„Ein schelmisches Album“

2011 zogen sich Produzent Ben Hillier und Coxon gemeinsam in die Pool Studios in Bermondsey zurück und nahmen innerhalb weniger Wochen rund 20 Songs auf. „Wir sind ständig zwischen den 20 Songs hin- und hergesprungen und haben sie ziemlich ungeordnet aufgenommen“, erinnert sich der Gitarrist. „Im Grunde hatten wir einfach jede Menge Spaß.“ Schnell zeigte sich jedoch, dass das Material in zwei unterschiedliche Richtungen driftete. Ein Teil entwickelte sich zu dem kantigen, von Post-Punk und elektronischen Einflüssen geprägten Album ‚A+E‘, das 2012 erschien. Die übrigen Stücke landeten dagegen auf einem separaten Stapel, der schließlich den Namen ‚Castle Park‘ erhielt.

„A+E war so ungestüm, dem Album war einfach alles scheißegal“, erinnert sich Coxon. „Es bestand aus Riffs, die einem direkt um die Ohren fliegen, und hatte etwas herrlich Freches. Daneben gab es aber diese andere Seite, aus der Castle Park entstand – ein schelmisches Album über Romantik, Trennungen, Herzschmerz und das Gefühl von Entfremdung.“ Dieser Gegensatz prägt das Album bis heute.

Der Titel verweist auf einen Park in Coxons Heimatstadt Colchester, wo er als Jugendlicher viel Zeit verbrachte. Entsprechend durchziehen Erinnerungen, verlorene Beziehungen und nostalgische Bilder das gesamte Album. „Ein paar Beziehungen waren gescheitert, und ich hatte damals immer wieder mit Herzschmerz zu kämpfen. Entsprechend stark war der Jugendliche in mir noch präsent.“ Trotzdem oder gerade deswegen kommen die zehn Songs erstaunlich leichtfüßig daher. Sentimental und beschwingt gleichzeitig.

Schrammelige Signature-Sounds

Bereits der Opener ‚Billy Says‘ macht deutlich, warum diese Stücke nicht auf ‚A+E‘ gelandet sind. Statt schroffer Gitarren und elektronischer Ausbrüche gibt es hier melodieverliebten britischen Gitarrenpop, der an The Jam, The Kinks, The Who oder die Beatles der mittleren Sechzigerjahre erinnert. Auch die Nähe zu Blurs ‚Modern Life Is Rubbish‘ und ‚Parklife‘ lässt sich stellenweise kaum überhören. Gleichzeitig bleibt Castle Park unverkennbar ein Solowerk. Coxon setzt stärker auf klassische Songstrukturen, eingängige Refrains und fein ausgearbeitete Arrangements. Immer im Mittelpunkt: Schrammelige E- oder A-Gitarren, meistens Dur-Akkorde intonierend.

Coxon hatte im Jahr 2011 gerade ein Signature-Modell einer Fender Telecaster auf den Leib geschneidert bekommen, mit einem Seymour Duncan SH-1 Humbucker am Hals, einem klassischen Tele-Singlecoil am Steg sowie einem Eschekorpus und Palisandergriffbrett. Die Fender Graham Coxon Telecaster basiert auf der modifizierten 1968er Telecaster des Blur-Gitarristen und ist heute nicht mehr erhältlich. (Am nähesten an die Coxon-Spezifikationen kommt aktuell die Fender Player II Modified Telecaster SH MN.)

Akkordfolgen im Traum

Mit Stücken wie ‚There’s A Little House‘, ‚Easy‘ oder ‚Alright‘ bewegt sich das Album teilweise näher am klassischen Pop als viele seiner früheren Soloveröffentlichungen. Coxon selbst bezeichnet ‚Castle Park‘ als „a lot softer and warmer record“. Dennoch bleibt genug Raum für Experimente. Das verträumte ‚Isn’t It Funny‘ entstand teilweise aus einem Traum: „Die gesamten Background-Gesänge und die Akkordfolgen habe ich im Traum gehört“, erzählt Coxon. „Da dachte ich nur: Mein Gott, daraus muss ich einen Song machen.“ Das Instrumental ‚Mélodie Pour Christine‘ erweitert das Klangbild um barocke Streicher, während ‚Dripping Soul‘ mit seinem galoppierenden Rhythmus und den Morricone-Anleihen stark an Coxons Soundtrack-Arbeiten erinnern.

Tracklist

01. Billy Says
02. Alright
03. When You Find Out
04. Isn’t It Funny
05. There’s A Little House
06. Easy
07. Dripping Soul
08. Forget Today
09. Mélodie Pour Christine
10. All The Rage

Album-VÖ: 19. Juni 2026
Label: Transgressive Records / PIAS Records
www.grahamcoxon.co.uk

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Persönliche und kollektive Trauer

Für eine Musikerin wie Wallis Bird wäre es ein Leichtes gewesen, ein weiteres Album über Verlust und Trauer zu schreiben, das die Melancholie in den Vordergrund stellt. Stattdessen gelingt ihr mit ‚I Can See Your House From Here‘ etwas deutlich Schwierigeres: Sie macht Schmerz zum Ausgangspunkt für Nähe, Gemeinschaft und Hoffnung. „Viele um mich herum können all das kaum verkraften, die Traurigkeit ist zu viel – und doch haben sie so viel zu geben, so viel Trost und Vernunft“, sagt sie in einem Interview.

Schon der Titel deutet an, worum es Bird geht. „Ich kann dein Haus von hier sehen“ ist keine romantische Metapher, sondern eine Erinnerung daran, wie nah Menschen einander eigentlich sind, auch dann, wenn sie sich als Gegner betrachten. Die Songs kreisen um individuelle Verluste ebenso wie um kollektive Wunden. Dabei stellt Bird immer wieder die Frage, warum Empathie und Frieden so schwer geworden sind.

Musikalisch bewegt sich das Album zwischen Folk und Indie-Rock mit Arrangements, die oft zurückgenommen und beinahe fragil wirken. Da ist viel Raum zum Atmen trotz aller Intensität. Besonders „And So Turns The Wheel“, das den Verlust eines Freundes verarbeitet, gehört zu den emotionalen Höhepunkten der Platte. Gleichzeitig verhindert Bird konsequent, dass die Stimmung gänzlich kippt. Immer wieder öffnen sich die Songs, suchen nach Licht und Perspektive.

Erste Produktion in Eigenregie

Bemerkenswert ist dabei, wie selbstverständlich Bird das Persönliche mit dem Politischen verbindet. Ihre Trauer über einen verstorbenen Freund steht nicht isoliert neben ihrer Sorge um gesellschaftliche Entwicklungen, sondern wird Teil eines größeren Ganzen. Es geht nicht nur um individuelle Erfahrungen, sondern um die Frage, wie Menschen in einer zunehmend polarisierten Welt miteinander umgehen.

Auch produktionstechnisch markiert das Album einen wichtigen Schritt. Erstmals übernahm Bird die Produktion selbst. Das Ergebnis wirkt entsprechend geschlossen und unmittelbar. ‚I Can See Your House From Here‘ ist kein leichtes Album. Doch gerade in seiner Offenheit und Verletzlichkeit entwickelt das Werk eine bemerkenswerte Kraft. Wallis Bird betrachtet Trauer nicht als Endpunkt, sondern als Ausdruck von Liebe und Verbundenheit.

Tracklist

01. And So Turns The Wheel
02. Call The Healer
03. Grieving Is The Price You Pay For Love
04. Two Trees
05. Why Is Peace Problematic?
06. I’ll Take Anything
07. Let Me Buy You Flowers
08. Hold Tight!
09. To Love You Is To Have Done Something Good
10. I’m Your Witness
11. The Good Of The People

Album-VÖ: 05.06.2026
Label: Bród Records
www.wallisbird.com

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Die Geschichte von ‚The Moth‘ reicht bis in die Mitte der 2010er-Jahre zurück. Damals sprach Townsend erstmals über die Idee eines groß angelegten Musiktheaters, das Themen wie Identität, Macht, Spiritualität und persönliche Transformation behandeln sollte. Was zunächst als kaum realisierbare Vision erschien, nahm konkrete Formen an, als Townsend die Möglichkeit erhielt, mit dem niederländischen Noord Nederlands Orkest und einem großen Chor zusammenzuarbeiten. Aus der ursprünglichen Bühnenproduktion entwickelte sich schließlich ein Studioalbum, das nun den Abschluss eines kreativen Prozesses markiert, der ihn über ein Jahrzehnt begleitet hat.

Musikalisch bewegt sich ‚The Moth‘ weit über die Grenzen eines klassischen Metal-Albums hinaus. Orchestrale Passagen, Chöre und progressive Arrangements treffen auf die für Townsend typische Mischung aus Härte, Melodie und Größenwahn. Bereits die erste Single ‚Enter The City‘ deutet an, wie konsequent der Kanadier seine Vision verfolgt. Unterstützt wird er dabei unter anderem von Gitarrenvirtuose Steve Vai sowie Sängerin Anneke van Giersbergen, die auf mehreren Stücken zu hören sind.

Uraufführung 2025

Fans konnten Teile des Materials bereits 2025 erleben, als Townsend ‚The Moth‘ in einer aufwendigen Produktion mit Sinfonieorchester und Chor im niederländischen Groningen aufführte. Die Konzerte galten als eines der größten und kostspieligsten Projekte seiner Karriere. Nach dieser einmaligen Aufführung verschwand das Werk zunächst wieder von der Bildfläche, bevor nun die Studiofassung erscheint.

Insgesamt umfasst das Album 24 Titel, darunter ‚War Beyond Words‘, ‚The Moth‘, ‚Ode To My Eye‘, ‚A Proxy For God‘, ‚Metamorphosis‘ und ‚We Don’t Deserve Dogs‘. Inhaltlich beschreibt Townsend das Werk als eine Auseinandersetzung mit destruktiven Verhaltensmustern und persönlicher Veränderung, Themen, die sich wie ein roter Faden durch die komplexe Erzählung ziehen. Dass ‚The Moth‘ gerade jetzt erscheint, wirkt dabei fast symbolisch. Nach einer längeren Live-Pause kehrt Townsend im Herbst 2026 wieder auf die Bühne zurück. Das Album markiert damit nicht nur den Abschluss eines langjährigen Projekts, sondern zugleich den Beginn eines neuen Kapitels für einen Künstler, der seit Jahrzehnten konsequent seinen eigenen Weg geht. Townsend selbst nennt ‚The Moth‘ die Summe seiner bisherigen musikalischen Erfahrungen.

Tracklist

01. Semi-Prologue
02. War Beyond Words
03. The Moth
04. Ode To My Eye
05. Enter The City
06. Covered By Causes
07. Lexin
08. Runaways
09. A Proxy For God
10. The Mothers
11. Orion
12. Stay There
13. Home At Night
14. Intermission
15. Lexin Returns
16. The Clergy
17. Prepare For War
18. The Big Snit
19. Silver Princess
20. A Life In Review
21. Metamorphosis
22. Stained Hearts
23. Let Go
24. We Don’t Deserve Dogs

Album-VÖ: 29.05.2026
Label: InsideOut Music
www.hevydevy.com

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Dass Samantha Martin & Delta Sugar live besonders stark sind, ist kein Geheimnis. Seit Jahren verbindet die zehnköpfige Formation Soul, Gospel, Blues und Roots-Rock zu einem kraftvollen, breiten Band-Sound, der von Martins markanter Stimme getragen wird. „A Beautiful Buzz“ hält diese Energie nun erstmals auf einem vollständigen Live-Album fest. Aufgenommen wurde das Material am 26. November 2022 im A.C.T. Theatre in Maple Ridge, British Columbia.

Vorab erschien mit „Them Changes“ zuletzt die dritte Single aus dem Album. Der ursprünglich von Buddy Miles geschriebene Soul-Rock-Klassiker erhält in der Version von Samantha Martin & Delta Sugar eine neue Ausrichtung. Angetrieben von einer druckvollen Rhythmusgruppe, markanten Bläsern und deutlichen Gospel-Einflüssen entwickelt sich der Song zu einer ebenso respektvollen wie eigenständigen Neuinterpretation.

Elektrisierende Aufbruchsstimmung

Die Entstehungsgeschichte des Albums ist eng mit einer außergewöhnlichen Tour verbunden. Die ursprünglich für Januar 2022 geplante „Love Is All Around“-Tour musste mehrfach verschoben werden und konnte erst im November stattfinden. Als die Band schließlich aufbrach, war Samantha Martin bereits im sechsten Monat schwanger. Gemeinsam mit einer 13-köpfigen Crew reiste sie von den eisigen Temperaturen Saskatoons bis an die Westküste Kanadas. „Vielleicht war es die Aufregung der letzten Show oder die Erkenntnis, dass sich mein Leben bald grundlegend verändern würde“, erinnert sich Martin. „Was auch immer der Grund war – die Atmosphäre war elektrisierend und voller Aufbruchsstimmung.“

Musikalisch bewegt sich „A Beautiful Buzz“ zwischen Soul-Revue, Blues-Rock und Gospel. Neben Eigenkompositionen wie „Love Is All Around“, „Good Trouble“ oder „Loving You Is Easy“ finden sich auch Interpretationen von Robbie Robertsons „The Shape I’m In“ sowie den Rolling-Stones-Klassiker „Loving Cup“.

Gemischt wurde das Album von Renan Yildizdogan und Ross Hayes Citrullo, gemastert von Phil Demetro. Das Line-up der Band sieht wie folgt aus: Lead Vocals & Acoustic Guitar: Samantha Martin / Background Vocalists: Tafari Anthony & Sherie Marshall / Electric Guitar: Curtis Chaffey / Bass: Ian McKeown / Drums: Will Fisher / Keys: Jeff Heisholt / Trombone: Emily Ferrell / Saxophone: Andrew Moljgun / Trumpet: Brian Walters / Special guest bei einigen Songs: Steve Marriner

Tracklist

01. Love Is All Around
02. Don’t Have To Be
03. You’re The Love
04. Good Trouble
05. All Night Long
06. The Shape I’m In
07. I’ve Got a Feeling
08. My Crown
09. Loving You Is Easy
10. “Band Intro”
11. Pass Me By
12. Them Changes
13. Loving Cup

Album-VÖ: 22.05.2026
Label: Gypsy Soul Records
www.samanthamartinmusic.com

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Gemeinsam mit Drummer Jay Bellerose, Bassistin Anna Butterss und Saxofonist Josh Johnson entwickelt Parker aus kleinen rhythmischen und harmonischen Fragmenten langsam pulsierende Klanglandschaften. Vieles passiert beinahe unmerklich: ein leicht verschobener Groove, ein wiederkehrendes Gitarrenmotiv, ein Saxofon-Ton, der plötzlich im Raum stehen bleibt. Statt klassischer Dramaturgie lebt die Platte von Bewegung innerhalb der Wiederholung.

Zwischen den Stühlen

Dabei wirkt nichts verkopft. Trotz aller Offenheit bleibt die Musik erstaunlich warm und zugänglich. Gerade Parker spielt wieder auf seine ihm ganz eigene Art auf seiner 1983er Gibson ES-335: sparsam, clean, leicht verhallt, oft eher Textur als Leadinstrument. Seine Linien schweben über dem Groove. Teilweise erinnert das an Bill Frisell, dann wieder an Dub, Krautrock oder an die hypnotischen Wiederholungsschleifen von Tortoise.

Entstanden ist ‚Happy Today‘ unter schwierigen Umständen. Parker spricht offen darüber, wie belastend die Monate nach den Eaton Fires für ihn und seine Familie waren. Die Aufnahme im Lodge Room in Los Angeles versteht er deshalb bewusst als Gegenpol, als „statement of joy“. Und tatsächlich liegt über dem gesamten Album eine eigenartige Mischung aus Melancholie, Ruhe und vorsichtiger Zuversicht.

Live-Aufnahme auf Band

Interessant ist außerdem der Sound der Aufnahme selbst. Engineer Bryce Gonzales nahm das Konzert mit einem eigens gebauten Analog-Mixer und einer Nagra-Tonbandmaschine direkt vor Ort auf. Das Ergebnis klingt entsprechend offen und organisch. Man hört Luft, Raum und Dynamik, fast so, als säße man mit den rund 400 Besuchern mitten im Kreis der Band. Und dass das ETA IVtet ursprünglich aus einer jahrelangen Monday-Night-Residency im inzwischen geschlossenen Los-Angeles-Club ETA entstanden ist, hört man der Musik ebenfalls an. Diese Band funktioniert weniger wie ein klassisches Quartett, sondern eher wie ein eingespieltes Ökosystem, in dem jeder permanent auf jede kleine Bewegung der anderen reagiert.

‚Happy Today‘ verlangt Aufmerksamkeit und Geduld. Wer sich allerdings auf diese langsame, minimalistische Form der Improvisation einlässt, findet eines der faszinierendsten Gitarrenalben des bisherigen Jahres.

Tracklist

01. Like Swimwear
02. Happy Today

Album-VÖ: 15.05.2026
Label: International Anthem / Nonesuch Records
www.jeffparkersounds.com

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Dreißig Jahre nach seinem Durchbruch kehrt Kenny Wayne Shepherd also zu dem Album zurück, das seine Karriere startete. Und das mit einer Herangehensweise, wie sie präziser kaum sein könnte: Verwendet hat der heute 48-Jährige sein originales Setup von 1995. Dadurch orientiert sich der Sound stark an der Klangästhetik des Originals. Und auch beim Personal finden sich alte Bekannte: So ist Schlagzeuger Chris Layton, Gründungsmitglied von Stevie Ray Vaughan & Double Trouble wieder mit von der Partie. Er arbeitet bereits seit den ursprünglichen Sessions mit Shepherd zusammen. Produziert wurde das Album wieder gemeinsam mit Jerry Harrison, der schon an mehreren Shepherd-Alben beteiligt war.

So viel passiert

In dieser Konstellation mit den vielen Gemeinsamkeiten lassen sich die beiden Versionen also gut vergleichen. Was sie trennt sind dreißig Jahre Erfahrung eines großartigen Musikers und dreißig Jahre Weiterentwicklung der Musiklandschaft, der Produktionsstandards und des ästhetischen Empfindens. „Es ist einfach schwer vorstellbar, dass schon 30 Jahre vergangen sind. Es ist so viel passiert und ich habe unglaublich viel, wofür ich dankbar bin“, resümiert Shepherd heute. Mitte der Neunziger war Blues im Mainstream eigentlich kaum noch ein Thema. Grunge dominierte die Rockwelt. Trotzdem schaffte es der damals noch jugendliche Gitarrist aus Louisiana, mit Stratocaster-Sounds, klassischen Blues-Einflüssen und eingängigen Hooks ein großes Publikum zu erreichen. Und heute blickt Shepherd mit völlig anderer Erfahrung auf das Material zurück. Aus dem Wunderkind wurde ein Musiker mit jahrzehntelanger Tour- und Studioerfahrung. Genau diese Perspektive prägt auch die Neuaufnahme.

Die neue Version von ‚Ledbetter Heights‘ übernimmt die ursprünglichen zwölf Songs, klingt dabei aber kontrollierter und differenzierter als das Original. Die Energie der frühen Aufnahmen bleibt erhalten, wirkt heute aber fokussierter und klanglich ausgereifter. Begleitet wird die Veröffentlichung von einer großen Jubiläumstour. Dabei spielt Shepherd Ledbetter Heights erstmals komplett live. Zusätzlich gibt es ein zweites Set mit Songs aus seiner gesamten Karriere.

Tracklist

01. Born With A Broken Heart
02. Deja Voodoo
03. Aberdeen
04. Shame
05. One Foot On The Path
06. Everybody Gets The Blues
07. While We Cry
08. I’m Leaving You
09. Let Me Up I’ve Had Enough
10. Riverside
11. What’s Goin‘ Down
12. Ledbetter Heights

Album-VÖ: 08.05.2026
Label: RAM Record-Thirty Tigers
www.kennywayneshepherd.net

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Mit Bill Withers‘ Segen

Im Zentrum steht der Titelsong „Time“, eine bislang unveröffentlichte Komposition von Bill Withers. Das Stück, ursprünglich nur als Demo existent, gelangte über Produzent Steve Berkowitz in die Hände von Taj Mahal und wurde mit Zustimmung der Familie Withers neu interpretiert. Taj Mahal wird dazu im Info zur Platte zitiert:

„Meine Ex-Frau ging mit Bill Withers’ Frau zur Schule, daher kannten sie sich, und ich hatte die Gelegenheit, etwas Zeit mit ihm zu verbringen. Ich hatte großen Respekt vor dem Bruder wegen dem, was er der Musik gegeben hat. Bill konnte mit einer Akustikgitarre auf die Bühne gehen und etwas wie ‚Grandma’s Hands‘ singen, und es fand bei den Leuten so tiefen Anklang. Er sprang nicht auf und ab oder versuchte, auffällig zu sein – er hatte einfach sein eigenes Tempo und seine eigene Art, Dinge zu tun. Diese Ehrlichkeit in seiner Musik bedeutete mir sehr viel. Als dieser Song dann auftauchte, hörte ich ihn mir ein paar Mal an und spürte diese Bewegung und diese Botschaft darin. Und wir waren dankbar, seinen Segen zu erhalten, ihn aufzunehmen.“

Die Aufnahme bleibt nah am Geist des Originals, ohne es zu kopieren: getragen, reduziert und auf die Wirkung von Stimme und Song fokussiert.

Blues als offenes System

Auch darüber hinaus zeigt sich ‚Time‘ stilistisch offen. Mit ‚Talkin’ Blues‘ greift das Album einen Klassiker von Bob Marley auf, hier ergänzt durch einen Gastbeitrag von Ziggy Marley. An anderer Stelle stehen Stücke wie ‚Wild About My Lovin’‘, das stärker im Swing verwurzelt ist. Oder ‚You Put The Whammy On Me‘, das afro-kubanische Einflüsse integriert. Diese Spannweite wirkt nicht konstruiert, sondern folgt einer Logik, die Taj Mahals Werk seit jeher prägt. Also Blues als offenes System, anschlussfähig an karibische, afrikanische und amerikanische Traditionen.

Die Aufnahmen selbst reichen zurück bis ins Jahr 2010 und entstanden im Ultratone Studio in Kalifornien. Neben Taj Mahal sind zentrale Mitglieder der Phantom Blues Band beteiligt, darunter Tony Braunagel (Schlagzeug), Larry Fulcher (Bass) und Johnny Lee Schell (Gitarre), der das Album gemeinsam mit Berkowitz auch produzierte. Musiker wie Pianist Jon Cleary und Organist Mick Weaver ergänzen das Line-up.

Tracklist

01. Life of Love
02. Wild About My Lovin’
03. Crazy About A Jukebox
04. Time
05. You Put The Whammy On Me
06. Talkin‘ Blues
07. Sweet Lorene
08. Ask Me About Nothing (But The Blues)
09. It’s Your Voodoo Working
10. Rowdy Blues

Album-VÖ: 01.05.2026
Label: Resonatin‘ Records
www.tajblues.com

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Die Aufnahmen entstanden im Studio 606 in Los Angeles. Große Teile wurden live eingespielt, bewusst ohne Clicktrack, was dem Material eine spürbare Unmittelbarkeit und Dringlichkeit verleiht. Der Titeltrack fungiert dabei als eine Art stilistische Klammer, da er mit seinem geradlinigen Aufbau und der klaren Gewichtung von Riff und Refrain die Richtung vorgibt, die auch die übrigen Stücke prägt. ‚Caught In The Echo‘ klingt nicht ganz so dreckig und ungeschliffen, setzt aber noch stärker auf Vorwärtsdrang, während im Up-Tempo-Punk von ‚Of All People‘ persönliche Themen in knapper Form verarbeitet werden. Auffällig ist die reduzierte Gesamtlänge von rund 36 Minuten. Das Album entfaltet sich ohne Umwege und verzichtet auf ausgedehnte Spannungsbögen. Der Fokus liegt auf Rock’n’Roll, auf Message und auf einzelnen musikalischen Ideen, die klar formuliert und zügig abgeschlossen werden.

Inhaltlich bleibt die Verarbeitung der vergangenen Jahre präsent, tritt aber in den Hintergrund. Dadurch wirkt das Album weniger retrospektiv als man nach den Entwicklungen der letzten Jahre hätte vermuten können. Mit Ilan Rubin (Nine Inch Nails, Paramore, Lostprophets u.a.) am Schlagzeug verschiebt sich der Bandsound leicht. Die Rhythmik wirkt präziser und teilweise härter. Die grundlegende Klangästhetik bleibt jedoch erhalten, sodass sich ‚Your Favorite Toy‘ als kompaktes und fokussiertes Album einordnen lässt.

Tracklist

01. Caught in the Echo
02. Of All People
03. Window
04. Your Favorite Toy
05. If You Only Knew
06. Spit Shine
07. Unconditional
08. Child Actor
09. Amen, Caveman
10. Asking for a Friend

Album-VÖ: 24.04.2026
Label: Roswell Records
www.foofighters.com

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Entstanden ist das 14 Titel umfassende Werk zudem in enger Zusammenarbeit mit Josh Smith und Calvin Turner, die gemeinsam mit JB gemeinsam für die Produktion verantwortlich zeichnen. Bonamassa steuert auf einem Großteil der Songs Gitarrenparts bei, während Smith ebenfalls als Gitarrist und Co-Autor in Erscheinung tritt. Turner fungiert nicht nur als Co-Writer zahlreicher Stücke, sondern prägt mit Bläser- und Streicherarrangements maßgeblich den Sound der Aufnahme. Broussard zur Zeit im Studio: „Das Songwriting fühlte sich an wie ein Fiebertraum aus Kreativität und Inspiration. Joe und seine Band gehören zu den besten Musikern der Welt – alles fügte sich nahtlos zusammen. Eine unglaubliche Woche mit einer außergewöhnlichen Gruppe von Menschen.“

Auch darüber hinaus ist das Projekt hochkarätig besetzt. Mit Trombone Shorty ist ein prägender Vertreter der New-Orleans-Szene beteiligt, ergänzt wird das Line-up durch erfahrene Studiomusiker aus dem Umfeld Bonamassas, deren Spiel zwischen traditionellem Blues, Soul-Ballade (‚No More‘) und funkigen Grooves (‚Fever‘) changiert und so die stilistische Bandbreite der Songs trägt.

Statt den Blues lediglich zu streifen, taucht Broussard „kopfüber“ in das Genre ein und präsentiert ein Album, das gleichermaßen roh, persönlich und stilistisch geschlossen wirkt. Dabei bleibt sein charakteristischer „Bayou Soul“-Ansatz erhalten – jene Mischung aus Soul, R&B, Funk und Südstaaten-Roots, die seine bisherigen Veröffentlichungen geprägt hat und nun konsequent in ein blueszentriertes Klangbild überführt wird.

Broussard selbst, 1982 in Louisiana geboren, gehört seit den frühen 2000er-Jahren zu den profilierten Stimmen des modernen Soul und hat sich mit seiner Mischung aus Südstaatenästhetik und Pop-Sensibilität eine konstante Hörerschaft erarbeitet. Mit ‚Chance Worth Taking‘“ positioniert er sich nun deutlicher denn je im Blues-Kontext – nicht als stilistische Episode, sondern als konsequente Erweiterung seines bisherigen Schaffens.

Tracklist

01. You’ll Be Sorry
02. Trying To Do Right
03. I’m Going Home
04. No More
05. Fever
06. Chance Worth Taking
07. Let Me Take You Out Tonight
08. Sweet Love
09. These Walls
10. Satisfaction Guaranteed
11. Blame
12. Whispers
13. Laissez Street Parade Intro
14. Laissez Les Bons Temps Rouler

Album-VÖ: 17.04.2026
Label: KTBA Records
www.marcbroussard.com

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Berlin, New York, Portsmouth

Und er kehrt gleichzeitig gewissermaßen zu dem zurück, was er selbst einmal als seinen „own mainstream“ bezeichnet hat. Gemeint ist damit eine Form von Songwriting, die sich über Jahrzehnte hinweg als erstaunlich stabil erwiesen hat: ausgefeilte Popstücke, offen für unterschiedliche rhythmische und instrumentale Kontexte. Entstanden ist ‚Hope And Fury‘ in einem transatlantischen Produktionsprozess. Erste Skizzen wurden in Berlin entwickelt, bevor Jackson in New York gemeinsam mit Co-Produzent Patrick Dillett und seiner eingespielten Band – Graham Maby am Bass, Teddy Kumpel an der Gitarre und Doug Yowell am Schlagzeug – ins Studio ging. Ergänzt wird das Ensemble durch den Perkussionisten Paulo Stagnaro, dessen Latin-Einflüsse dem Sound zusätzliche Beweglichkeit verleihen. Die Musik bewegt sich entsprechend zwischen Pop, Funk, Jazz und Rock. Einer Mischung also, die an frühere Arbeiten wie ‚Night And Day‘ oder ‚Laughter And Lust‘ erinnert, ohne diese zu zitieren.

Inhaltlich greift Jackson stärker als zuletzt auf britische Motive zurück. Der Albumtitel spielt ironisch auf „Land Of Hope And Glory“ an und verweist bereits auf das Spannungsfeld, das die Songs durchzieht. ‚Welcome To Burning-By-Sea‘ entwirft mit einem fiktiven Küstenort ein verdichtetes Bild Englands, während ‚End of the Pier‘ zwei Zeitebenen miteinander verschränkt: das Leben der Arbeiterklasse in den 1920er-Jahren und eine Gegenwart nach der Pandemie. Es sind solche Konstellationen, in denen Jackson seine Beobachtungen präzise formuliert, ohne sie eindeutig aufzulösen.

Jackson als Beobachter

Überhaupt lebt das Album von Kontrasten. Musikalisch oft zugänglich und rhythmisch präsent, unterläuft Jackson diese Oberfläche immer wieder mit Ironie und feinem Sarkasmus. ‚I’m Not Sorry‘ arbeitet mit bissigen Pointen, ‚Fabulous People‘ mit spielerischer Überzeichnung, während ‚Do Do Do‘ bewusst ins Absurde kippt. Gleichzeitig finden sich jene bittersüßen Momente, die seit jeher zu Jacksons Handschrift gehören: ‚Made God Laugh‘ formuliert eine abgeklärte, beinahe heitere Form von Fatalismus, ‚After All This Time‘ betrachtet eine langjährige Beziehung ohne Pathos, aber mit genauer Beobachtung.

Zentral ist dabei eine Figur, die sich durch mehrere Stücke zieht: ein überforderter Beobachter in einer zunehmend polarisierten Welt, weder Teil der „Great Unwashed“ noch wirklich zugehörig zu den Entscheidungsträgern. Diese Perspektive verleiht den Songs eine unterschwellige Nervosität, die im Kontrast zur oft federnden Rhythmik steht. Dass Jackson am Ende mit „See You in September“ eine ruhige Ballade setzt, folgt einer vertrauten Dramaturgie, wirkt hier aber besonders schlüssig. nach den vielen Brechungen und Perspektivwechseln.

‚Hope And Fury‘ ist damit weniger ein stilistischer Neuanfang als eine präzise Selbstvergewisserung. Jackson greift auf vertraute Mittel zurück, kombiniert sie jedoch mit einer thematischen Schärfe, die seine langjährige Beobachterrolle noch einmal zuspitzt. Dass er sich dabei weiterhin zwischen New York, Portsmouth und Berlin bewegt, spiegelt sich auch musikalisch wider: als ein bewusst offenes, „bicoastales“ Verständnis von Pop, das sich nicht auf eine eindeutige Herkunft festlegen lässt.

Tourdaten

28.10. Stuttgart, Liederhalle/Hegelsaal
01.11. München, Circus Krone
02.11. Berlin, Admiralspalast
04.11. Essen, Lichtburg
05.11. Hamburg, Fabrik
07.11. Darmstadt, Staatstheater
09.11. CH-Zürich, Kaufleuten
16.11. A-Wien, Globe
17.11. Köln, Gloria

Tracklist

01. Welcome To Burning-By-Sea
02. I’m Not Sorry
03. Made God Laugh
04. Do Do Do
05. Fabulous People
06. After All This Time
07. The Face
08. End Of The Pier
09. See You In September

Album-VÖ: 10.04.2026
Label: earmusic
www.joejackson.com

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