikum, das die Band erst über ihren zwanzigjährigen Genrewandel  kennengelernt hat.

Vom Deathcore zum Metalcore, bis hin zum That’s The Spirit-Pop-Rock mit brachialen Stadionhymnen hat sich die Band über die Jahre immer weiter von ihrem ursprünglichen Genre entfernt. Mit den letzten beiden POST HUMAN-Alben (2020 & 2024) sind Bring Me The Horizon bereits deutlich einen Schritt zurück zum Metal- und Deathcore gegangen und knüpfen mit Count Your Blessings | Repented nun an die Anfangsjahre ihrer Bandgeschichte an. Damit schließt sich dieser Kreis und die Band zeigt mit dem Remake ihrer ersten Platte, dass sie ihre Vergangenheit definitiv nicht vergessen haben. Statt das Debütalbum als unausgereiftes Frühwerk abzutun, schenken sie ihm zwanzig Jahre später eine wohlverdiente Wiedergeburt.

Tracklist

1. Pray for Plagues
2. Tell Slater Not to Wash His Dick
3. For Stevie Wonders Eyes Only
4. A Lot Like Vegas
5. Black & Blue
6. Slow Dance (Instrumental)
7. Liquor & Love Lost
8. (I Used to Make out With) Medusa
9. Fifteen Fathoms, Counting (Instrumental)
10. Off the Heezay
11. Dehumanized

Album-VÖ: 10.07.2026
Label: Sony Music

www.bmthofficial.com

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Fotos: bmthofficial.com

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Dieses kompromisslose Selbstverständnis zieht sich durch das gesamte Album. Produzent Bob Ezrin sitzt zum inzwischen sechsten Mal hinter den Reglern und hat sich längst als unverzichtbarer Sparringspartner etabliert. „Die Zusammenarbeit mit Bob hat der Band eine große Last abgenommen, weil wir nicht mehr versuchen müssen, alles selbst zu machen“, erklärt Paice. Das Ergebnis ist ein Album, das druckvoll, direkt und ausgesprochen lebendig wirkt.

Simon McBride tut der Band gut

Besonders auffällig ist dabei erneut Simon McBride. Nachdem der Nordire auf ‚=1‘ noch beweisen musste, dass er Steve Morse nicht kopieren will, sondern Deep Purple etwas Eigenes geben kann, spielt er auf ‚SPLAT!‘ endgültig seine eigene Rolle als vollwertiger Teil des Bandsounds. Seine Riffs treiben Songs wie ‚Arrogant Boy‘ oder ‚Diablo‘ kraftvoll voran, gleichzeitig streut der PRS-Endorser immer wieder melodische und überraschende Gitarrenideen ein, die den klassischen Purple-Sound erweitern, statt ihn bloß zu zitieren. Dem einen oder anderen mag bei seiner Spielweise ein wenig die Risikobereitschaft fehlen, aber Hand und Fuß haben seine Beiträge immer. Die Hammond-Orgel von Don Airey bleibt unterdessen das zweite prägende Element – und genau dieses Wechselspiel aus Gitarre und Orgel wird in den 13 Songs immer wieder in den Mittelpunkt gestellt.

Auch Sänger Ian Gillan sieht in McBride einen entscheidenden Faktor. „Simon hat einen ganz eigenen Stil und ein hervorragendes Gespür für den Aufbau eines Songs“, sagt der Sänger. Noch wichtiger sei aber die neue Dynamik innerhalb der Band: „Seit Simon zur Band gekommen ist, bin ich eigentlich die ganze Zeit begeistert. Alles läuft ganz natürlich und mühelos. Das Songwriting fällt uns leicht, die Bühnenshows entwickeln sich wie von selbst, und die Fans lieben es.“

Offiziell bezeichnet Deep Purple ‚SPLAT!‘ sogar als ihr härtestes Werk seit vielen Jahren. Gleichzeitig knüpfen die Songs bewusst an die Dynamik der frühen Siebziger an, also der Phase, in der Klassiker wie ‚Machine Head‘ entstanden. Gillan selbst spricht von Material, das wieder mit ‚Highway Star‘, ‚Smoke on the Water‘ oder ‚Lazy‘ kompatibel sei – nicht als Kopie, sondern wegen der Balance, Dynamik und des gemeinsamen Spiels.

Tracklist

01. Arrogant Boy
02. Diablo
03. The Rider
04. The Lunatic
05. The Only Horse in Town
06. Sacred Land
07. The Beating of Wings
08. Guilt Trippin‘
09. Scriblin‘ Gib’rish
10. Jessica’s Bra
11. Third Call
12. My New Movie
13. Splat!

Album-VÖ: 03. Juli 2026
Label: earMusic
www.deeppurple.com

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Der Albumtitel bezieht sich auf dieses rätselhafte Radiosignal, das 1977 Astronomen für einen kurzen Moment glauben ließ, nicht allein im Universum zu sein. Muse interessiert dabei weniger die wissenschaftliche Erklärung als die Sehnsucht, die dahintersteckt. Was wäre, wenn tatsächlich jemand antworten würde? Diese Frage zieht sich durch das gesamte Album. Hinter den kosmischen Bildern stecken Zweifel, Hoffnung und der Wunsch nach Nähe. Das Universum dient diesmal weniger als Bühne für den Weltuntergang als vielmehr als Spiegel menschlicher Gefühle – kumuliert in so Sätzen wie „I can never cry again“ oder „I’ve used up every ounce of luck“.

Musikalisch bleiben Muse ihrer DNA treu. Matthew Bellamys Gitarrenwände (gespielt auf seiner Manson Guitar Works Signature) treffen auf Synthesizer, orchestrale Arrangements auf elektronische Beats, darüber Bellamys Stimme. Das klingt gewohnt gigantisch, wirkt aber durch die dann doch vergleichsweise abgespeckte Produktion deutlich stringenter als auf manchen Vorgängern. Die Band verzichtet weitgehend auf überflüssige Umwege und vertraut wieder stärker ihren Songs.

Natürlich bleibt ‚The Wow! Signal‘ ein großes und theatralisches Album, das einen (gerade im Zusammenhang mit den Videos) an Action-Epi aus Hollywood denken lässt. Aber der Bombast wirkt diesmal nicht wie Selbstzweck, sondern trägt die Songs, statt sie zu erdrücken. Muse scheinen gelernt zu haben, ihren Hang zum Größenwahn zu dosieren.

Tracklist

01. The Dark Forest
02. Nightshift Superstar
03. Shimmering Scars
04. Cryogen
05. Be With You
06. Hexagons
07. The Sickness In You & I
08. Unravelling
09. Hush
10. Space Debris

Album-VÖ: 26. Juni 2026
Label: Warner / Helium-3
www.muse.mu

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„Ein schelmisches Album“

2011 zogen sich Produzent Ben Hillier und Coxon gemeinsam in die Pool Studios in Bermondsey zurück und nahmen innerhalb weniger Wochen rund 20 Songs auf. „Wir sind ständig zwischen den 20 Songs hin- und hergesprungen und haben sie ziemlich ungeordnet aufgenommen“, erinnert sich der Gitarrist. „Im Grunde hatten wir einfach jede Menge Spaß.“ Schnell zeigte sich jedoch, dass das Material in zwei unterschiedliche Richtungen driftete. Ein Teil entwickelte sich zu dem kantigen, von Post-Punk und elektronischen Einflüssen geprägten Album ‚A+E‘, das 2012 erschien. Die übrigen Stücke landeten dagegen auf einem separaten Stapel, der schließlich den Namen ‚Castle Park‘ erhielt.

„A+E war so ungestüm, dem Album war einfach alles scheißegal“, erinnert sich Coxon. „Es bestand aus Riffs, die einem direkt um die Ohren fliegen, und hatte etwas herrlich Freches. Daneben gab es aber diese andere Seite, aus der Castle Park entstand – ein schelmisches Album über Romantik, Trennungen, Herzschmerz und das Gefühl von Entfremdung.“ Dieser Gegensatz prägt das Album bis heute.

Der Titel verweist auf einen Park in Coxons Heimatstadt Colchester, wo er als Jugendlicher viel Zeit verbrachte. Entsprechend durchziehen Erinnerungen, verlorene Beziehungen und nostalgische Bilder das gesamte Album. „Ein paar Beziehungen waren gescheitert, und ich hatte damals immer wieder mit Herzschmerz zu kämpfen. Entsprechend stark war der Jugendliche in mir noch präsent.“ Trotzdem oder gerade deswegen kommen die zehn Songs erstaunlich leichtfüßig daher. Sentimental und beschwingt gleichzeitig.

Schrammelige Signature-Sounds

Bereits der Opener ‚Billy Says‘ macht deutlich, warum diese Stücke nicht auf ‚A+E‘ gelandet sind. Statt schroffer Gitarren und elektronischer Ausbrüche gibt es hier melodieverliebten britischen Gitarrenpop, der an The Jam, The Kinks, The Who oder die Beatles der mittleren Sechzigerjahre erinnert. Auch die Nähe zu Blurs ‚Modern Life Is Rubbish‘ und ‚Parklife‘ lässt sich stellenweise kaum überhören. Gleichzeitig bleibt Castle Park unverkennbar ein Solowerk. Coxon setzt stärker auf klassische Songstrukturen, eingängige Refrains und fein ausgearbeitete Arrangements. Immer im Mittelpunkt: Schrammelige E- oder A-Gitarren, meistens Dur-Akkorde intonierend.

Coxon hatte im Jahr 2011 gerade ein Signature-Modell einer Fender Telecaster auf den Leib geschneidert bekommen, mit einem Seymour Duncan SH-1 Humbucker am Hals, einem klassischen Tele-Singlecoil am Steg sowie einem Eschekorpus und Palisandergriffbrett. Die Fender Graham Coxon Telecaster basiert auf der modifizierten 1968er Telecaster des Blur-Gitarristen und ist heute nicht mehr erhältlich. (Am nähesten an die Coxon-Spezifikationen kommt aktuell die Fender Player II Modified Telecaster SH MN.)

Akkordfolgen im Traum

Mit Stücken wie ‚There’s A Little House‘, ‚Easy‘ oder ‚Alright‘ bewegt sich das Album teilweise näher am klassischen Pop als viele seiner früheren Soloveröffentlichungen. Coxon selbst bezeichnet ‚Castle Park‘ als „a lot softer and warmer record“. Dennoch bleibt genug Raum für Experimente. Das verträumte ‚Isn’t It Funny‘ entstand teilweise aus einem Traum: „Die gesamten Background-Gesänge und die Akkordfolgen habe ich im Traum gehört“, erzählt Coxon. „Da dachte ich nur: Mein Gott, daraus muss ich einen Song machen.“ Das Instrumental ‚Mélodie Pour Christine‘ erweitert das Klangbild um barocke Streicher, während ‚Dripping Soul‘ mit seinem galoppierenden Rhythmus und den Morricone-Anleihen stark an Coxons Soundtrack-Arbeiten erinnern.

Tracklist

01. Billy Says
02. Alright
03. When You Find Out
04. Isn’t It Funny
05. There’s A Little House
06. Easy
07. Dripping Soul
08. Forget Today
09. Mélodie Pour Christine
10. All The Rage

Album-VÖ: 19. Juni 2026
Label: Transgressive Records / PIAS Records
www.grahamcoxon.co.uk

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Der richtige Zeitpunkt

Fish gehört seit Jahren zu den prägendsten Gitarristinnen der modernen Blues- und Roots-Szene. Nach dem Erfolg ihres Grammy-nominierten Studioalbums „Paper Doll“ soll die neue Veröffentlichung nun zeigen, wie sich die Songs live weiterentwickeln. „Ganz ehrlich: Dieses Album ist für die Fans“, erklärt Fish. „Über die Jahre haben uns unzählige Leute danach gefragt. Die Songs von Paper Doll haben sich auf der Bühne so gut angefühlt, dass es genau der richtige Zeitpunkt schien, die Band und unsere Liveshow in den Mittelpunkt zu stellen.“ Begleitet wird sie von ihrer Tourband mit Ron Johnson am Bass, Jamie Douglass am Schlagzeug und Mickey Finn an den Keyboards. Darüber hinaus vervollständigen die drei Gospel-Veteraninnen der McCrary Sisters das Line-up. Deren Beitrag habe den Songs eine besondere emotionale Tiefe verliehen, so Fish: „Ihre Stimmen heben jeden Song auf ein neues Niveau.“

Auf dem Album finden sich Liveversionen von Stücken wie ‚Lose You‘, ‚Sweet Southern Sounds‘, ‚Paper Doll‘ und ‚Rusty Razor‘. Dazu kommt eine kraftvolle Interpretation des MC5-Klassikers ‚Kick Out The Jams‘. Gerade ‚Sweet Southern Sounds‘ bietet Fish viel Raum für ihre von den Mississippi-Hill-Country-Blues-Traditionen geprägte Gitarrenarbeit auf ihrer Gibson ES-335, während sich andere Songs weit über ihre Studiofassungen hinaus entfalten. Für Fish liegt genau darin der Reiz einer Konzertaufnahme: „In einer Liveperformance steckt ein Feuer, das sich auf Studioaufnahmen nicht immer übertragen lässt. Die Bühne legt all das schonungslos offen.“

Tracklist

01. Kick Out The Jams
02. Paper Doll
03. Can Ya Handle The Heat?
04. I’m Done Runnin’
05. Lose You
06. Sweet Southern Sounds
07. Bulletproof
08. Miles To Go
09. Fortune Teller
10. Better Be Lonely
11. Dream Girl
12. Don’t Say It
13. Poor Black Mattie
14. Rusty Razor
15. Black Wind Howlin’

Album-VÖ: 12.06.2026
Label: Rounder Records
www.samanthafish.com

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