Mit einem aktuellen Straßenpreis von 149 Euro bewegt sich das META FX dabei in einem interessanten Bereich: Für diesen Betrag bekommt man kein vollwertiges Multieffektgerät, auf dem beliebige Effektketten zusammengestellt werden können, sondern einen spezialisierten Effektprozessor mit wechselbarer Identität. Genau diese Einschränkung macht das Konzept einerseits spannend, andererseits aber auch erklärungsbedürftig.

Mooer META FX: Was bedeutet X Algorithm Platform?

Das zentrale Konzept unterscheidet das META FX deutlich von einem konventionellen Multi-FX. Mooer bietet derzeit drei Firmware-Familien: REVERB, DELAY und MOD. Die jeweils installierte Firmware bestimmt, welche Art Effektgerät das META FX gerade ist. Mooer kündigt darüber hinaus weitere sogenannte „X Algorithms“ beziehungsweise Firmware-Erweiterungen an.

Das bedeutet allerdings auch: Reverb, Delay und Modulation bilden keine frei kombinierbare Effektkette. Wer beispielsweise Chorus, Delay und Reverb gleichzeitig aus einem Pedal benötigt, findet hier nicht das typische Multieffekt-Konzept. Das META FX konzentriert seine Hardware stattdessen jeweils auf eine Effektfamilie.

Gerade auf einem bereits umfangreicheren Pedalboard ergibt das Sinn. Dort kann das META FX beispielsweise den kompletten Reverb-Part übernehmen und bei Bedarf später als Delay- oder Modulationspedal eingesetzt werden. Für Gitarristen, die mit unterschiedlichen Setups arbeiten, ist diese Wandlungsfähigkeit durchaus reizvoll.

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Reverb, Delay und Modulation

Bereits die drei zum Start verfügbaren Firmware-Pakete decken einen großen klanglichen Bereich ab. Mooer nennt insgesamt mehr als 40 Stereo-Algorithmen.

Die Reverb-Firmware reicht von klassischen Room-, Hall-, Church-, Cave-, Plate-, Spring- und Studio-Räumen bis zu deutlich stärker auf Sounddesign ausgerichteten Algorithmen wie Aethertide, Shimmer, Dream, Warp und Crush.

Ähnlich breit ist die Delay-Abteilung aufgestellt. Neben Digital-, Analog- und Tape-Delay gibt es unter anderem Dynamic, Galaxy, Ping Pong, Crystal, Rainbow, Low-Bit und Fuzzy. Gerade die experimentelleren Algorithmen zeigen, dass Mooer das META FX nicht ausschließlich als Lieferanten klassischer Brot-und-Butter-Effekte versteht.

Bei den Modulationen reicht die Palette von Chorus, Phaser, Flanger, Vibrato und Tremolo über Rotary und 60Vibe bis zu Harmony, SlowEngine und LofiMachine. Je nach Firmware stehen außerdem mehr als 20 Factory-Presets zur Verfügung.

Das META FX ist damit klanglich weniger konservativ, als sein kompaktes Format zunächst vermuten lässt. Neben den Standards bekommt man genügend ungewöhnliche Texturen für Ambient, Shoegaze und experimentelle Gitarrensounds.

Bedienung: Display statt Menüwüste

Ein wichtiges Element ist das runde 1,28-Zoll-Farb-Touchdisplay mit RGB-Halo. Vier physische Parameterregler übernehmen die unmittelbare Bearbeitung der wichtigsten Effektparameter. Hinzu kommen zwei Fußschalter.

Damit gelingt Mooer ein guter Mittelweg zwischen klassischem Pedal und digitalem Prozessor. Grundlegende Änderungen lassen sich direkt am Gerät erledigen, ohne dass dafür zwingend ein Rechner benötigt wird. Gleichzeitig macht das Display deutlich, welcher Algorithmus beziehungsweise welches Preset gerade aktiv ist.

Für die Bühne stehen 100 User-Preset-Speicherplätze zur Verfügung. Das ist für ein Gerät dieser Größe großzügig dimensioniert und macht das META FX auch für Setups interessant, in denen verschiedene Effektkonfigurationen reproduzierbar abrufbar sein müssen.

Die beiden Fußschalter übernehmen abhängig vom geladenen Effekt weitere Funktionen. Bei Delay und Modulation steht beispielsweise Tap Tempo zur Verfügung. Außerdem kann über Fußschalter B Infinite Sustain aktiviert werden. Damit lassen sich Hallfahnen beziehungsweise Klangflächen einfrieren und als Hintergrund für weitere Passagen nutzen.

Trails, Kill Dry und Stereo-Betrieb

Interessant wird das META FX spätestens bei komplexeren Pedalboard- und Studio-Setups. Kill Dry entfernt das trockene Signal vollständig aus dem Ausgang. Das ist wichtig, wenn der Effekt beispielsweise in einem parallelen Signalweg betrieben wird.

Mit der Trail-Funktion können Hall- und Delay-Fahnen nach dem Bypass natürlich ausklingen, statt abrupt abgeschnitten zu werden. Gerade bei langen Ambient-Reverbs oder rhythmischen Delays ist das musikalisch deutlich eleganter.

Hinzu kommt ein kompletter Stereo-Signalweg mit jeweils zwei 6,35-mm-Ein- und Ausgängen. Die Wandlung arbeitet mit 24 Bit bei 44,1 kHz. Die Eingangsimpedanz gibt Mooer mit 2,2 MΩ, die Ausgangsimpedanz mit 120 Ω an.

Im Stereo-Betrieb können insbesondere Ping-Pong-Delays, Modulationen und breite Reverbs ihre räumliche Wirkung ausspielen. Damit eignet sich das Pedal nicht nur vor einem Gitarrenverstärker, sondern ebenso für Stereo-Rigs, Effekt-Loops, Synthesizer und Studio-Anwendungen.

Kopfhörer, USB-C und Mooer Studio

Ungewöhnlich für ein Effektpedal dieser Größe ist der integrierte 3,5-mm-Kopfhörerausgang mit eigener Lautstärkeregelung. Er erweitert die Einsatzmöglichkeiten, ersetzt allerdings kein Amp-Modeling: Das META FX bleibt ein Effektprozessor und bietet keine Verstärker- oder Cabinet-Simulation.

Über USB-C wird das Pedal mit dem Rechner verbunden. Dort übernimmt MOOER Studio Firmware-Updates, Preset-Verwaltung sowie Backup und Restore. USB-C kann außerdem zur Stromversorgung genutzt werden. Alternativ arbeitet das Gerät mit 9 Volt DC bei 300 mA, Center Negative. Ein Netzteil gehört laut Hersteller zum Lieferumfang.

Mit 125 × 74 × 49 mm und lediglich 200 Gramm bleibt das META FX ausgesprochen pedalboardfreundlich.

Wie schlägt sich das Mooer META FX in der Praxis?

Das Bedienkonzept wirkt vor allem dann schlüssig, wenn man das META FX nicht als kleines Universal-Multieffektgerät betrachtet. Es ist vielmehr ein digitaler Spezialist mit austauschbarer Effekt-Engine.

Innerhalb einer geladenen Firmware stehen genügend Varianten bereit, um eine komplette Effektkategorie abzudecken. Wer beispielsweise hauptsächlich unterschiedliche Reverbs benötigt, bekommt klassische Räume ebenso wie große Ambient-Flächen und experimentelle Texturen. Ähnlich verhält es sich mit Delay und Modulation.

Das Zusammenspiel aus vier Reglern, Display und Presets hält die Bedienung dabei näher am klassischen Pedal als an einem komplexen Rack-Prozessor. Gleichzeitig ermöglichen Presets und Softwareverwaltung einen Grad an Reproduzierbarkeit, den traditionelle Einzelpedale nicht bieten.

Die entscheidende Einschränkung bleibt jedoch das Firmware-Konzept. Der Wechsel zwischen den Effektwelten ist keine spontane Performance-Funktion. Man sollte sich vor Probe, Session oder Konzert entscheiden, welche Rolle das META FX im Setup übernimmt.

Genau deshalb ist die Plattform-Idee Fluch und Segen zugleich: Sie hält Bedienung und Hardware kompakt, verhindert aber die naheliegende Nutzung mehrerer vorhandener Effektfamilien gleichzeitig.

Klangliche Ausrichtung

Mooer positioniert das META FX klar zwischen traditionellen Gitarreneffekten und modernem Sounddesign. Die Auswahl der Algorithmen unterstreicht das: Neben Spring, Plate, Tape Delay, Chorus oder Phaser stehen Shimmer, Dream, Galaxy, Crystal, Low-Bit oder LofiMachine.

Dadurch kann das Pedal sowohl relativ unauffällige räumliche und modulierende Aufgaben übernehmen als auch bewusst zum klangformenden Element werden. Besonders interessant erscheint das Konzept für Gitarristen, die mit großen Stereo-Flächen, Ambient-Sounds oder ungewöhnlichen Modulationen arbeiten.

Dabei ist das META FX eher Werkzeug und Spezialist als eigenständiges Instrument. Infinite Sustain verschiebt diese Grenze allerdings ein Stück: Eingefrorene Effektflächen lassen sich durchaus als eigenständiges musikalisches Element einsetzen.

Für wen eignet sich das Mooer META FX?

Das META FX richtet sich weniger an Gitarristen, die mit einem einzigen Pedal ihr komplettes Effektboard ersetzen wollen. Dafür fehlt die Möglichkeit, Reverb, Delay und Modulation gleichzeitig zu kombinieren.

Interessanter ist es für Musiker, die bereits ein funktionierendes Setup besitzen und darin einen flexibel konfigurierbaren Spezialisten suchen. Heute ein umfangreiches Stereo-Reverb, beim nächsten Projekt ein Delay und anschließend eine Modulationszentrale – genau hier spielt die Plattform ihre Stärke aus.

Auch für Studio-Musiker und Produzenten ist das Konzept interessant. Stereo-I/O, Kill Dry, Presets und ungewöhnliche Algorithmen machen das Gerät ebenso für Synthesizer oder als Hardware-Effekt in einem Recording-Setup nutzbar.

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Bei einem Preis jenseits von 4.500 Euro reicht eine interessante Zutatenliste allerdings nicht aus. Entscheidend ist, ob Verarbeitung, Spielgefühl und Klang der P131-LF tatsächlich einen eigenständigen Charakter entwickeln.

Kastanienholz als Markenzeichen von Paoletti

Paoletti Guitars stammt aus der Toskana und setzt seit Jahren auf ein Material, das im E-Gitarrenbau eher selten anzutreffen ist: Kastanienholz. Der Hersteller verwendet für seine Loft-Instrumente gealtertes Kastanienholz und macht diese Materialwahl zu einem wesentlichen Bestandteil seiner Gitarren.

Welche klanglichen Eigenschaften sich einer einzelnen Holzart bei einer Solidbody-E-Gitarre eindeutig zuschreiben lassen, bleibt diskutabel. Interessanter ist deshalb die gesamte Konstruktion der P131-LF. Der Kastanienkorpus wird mit einem verschraubten Hals aus geröstetem kanadischem Ahorn und einem Pau-Ferro-Griffbrett kombiniert. Dazu kommen eine feste Gotoh-Brücke und die mit 628 mm vergleichsweise kurze Mensur.

Damit verbindet Paoletti Konstruktionsmerkmale, die man in dieser Kombination eher selten findet: Die kurze Mensur und zwei Humbucker erinnern an klassische Set-Neck-Gitarren, während der verschraubte Ahornhals für ein anderes mechanisches Grundkonzept steht.

Heavy Black: Aging ohne Zurückhaltung

Optisch macht die Darrell Braun Signature keinen Versuch, dezent aufzutreten. Das Heavy-Black-Finish ist großflächig gealtert, auch die Metallteile fügen sich in diesen Used-Look ein. Wer Relic-Gitarren grundsätzlich ablehnt, dürfte entsprechend wenig Freude daran haben. Wer dagegen stark gespielte Vintage-Instrumente als ästhetische Vorlage mag, bekommt hier eine ausgesprochen konsequente Umsetzung. Unter dem Aging steckt ein eigenständiges Double-Cut-Design, das bekannte Formen aufgreift, ohne eine direkte Kopie eines einzelnen Klassikers zu sein. Metall-Pickguard, Block-Inlays aus Olivenholz und die Paoletti-Kopfplatte sorgen für zusätzlichen Wiedererkennungswert.

Die Verarbeitung muss sich angesichts des Preises hohen Erwartungen stellen. Paoletti kombiniert eigene Bauteile mit Komponenten etablierter Hersteller. Gotoh liefert Brücke und Saitenhalter, an der Kopfplatte sitzen Kluson-Deluxe-Mechaniken, der Sattel besteht aus Knochen. Die 22 Dunlop-6110-Bünde sitzen in einem Pau-Ferro-Griffbrett mit 12″-Radius. Mit etwa 3,1 bis 3,3 kg bleibt die P131-LF trotz ihrer massiven Erscheinung angenehm handhabbar.

Kurze Mensur trifft auf verschraubten Hals

Die interessanteste Eigenschaft der P131-LF zeigt sich bereits beim ersten Spielen. Die Kombination aus kurzer Mensur und Bolt-on-Konstruktion sorgt für ein eigenständiges Spielgefühl. Durch die 628-mm-Mensur fühlt sich die Saitenspannung vergleichsweise geschmeidig an. Bendings benötigen wenig Kraft, Vibratos lassen sich kontrolliert ziehen und größere Griffweiten bleiben angenehm. Das Medium-C-Halsprofil besitzt genügend Substanz, ohne übermäßig kräftig zu wirken. Der 12″-Radius bietet gleichzeitig eine gute Grundlage für eine komfortable Saitenlage und größere Bendings.

Trotz der kurzen Mensur wirkt die Gitarre nicht schwammig. Der Roasted-Maple-Hals und die verschraubte Verbindung vermitteln eine direkte Ansprache. Anschläge werden unmittelbar umgesetzt, perkussive Akkorde besitzen eine klare Attackphase. Gerade dieser Gegensatz prägt die P131-LF: Unter der linken Hand fühlt sie sich geschmeidig an, während sie auf die rechte Hand schnell und deutlich reagiert.

Ergonomie, Setup und Verarbeitung

Die ungewöhnlichen Zutaten wären wenig wert, wenn sie im fertigen Instrument nicht sauber zusammenspielen würden. Gerade in dieser Preisklasse gehören eine präzise Bundierung, sauber ausgearbeitete Sattelkerben und ein stimmiges Setup ohnehin zum Pflichtprogramm. Bei der P131-LF fällt vor allem auf, dass die Konstruktion trotz ihres rustikalen Heavy-Relic-Looks keineswegs grob wirkt.

Mit einem Gewicht von etwa 3,1 bis 3,3 kg bleibt die Paoletti auch bei längeren Sessions angenehm. Der Double-Cut-Korpus ermöglicht einen guten Zugang zu den oberen Lagen, während die feste Gotoh-Konstruktion an der rechten Hand eine vertraute Auflagefläche bietet. Das Instrument fühlt sich dadurch wesentlich konventioneller an, als Materialwahl und Optik zunächst vermuten lassen. Auch die Kombination aus Medium-C-Profil, 12″-Radius und den vergleichsweise kräftigen Dunlop-6110-Bünden trägt dazu bei. Akkordspiel funktioniert ebenso selbstverständlich wie Bendings und Einzeltonlinien. Die P131-LF zwingt dem Spieler keine bestimmte Technik auf und verlangt keine lange Eingewöhnung.

Das Heavy Aging hat dabei sogar einen praktischen Nebeneffekt. Ein Instrument, das bereits ab Werk derart gebraucht aussieht, nimmt einem zumindest psychologisch die Hemmung, es tatsächlich einzusetzen. Der erste Kratzer auf einer makellos hochglänzenden 4.500-Euro-Gitarre kann schmerzen – hier dürfte er schlicht zwischen den vorhandenen Gebrauchsspuren verschwinden. Entscheidend bleibt dennoch die Präzision unter der künstlich gealterten Oberfläche. Relic darf kein Vorwand für nachlässige Verarbeitung sein. Bei einer Gitarre dieser Preisklasse müssen Halsübergang, Bundierung, Hardware und Elektronik unabhängig vom gewünschten Used-Look auf entsprechend hohem Niveau liegen.

Paoletti Rock II Humbucker

Paoletti fertigt auch die beiden Rock-II-Humbucker selbst. Für das Darrell-Braun-Modell gibt der Hersteller Alnico-5-Magnete und einen Gleichstromwiderstand von jeweils 8,1 kOhm an. Damit handelt es sich nicht um extreme High-Output-Pickups, sondern um vergleichsweise moderat ausgelegte Humbucker. Das passt zum Charakter der Gitarre. Statt den Verstärker permanent mit hohem Pegel anzufahren, bleibt ausreichend Dynamik erhalten. Unterschiede in Anschlagstärke und Spielweise werden deutlich übertragen. Die Bedienung bleibt klassisch: Dreiwegschalter, zwei Volume- und zwei Tone-Regler. Beide Humbucker lassen sich zusätzlich splitten. Trotz der erweiterten Möglichkeiten muss man sich also nicht erst durch komplizierte Schaltoptionen arbeiten.

Clean und Crunch

Clean liefert der Hals-Pickup einen warmen, substanzreichen Klang, ohne dass die unteren Mitten übermäßig dominant werden. Einzelne Saiten bleiben auch bei komplexeren Akkorden gut nachvollziehbar. Mit zurückgenommenem Volume-Regler lässt sich der Klang weiter öffnen. Der Steg-Humbucker setzt sich mit stärkerer Attack und mehr Kontur davon ab. Hart angeschlagene Akkorde besitzen Biss, ohne unangenehm scharf zu werden. In der Mittelstellung können beide Pickups über ihre separaten Volume-Regler gegeneinander ausbalanciert werden.

Besonders wohl fühlt sich die P131-LF allerdings dort, wo ein Verstärker gerade beginnt zu verzerren. Die moderate Ausgangsleistung der Pickups lässt genügend Raum, um den Gain-Anteil über die Anschlagstärke zu kontrollieren. Leichte Anschläge bleiben vergleichsweise sauber, während kräftigeres Spiel zusätzliche Kompression und Obertöne erzeugt. Der Steg-Pickup liefert bei Crunch ausreichend Mitten und Druck für Powerchords und Riffs, ohne den Sound unnötig aufzublähen. Am Hals wird der Ton runder und eignet sich gut für singende Leads. Gerade mit einem dynamisch eingestellten Röhrenamp oder einem transparent arbeitenden Overdrive spielt die P131-LF ihre Stärken aus.

Coil-Splits erweitern den Klangbereich

Beide Humbucker lassen sich separat splitten. Erwartungsgemäß verwandelt das die Paoletti nicht in eine klassische Singlecoil-Gitarre. Dafür verändert sich der Grundcharakter deutlich genug, um die Funktion praktisch sinnvoll zu machen. Der Pegel sinkt, die Mitten werden schlanker und die Attack tritt stärker hervor. Clean entstehen dadurch offenere Sounds; bei leichtem Crunch lassen sich rhythmische Parts besser im Arrangement platzieren.

Gerade im Studio kann das nützlich sein. Wo der volle Humbucker zu viel Platz beansprucht, liefert der Split eine schlankere Alternative, ohne dass unmittelbar die Gitarre gewechselt werden muss. Die Coil-Splits wirken damit nicht wie ein zusätzliches Feature für das Datenblatt, sondern erweitern den praktisch nutzbaren Klangbereich.

High Gain und Bandkontext

Mit stärkerer Verzerrung zeigt sich, dass die Rock-II-Pickups bewusst nicht auf maximalen Output ausgelegt sind. Der Steg-Humbucker besitzt genügend Pegel für druckvolle Rock- und High-Gain-Sounds, erhält aber einen guten Teil seiner Dynamik. Palm Mutes bleiben definiert, gleichzeitig entsteht weniger von der starken Eigenkompression sehr heißer Humbucker. Das macht die Gitarre besonders für Rock, Alternative, Grunge und härtere Blues-Spielarten interessant. Für extrem komprimierte moderne Metal-Sounds ist sie dagegen weniger eindeutig ausgelegt.

Auch im Bandkontext hilft die direkte Ansprache. Der Steg-Pickup besitzt genügend Mitten, um sich durchzusetzen, ohne dafür übermäßig viel Bass oder Gain zu benötigen. Der Hals-Pickup liefert für Leads mehr Fülle, während die Split-Sounds in dichten Arrangements zusätzlichen Platz schaffen. Die P131-LF bietet damit keine riesige Sammlung vollkommen unterschiedlicher Grundsounds. Stattdessen liefert sie mehrere gut nutzbare Abstufungen eines konsistenten Grundcharakters.

Klassische Bedienung, vielseitig genutzt

Trotz ihres extravaganten Äußeren ist die Paoletti ausgesprochen unkompliziert zu bedienen. Es gibt keine aktive Elektronik und kein komplexes Switching-System. Pickup wählen, Volume und Tone einstellen, bei Bedarf splitten – fertig. Gerade die beiden separaten Volume-Regler sind in der Praxis nützlich. Bei einem angezerrten Verstärker kann beispielsweise ein Pickup mit reduziertem Volume als cleaner Rhythmus-Sound vorbereitet werden, während der andere mit vollständig geöffnetem Regler mehr Gain liefert. Der Dreiwegschalter übernimmt dann den schnellen Wechsel. Damit erweist sich die P131-LF weniger als Sammlerstück denn als Werkzeug für Spieler, auch wenn Optik und Preis zunächst etwas anderes vermuten lassen.

Für wen lohnt sich die Paoletti P131-LF?

Die Zielgruppe bleibt angesichts des Preises zwangsläufig überschaubar. Technisch lässt sich ein Straßenpreis von 4.549 Euro kaum anhand einer Feature-Liste rechtfertigen. Passive Humbucker, feste Brücke und klassische Regler sind schließlich keine exotischen Komponenten. Bezahlt wird hier vielmehr für die Fertigung in Italien, die ungewöhnliche Materialauswahl, hauseigene Pickups, kleine Stückzahlen und die aufwendige Gestaltung des Instruments. Interessant ist die P131-LF daher vor allem für erfahrene Gitarristen, die eine kurze Mensur bevorzugen, gleichzeitig aber eine direkte Ansprache suchen. Auch Spieler, die überwiegend zwischen Clean, Crunch und kräftigeren Rock-Sounds unterwegs sind und viel mit Anschlag und Volume-Regler arbeiten, finden hier ein Instrument, das diese Arbeitsweise unterstützt. Wer dagegen vor allem möglichst viele Features pro Euro sucht, dürfte an anderer Stelle glücklicher werden.

Technische Daten

Hersteller: Paoletti Guitars
Modell: P131-LF Darrell Braun Signature Heavy Black
Herkunft: Italien
Korpus: gealtertes Kastanienholz
Hals: Canadian Roasted Maple, verschraubt
Halsprofil: Medium C
Griffbrett: Pau Ferro
Einlagen: Olive Wood Block Inlays
Griffbrettradius: 12″
Mensur: 628 mm
Bünde: 22 × Dunlop 6110
Sattel: Knochen
Pickups: 2 × Paoletti Rock II Humbucker, Alnico 5, 8,1 kOhm
Regler: 2 × Volume, 2 × Tone
Schalter: 3-Wege-Pickup-Wahlschalter, Coil-Split
Mechaniken: Kluson Deluxe
Brücke/Saitenhalter: Gotoh
Gewicht: ca. 3,1–3,3 kg
Finish: Heavy Black
Preis: 4.549 Euro

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Das Grundrezept des Pico Shimmer ist dennoch ziemlich simpel: Ein Hall wird mit Pitch-Shifter und Delay kombiniert, wobei dem Effektsignal unter anderem zusätzliche Oktaven hinzugefügt werden und dadurch granular wirkende Texturen entstehen, die definitiv Lust auf stundenlanges Ausprobieren machen.

Neben Reverb, Delay und Pitch-Shifting kommen weitere Klangelemente zum Einsatz, die im wahrsten Sinne Synth- und Modulationssounds ermöglichen. Dadurch deckt das Pedal weit mehr als klassische Shimmer-Reverb-Sounds ab und erweitert die ohnehin bereits große Spielwiese des Pico Shimmer noch einmal um ein ganzes Stück.

Entsprechend reicht das Klangspektrum von bekannten oktavierten Hallfahnen über breite Synthesizer-artige Pads bis zu experimentellen Glitch- und Granular-Sounds, was auf dem Papier erst einmal nach viel klingt. Wie vielseitig sich diese Mischung in der Praxis einsetzen lässt, haben wir uns im Test genauer angesehen und gecheckt, ob sich in dem kompakten Pico-Gehäuse wirklich ein solch gigantischees Universum an Vielfalt versteckt, oder ob wir nur eine weitere überladene Effektschleuder bekommen.

Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb

Aufbau und Bedienung

Trotz des kompakten Formats bietet das Pico Shimmer mit Blend, Tone, Time und Voice vier Regler sowie einen zentralen Scene-Taster. Blend bestimmt das Verhältnis zwischen Direkt- und Effektsignal, Tone beeinflusst die Klangfarbe und Time reicht von vergleichsweise kurzen Hallfahnen bis hin zu ausgedehnten Reverb-Flächen. Eine zentrale Rolle übernimmt der Voice-Regler, über den sich der Charakter des Effekts zwischen Plate-artigem Reverb, klassischem Shimmer und zunehmend flächigen String-Synth-Texturen verschieben lässt.

Unter der Oberfläche steckt allerdings noch deutlich mehr. Über Sekundärfunktionen lassen sich unter anderem Reverb-Mix, Delay-Zeit sowie Tiefe und Geschwindigkeit der Modulation bearbeiten. Hinzu kommen drei Buffered-Bypass-Varianten in Form von Digital, Analog und Hybrid.

Auch der Fußschalter übernimmt mehr als die reine Bypass-Funktion: Wird er gehalten, lässt sich der aktuelle Hall über die Momentary-Infinite-Reverb-Funktion praktisch einfrieren und als stehende Fläche unter das weitere Spiel legen.

Die Effektbasis: Drei Scenes von klassisch bis experimentell

Über den Scene-Taster stehen Intergalactic, Off-World und Etherdust zur Auswahl, die sich im Charakter deutlich voneinander unterscheiden und quasi als erste Effektbasis dienen können. Intergalactic kommt dem klassischen Shimmer-Konzept am nächsten und kombiniert polyphones Pitch-Shifting mit Reverb, moduliertem Delay, Kompression und einer String-Synth-Engine, die wirklich fantastisch klingt. Gerade über den Voice-Regler lässt sich hier erstaunlich weit zwischen einem vergleichsweise konventionellen Hall und ausgeprägten synthetischen Klangflächen morphen und dank Zweitbelegung der Regler auch die Modulationstiefe weitreichend einstellen.

Off-World geht etwas weicher zu Werke und legt einen stärkeren Fokus auf die Delay-Modulation. Dadurch entstehen warme Texturen, die stellenweise eher an ältere Synthesizer-Pads als an einen klassischen Gitarrenhall erinnern. Etherdust schlägt schließlich die experimentellste Richtung ein: Randomisierte Delay-Zeiten erzeugen unregelmäßige Wiederholungen und Stutter-Effekte, die je nach Einstellung von kurzen granularen Klangpartikeln bis hin zu deutlich wahrnehmbaren Glitch-Echos reichen.

Als Lofi-Liebhaber bieten die drei Voicings für meinen Geschmack jede Menge Spielraum für Experimente. Gerade in Kombination mit anderen Pedalen liefert das Pico Shimmer einen echten Mehrwert, um bereits bestehende Pedalboards in die Extreme zu treiben: Meine Lieblingskombination bestand letztendlich aus einem Small Clone Chorus, dem Canyon und eben dem Pico Shimmer. Gerade aus bereits gefärbten Sounds – in meinem Fall nutzte ich den Chorus als Always-On-Sound – bekommt man wirklich saftige Klänge aus der E-Gitarre.

Sound und Praxis

Mit cleanem Grundsound zeigt das Pico Shimmer erwartungsgemäß besonders eindrucksvoll, was in seinen drei Algorithmen steckt. Akkorde und einzelne Noten lassen sich mit breiten Hallflächen unterlegen, wobei das Pitch-Shifting zusätzliche harmonische Ebenen erzeugt. Interessant ist vor allem, wie weit sich das Pedal vom typischen Shimmer-Klang entfernen lässt. Mit entsprechender Kombination aus Voice, Delay und Modulation entstehen orgelartige Sounds, synthetische Pads oder granulare Texturen, die das ursprüngliche Gitarrensignal teilweise nur noch als Ausgangspunkt verwenden und wirklich schöne Klangwelten erzeugen.

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Gleichzeitig muss das Pico Shimmer keineswegs permanent den gesamten Sound einnehmen oder präsent im Vordergrund stehen. Mit zurückhaltendem Blend und passend gewählter Voice-Einstellung lässt sich der Effekt extrem subtil unter das trockene Signal mischen. Gerade das erwies sich im Test auch mit verzerrten Lead-Sounds als ziemlich spannende Option. Statt den eigentlichen Gitarrensound in einer riesigen Hallwolke verschwinden zu lassen, kann im Hintergrund eine leicht synthetische Fläche entstehen, deren Tonhöhe dem gespielten Material folgt. Dadurch erhalten Soli zusätzliche räumliche und harmonische Tiefe, ohne ihren eigentlichen Charakter zu verlieren. Vor allem mit Drive-Effekten oder einem in die Sättigung getriebenen Verstärker lassen sich auch Setups mit deutlich aufgedrehterem Gain wunderbar vom Pico Shimmer untermalen, ohne dass es matschig klingt.

Wer es extremer möchte, bekommt auf der anderen Seite genügend Spielraum für unendlichen Hall und besonders verspielte Modulation. Gerade das Etherdust-Voicing kann mit höheren Effektanteilen sehr schnell in abstrakte Klangwelten abdriften, während Intergalactic mit ausgeprägtem Pitch-Anteil den typischen großen Shimmer-Sound liefert. Das eigentliche Vergnügen besteht daher weniger darin, eine einzelne optimale Einstellung zu finden, sondern vielmehr im Ausprobieren der unterschiedlichen Wechselwirkungen zwischen Reverb, Pitch-Shifting, Delay und Modulation.

Infinite Reverb

Auch die Momentary-Funktion macht in der Praxis Sinn und ist weit mehr als eine nette Dreingabe. Besonders das Infinite Reverb reagiert angenehm direkt und erlaubt es, Akkorde oder einzelne Töne als stehende Fläche festzuhalten und anschließend darüber weiterzuspielen. In Kombination mit den stärker synthetisch ausgelegten Einstellungen entsteht so beinahe eine zusätzliche Pad-Ebene, ohne dass dafür ein separater Looper oder gar ein Synthesizer benötigt wird.

Gerade hier spielt das kompakte Pedal seine umfangreiche Konzeption aus. Ein gehaltener Akkord kann beispielsweise als atmosphärischer Hintergrund dienen, während darüber ein weitgehend trockenes oder nur dezent mit Effekt versehenes Signal gespielt wird. Für Ambient, Post-Rock und experimentelle Sounds ergeben sich dadurch zahlreiche Möglichkeiten, die über einen gewöhnlichen Shimmer-Reverb hinausgehen.

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Gegen die starke Konkurrenz aus den eigenen Reihen durch Telecaster und Stratocaster konnten sich Jazzmaster und Jaguar langfristig jedoch zunächst nur schwer behaupten. Nach ihrem vergleichsweise kurzen anfänglichen Erfolg waren die Modelle schließlich auf dem Gebrauchtmarkt teilweise für wenig Geld zu bekommen. Aus dem einstigen Fender-Topmodell der 1960er-Jahre wurde damit gewissermaßen eine „Pawn-Shop-Gitarre“, die gerade für junge Musiker der aufkommenden Alternative-Szene erschwinglich und interessant war.

Spätestens mit Grunge und Shoegaze wurden Offset-Gitarren schließlich zum festen Bestandteil einer alternativen Gitarrenkultur. Musiker wie Kevin Shields (My Bloody Valentine) oder J Mascis (Dinosaur Jr.) prägten diese Entwicklung ebenso wie Kurt Cobain (Nirvana), der mit Jaguar und Mustang zwei weitere Fender-Offsets ins Rampenlicht rückte und dabei selbst auf modifizierte Instrumente und Humbucker setzte.

Modernes Heavy-Brett mit Vintage-Attitüde

Gerade diese alternativen Szenen des Shoegaze und Grunge lösten die Offset-Gitarre im Laufe der 80er- und 90er-Jahre zunehmend von ihren historischen Spezifikationen. Humbucker, alternative Schaltungen, feste Brücken und später auch verlängerte Mensuren waren kein Stilbruch mehr, sondern passten ziemlich gut zur experimentellen DNA, die Jazzmaster und Co. inzwischen verkörpern.

Fender und Squier griffen diese Entwicklung über die Jahre mit zahlreichen außergewöhnlichen Serien- und Sondermodellen auf, nicht zuletzt mit Konzepten wie der Pawn-Shop- und Paranormal-Serie. Gleichzeitig entdeckten auch härtere Genres die Offset-Bauform für sich: Modelle wie die Jim Root Jazzmaster oder moderne ESP/LTD-Offsets wie die XJ-1 zeigen, wie selbstverständlich die einstige Surf- und Alternative-Gitarre inzwischen neben Superstrats im Heavy-Bereich steht.

Die Squier Paranormal Baritone Jazzmaster reiht sich genau in dieses Milieu alternativer Ausführungen des Klassikers ein: Statt klassischer Jazzmaster-Single-Coils und Floating Tremolo gibt es zwei Fender Designed Alnico Humbucker, eine Adjust-O-Matic Bridge mit Stopbar und vor allem eine auf 27 Zoll verlängerte Baritone-Mensur.

Ab Werk kommt die Gitarre mit einem kräftigen .014–.068-Saitensatz in Standard-H-Stimmung, die geradezu nach tiefen Riffs verlangt. Im Test zeigte sich allerdings schnell, dass es viel zu kurz gegriffen wäre, die rund 519 Euro teure Squier lediglich als günstige Metal-Baritone abzustempeln.

Spezifikationen der Baritone Jazzmaster

Bei der Squier Paranormal Baritone Jazzmaster weicht bereits die grundlegende Konstruktion deutlich von einer klassischen Jazzmaster ab. Highlight ist die auf 27 Zoll verlängerte Baritonmensur, die Squier ab Werk mit einem kräftigen .014–.068-Saitensatz und einer tiefen Standard-H-Stimmung kombiniert. Als Basis dient ein Nyatoh-Korpus mit angeschraubtem Ahornhals im klassischen C-Profil. Das Griffbrett aus indischem Lorbeer besitzt den typischen Fender-Radius von 9,5 Zoll und ist mit 22 Narrow-Tall-Bünden ausgestattet. Optisch setzen die großen Perloid-Block-Inlays einen zusätzlichen Akzent und passen gut zur insgesamt alternativen Attitüde der Paranormal-Serie.

Auch bei Elektronik und Hardware entfernt sich das Modell vom traditionellen Jazzmaster-Konzept und bleibt deutlich reduzierter. Anstelle der typischen breiten Single Coils sitzen zwei Fender Designed Alnico Humbucker mit Chromkappen im großen Offset-Korpus, die über einen Dreiwegschalter angewählt werden. Ebenso wurde die charakteristische Lead-/Rhythm-Schaltung gestrichen und durch eine unkomplizierte Kombination aus Master Volume und Master Tone ersetzt.

Auf das klassische Floating Tremolo verzichtet Squier ebenfalls: Eine Adjust-O-Matic Bridge mit separatem Stopbar-Tailpiece übernimmt stattdessen Saitenführung und Intonation. Damit bleibt von der historischen Jazzmaster vor allem die Offset-Silhouette erhalten, während die technischen Zutaten deutlich stärker auf eine moderne Baritone-Gitarre zugeschnitten sind.

Verarbeitung

Verarbeitung und Haptik bewegen sich für ihre Preisklasse auf einem hohen Niveau, wobei sich der Ahornhals beim ersten Anspielen ziemlich geschmeidig anfühlt. Einen deutlichen Unterschied zur klassischen Jazzmaster macht natürlich die 27″-Mensur: Die zusätzlichen Zentimeter sind beim Spielen zwar spürbar, ohne dass sich das Instrument übermäßig sperrig anfühlt. Gerade im Sitzen spielt die Offset-Konstruktion ihre bekannte Stärke aus und positioniert die vergleichsweise große Baritone ausgesprochen angenehm auf dem Schoß, wodurch sich das Modell ziemlich vertraut zu ähnlichen Modellen mit herkömmlicher 25,5″-Mensur anfühlt.

Wermutstropfen: Halskrümmung und Saitenlage ab Werk

Weniger überzeugend fiel dagegen das Werks-Setup unseres Testinstruments aus. Die Saitenlage war zunächst ausgesprochen hoch und ließ sich über die Adjust-O-Matic Bridge zwar deutlich reduzieren, allerdings zeigte der Hals unter der Spannung des kräftigen .014–.068-Saitensatzes eine vergleichsweise starke Krümmung. Gerade bei einer Baritone mit entsprechend hoher Saitenspannung kann sich eine nicht optimal eingestellte Halskrümmung deutlich auf die Saitenlage auswirken.

Auch stärkere Temperatur- und Luftfeuchtigkeitsschwankungen während Lagerung und Transport können die Einstellung eines Holzhalses zusätzlich beeinflussen, denn die E-Gitarre wird ohne Gigbag ausgeliefert. Zwar scheint unser Testinstrument beim Transport während der jüngsten Hitzewelle nicht ganz ungeschoren davongekommen zu sein, nach einer kurzen Justierung des Halsstabs ließ sich die Gitarre jedoch deutlich angenehmer bespielen als im Werkszustand.

Sound

Erwartungsgemäß verstehen sich die beiden Fender Designed Alnico Humbucker bestens auf tiefe Riffs und kräftige Distortion-Sounds. Der Steg-Humbucker besitzt eine präsente Mittenstruktur und ausreichend Definition, um auch in s nicht im tiefen Frequenzbereich unterzugehen, während der Halstonabnehmer deutlich bassreicher auftritt, sich aber bei cleanen Sounds eine angenehme Brillanz bewahrt. Überraschenderweise waren es im Test jedoch gerade diese unverzerrten Sounds, bei denen die Baritone Jazzmaster besonders viel Spaß machte.

Clean

Der kräftige .014–.068-Saitensatz ergibt in Verbindung mit der langen Mensur nicht nur für High-Gain-Sounds Sinn. Cleane Akkorde und Arpeggios erhalten eine enorme Tiefe mit kräftigem Volumen und wirken durch die tiefe H-Stimmung beinahe wie ein Bindeglied zwischen gewöhnlicher E-Gitarre und Bass. Mit Delay-, Reverb- und Modulationseffekten eröffnet sich damit genau jene experimentelle Klangwelt, die historisch wiederum hervorragend zur Jazzmaster passt. Über verschiedene Modeling-Amps ließ sich dieses Spektrum besonders ausgiebig erkunden, aber auch an klassischen Röhrenverstärkern wie Fender Blues Junior und Vox AC30 überzeugte die Gitarre mit einem ausgewogenen, insbesondere in den Höhen stimmigen Klangbild.

High-Gain

Dank der Adjust-O-Matic Bridge und des kräftigen Saitensatzes lässt sich die Baritone Jazzmaster im Handumdrehen von Standard H auf Drop A herunterstimmen, ohne dass die Saitenspannung groß darunter leiden wird. Entsprechend überzeugend fiel der Test an einem Mesa/Boogie Mark VII Combo sowie an einem Marshall JVM im vierten Kanal aus: Mit ordentlich Gain entwickelt die Gitarre ein massives Klangbild, das geradezu nach schweren Riffs verlangt.

Besonders Single-Note-Lines profitieren von der Kombination aus 27″-Mensur und den dicken Saiten. Einzelne Töne bleiben klar voneinander getrennt und behalten ihre Kontur, selbst wenn der Gain-Regler weit aufgedreht wird. Gerade in Drop A entsteht dadurch ein mächtiges Low-End, ohne dass schnelle oder tief gespielte Passagen sofort zu einem undefinierten Klangteppich verschwimmen.

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Auf dem Papier klingt das allemal vielversprechend. Doch funktioniert dieses Konzept im Übungsalltag tatsächlich oder finden wir hier nur eine weitere Übungsspielerei? Ich habe mir die Litejam Smart Guitar genauer angesehen und getestet, ob die LED-Technik einen echten Mehrwert bietet oder am Ende doch eher ein nettes visuelles Gimmick bleibt.

Features der Litejam Smart Guitar im Überblick

Auf den ersten Blick wirkt die Litejam wie eine gewöhnliche E-Gitarre mit Griffbrettbeleuchtung. Tatsächlich handelt es sich entsprechend auch um ein vollwertiges Instrument, dessen Griffbrett mit zahlreichen LEDs ausgestattet wurde und das für einen Preis von rund 425 Euro eine ziemlich solide Qualität bietet. Das eigentliche Highlight der Gitarre sind jedoch die LEDs im Griffbrett: Diese zeigen je nach gewähltem Lernmodus Akkorde, Tonleitern oder einzelne Noten direkt unter den Fingern an.

Die Steuerung erfolgt entweder direkt über die Gitarre oder über die kostenlose Litejam-App. Insgesamt stehen dabei drei Betriebsmodi zur Verfügung: Im Built-In-Modus lassen sich grundlegende Funktionen ohne Smartphone nutzen, während der In-App-Modus sämtliche Lernfunktionen freischaltet und es ermöglicht, die LEDs direkt per App zu steuern. Dabei fungiert das Smartphone quasi als Fernbedienung, was sich in der Praxis wunderbar umsetzen lässt. Zusätzlich steht ein Bluetooth-Modus zur Verbindung mit kompatiblen Geräten bereit.

Auch die Ausstattung der Smart Guitar macht einen guten Eindruck. Ein ST-Style-Lindenkorpus trifft auf einen geschraubten Ahornhals mit Palisandergriffbrett und 24 Bünden, was eine hervorragende Basis für ein erstes Instrument darstellt.

Für den Sound sorgen ein Humbucker in der Stegposition, ein Mini-Humbucker am Hals sowie ein Single Coil in der Mittelposition, wodurch die Smart Guitar definitiv ein klanglicher Allrounder ist.

Zusammen mit einem klassischen 2-Punkt-Tremolo und Druckgussmechaniken bringt die E-Gitarre alles mit, was man für den Einstieg benötigt, um von Blues bis Rock nahezu alle Stilrichtungen zu erlernen.

Der integrierte 4.000-mAh-Akku versorgt die LED-Technik mit Energie und ermöglicht eine Laufzeit von bis zu zehn Stunden. Der aktuelle Akkustand lässt sich jederzeit bequem über die Litejam-App überprüfen. Ist der Akku einmal leer, kann die Gitarre unkompliziert über den USB-C-Anschluss mit dem mitgelieferten Ladekabel wieder aufgeladen werden.

Praxistest

Für rund 425 Euro erhält man keineswegs nur eine „Lerngitarre“ mit eingebauten LEDs, sondern ein sauber verarbeitetes Instrument, das sich auch unabhängig von seinen Smart-Funktionen problemlos spielen lässt. Die generelle Verarbeitung, Hardware und das Tremolosystem wirken solide und vermitteln insgesamt eine hohe Wertigkeit für ihren Preis.

Zusammenspiel mit der Litejam-App

Die Verbindung zur Litejam-App funktioniert problemlos und die E-Gitarre wurde nach dem Einschalten sofort erkannt. Nach dem Bluetooth-Pairing muss die Smart Guitar zunächst in den entsprechenden Performance-Modus geschaltet werden, der per Doppelklick auf den Knopf oberhalb der USB-C-Schnittstelle am Korpus aktiviert wird.

Anschließend reagiert das Griffbrett unmittelbar auf sämtliche Änderungen innerhalb der App. Akkorde, Tonleitern oder individuelle Einstellungen werden praktisch in Echtzeit auf dem Griffbrett dargestellt, wodurch ich zu Beginn erst einmal sämtliche Lichtspielereien ausprobieren musste.

Dabei kann man sich tatsächlich schnell verlieren, denn die Übersicht aller Akkorde und Skalen ist in der App intuitiv aufgebaut und lässt sich auch von unerfahrenen Gitarristinnen und Gitarristen problemlos bedienen und nachvollziehen.

 

 

Funktionen der Litejam App

Gerade die App gehört zu den größten Stärken der Litejam Smart Guitar und sollte definitiv im Zusammenhang mit dem Instrument genutzt werden, um einen Mehrwert zu bekommen. Sie bietet eine übersichtliche Oberfläche, zahlreiche Akkord- und Skalentypen sowie umfangreiche Anpassungsmöglichkeiten, mit denen sich die LEDs im Handumdrehen individualisieren lassen. Farben können verändert, eigene Akkorde erstellt oder komplette Skalen über das gesamte Griffbrett je nach Geschmack und Vorliebe visualisiert werden. Besonders gelungen ist dabei, dass sich sogar einzelne Saiten gezielt ein- oder ausblenden lassen, wodurch sich bestimmte Übungen deutlich einfacher gestalten lassen.

Anfangs war ich allerdings skeptisch, ob ein leuchtendes Griffbrett Anfängerinnen und Anfängern tatsächlich beim Lernen hilft. Nach einigen Übungseinheiten muss ich zugeben, dass das Konzept durchaus seinen Reiz besitzt. Es macht schlicht Spaß, sich Skalen oder Akkorde direkt auf dem Instrument anzeigen zu lassen und unmittelbar auszuprobieren.

Selbst als erfahrener Gitarrist konnte ich der App noch etwas abgewinnen, obwohl einige Skalen bei mir über die Jahre etwas eingerostet waren. Obwohl ich eigentlich keinen weiteren „Crashkurs“ benötigte, hat die übersichtliche Darstellung einige eingestaubte Skalen und Akkordformen wieder ins Gedächtnis gerufen.

Gerade das freie Experimentieren mit unterschiedlichen Skalentypen funktioniert angenehm intuitiv und macht zur Abwechslung auch mal wieder Spaß.

Braucht man es wirklich, um besser üben zu können?

Dennoch blieb meine anfängliche Skepsis nicht vollständig unbegründet. Letztlich lassen sich sämtliche Skalen, Akkorde und Griffbilder ebenso in Lehrbüchern oder innerhalb weniger Sekunden im Internet finden. Im Zweifel lässt sich die Litejam-App auch ohne Gitarre nutzen, um eine übersichtliche Akkord- und Skalenbibliothek schnell abrufbereit zu haben. Rein objektiv betrachtet ersetzt das LED-Griffbrett also keine klassische Musiktheorie.

Die entscheidende Frage lautet deshalb: Erleichtert die Litejam tatsächlich das Lernen oder handelt es sich eher um eine technische Spielerei?

Meine Antwort liegt irgendwo dazwischen. Wer ohnehin gerne Theoretisch arbeitet, wird die meisten Inhalte vermutlich bereits kennen und die LEDs eher als nette Ergänzung wahrnehmen. Für Einsteiger oder Gitarristen, die bisher Schwierigkeiten hatten, Theorie und Praxis miteinander zu verbinden, kann das visuelle Konzept dagegen durchaus den entscheidenden Motivationsschub liefern. Gerade die direkte Übertragung theoretischer Griffbilder auf das Instrument macht abstrakte Zusammenhänge deutlich greifbarer. Insbesondere dann, wenn kein Gitarrenlehrer zur Verfügung steht, der diese Inhalte praktisch vermittelt.

Hat man die Lernphase irgendwann hinter sich gelassen, bleibt die Gitarre dennoch interessant. Im Performance-Modus verwandelt sich das Griffbrett in eine frei konfigurierbare Lichtshow, deren Farben und Animationen individuell angepasst werden können. Für Live-Auftritte oder Social-Media-Content sorgt das definitiv für einen zusätzlichen Hingucker.

Bespielbarkeit & Handling

Spürt man die LEDs im Griffbrett der Litejam Smart Guitar?

Eine weitere Frage, die ich mir gestellt habe, lautete: Spürt man die LEDs überhaupt beim Spielen? Kurz gesagt: Es gibt praktisch keinen Unterschied zu einer herkömmlichen E-Gitarre. Die LEDs sind sauber im Griffbrett eingelassen und während des Spielens haptisch nicht wahrnehmbar. Weder Slides noch Bendings werden dadurch beeinträchtigt und nach kurzer Zeit vergisst man sogar, dass sich überhaupt LEDs unter den Fingern befinden, sofern man im Flow ist.

Einen Kritikpunkt konnte ich im Praxistest allerdings nicht ignorieren. Um die LEDs zuverlässig erkennen zu können, musste ich mich gerade zu Beginn immer wieder nach vorne beugen. In einer normalen Sitzposition überlagern sich die LEDs aus der natürlichen Blickrichtung teilweise, sodass man den Kopf bewusst weiter über das Griffbrett bewegen muss, um die Muster sauber erkennen zu können.

Gerade Anfängerinnen und Anfänger, die noch stark auf die LED-Anzeigen angewiesen sind, könnten sich dadurch unbewusst eine ungünstige Spielhaltung angewöhnen. Ich selbst habe mich immer wieder dabei erwischt, wie ich meinen Oberkörper nach vorne verlagerte, um bestimmte Griffbilder oder Skalenverläufe besser erkennen zu können. Das ist zwar kein gravierender Mangel, sollte beim Kauf jedoch berücksichtigt werden.

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Ursprünglich auf der diesjährigen NAMM Show im Januar vorgestellt, wurden die unter dem Kürzel MDM geführten Bässe nun endlich ausgeliefert. Wir haben die Gelegenheit genutzt, Hand an den Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White als fünfsaitigen Vertreter zu legen und nachgehört, was die Neuzugänge so alles drauf haben!

Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White – Die Features im Überblick

• Erlekorpus mit Pearl White Hochglanz-Finish
• Roasted Maple Neck mit MDM5-Profil
• Ibanez All-Access Neck Joint
• Palisandergriffbrett mit Dot-Einlagen
• 24 Medium-Bünde aus Edelstahl
• Zwei Ibanez Delta S5J Single-Coil-Tonabnehmer (passiv)
• Ibanez Sonitech S Preamp mot 3-Band-Klangregelung
• Ibanez Aero-light Mechaniken
• Ibanez MR5S Bridge
• Pearl White Hochglanz-Finish
• Inklusive Gigbag
• Preis: ca. € 1199,-

Mode-Korpus aus Erle

Los geht’s mit einem Blick auf die Verarbeitung und das elegante Pearl White Hochglanz-Finish. Besonders ins Auge fällt zunächst der geschwungene Offset-Korpus aus massiver Erle, dessen Konturen klare Jazz-Bass-Genetik erkennen lassen. Die Platzierung der Taille ist sehr durchdacht, denn beim ersten Kontakt mit dem Instrument im Sitzen rutscht der Mode Bass nahezu von alleine in eine komfortable Spielposition, die er auch zuverlässig beibehalten möchte. Hier spielen natürlich auch die sogenannte Forearm Contour zur Auflage der Picking-Hand sowie der rückseitige Belly Cut eine nicht zu unterschätzende Rolle. Der Hals aus Roasted Maple kommt hingegen im recht schlanken MDM5-Profil und trägt ein Palisandergriffbrett mit Edelstahl-Bünden. Hier sind also die ersten Pluspunkte angesagt. Das Setup ab Werk ist allerdings nicht ganz ideal, lässt sich mit ein wenig eigener Schrauberei am Halsstab und den Saitenreitern aber erstaunlich gut anpassen.

Ibanez Delta S5J Single-Coils

Die zweifache Single-Coil-Ausstattung ist als deutlicher Verweis auf das Vorbild zu lesen. Die beiden Einzelspuler hören auf den Namen Ibanez Delta S5J, wobei die Modellbezeichnung Auskunft über die jeweilige Saitenzahl sowie den Stil der Pickups gibt. Hier handelt es sich also klar erkennbar um einen J-Style Pickup für Fünfsaiter. Besonders edel wirkt das Zusammenspiel der geschwärzten Magneten mit dem ebenfalls schwarz gehaltenen Kunststoffgehäuse, das gibt gerade auf der Pearl-White-Ausführung ein schickes und kontrastreiches Bild ab. Die Tonabnehmer sind übrigens passiv ausgeführt und werden über eine äußerst umfangreiche Aktiv-Elektronik gesteuert.

Ibanez Sonitech S Aktiv-Elektronik

Ein Blick auf das Control-Layout zeigt recht schnell, dass beim Ibanez Mode MDM1005-PW Pearl White weitaus mehr unter der Haube schlummert, als die Standardausrüstung der mittlerweile über 60 Jahre alten Vorlage bietet. Sage und schreibe sechs Potis und ein zusätzlicher Schalter mit drei Positionen bevölkern die untere Front des Ibanez Mode MDM1005-PW. Da man hier recht schnell den Überblick verlieren kann, liefert Ibanez die entsprechenden Funktionen aller Bedienelemente dankbarerweise im Rahmen einer anschaulichen Grafik gleich mit.

Das vordere Regler-Abteil gibt uns zunächst einen Master Volume an die Hand. Darauf folgt als nächstes der Balance-Regler, der eine besonders wichtige Komponente im vielfältigen Klangspektrum des E-Bass darstellt. Der dritte Regler ist eine klassische Höhenblende, die lediglich im Passiv-Modus wirkt und im Aktiv-Modus ohne Funktion ist. Per Push/Pull-Schaltung des Tone-Poti können wir hier aber jederzeit recht einfach zwischen beiden Modi hin- und herwechseln.

Die hinteren Reglereinheiten bilden schließlich den Equalizer, hier verbergen sich also von vorn nach hinten bzw. von unten nach oben gelesen Bass, Middle und Treble. Der Bass- und Treble-Regler agieren fast schon wie Kuhschwanzfilter mit leichter Abflachung am Ende der Kurve, der Peak reicht bis zu 18 dB Boost oder Cut. Hier sind also wirklich enorme Anpassungen möglich. Alle Regler verfügen über eine Mittenraste, sodass wir immer in Ausgangsstellung zurückfinden.

6 verschiedene Mittenfrequenzen dank Hexa Mid System

Wer Wert auf ein gepflegtes Mittenspektrum legt, wird mit dem integrierten Hexa Mid System seine helle Freude haben. Über den 3-Way Mid Frequency Switch auf der Vorderseite stehen nämlich jeweils drei Mittenfrequenzen zur Wahl, die der Mittenregler bearbeitet. Im Low-Modus agiert dieser wahlweise bei 250 Hz, 450 Hz oder 850 Hz. Wenn wir das Hex-System rückseitig hingegen auf den High-Modus umschalten, können wir zwischen 350 Hz, 600 Hz und 1 kHz wählen. Das macht den Mode Bass zu einem der flexibelsten Instrumente auf dem Markt und verhindert, dass er sich aus klanglicher Sicht in eine eng gefasste Nische zwängen lassen muss.

Solide Ibanez Hardware

Wie bei Instrumenten aus dem Hause Ibanez üblich, entstammen die verwendeten Hardware-Parts der hauseigenen Entwicklung. Hierbei orientiert sich Ibanez allerdings auch klar an bewährten Teilen anderer Hersteller. Ein Blick auf die besonders leichtgewichtigen Ibanez Aero-light Mechaniken lassen erkennen, dass man mehr oder minder deutlich dem Aufbau der Schaller BM Light mit halboffenem Gehäuse gefolgt ist. Dennoch ist hier wirklich erstaunliche Technologie hinter: Durch die Verwendung von Duralumin sind die Tuner trotz großer Lolipop-Flügel bemerkenswert leicht, Kopflastigkeit ist also auch beim Five-String wirklich kein Thema.

Ebenfalls als recht praktisch erweist sich die Ibanez MR5S Bridge, die streng genommen aus fünf einzelnen Brücken für jede Saite besteht. Bemerkenswert ist zunächst das äußerst flache Profil der Saitenreiter, das Techniken wie Palm Mutes besonders komfortabel von der Hand gehen lässt. Neben der Möglichkeit, Intonation und Saitenlage für jede Saite einzeln einzustellen, lässt sich darüber hinaus sogar das String Spacing pro Saite anpassen. Dieses ist ab Werk mit 18 mm für den 5-String angegeben, lässt sich aber noch um bis zu 1,5 mm in beide Richtungen korrigieren. Wer also gerne etwas mehr Platz zwischen den tiefen Saiten möchte, um Double Thumbs à la Victor Wooten besser umsetzen zu können, kann dies ganz einfach im Hand- bzw. Innensechskantschlüsselumdrehen tun.

Sound Test – für jeden Spaß zu haben?

Nachdem die Rahmenbedingungen soweit geklärt sind, kommen wir zum Sound Check. Gerade für einen Bass, der sich in keine Sparte alleinig zu Hause fühlt, stehen einige Tests auf dem Programm, die möglichst viele Spielrichtungen und-stile abdecken und sowohl Aktiv- als auch Passiv-Modus erkunden.

Passiv-Modus

Bevor wir ans Eingemachte gehen, überprüfen wir zunächst die rein passiven Qualitäten des Ibanez Mode MDM1005. Hier lohnt es sich übrigens sehr, mit einem klassischen Vertreter des Jazz Bass zu vergleichen, da – bis auf den Blend-Regler anstelle der separaten Volumes – wir von nahezu identischen Bedingungen ausgehen können.

Mit voll aufgedrehten Volume- und Tone-Reglern und dem Blend-Poti in Mittelstellung, also mit beiden Pickups aktiv, ergibt sich ein breit aufgestellter Sound mit weitreichendem Dynamikspielraum. Das Top-End ist detailliert und kann auch einzelne Feinheiten präzise wiedergeben, insgesamt ist das Klangbild jedoch recht mittig-warm. Dabei ergibt sich ein charakteristisches Knurren, das man fast schon in Preci-Gefilde verorten würde. Im direkten Vergleich wird jedenfalls sehr deutlich klar, dass der Ibanez Mode MDM1005 die unverkennbare DNA des Jazz Bass transportiert.

Wenn wir den Sound in seiner Einzelteile dividieren und mit dem Blend-Regler auf den reinen Sound des Neck Pickup wechseln, wird schnell klar, dass die knurrige Komponente ganz klar der Halsposition entstammt. Der Bridge Pickup stellt bekanntermaßen das Top End bereit, das alleinstehend betrachtet allerdings auch etwas zu klar, zu dünn ausfallen kann. Mit etwas geringerer Einstellung des Tone-Reglers lassen sich dem Stegtonabnehmer zwar auch stand-alone gespielt einige interessante Sounds entlocken, die mit etwas schlankerem und weniger schwerem Charakter brillieren. Am besten lässt sich die Funktion des Bridge-Pickup aber als Gewürz beschreiben, mit dem sich der wunderbar knarzige Sound des Neck Pickup bei Bedarf mit zusätzlicher Klarheit garnieren lässt.

Aktiv-Modus

Mit dem Tone-Poti in unterer Schaltposition befeuern wir schließlich den aktiven Schaltkreis des Ibanez Sonitech S Preamp und erhalten Zugriff auf die integrierte 3-Band-Klangregelung. Mit allen Reglern in Nullstellung ergibt sich zunächt schon ein ausgewogener Sound, der im Vergleich zum rein passiven Klang etwas mehr Bite und Definition in den hohen Mitten mit sich bringt. Vom Ausgangsklang der Flat-Stellung drehen wir den Bassregler ein wenig auf, das funktioniert hervorragend. Der Sound enthält einen gefüllten Low-End-Bereich, der erst im äußersten Randbereich dazu neigt, matschig zu klingen.

Über den Treble-Regler können wir den Höhen einen enormen Boost verleihen, müssen jedoch aufpassen, nicht auch die in diesem Bereich häufiger anzutreffenden Single-Coil-Störgeräusche in den Vordergrund zu stellen. Beim Treble-Cut wird der Sound spürbar dumpfer, allerdings nicht in derselben Intensität der passiven Höhenblende.

Den mit Abstand deutlichsten Unterschied bringt letztendlich der Mitten-Regler, der mit seinen sechs unterschiedlichen Mittenfrequenzen für nahezu jeden Spaß zu haben ist. Ein leichter Boost der tieferen Frequenzen um 350 Hz liefert zusätzlichen Tiefmitten-Punch, knarzig-vokale Jazz-Klänge erreichen wir hingegen im Bereich der 600 Hz. Wer hier stattdessen cuttet, kommt hingegen beim kühleren Scooped-Sound aus, der sich für High-Gain-Anwendungen des Metal besonders hervorragend eignet. Alles in allem lässt sich sagen, dass die zur Auswahl stehenden Frequenzen wohlüberlegt sind und sich in jeder Einstellung musikalisch anwenden lassen.

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Anstelle einer klassischen Ahorn- oder Riegelahorndecke setzt PRS hier auf eine auffällig gemaserte Mango-Decke, deren Muster sich nochmals deutlich von anderen Maserdecken unterscheidet. Neben der Optik wollen wir uns natürlich genauso die Technik unter der Haube anschauen. Die Custom 24-08 ist nämlich mit zwei TCI-Humbuckern ausgestattet, die mittels separat bedienbarer EQ-Mini-Switches authentische Split-Single-Coil-Sounds liefern. Dank dieses Schaltungskonzepts sollen diese besonders klar und dynamisch klingen – dazu jedoch später mehr!

Auf dem Papier liest sich die Ausstattung jedenfalls vielversprechend. Wie sich die Custom 24-08 Mango Top in der Praxis schlägt und ob dieses nicht gerade preiswerte Modell einen spürbaren Mehrwert gegenüber den regulären Core-Varianten der Custom 24-08 bietet, erfahrt ihr im folgenden Testbericht.

Verarbeitung und Ausstattung: Ein echter Leckerbissen!

Ich muss gleich zu Beginn sagen: Die Decke muss man definitiv live sehen! Auf den Werksbildern wirkte das Fire Red to Grey Black Fade-Finish auf den ersten Blick gar nicht mal so spektakulär – zumindest nicht im Vergleich zur PRS McCarty 594 Mango Top in Black Gold Burst, dessen Mangoholz-Decke wirklich positiv ins Auge sticht.

Vor allem die roten Bereiche kommen wesentlich kräftiger zur Geltung und setzen die Maserung der Mango-Decke wunderbar in Szene. Gerade diese Decke dürfte das eigentliche Highlight dieser Limited Edition sein. Ihre individuelle Struktur unterscheidet sich deutlich von den gewohnten Riegel- oder Flammahorndecken und sorgt dafür, dass jedes Instrument seinen eigenen Charakter besitzt.

Ansonsten setzt PRS auf die bewährten Spezifikationen der 24-08-Modelle. Der Mahagonikorpus wird mit einem geleimten Mahagonihals kombiniert, dessen Pattern Thin-Profil gemeinsam mit dem 10″-Griffbrettradius und der 25″-Mensur sofort das vertraute PRS-Spielgefühl vermittelt. Das Ziricote-Griffbrett mit den klassischen Bird-Inlays rundet den hochwertigen Gesamteindruck gelungen ab und fühlt sich beim Greifen erster Akkorde wirklich gut an.

Auch die Hardware bewegt sich erwartungsgemäß auf gewohnt hohem Niveau und wirkt insgesamt hochwertig verarbeitet. Das Gen III Tremolo funktioniert präzise, während die Phase III Locking Mechaniken zuverlässig für Stimmstabilität sorgen. Besonders erfreulich fiel im Test die allgemeine Verarbeitungsqualität auf. Obwohl man selbst bei hochpreisigen Instrumenten gelegentlich kleinere Lack- oder Verarbeitungsmängel entdecken kann, präsentierte sich das Testmodell in dieser Hinsicht absolut tadellos.

TCI-Humbucker und die 24-08-Schaltung

Eine der größten Besonderheiten der Custom 24-08 sind die beiden Mini-Switches, mit denen sich beide TCI-Humbucker unabhängig voneinander splitten lassen. Dadurch entstehen deutlich mehr Klangvarianten als bei einer klassischen Custom 24.

Die von PRS entwickelte TCI-Technologie (Tuned Capacitance and Inductance) soll dabei insbesondere im Single-Coil-Betrieb überzeugen. Während viele gesplittete Humbucker etwas dünn oder kraftlos wirken, verfolgt PRS hier das Ziel, einen authentischeren Single-Coil-Charakter mit mehr Definition und Dynamik zu erzeugen.

Im Praxistest funktionierte das Umschalten im Spielfluss problemlos und erweitert die klanglichen Möglichkeiten sinnvoll. Der Unterschied zwischen Humbucker- und Split-Betrieb fällt allerdings weniger spektakulär aus, als man zunächst erwarten könnte. Die gesplitteten Sounds wirken dennoch ausgewogen und liefern genau das, was man von einer modernen PRS erwartet: transparente Cleansounds mit guter Saitentrennung, ohne dabei zu spitz oder kraftlos zu werden.

Im Vergleich zu anderen Split-Schaltungen über beispielsweise Push/Pull-Potis oder herkömmliche 5-Wege-Schalter fiel im Test kein besonders großer Unterschied auf. Das dürfte allerdings auch daran liegen, dass moderne PRS-Humbucker generell bereits sehr ausgewogen auf den Split-Betrieb abgestimmt sind. Der eigentliche Vorteil der beiden Mini-Switches liegt daher weniger in einem grundlegend anderen Klangkonzept als vielmehr in der flexibleren Bedienung. Da sich beide Humbucker unabhängig voneinander splitten lassen, stehen deutlich mehr Pickup-Kombinationen zur Verfügung, die sich schnell und intuitiv abrufen lassen. Einen klanglichen Quantensprung gegenüber anderen gut umgesetzten Split-Schaltungen sollte man allerdings nicht erwarten.

Sound

Getestet wurde die Gitarre sowohl an klassischen Röhrenverstärkern als auch über verschiedene Modeling-Systeme. Unabhängig vom verwendeten Setup blieb der Grundcharakter des Instruments stets erhalten und das Feedback der Gitarre zum Amp fühlte sich durchweg sehr gut an.

Die TCI-Humbucker liefern dabei einen ziemlich ausgewogenen Sound mit hoher Transparenz und guter Dynamik. Cleansounds profitieren von einer angenehmen Offenheit, während verzerrte Sounds definiert bleiben und auch bei höheren Gain-Einstellungen eine saubere Saitentrennung ermöglichen. Gerade moderne High-Gain-Sounds profitieren von der klaren Ansprache der Pickups, ohne dass dabei Wärme oder Druck verloren gehen, weshalb sich diese Mango Top definitiv auch für härtere Gefilde eignet.

Die Split-Sounds ergänzen das Klangspektrum sinnvoll und liefern authentische Single-Coil-Varianten für Cleansounds oder leicht angezerrte Crunch-Sounds. Im direkten Vergleich zu anderen modernen Split-Konzepten – insbesondere innerhalb der aktuellen PRS-Core-Serie – stellen sie jedoch keinen wirklichen Gamechanger dar. Vielmehr handelt es sich um hervorragend funktionierende 24-08 Schaltung, die ohnehin schon in der Vergangenheit überzeugt.

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Was hat eine 27,7″-Baritone-Gitarre mit Ed Sheeran zu tun? Auf den ersten Blick vermutlich nicht besonders viel. Dennoch haben PRS und der britische Singer-Songwriter im Januar eine der wohl interessantesten Signature-Gitarren des Jahres 2026 vorgestellt. Die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash Limited Edition hebt sich dabei nicht nur durch ihr auffälliges Design von herkömmlichen PRS-Hollowbody-Modellen ab, sondern vor allem durch ihre enorme Mensur von 27,7 Zoll. In Kombination mit dem integrierten Piezo-Tonabnehmersystem ergibt sich ein wirklich spannendes Signature-Modell.

Nun, wenn man an Ed Sheeran denkt, kommen den meisten Menschen vermutlich zunächst ausverkaufte Stadiontourneen, Loopstations und Hits wie Shape of You, Perfect oder Thinking Out Loud in den Sinn und keine Baritone-E-Gitarren.

Weniger bekannt ist hingegen, dass Sheeran in seiner Jugend großer Fan von Metal-Bands wie Slipknot oder Cradle of Filth war. Seine Begeisterung für härtere Musikrichtungen zeigte sich auch später wieder: So veröffentlichte er 2021 mit Bad Habits eine Neuinterpretation des Songs gemeinsam mit der britischen Metalcore-Band Bring Me The Horizon.

Diese Vorliebe spiegelt sich auch in seiner limitierten Signature-Gitarre wider, während gleichzeitig seine Affinität für kreative Akustik-Kompositionen gleichermaßen in diesem Baritone-Brett steckt. Denn anstelle einer klassischen Akustikgitarre oder einer kompakten Singer-Songwriter-E-Gitarre setzt die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash Limited Edition auf eine Baritone-Konstruktion mit 27,7″-Mensur, Piezo-System und Hollowbody-Bauweise.

Damit präsentiert sich die Cosmic Splash als außergewöhnliche Mischung aus E-Gitarre, Akustikgitarre und Baritone-Instrument, die auf dem Papier definitiv einiges zu bieten hat. Deshalb schauen wir uns im Folgenden genauer an, wie sich das Instrument in der Praxis schlägt und wie gut Spielgefühl, Ausstattung und Klang tatsächlich überzeugen können.

Ausstattung und Features

Die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash basiert konstruktiv auf der SE Hollowbody I Piezo Baritone und wird weltweit auf lediglich 1.000 Exemplare limitiert angeboten. Optisch hebt sich das Instrument deutlich von anderen PRS-Modellen ab. Das auffällige „Cosmic Splash“-Finish basiert auf Ed Sheerans „Cosmic Carpark“-Artwork und verleiht der Gitarre einen eigenständigen Charakter, der sich dank des Satin-Finish klar von traditionellen PRS-typischen Riegelahorn-Burst- oder Uni-Lackierungen in Highgloss absetzt.

Der Hollowbody-Korpus kombiniert einen Mahagoni-Boden mit einer Ahorn-Decke, während ein Ahornhals und ein Palisandergriffbrett mit speziell gestalteten Media-Button-Inlays zum Einsatz kommen. Die Inlays zeigen Symbole wie Play, Pause, Rewind oder Fast-Forward und greifen damit die Verbindung zwischen Musik und Kunst auf. Selbst das Trussrod-Cover trägt ein passendes Play-Symbol.

Das Herzstück der Gitarre bildet jedoch ihre äußerst vielseitige Elektronik: Neben zwei PRS 85/15 „S“ Humbuckern verfügt die Cosmic Splash über ein integriertes PRS/LR Baggs Piezo-System in der PRS Adjustable Stoptail Piezo Bridge.

Besonders interessant sind dabei die beiden Klinkenbuchsen: Neben dem regulären Mix/Piezo-Ausgang steht ein separater Magnetic-Ausgang zur Verfügung. Werden beide Buchsen gleichzeitig genutzt, lassen sich Humbucker- und Piezo-Signal unabhängig voneinander an verschiedene Verstärker, Effektketten oder Recording-Setups schicken. Dadurch sind kreative Stereo-Rigs, Dual-Amp-Setups oder parallele Akustik- und E-Gitarren-Sounds problemlos realisierbar.

Ab Werk ist die Signature-Gitarre mit einem PRS-Saitensatz mit Stärke .014–.068 ausgeliefert und auf das Standard H-Baritone-Tuning H–E–A–D–F#–H eingestellt.

Praxistest

Beim ersten Anspielen fällt auf, wie angenehm die Cosmic Splash in der Hand liegt. Die Hollowbody-Konstruktion sorgt für ein leichtes und ergonomisches Spielgefühl, während das Instrument allgemein sehr ausbalanciert ist und durch das Satin-Finish eine schöne Haptik besitzt. Sowohl im Sitzen als auch im Stehen wirkt die Gitarre durchweg ausgewogen und komfortabel.

Die 27,7″-Mensur verlangt selbstverständlich zunächst etwas Eingewöhnung, wenn man nicht primär an Baritone-Instrumente gewöhnt ist. Wer überwiegend auf klassischen 24,75″- oder 25,5″-Gitarren unterwegs ist, wird die zusätzliche Halslänge unmittelbar bemerken. Nach etwas Einspielzeit verschwindet dieses Gefühl jedoch in der Regel. Ich konnte mich zumindest nach kurzer Zeit in jeder Lage gut zurechtfinden.

Besonders positiv fiel mir auf, dass die lange Mensur trotz der dicken Werkssaiten nie unangenehm wirkt. Gerade im Baritone-Bereich habe ich bei Instrumenten mit langen Mensuren bereits häufiger erlebt, dass die Diskantsaiten etwas schwammig, schwer kontrollierbar oder gar labbrig wirken können. Bei der Cosmic Splash trat dieses Problem überhaupt nicht auf. Selbst in höheren Lagen und bei stärkeren Bendings blieb das Spielgefühl angenehm kontrollierbar.

Auch der PRS-typische Griffbrettradius von 10 Zoll funktioniert für mich in dieser Baritone-Konfiguration hervorragend. Das Instrument vermittelt insgesamt einen sehr ausgewogenen Eindruck und lädt dazu ein, deutlich mehr Zeit mit Experimentieren zu verbringen als ursprünglich geplant.

Tonabnehmer

PRS/LR Baggs Piezo-Tonabnehmer und 85/15 “S” Humbucker

Klanglich bietet die Cosmic Splash ein wirklich umfangreiches Klangkonzept, das zwischen anmutigen Piezo-Sounds und magnetischen Pickups jogliert. Die verbauten PRS 85/15 „S“ Humbucker decken mühelos ein breites Spektrum von Clean-Sounds bis hin zu modernen High-Gain-Anwendungen ab. Natürlich ist die Gitarre aufgrund ihrer langen Mensur, der dicken Saiten ab Werk sowie der Baritone-Konstruktion kein Allround-Instrument für jedes Genre. Genau darin liegt jedoch ein großer Teil ihres Reizes.

Die werksseitigen .014–.068-Saiten waren für mich zunächst die größte Umstellung. Als Gitarrist, der überwiegend mit Plektrum spielt und normalerweise auf 10–52er-, 10–54er- oder 10–56er-Sätzen unterwegs ist, fühlen sich diese Saiten zunächst äußerst massiv an. Gleichzeitig erzeugen sie aber einen beeindruckend vollen Grundklang, insbesondere bei offenen Akkorden und breiten Voicings, ganz in Westerngitarren-Manier.

In Kombination mit der resonanten Hollowbody-Konstruktion entsteht ein authentisches Akustik-Gefühl. Das Instrument reagiert dabei sehr dynamisch auf Anschlagstärke und Spielweise: Fingerpicking oder einzelne Melodielinien profitieren von einem wunderbaren Attack und einer angenehmen Wärme.

Interessanterweise fiel mir jedoch auf, dass sich Piezo- und Humbucker-Signal nicht immer so stark voneinander unterscheiden, wie man es vielleicht erwarten würde, was primär am Verstärkersetup liegt. Über hochwertige Clean-Amps wie einen Vox AC30, Fender Princeton oder auch die Clean-Kanäle eines Marshall JVM lassen sich durchaus deutliche Unterschiede und sehr schöne Akustik-ähnliche Sounds herausarbeiten. Über kleinere Übungsverstärker hingegen wirken die Sound-Unterschiede beider Tonabnehmer-Systeme deutlich geringer. Wer also einen möglichst authentischen Akustikklang erwartet, sollte darauf achten, den Piezo-Sound über einen passenden Clean- oder Akustikgitarrenverstärker wiederzugeben, der gegebenenfalls auch tiefgreienderer Anpassungen am Sound gewährt, um Höhen und Attack-Verhalten spontan anpassen zu können.

Unabhängige Signalwege für Experimente und kreative Ausflüsse

Genau dafür eröffnet die getrennte Signalführung spannende Möglichkeiten. Die Option, Piezo- und Humbucker-Signal auf zwei unabhängige Signalwege zu verteilen, lädt regelrecht zum stundenlangen Experimentieren mit verschiedenen Verstärkern, Effektgeräten oder völlig abgedrehten Stereo-Signalketten ein. Während die magnetischen Tonabnehmer beispielsweise durch einen herkömmlichen E-Gitarren-Amp laufen können, lässt sich das Piezo-Signal parallel über einen Akustik-Amp, einen zweiten E-Gitarrenverstärker oder über einen Modeler direkt in Interface schicken. Gerade für Recording-Anwendungen und kreative Sounddesign-Ideen entstehen dadurch zahlreiche Möglichkeiten.

Am meisten überrascht hat mich jedoch die kreative Wirkung der Gitarre selbst. Ursprünglich wollte ich die Cosmic Splash vor allem mit High-Gain-Amps und tiefen Tunings testen. Schließlich schreien die lange Mensur, die dicken Saiten und das Baritone-Tuning förmlich nach Downtunings und schweren Riffs.

Gleichzeitig entwickelte sich der Piezo-Sound für mich jedoch schnell zum eigentlichen Highlight des Instruments. Die Kombination aus Baritone-Tuning, Hollowbody-Konstruktion und Akustik-artigen Klangfarben eröffnet Klangwelten, die ich in dieser Form nicht erwartet hätte. Die Gitarre lädt förmlich dazu ein, neue Akkordvoicings auszuprobieren, Bass-Lines und Akkorde zu loopen oder mit alternativen Signalwegen zu experimentieren.

Der beste Freund für Looper-Fans!

Stichwort Looper: Gerade in Kombination mit einem umfangreicheren Looper-Pedal lassen sich mit der Cosmic Splash im Handumdrehen komplette Arrangements aufbauen. In meinem Test habe ich beispielsweise zunächst eine einfache Basslinie über vier Takte eingespielt, darauf Akkorde gelegt und anschließend verschiedene Melodien improvisiert.

Natürlich lässt sich ein solches Vorgehen grundsätzlich auch mit einer herkömmlichen Akustik- oder E-Gitarre umsetzen. Die Baritone-Konstruktion verleiht den einzelnen Spuren jedoch deutlich mehr Fundament und Tiefe. Insbesondere Bassbegleitungen oder tiefere Akkordvoicings profitieren spürbar von der langen Mensur und der tiefen Stimmung, was hier im Vergleich zu herkömmlichen Mensuren den großen Unterschied macht.

Werden die Basstöne über den Piezo-Tonabnehmer geloopt, während Akkorde und Leads über die magnetischen Pickups eingespielt werden, eröffnet die Cosmic Splash mit nur einem Instrument eine beeindruckende klangliche Bandbreite. Genau darin liegt letztlich ihre größte Stärke: Die Cosmic Splash ist keine typische Signature-Gitarre, die lediglich den Namen eines bekannten Künstlers trägt. Stattdessen verfolgt PRS hier ein spannendes Konzept, das man in dieser Form nur selten findet. Während viele Baritone-E-Gitarren klar auf moderne Metal-Anwendungen ausgerichtet sind, verbindet dieses Modell tiefe Tunings, Piezo-Sounds, Hollowbody-Resonanz sowie klassische magnetische Tonabnehmer-Klänge zu einem umfangreichen Gesamtpaket.

Wir springen kopfüber in härtere Gefilde

Gleichzeitig wollte ich wissen, wie souverän sich die Cosmic Splash in härteren Gefilden behauptet. Dafür habe ich sie unter anderem über einen Mesa/Boogie Mark VII Combo, den vierten Kanal eines Marshall JVM Topteils sowie einen EVH 5150 getestet.

Gerade hier zeigt sich, dass die Baritone-Konstruktion auch für Modern Metal, Metalcore und verwandte Subgenres hervorragend funktioniert. Tiefe Riffs und Drop-Tunings lassen sich sehr tight umsetzen, während die lange Mensur für die nötige Straffheit und Definition im Bassbereich sorgt.

Ich war außerdem so frei, die werksseitige Baritone-Stimmung in Standard H (H–E–A–D–F#–H) auf Drop A abzusenken, indem ich die tiefe H-Saite um einen Ganzton herunterstimmte, und habe die Gitarre anschließend ausgiebig in verschiedenen Riff- und Lead-Kontexten getestet. Darüber hinaus ging es noch deutlich tiefer: Selbst bei einer weiteren tonalen Absenkung um zwei Ganztöne überzeugte die Cosmic Splash mit straffer Definition. Hier spielt die lange Mensur ihre Stärken voll aus, denn selbst in diesen tiefen Registern blieben einzelne Noten klar nachvollziehbar und wirkten nie schwammig oder undefiniert.

Preis und Verfügbarkeit

Ein weiterer Diskussionspunkt ist sicherlich der Preis. Mit einer UVP von 1.919 Euro bewegt sich die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash bereits in einem Bereich, in dem viele Gitarristinnen und Gitarristen eher zu einer höherwertigen PRS-Core-Gitarre oder anderen Premium-Instrumenten schielen dürften. Für eine SE-Serie ist dieser Preis zunächst ungewohnt hoch, da sich viele Modelle der Baureihe üblicherweise um die 1.000-Euro-Marke bewegen. Gleichzeitig handelt es sich hier jedoch keineswegs um eine gewöhnliche SE-Gitarre.

Die Kombination aus Hollowbody-Konstruktion, Baritone-Mensur, integriertem Piezo-System, separaten Signalwegen, limitierter Stückzahl und dem aufwendigen Signature-Design macht die Cosmic Splash zu einem ausgesprochen eigenständigen Instrument. Wer gezielt nach einer vielseitigen Baritone-Gitarre sucht und sich von dem ungewöhnlichen Konzept angesprochen fühlt, erhält daher ein spannendes Gesamtpaket, das weit mehr bietet als eine klassische Signature-Gitarre mit rein kosmetischen Anpassungen.

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Wenn über legendäre Peavey-Verstärker gesprochen wird, fallen häufig zwei Namen: der Bandit 112 und der 5150 beziehungsweise dessen heutiger Nachfolger, der 6505. Während der gemeinsam mit Eddie Van Halen entwickelte 5150 seit den 1990er-Jahren zu den wichtigsten High-Gain-Verstärkern der Metal-Welt zählt und nach dem Ende der Zusammenarbeit mit Van Halen lediglich in 6505 umbenannt wurde, genießt der Bandit unter Gitarristinnen und Gitarristen einen ganz eigenen Kultstatus.

Der Bandit wiederum ist ein ganz eigener Konsorte: Dabei handelt es sich keineswegs um einen Röhrenamp, sondern um einen Transistor-Combo, der insbesondere durch Peaveys hauseigene TransTube-Technologie bekannt wurde. Ziel dieser Schaltung war es, die Dynamik und das Spielgefühl klassischer Röhrenverstärker möglichst authentisch in einem Solid-State-Verstärker nachzubilden.

Mit genau dieser Technologie durfte auch ich meine ersten Recording-Erfahrungen sammeln. Neben meinem ersten Übungsverstärker, dem Marshall MG50FX Transistor-Combo, zog eines Tages ein gebrauchter Peavey Rage 115 bei mir ein, der ebenfalls auf die TransTube-Schaltung setzte. Besonders bemerkenswert war dabei das Spielgefühl: Trotz Transistortechnik wirkte der Verstärker überraschend warm und dynamisch.

Tatsächlich wurde ich von Bekannten und Bandkollegen mehrfach gefragt, ob es sich dabei wirklich um einen reinen Solid-State-Amp handeln würde, da er so garnicht nach einem Transistor klang. Mit diesem kleinen Combo habe ich sogar die Gitarrenspuren für das erste Album meiner Punkrock-Band eingespielt. Der Sound war rau, direkt und angenehm schmutzig, also genau das, was ich für dieses Genre gesucht hatte.

Mit dem Bandit Supreme Preamp bringt Peavey den Sound zweier weiterer Klassiker direkt auf’s Pedalboard. Die Schaltung des Preamp basiert auf der zweiten Generation der Lead-Kanäle des Bandit 112 sowie des Supreme 160 Head und soll den charakteristischen Peavey-Solid-State-Sound der frühen 1990er-Jahre in einem kompakten Format verfügbar machen. Ob das gelingt und wie sich das Pedal im Alltag schlägt, schauen wir uns im folgenden Test genauer an.

Ausstattung und Features

Bereits auf den ersten Blick wird klar, dass Peavey beim Bandit Supreme nicht einfach nur ein weiteres Distortion-Pedal entwickelt hat. Vielmehr handelt es sich um einen vollwertigen Preamp, der gezielt die Charakteristik der historischen Verstärker nachbilden soll. Entsprechend umfangreich fällt die Ausstattung aus.

Für die Verzerrung stehen ein Pre-Gain- sowie ein Post-Gain-Regler zur Verfügung, die unterschiedliche Gain-Strukturen ermöglichen. Ergänzt wird das Konzept durch einen zusätzlichen Gain-Boost-Schalter, der den Verzerrungsgrad nochmals deutlich anheben kann. Darüber hinaus verfügt das Pedal über einen Mid-Shift-Schalter, mit dem sich die Mittenstruktur verändern lässt. Wer klassische Thrash-Metal-Sounds mit abgesenkten Mitten bevorzugt, findet hier schnell den passenden Charakter.

Besonders interessant fällt die Klangregelung aus. Statt auf klassischen EQ-Bezeichnungen setzt Peavey auf die Regler Bottom, Body und Edge, die entsprechend drei Frequenzbänder für Tiefen, Mitten und Höhen darstellen. Jeder dieser Frequenzbereiche lässt sich um bis zu 15 dB anheben oder absenken. Dadurch bietet das Pedal deutlich mehr Eingriffsmöglichkeiten als viele klassische Distortion-Pedale. Intern arbeitet der Bandit Supreme zudem mit einer bipolaren 18-Volt-Spannungsversorgung, obwohl er über ein gewöhnliches 9-Volt-Netzteil gespeist wird. Das sorgt für hohe Dynamikreserven, ein direktes Ansprechverhalten und geringe Nebengeräusche.

Praxistest

Natürlich richtet sich der Bandit Supreme in erster Linie an Spielerinnen und Spieler aus den härteren Gefilden. Entsprechend habe ich das Pedal hauptsächlich mit Humbucker-Gitarren getestet, sowohl mit passiven als auch mit aktiven Tonabnehmern. Bereits nach wenigen Minuten wird deutlich, wie flexibel die Schaltung ausgelegt wurde. Unterschiedliche Pickup-Typen lassen sich problemlos über die umfangreiche Gain- und EQ-Sektion ausgleichen, ohne dass lange Einstellorgien notwendig wären.

Besonders gut gefiel mir der Einsatz vor einem cleanen Verstärker. Hier übernimmt das Pedal praktisch die komplette Vorstufenarbeit und liefert genau die rauen, aggressiven Peavey-Sounds, die man von den klassischen TransTube-Amps kennt. Ebenso überzeugend funktioniert der Bandit Supreme im Return eines Effektschleifwegs, wo die vorhandene Verstärkervorstufe komplett umgangen wird. In beiden Szenarien wirkt das Pedal erstaunlich amp-artig und vermittelt deutlich mehr das Gefühl eines echten Verstärkerkanals als das eines gewöhnlichen Distortion-Pedals.

Großen Anteil daran haben die beiden Gain-Regler. Das Zusammenspiel aus Pre- und Post-Gain eröffnet verschiedene Gain-Stages, die weit über einfache Crunch- und Distortion-Einstellungen hinausgehen. Von kernigen Classic-Rock-Sounds über druckvolle Punkrock-Rhythmusgitarren bis hin zu stark gesättigten Lead-Sounds ist alles möglich. Gerade diese Flexibilität macht den Bandit Supreme deutlich vielseitiger, als es die recht einfache Optik zunächst vermuten lässt.

Klangregelung: 3-Band-EQ mit ±15 dB Anhebung oder Absenkung pro Frequenzband

Ein echtes Highlight ist die Klangregelung des Preamps. Besonders die Mittenbearbeitung fällt ausgesprochen umfangreich aus. Hebt man den Body-Regler an, entstehen durchsetzungsfähige Sounds mit viel Charakter und Präsenz, die sich hervorragend behaupten können.

Wer hingegen moderne Metal-Sounds bevorzugt, kann über den Mid-Shift-Schalter und entsprechende EQ-Einstellungen problemlos die bekannten „Metal-Wannen“ erzeugen. Die Eingriffe wirken dabei stets kontrolliert, ohne dass der Sound künstlich oder überzeichnet erscheint.

Gain-Monster mit eigenständigem Peavey-Sound

Klanglich erinnert mich der Bandit Supreme genau an das, was ich persönlich seit vielen Jahren mit Peavey verbinde. Diese leicht raue, direkte Transistor-Ansprache trifft auf ein überraschend röhrenähnliches Spielgefühl und liefert einen eigenständigen Charakter, der sich angenehm von vielen modernen High-Gain-Preamps unterscheidet. Gerade für fette Punkrock-Chords, Alternative Rock oder moderne Metalcore-Riffs funktioniert das Pedal hervorragend. Dabei wirkt der Sound nie steril, sondern besitzt stets eine gewisse Rohheit, die den historischen Peavey-Verstärkern ihren besonderen Charme verliehen hat.

Besonders gelungen erscheint dabei das Gesamtkonzept des Preamps. Wer den Sound von Bandit- und Supreme-Verstärkern schätzt, erhält hier eine äußerst kompakte Lösung für das Pedalboard. Anstatt auf die Suche nach platzfressenden Vintage-Transistor-Amps zu gehen, bekommt man die charakteristische Klangwelt beider Verstärker in einem einzigen Pedal. Gerade vor diesem Hintergrund erscheint auch das Preis-Leistungs-Verhältnis ausgesprochen attraktiv.

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Was Instrumentenhersteller Yamaha allerdings vor einigen Jahren mit den ersten TransAcoustic-Gitarren geleistet hat, spielt da in einer gänzlich anderen Liga. Echte Effekte wie Reverb oder Chorus ohne externe Effektgeräte und Verstärker, abseits jeglicher Steckdosen und Pedalboards? Was zunächst wie ein Hirngespinst klang, konnten die Yamaha TA-Modelle damals mit ausgeklügelter Transducer-Technik erstaunlich authentisch umsetzen. Mit den neuen TransAcoustic 3 Grade und 1 Grade läutet der Hersteller knapp sieben Jahre später nun die zweite Generation der TransAcoustic-Serie ein. Zum Test stehen die Entry- und Mid-Level-Ausführungen Yamaha TAG1 und Yamaha TAS1E bereit. Was die neuen Gitarren so alles können und ob sie denselben Wow-Effekt wie ihre Vorgänger erzielen können, haben wir uns im Test angeschaut.

Yamaha TransAcoustic – elektrische Effekte akustisch umgesetzt

Zunächst einmal die wichtigsten Fragen vorab: Was bedeutet TransAcoustic? Und wie funktioniert das Ganze eigentlich genau? Die Technologie dahinter hat sich das für R&D zuständige Gitarren-Department tatsächlich bei den hauseigenen Klaviertechnikern angeschaut. Die kamen nämlich auf die geniale Idee, den Resonanzboden des Klaviers mithilfe eines Schallwandlers als Projektionsfläche für allerlei Effekte zu nutzen und beispielsweise die Klangeigenschaften eines echten Bösendorfer-Flügels zu emulieren. Da hier keine separate Lautsprechermembran, sondern dieselben Resonanzelemente, die auch durch die eigentliche Saitenschwingung angeregt werden, zum Einsatz kommen, klingt das Resultat erstaunlich authentisch.

Dieses Prinzip lässt sich natürlich auch mit dem Resonanzkörper einer Westerngitarre problemlos umsetzen. Nur dass man hier nicht den Klangcharakter eines anderen Instrumententypen nachahmt, sondern stattdessen mit klassischen Effekten arbeiten. Beispielsweise mit einem Hall- oder Chorus-Effekt, der wie von Geisterhand im Korpus des Instruments entsteht.

Dreadnought oder Concert?

Die zweite Generation TransAcoustic gliedert sich in drei Serienabstufungen, die jeweils in zwei verschiedenen Bauformen erhältlich sind. Die Modelle TAS vertreten die klassische Concert-Bauform und eignen sich perfekt als handlicher Begleiter für Fingerpicker auf der Suche nach einer klar artikulierten Stimme. Alle als TAG bezeichneten Varianten vertreten hingegen den Klassiker Dreadnought: Gewohnt vollmundig und resonant, sowohl bei Finger- als auch Flatpickern bestens aufgehoben.

Die rein akustischen Qualitäten beider Modelle beweisen beim trockenen Anspielen ganz klar die traditionellen Charaktere ihrer jeweiligen Designs. Hierbei sorgt die massive Sitka-Fichte mit A.R.E.-Behandlung für einen klar definierten, obertonreichen Sound mit klarer Saitentrennung und Definition, die Mahagonizargen und –böden füllen das Spektrum in den Mitten und Bässen gekonnt aus. Im Gegensatz zu den Top-Modellen TAG3 und TAS3 sind die neuen Instrumente nicht vollmassiv, hier muss man beim akustischen Klang der beiden Probanden also gewisse Abstriche in Kauf nehmen. Dafür weist das Preisschild der Elements-Ausführung auch nur etwa die Hälfte des Betrags aus, der für ein 3-Grade-Modell zu zahlen wäre.

Auch die Verarbeitung ist sowohl beim regulären Modell als auch in der Einstiegsklasse tadellos und lässt an keinen Stellen wirklich zu wünschen übrig. Das Gloss-Finish des Korpus wirkt edel, praktischerweise ist der Mahagonihals satiniert. Wer längere Sessions mit verschwitzten Fingern spielt, braucht also keine quietschenden Lagenwechsel zu fürchten. Auf der anderen Seite wartet ein gut spielbares Walnuss-Griffbrett, dessen 44-mm-Breite ein gutes Mittelding für alle möglichen Fingergrößen darstellt und über ausgewogenes String Spacing für Fingerstyle und Plektrumspiel verfügt.

TransAcoustic SYSTEM78 und SYSTEM70

Nun aber zum Eingemachten. Die aktuellste Version der TransAcoustic-Engine hört auf den Namen SYSTEM78 und kommt in den Ausführungen TAG1 C und TAS1 C zum Einsatz. Das große Novum des SYSTEM78 ist der Delay-Effekt, der sich zu den bestehenden Effekten Reverb und Chorus dazu gesellt. Zusätzlich verfügt das System über eine integrierte Looper-Funktion und ein Stimmgerät, die allesamt über ein dezentes Zargen-Cockpit bedient werden. Das SYSTEM70 der Elements-Serie besitzt weniger Effekt-Modes und verzichtet auf Delay, Bluetooth und Looper-Funktion.

Chorus, Reverb & Delay

Der Chorus macht solo gespielt zunächst einen guten Eindruck und sorgt im Double Detune Modus für einen charmanten Wobble-Effekt. Wer etwas betontere Chorus-Effekte sucht, wird hingegen im 4 Voice Mode bestens bedient.

Zeit, etwas Hall in den Mix zu bringen. Mit den drei wählbaren Reverb-Modes Hall, Room und Plate sind hier alle drei Klassiker des Effekts vertreten und bieten zahlreiche Einstellmöglichkeiten per TAG Remote App, was Decay, Tone und Predelay anbelangt. Vom leichten Raumeffekt bis hin zu langanhaltenden Hallfahnen ist hier eine ganze Menge möglich. Gerade der Hall-Effekt hat es mir angetan und entpuppt sich als wahrer Always-On-Effekt, der auf unterschiedlichen Abstufungen in nahezu jedem Kontext brilliert.

Mein absoluter Favorit ist aber das Delay, das den Modellen mit SYSTEM78, also den TAG1C und TAS1 C vorbehalten ist. Im Analog-Modus lassen sich per Time und Feedback vielfältige Echo-Sounds umsetzen. Auf geringeren Settings stellt sich ein wirklich genialer Slapback ein, der Country-Pickings im Stile von Chet Atkins viel Leben und Atmosphäre einhaucht. Wer Feedback und Time etwas weiter aufdreht, kann hingegen kreative Sound-on-Sound-Experimente durchführen, die auf so manche U2-Platte passen würden. Absoluter Hammer!

Looper & Bluetooth

Ein ebenfalls wirklich cooles Feature ist der integrierte Looper, dessen Bedienung sich ohne externes Fußpedal sich mir anfänglich nicht ganz erschlossen hat. Nach einem Blick ins entsprechende Video-Handbuch wurde mir jedochklar, dass der kleine Kreis im unteren Deckenbereich keineswegs zur Deko da ist, sondern als Tap Button für den Looper dient. Und hier zeigt sich das wirklich geniale Konzept des Systems: Die Aufnahme wird am Zargen-Cockpit gestartet und durch einen Tap auf den Decken-Button beendet. Die weiteren Funktionen des Loopers sind auf dem inneren Kranz des Zargen-Cockpits angegeben und bieten alles, um kleine Song-Ideen zu üben oder einfach nur eine Runde mit sich selbst zu jammen.

Apropos Jam: Eine Bluetooth-Schnittstelle befindet sich ebenfalls an Bord. Nachdem das Smartphone oder ein anderes BT-fähiges Abspielgerät gekoppelt ist, spielt der interne Sensor ganze Backing Tracks und Musikstücke in erstaunlich klarer Qualität ab. So lässt sich also nicht nur zu selbst eingespielten Looper-Spuren, sondern auch zum eigenen Lieblingssong spielen. Auch hier muss ich wieder betonen: das alles funktioniert fernab jeglicher Steckdosen. All diese Möglichkeiten stehen also sowohl im Wohnzimmer als auch am Lagerfeuer jederzeit bereit, sofern der Akku ausreichend geladen ist. Mit einer vom Hersteller angegebenen maximalen Spieldauer von 5,5 Stunden ist das schon recht ordentlich. Und selbst wenn der Akku doch Mal leer sein sollte, lassen sich natürlich immer noch zumindest die rein akustischen Qualitäten der Instrumente genießen.

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