Entscheidend ist dabei, dass die Fertigung der bekannten Instrumente, weiterhin in Franken bleibt. Die handwerkliche Substanz des Unternehmens wird also nicht verlagert, sondern bewusst gesichert. Gleichzeitig entsteht eine neue Struktur: Die Markenrechte liegen künftig bei einer Beteiligungsgesellschaft von GEWA und Thomann, während der Vertrieb neu aufgeteilt wird.

Dass Höfner überhaupt in diese Situation geraten ist, hat strukturelle Gründe. Bereits Ende 2025 befand sich das Unternehmen in einer vorläufigen Insolvenzverwaltung. Ausgelöst wurde diese durch rückläufige Nachfrage, steigende Kosten und Probleme im Exportgeschäft. Der Fall ist damit kein Einzelfall, sondern symptomatisch für einen Markt, der unter Druck steht. Stteigende Produktionskosten, volatile internationale Märkte und ein wachsender Wettbewerb durch globalisierte Fertigung machen den Herstellern zu schaffen.

GEWA selbst ist kein klassischer Gitarrenhersteller, sondern ein hybrider Akteur. Das Unternehmen entwickelt eigene Produkte, organisiert internationale Fertigung, hält Markenrechte und fungiert gleichzeitig als zentraler Vertriebspartner für zahlreiche Hersteller. Im Alltag bleibt das für viele Musiker:innen unsichtbar.

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In den vergangenen Jahren hat sich Eisenberg als ebenso versierte Gitarristin wie als stilistisch offene Songwriterin zwischen Art-Rock, Jazz, freier Improvisation und Folk positioniert. Alben wie ‚Auto‘ (2020) oder das ausufernde ‚Viewfinder‘ (2024) standen für diese Suchbewegung. Oft sind diese Aufnahmen anspruchsvoll, verquer, manchmal bewusst überfordernd. Das neue Album erscheint dagegen wie eine klare Entscheidung: weg von der Zerstreuung, hin zu stärkerer Konzentration.

Schräger Folk

Ausgangspunkt dieser Neuorientierung ist ein Ortswechsel und eine damit verbundene ästhetische Verschiebung. Nach dem Umzug von Massachusetts nach Brooklyn begann Eisenberg, sich stärker mit traditionellen amerikanischen Songformen auseinanderzusetzen. Referenzen wie John Prine oder Willie Nelson sind dabei weniger als stilistische Zitate zu verstehen, sondern als Zugang zu einer anderen Form von Zeitlosigkeit. Gleichzeitig bleibt der Blick eigenwillig: Auch Figuren wie Joanna Newsom oder Richard Dawson dienen als Referenzpunkte für ein Folk-Verständnis, das das Schräge, Unaufgelöste immer mitdenkt.

Diese Offenheit prägt auch die Produktionsästhetik. Das Album verabschiedet sich weitgehend von der Idee, die Gitarre als virtuoses Zentrum auszustellen. Stattdessen rückt das Zusammenspiel in den Vordergrund. Mit Musikern wie Trevor Dunn und Ryan Sawyer sowie Co-Produzentin Mari Rubio entsteht ein fast kammermusikalischer Ensembleklang, der bewusst organisch gehalten ist. Viele Aufnahmen entstanden im häuslichen Umfeld – eine Entscheidung, die sich unmittelbar in der Fragilität und Intimität der Stücke niederschlägt. Nichts wirkt überinszeniert.

Wunsch nach Stabilität

Inhaltlich ist das Album stark von einer Phase der Selbstbefragung geprägt, die Eisenberg selbst als „Exorzismus“ beschreibt. Zwischen 2023 und 2024 vollzieht sich eine Art Neujustierung des eigenen Selbstbildes, die sich in den Texten als Suche nach Klarheit und Akzeptanz niederschlägt. Stücke wie ‚Old Myth Dying‘ oder ‚Will You Dare‘ verhandeln Fragen von Kontrolle, Liebe und Zeit, ohne dabei eindeutige Antworten zu liefern. Stattdessen entsteht eine Spannung zwischen Auflösung und dem Wunsch nach Stabilität – ein Motiv, das sich durch das gesamte Album zieht.

Musikalisch zeigt sich diese Spannung in der Balance zwischen Struktur und Offenheit. ‚Meaning Business‘ etwa entwickelt sich von tastenden Akkorden zu einer beinahe barock anmutenden Pop-Form, während ‚Vanity Paradox‘ die Unsicherheit künstlerischer Selbstvergewisserung thematisiert. Das Zentrum des Albums bildet mit ‚Another Lifetime Floats Away‘ ein Stück, das die Zeit selbst zum Thema macht. In lose verbundenen Bildern – familiäre Erinnerungen, Tour-Erfahrungen, Gegenwartsmomente – entfaltet sich eine Reflexion über Vergänglichkeit und Selbstwahrnehmung. Die Perspektive verschiebt sich dabei subtil: vom Kind, das beobachtet, hin zu einer Instanz, die das eigene Leben aktiv mitgestaltet. Es ist einer der wenigen Momente auf dem Album, in denen sich so etwas wie emotionale Eindeutigkeit einstellt.

Tracklist

01. Take A Number
02. Meaning Business
03. Old Myth Dying
04. Another Lifetime Floats Away
05. It’s Here
06. Vanity Paradox
07. Curious Bird
08. The Ultraworld
09. Will You Dare
10. The Walls

Album-VÖ: 03.04.2026
Label: Joyful Noise Recordings
www.wendyeisenberg.com

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Was ist GAS überhaupt?

Hinter dem Kürzel GAS stecken gleich mehrere unterschiedliche Begrifflichkeiten. Steely Dans Walter Becker prägte in den Neunzigerjahren scherzhaft die Begriffe „Guitar Acquisition Syndrome“ für den Drang, immer neue Gitarren kaufen zu wollen. Alternativ hierzu das „Guitar Modification Syndrome“ für die notorischen Bastler unter uns, die es nicht lassen können, ihre Instrumente über den eigentlichen praktischen Nutzen hinaus aufzumotzen. Übrigens auch liebevoll Upgraditis genannt.

Das GAS ist mittlerweile übrigens nicht nur in der Gitarrengemeinde eine wahre Volkskrankheit. Sie grassiert in nahezu jedem kreativen „Prosumer“-Hobby von Musikern wie Gitarren- und Synthie-Nerds über Fotografen bis hin zu Sportlern und Hobby-Handwerkern. Folglich änderte sich die Bedeutung des G in GAS je nach Anwendungsbereich von „Guitar“ auf die allgemeinere Bezeichnung „Gear“.

Der Reiz des Neuen – Dopamin lässt grüßen

Mittlerweile ist das Thema sogar aus psychologischer Sicht erforscht und Bestandteil einiger wissenschaftlicher Studien geworden. Zunächst einmal: Nein, das Gear Acquisition Syndrome ist ein sogenanntes Pseudosyndrom und nicht mit ernstzunehmenden Störungen wie dem pathologischen Kaufzwang gleichzusetzen. GAS für sich allein betrachtet ist an sich also erst mal nichts, was professionell behandelt werden muss

Trotzdem stellt sich doch die Frage, was den Wunsch nach immer neuem Equipment in uns genau auslöst. Und hier wird es tatsächlich interessant. Der Hauptgrund, warum wir so gerne neues Equipment anschaffen, ist letztendlich nichts anderes als das Glückshormon Dopamin. Die Anschaffung von neuem Gear kann also ähnliche Gefühle auslösen, wie wir sie durch sportliche Betätigung, das Hören guter Musik oder auch durch einen Drogenrausch empfinden. Dopamin wirkt übrigens ebenfalls motivierend. Kein Wunder also, wenn dich die neu angeschaffte Gitarre wieder mehr dazu bringt, ausgiebig Gitarre zu spielen und neue Songs zu schreiben.

Online-Handel, Social Media & co – Katalysator für GAS

Warum das Gear Acquisition Syndrome mehr denn je verbreitet ist, hat im Endeffekt zwei hauptsächliche Gründe. Zunächst ist da das üppige Online-Angebot, das wir bei zahlreichen Händlern im Internet vorfinden. Der Online-Markt an E-Gitarren, Verstärkern, Effektpedalen und vielem mehr ist heutzutage natürlich weitaus breiter aufgestellt. Während sich die Auswahl vor einigen Jahrzehnten noch auf wenige verfügbare Produkte beschränkte, können wir heutzutage aus einem unüberschaubaren Angebot verschiedenster Hersteller und Ausführungen wählen, vergleichen und ganz einfach online bestellen.

Die zweite große Ursache liegt ebenfalls im Internet begründet: Social Media. Wer sich das eine oder andere Gear Review auf YouTube angeschaut hat, den einschlägigen Instagram-Gitarristen folgt oder im GuitarTok-Universum auf TikTok unterwegs ist, wird regelmäßig mit neuem Gear-Related Content versorgt und garantiert keine Neuheit mehr verpassen. Insofern ist die nächste Anschaffung quasi vorprogrammiert.

Sammeln vs. Spielen – Wann GAS hilfreich sein kann, und wann nicht

Selbstverständlich solltest du dir immer bewusst sein, wo der praxisbezogene Bedarf für dich aufhört und der reine Wunsch, etwas Neues haben zu wollen, beginnt. Immerhin hat bereits so manche Rock-Ikone mit sehr einfachen Mitteln schier Unglaubliches geschaffen und unsterbliche Klassiker geschrieben. Es ist also nicht immer alles unbedingt zwingend notwendig. Ebenfalls solltest du dich immer fragen, ob du dein Budget tatsächlich für bestimmte Gitarren oder Pedale investieren möchtest oder es stattdessen doch besser für andere sinnvolle Dinge aufwenden solltest.

Dennoch ist die ewige Suche nach Equipment keineswegs etwas ausschließlich Negatives. Vielmehr kommt es darauf an, wie du deine individuellen Wünsche und Bedürfnisse definierst. Wenn du Musiker bist, kann neues Gear beispielsweise dazu führen, dass du mehr und bessere Musik machst. Das hat mehrere Gründe:

• Neues Gear inspiriert – wie bereits erwähnt, kann ein neu angeschafftes Instrument zu mehr Spielspaß führen. Somit auch zu mehr Zeit, die du mit deinem Hobby verbringst.
• Neue Sounds & Spielweisen – neues Gear erweitert den musikalischen Horizont. Beispielsweise durch völlig andere Sounds, die ein neues Effektpedal auf dem Pedalboard liefern kann.
• Kreative Blockaden lösen – manchmal kann eine andere Ausrüstung neue Perspektiven auf bisherige Projekte eröffnen.

Für die Sammler unter uns ist GAS hingegen weniger ein Problem, sondern vielmehr Teil des Hobbys. Hier liegt der Fokus nicht unbedingt auf dem klanglichen Resultat oder der Verwendbarkeit in der Praxis. Stattdessen werden neue Anschaffungen nach individuellem Sammlerwert und im Hinblick auf die potenzielle Wertsteigung getätigt.

Fazit – GAS ist menschlich

Das Gear Acquisition Syndrome gehört Gitarrenwelt einfach dazu wie die SG zu Angus Young. Denn es ist gerade der Mix aus Leidenschaft, Neugier und einer Prise Psychologie, der unsere Liebe zum Instrument und allem drum herum ausmacht. Dennoch solltest du dir stets vor Augen halten, wo du deine eigenen Grenzen ziehst. Die gute Nachricht ist also: GAS ist kein Problem, solange du seine Prinzipien verstehst.

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Für Bonamassa war dieses Projekt nach eigener Aussage nie nur eine beiläufige Hommage. Vielmehr sei Gallaghers Musik seit seiner Kindheit Teil seines Lebens gewesen, heißt es begleitend. Und die Bedeutung, sie in Gallaghers Heimatstadt Cork aufzuführen, war ihm sofort bewusst. „Ich hatte nie die Ehre, ihn kennenzulernen, aber seine Musik und sein musikalisches Können spielen in meinem Leben eine große Rolle“, schreibt Bonamassa im Booklet der Veröffentlichung. „Seit ich Irish Tour ’74 zum ersten Mal hörte, war ich fasziniert von der schieren Intensität dieses Mannes und der Wildheit, mit der er den Electric Blues interpretierte.“

Anfrage von Gallaghers Familie

Der Ausgangspunkt für die Konzerte lag in einer Einladung der Familie Gallagher. Sie baten Bonamassa, sich mit dem Repertoire auseinanderzusetzen und es in Cork aufzuführen: „Ich wurde von Rorys Familie gebeten, darüber nachzudenken, einige seiner Stücke zu spielen und ihm an einem Veranstaltungsort in Cork Tribut zu zollen. Der bloße Gedanke daran machte mir Angst. Ja, ich hatte Angst, es überhaupt zu versuchen, aber gleichzeitig fühlte ich mich so geehrt, dass seine Familie der Meinung war, ich könnte dieser Aufgabe gewachsen sein.“

Mit insgesamt 14 sorgfältig ausgewählten Titeln zeichnet ‚The Spirit Of Rory Live From Cork‘ ein breites Bild von Gallaghers Repertoire. Der Bogen spannt sich vom energiegeladenen Einstieg mit ‚Walk On Hot Coals‘ und ‚Bullfrog Blues‘ bis zur emotional verdichteten Interpretation von ‚A Million Miles Away‘. Ergänzt wird die Auswahl durch Stücke wie ‚Tattoo’d Lady‘, ‚Bad Penny‘, ‚I Fall Apart‘, ‚Calling Card‘ und ‚Cradle Rock‘. Meist hält sich die Band eng an den Charakter der Originale und behält deren Dynamik und Ausdruck bei.

Begleitet wird Bonamassa von einer eingespielten Band, die seit Jahren einen festen Kern seiner Liveproduktionen bildet. Dazu zählen unter anderem Josh Smith (Gitarre), Reese Wynans (Keys), Calvin Turner (Bass) sowie Lemar Carter am Schlagzeug. Ergänzt wird das Line-up durch eine Bläsersektion und Backgroundgesang.

Bonusmaterial mit Brian May und Slash

Zusätzlich zur Audio-Veröffentlichung wird es auf DVD und Blu-ray visuelles Bonusmaterial geben. So gibt es unter dem Titel „The Inspiration of Rory‘ Gespräche mit Brian May und Slash zu sehen. Darüber hinaus steigen Filme wie ‚Rory’s Acoustic Guitar‘ und ‚Ballycotton – A Million Miles Away‘ tiefer in das Erbe des Iren ein.

Darüber hinaus dokumentiert das Album einige Momente mit besonderem Gallagher-Kontextbezug aus den Konzerten in Cork. Dazu zählt unter anderem Bonamassas Version von ‚As The Crow Flies‘, die er auf Gallaghers eigener National Triolian Resonatorgitarre von 1930 spielte, bereitgestellt vom Cork Public Museum und auch in Gallagher’s Guitars: The RORY GALLAGHER Collection gefeatured wird.

„Was ihr auf diesen Aufnahmen hört, ist unser bester Versuch, Rory Gallagher Tribut zu zollen, einem Mann, den ich nie getroffen habe, den ich aber zutiefst bewundere“, schreibt Bonamassa. „Seine Musik ist ein Teil von mir, und ich bin dankbar, dass wir einen kleinen Beitrag zu seinem fortdauernden Vermächtnis leisten konnten.“

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Die gebürtige Hessin hat einen ungewöhnlichen Werdegang hinter sich, den sie im Gespräch selbst nachzeichnet. Ihre klassische Ausbildung trifft auf eine ausgeprägte stilistische Offenheit, die sich weder auf ein Genre noch auf ein Instrument festlegen lässt. Diese Kombination hat der 27-Jährigen nicht nur eine wachsende Präsenz auf YouTube eingebracht, sondern auch eine feste Rolle als Gitarristin der Band Funky Times, mit der in Kürze eine Tour durch Deutschland und anschließend durch Asien (inkl. Java Jazz Festival) ansteht. Parallel dazu ist sie regelmäßig Teil der Live-Band von Bülent Ceylan – inklusive Auftritt beim Wacken Open Air.

Ein Blick auf ihr bisheriges Schaffen zeigt die Bandbreite ihres Ansatzes: Interpretationen von Bach’schen Cello-Suiten stehen neben eigenständigen Loop-Arrangements, funkorientierten Bandkontexten und Kooperationen mit Herstellern wie Ibanez, Siccas Guitars, D’Addario oder Baton Rouge Guitars. Es entsteht das Bild einer Musikerin, die sich nicht auf ein klar umrissenes Feld festlegen lässt, sondern mehrere künstlerische Linien oder gar Karrieren parallel verfolgt. Eine spannende Künstlerin, von der noch vieles zu erwarten ist. Nun erstmal das

Interview

Der Werdegang

Julia, lass uns vorne anfangen: Wie bist du zur Gitarre gekommen?

Ich habe mit acht Jahren angefangen. Mein großer Bruder sollte Gitarre lernen, weil meine Eltern das cool fanden. Also haben sie ihm eine Gitarre gekauft. Er hat es dann aber sehr schnell wieder bleibenlassen. Es war nicht sein Ding, er hat sich eher für Autos interessiert. Aber ich habe dann eigentlich ausschließlich klassische Gitarre gespielt, bis ich so 16 war – inklusive „Jugend musiziert“ und so weiter. Irgendwann fingen die Wettbewerbe an mich zu nerven, gleichzeitig habe ich Künstler wie Tommy Emmanuel oder Mike Dawes auf YouTube gesehen, mit eigenen Arrangements und eigenen Stücken. Das hat mich fasziniert. Dann habe ich mir eine Akustikgitarre mit Stahlsaiten geholt und einfach angefangen, das auszuprobieren und weiterzubasteln. Ich hatte aber vorher selbst schon einen YouTube-Channel gestartet und ein paar Klassikvideos hochgeladen. Das habe ich dann weitergemacht.

Und wie kamst du dann schließlich zur E-Gitarre?

Ich habe in Dresden akustische Gitarre studiert, „World Music“ heißt das da. Kurz vor dem Lockdown hatte ich ein Klassikkonzert mit zwei Brüdern, Julius und Leo Imhäuser. Julius war als Special Guest an der Akustikgitarre dabei, Leo hat den Sound gemacht. Der Veranstalter fragte uns dann, ob wir nicht eine Band für einen Frank-Sinatra-Tribute-Abend stellen könnten, unter dem Motto „New York, New York“. Wir hatten überhaupt keinen Plan, haben aber zugesagt.

Wir hatten vorher nie wirklich zusammen Musik gemacht, haben dann aber den ganzen Sommer über dieses Zwei-Stunden-Programm vorbereitet. Julius hatte die Idee, zwischen zwei Standards einen Funk-Part einzubauen. Und diese Minute hat uns am meisten Spaß gemacht. Ich habe da zum ersten Mal mit einem Pick gespielt, ein bisschen funky. Dann haben wir uns gefragt: Wo gibt es mehr davon? Kennst du Vulfpeck? Ich so: keine Ahnung. Dann haben wir uns das Madison-Square-Garden-Konzert angeschaut und waren sofort Fans.

Diesen kleinen Funk-Snippet haben wir aufgenommen, um das Sinatra-Konzert zu bewerben. Ich habe einfach auf Instagram „Funky Times“ dazu geschrieben. Das erste Video ging direkt viral. Dann haben wir weitere Snippets gemacht, immer mit demselben Hinweis: „Funky Times 2“, „Funky Times 3“. Irgendwann haben die Leute uns einfach so genannt, und wir dachten: Dann sind wir wohl eine Band und heißen Funky Times… Dann kam der Lockdown – viel Zeit zum Musikmachen und Videos produzieren im Wohnzimmer. So hat das angefangen. Es war nie geplant, E-Gitarre zu spielen. Das hat sich durch Zufälle ergeben.

Nochmal einen Schritt zurück: Warum hast du damals dein erstes YouTube-Video aufgenommen?

Das weiß ich noch genau. Ich hatte viele Stücke, die sehr schwer waren und viel Übung erforderten. Gleichzeitig wollte ich neue Stücke lernen, und dachte: Die alten sind nirgendwo festgehalten. Also wollte ich etwas aufnehmen. Erst dachte ich an eine CD. Dann habe ich gemerkt: Das kostet Geld – und wer würde die kaufen? Familie, zwei Nachbarn, eine Tante, sonst niemand. Also habe ich Videos gemacht. Die ersten sind im Freien aufgenommen, es windet total, alles sehr DIY. Ich hatte jemanden über meinen Klassikgitarrenlehrer, der Aufnahmen macht. Einen Tag konnte ich mir leisten, habe zwei Wochen intensiv geübt, alles eingespielt, mir eine Kamera geliehen, ein Schnittprogramm gekauft und mit einer Freundin die ersten Videos gemacht.

Mit welchem Ziel? Wolltest du damals schon Musikerin werden?

Ja, auf jeden Fall. Das war schon klar für mich seit ich zwölf Jahre alt war. Schon damals wollte ich klassische Konzerthäuser spielen, das war mein Ziel. Mit der Zeit hat sich mein Geschmack verändert, ich habe neue Sachen kennengelernt, und es ging in eine andere Richtung.

Und als was würdest du dich heute am ehesten bezeichnen? Klassische Gitarristin? E-Gitarristin?

Am liebsten einfach Gitarristin. Alles andere steckt einen in eine Schublade. Eine typische klassische Gitarristin bin ich nicht mehr. Ich komponiere aber viel für klassische Gitarre, da kommt auch bald ein erstes Stück raus. Ich mag einfach viele Stile.

Genres und ihre Vermischung

Würdest du zustimmen, wenn ich behaupte, dass die einzige Verbindung zwischen Klassik und Funk die Präzision ist?

Ja, aber unterschiedliche Arten von Präzision. Im Funk geht es um Timing. Klassisch gespielt würde das nicht funktionieren. Timing ist da ein ganz anderes Konzept. Aber Perfektion spielt in beiden Bereichen eine Rolle. Am Anfang war mein Timing echt schlecht. Das brauchte ganz viel Üben. Es gibt ein paar Aufnahmen von früher, die sind komplett furchtbar. Und das krasse ist, dass man es selber auch nicht hört. Es dauert, ein Bewusstsein dafür zu entwickeln. Um es mit Sprache zu vergleichen: Klassik ist eher wie wenn man ein Gedicht vorträgt, flexibel im Tempo. Funk ist eher wie Rap, wo alles sehr auf den Punkt sein muss. Was mir sehr geholfen hat: Wir haben von Anfang an alles aufgenommen. Das ist das beste Training. Man hört sich selbst, bekommt Feedback und verbessert sich.

War dein Zugang über Spieler wie Mike Dawes auch schon rhythmisch geprägt?

Ein bisschen. Aber wenn ich mir alte Sachen anhöre, war auch das timingmäßig nicht besonders groovy. Man spielt allein, ohne Gegenpol. Trotzdem war es ein Übergang in die Richtung.

Kannst du deine klassische Ausbildung in die Musik irgendwie einfließen lassen oder passiert das automatisch?

Ich glaube, das passiert oft automatisch. Vor allem in Sachen Üben. In der Klassik arbeitet man sehr diszipliniert: Man nimmt sich etwas vor und übt das dann jeden Tag gezielt, damit es bis zu einem bestimmten Zeitpunkt sitzt. Diese Übekonzepte und die Art, Dinge aufzuschlüsseln, die steck auch in dem, was ich bei Funky Times mache. Ich denke da gar nicht bewusst drüber nach, aber es ist einfach so.

Und rein vom Tonmaterial oder von der Spieltechnik – nutzt du da etwas aus der Klassik?

Da musste ich ehrlich gesagt sehr viel umlernen. Das war richtig hart und ist teilweise immer noch schwierig. In der Klassik mutet man keine Saiten mit der linken Hand, das macht man einfach nicht. Die Finger stehen sehr steil auf dem Griffbrett. Bei der E-Gitarre liegt die Hand oft ganz anders am Hals, Das gibt es in der Klassik nicht.

Gerade beim Strumming ist das ein Problem, weil man die Saiten dämpfen muss. Ich habe mir dann erst ziemlich komische Techniken angewöhnt, viel mit dem ersten Finger gearbeitet, und habe das später wieder umgestellt. Irgendwann merkt man, dass andere Wege besser funktionieren. Ein großer Teil des E-Gitarrenspiels besteht wirklich aus dem Abdämpfen der Saiten. Das ist einem gar nicht bewusst, wenn man damit aufwächst. Wenn man aus der Klassik kommt, ist das eine riesige Umstellung.

Hast du im Funk-Bereich Vorbilder?

Ja, Cory Wong, ganz klar. Ihn habe ich damals über Vulfpeck entdeckt. Diese Spielfreude auf der Bühne hat mich total gepackt. Und sein sehr cleaner Funk-Sound und die Art, Rhythmusgitarre in den Vordergrund zu stellen, haben mich stark beeinflusst.

Equipment

Was benutzt du zur Verstärkung deiner Akustikgitarre?

Das L.R. Baggs Anthem und von da aus gehe ich in den Quad Cortex. Daraus benutze ich Hall, Delay und, EQ. Außerdem ein Expression-Pedal für Wah/Volume. Das ist mein Setup.

Welche E-Gitarren spielst du aktuell?

Ich habe eine Ibanez AZ-Modell, also meine custom-made Glitzergitarre, und eine von diesen Fender Ultra Luxe Vintage, die letztes Jahr rausgekommen sind. Auch mit ihnen gehe ich in das Quad Cortex. Auf Tour gehen wir von da aus direkt in die Anlage, splitten aber das Signal auch zu einem Amp auf der Bühne. Teilweise nutzen wir auch Speaker-Boxen als Amp-Ersatz.

Tourdaten Funky Times

09.04.26 Halle, Objekt 5
10.04.26 Plauen, Malzhaus
12.04. I-Mailand, Blue Note
16.04. DNK-Copenhagen, Spillestedet Stengade
17.04.26 Lübeck, Treibsand
18.04.26 Hannover, Jazz-Club
19.04. NL-Utrecht, Tivoli Vredenburg
23.04.26 Aschaffenburg, Colos-Saal
24.04.26 Karlsruhe, Jubez

Julia Lange im Netz:

Offizielle Website Funky Times

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Das Klangbild bleibt geprägt von schweren, oft im Midtempo verankerten Riffs, bluesbasierten Leads und einem insgesamt druckvollen Bandsound. Gleichzeitig arbeitet das Album mit deutlichen Kontrasten: Auf kompakte, riffzentrierte Stücke folgen immer wieder ruhigere Passagen oder Songs, die stärker auf Atmosphäre und Dynamik setzen. Diese Spannungsbögen ziehen sich durch weite Teile der Platte und strukturieren das Songmaterial hörbar. Während Tracks wie der Opener ‚Name in Blood‘ oder das bereits vor einem Jahr veröffentlichte ‚Lord Humungus‘ die typische, riffgetriebene Seite der Band betonen, öffnen andere Stücke das Spektrum in Richtung balladesker oder akustisch geprägter Arrangements. So wie der abschließende ‚Ozzy’s Song‘, eine Ode an Wyldes früheren, im letzten Sommer verstorbenen Mentor.

Wyldes Spiel ist weiterhin geprägt von markanten Vibrato-Phrasierungen, bluesigen Noten, schmutziger Verzerrung und einigen schrägen Tönen und bleibt das bestimmende Element. Gleichzeitig wird der Bandkontext stärker eingebunden als auf manch früherer Veröffentlichung, was sich vor allem in den Arrangements bemerkbar macht. So sind einige Passagen in den Gitarrensolos zweistimmig angelegt. Zweiter Gitarrist der BLS ist seit 2014 Dario Lorina.

„Der Titel ‚Engines Of Demolition‘ bezieht sich auf eine Haltung von Stärke, Entschlossenheit, Unnachgiebigkeit – zerstören, erobern, wiederholen“, erklärt Wylde zum neuen Album. „Du bekommst Zitronen, also machst du Limonade daraus. Was sollen wir sonst tun? Also machen wir eben Limonade. Wenn du etwas tun musst, das du hasst, dann tu es einfach. Beschwer dich nicht. Mach es – und geh danach in die Kneipe.“

Tracklist

01. Name In Blood
02. Gatherer Of Souls
03. The Hand of Tomorrows Grave
04. Better Days & Wiser Times
05. Broken and Blind
06. The Gallows
07. Above & Below
08. Back To Me
09. Lord Humungus
10. Pedal To The Floor
11. Broken Pieces
12. The Stranger
13. Ozzy’s Song

Album-VÖ: 27.03.2026
Label: MNRK Heavy
www.blacklabelsociety.com

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Wie also schon angedeutet, setzt der britische Gitarrist musikalisch auf ein hochkarätiges Line-up. Unter anderem wirken Sheryl Crow, Tom Morello, H.E.R., Graham Nash und Saxofonist Bill Evans mit. Die zehn Songs umfassende Platte erscheint neben klassischen Formaten auch in hochauflösenden Audio-Versionen und Dolby Atmos.

Mit „Buried Treasure“ liegt bereits eine erste, mit Ex-Heartbreaker Benmont Tench aufgenommene, Single vor. Der Song versteht sich als Hommage an Tom Petty und verarbeitet zahlreiche Anspielungen auf dessen Werk.

Besondere Aufmerksamkeit erhält das Album auch vor dem Hintergrund von Framptons gesundheitlicher Situation: Trotz seiner Diagnose von Einschlusskörpermyositis (einer degenerativen Muskelerkrankung) arbeitet der Gitarrist weiterhin aktiv an neuer Musik und tritt live auf. Produzent und Toningenieur Chuck Ainlay geht sogar noch einen Schritt weiter und bezeichnet ‚Carry The Light‘ als „vielleicht bestes Album“ des Gitarristen.

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Vinnie Vincent schreibt dazu auf seiner Homepage: „GUITARMAGEDDON wird als exklusives Einzelstück (1 von 1) im Master-Format für 2.000.000 US-Dollar angeboten. Dies umfasst 10 Songs in Masterqualität im finalen Produktformat, sämtliche Masterdateien des Artworks, zugehörige Poster sowie 10 separate Vinyl- und CD-Artworks für jeden einzelnen Song.“ Die Masteraufnahmen werden auf einer Festplatte übergeben. Die zehn Single-Artworks sollen es dem Erwerber ermöglichen, die erworbenen Songs einzeln zu veröffentlichen. Denn: „Der Käufer kann das gesamte Album in jedem gewünschten Format veröffentlichen – Vinyl, CD oder in jeder anderen Konfiguration, ganz oder teilweise, nach eigenem Ermessen.“ Allerdings werden nicht automatisch die Urheber- und/oder Markenrechte an den Kompositionen mit erworben. Und auch „alle Marketingpläne und -ideen bedürfen der Zustimmung von Vinnie Vincent“.

Musik wird zum Kunstgegenstand

Was, zugegeben, zunächst wie ein exzentrischer PR-Stunt wirkt, entpuppt sich bei näherem Hinsehen jedoch als zwar radikale, aber durchaus konsequente Antwort auf die faktische Entwertung von Musik: Streamingdienste haben sie jederzeit verfügbar gemacht und gleichzeitig durch die geringen Vergütungen ökonomisch marginalisiert. Vincent dreht dieses Prinzip nun also um. Statt Millionen Hörer mit minimalen Einnahmen anzusprechen, richtet er sich an genau eine Person, bzw. an einen sehr kleinen Kreis potenzieller Käufer, für die zwei Millionen Dollar kein ernsthaftes Hindernis darstellen. Das Album wird damit nicht mehr als Massenprodukt verstanden, sondern als exklusives Gut, vergleichbar mit Kunstwerken oder seltenen Sammlerstücken. Und das war dem 73-Jährigen schon bei vorherigen Veröffentlichungen wichtig. Wer sich mit einem Preis von 200 Dollar für eine Single nicht anfreunden wollte, wurde vom Künstler persönlich in die Schranken gewiesen: „Kein Künstler möchte seine Musik kostenlos an undankbare, selbstherrliche Versager verschenken.“

Mit seinem neuen Modell setzt Vincent also wieder voraus, dass Musik eben nicht für alle zugänglich sein muss. Es geht nicht um Fairness oder Teilhabe, sondern um Wertschöpfung. Das mag auf den ersten Blick gierig und unsozial wirken, ist aber ökonomisch konsequent. Wenn ohnehin nur ein kleiner Teil der Hörer bereit ist zu zahlen, warum dann nicht direkt diejenigen adressieren, die es wirklich können und wollen? Außerdem zieht man, bei Licht betrachtet, mit einem so utopischen Preis eh nur Käufer an, die sowieso zu viel Geld haben.

Ob sich tatsächlich ein Käufer findet, ist natürlich noch dahingestellt. Ebenso wie die Frage, ob der es dann auch der Öffentlichkeit zugänglich macht. Muss er ja nicht. Wir werden sehen.

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Die neue Platte markiert nach Aussage des Gitarristen einen Schritt hin zu einer persönlicheren künstlerischen Handschrift. Anders als beim Vorgänger tritt O’Brien diesmal unter seinem vollen Namen auf; ein Detail, das den stärker autobiografischen Ansatz unterstreicht. Denn entstanden ist ‚Blue Morpho‘ über mehrere Jahre hinweg und ist geprägt von einer schwierigen Phase während der Pandemie. Der 57-Jährige beschreibt die Entstehung als Reaktion auf eine depressive Episode, in der ihn vor allem das intensive Gitarrenspiel und ein Rückzug in die Natur stabilisierten.

Produziert wurde das Album von Paul Epworth. Zu den Mitwirkenden zählen unter anderem der Saxofonist Shabaka Hutchings sowie der estnische Komponist Tõnu Kõrvits, dessen orchestrale Arrangements vom Tallinn Chamber Orchestra eingespielt wurden. Musikalisch bewegt sich das Material zwischen psychedelischem Folk, cineastischen Klangflächen und progressiv geprägten Strukturen. Die Gitarrenarbeit bleibt dabei zentral, tritt jedoch häufig in einen dialogischen Kontext mit orchestralen und elektronischen Elementen.

Parallel zur Veröffentlichung ist mit ‚Blue Morpho: The Three Act Play‘ ein begleitender Kurzfilm angekündigt, der das sieben Stücke umfassende Album visuell erweitern soll. Auch live denkt O’Brien das Projekt weiter, allerdings nicht im klassischen Bandformat. Stattdessen deutet er eine offenere, eher jazz- und ensembleorientierte Umsetzung an.

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Zur Einordnung: Kaum ein Gitarrist der Gegenwart steht so sehr für die Verbindung aus virtuoser Technik, stilistischer Offenheit und musikalischer Neugier wie Guthrie Govan. Der 1971 in Chelmsford geborene Brite gehört zu einer Generation von Gitarristen, die sich zwar aus der Tradition der großen Rock- und Fusion-Spieler speisen, diese Einflüsse jedoch mit einer ungewöhnlichen stilistischen Bandbreite weiterentwickelt haben. Spätestens seit seinem Soloalbum ,Erotic Cakes‘ (2006) gilt Govan vielen Gitarristen als einer der technisch versiertesten und zugleich musikalisch vielseitigsten Spieler seiner Zeit. Parallel dazu wurde er durch seine Arbeit mit dem instrumentalen Trio The Aristocrats, als Sideman von Steven Wilson sowie als Gitarrist in der Liveband von Hans Zimmer einem breiteren Publikum bekannt.

Anlässlich der Anfang April startenden „The Duck“-Tour der Aristocrats, die die Band durch acht deutsche Städte und dann weiter durch Europa führt, baten wir Guthrie Govan zum Interview. Da dieses unerwartet umfangreich ausfiel, haben wir es in zwei Teilen veröffentlicht.

Interview

Spieltechnik und Virtuosität

Guthrie, als jemand, der von außen betrachtet scheinbar alles auf der Gitarre spielen kann: Wo siehst du für dich selbst noch Herausforderungen? Und welche Ziele hast du auf dem Instrument noch? Oder hast du das Gefühl, technisch an einem Punkt angekommen zu sein, an dem du „fertig“ bist und dich vollständig auf die Musik selbst konzentrieren kannst?

Es ist natürlich hilfreich für mich, was meine Karriere betrifft, wenn Menschen hören, was ich mache, und daraus schließen, dass ich die Gitarre in gewisser Weise „erobert“ habe. Aber die Wahrheit ist, dass bei jeder einzelnen Sache, die ich auf der Gitarre mache, noch Raum für Verbesserung besteht. Das ist einer der Gründe, warum ich das Instrument auch nach all den Jahren immer noch in die Hand nehme!

Ich habe keineswegs das Gefühl, technisch „fertig“ zu sein. Aber ich glaube, dass ich über ausreichend Technik verfüge, um in ganz unterschiedlichen musikalischen Zusammenhängen funktionieren zu können. Deshalb ist meine Philosophie in Bezug auf Weiterentwicklung heute organischer, als sie es noch vor einigen Jahrzehnten gewesen wäre. Heutzutage konzentriere ich mich eher darauf, konkrete Dinge mit meinem Spiel zu tun, wie einen eigenen Song schreiben, ein Gast-Solo für jemanden aufnehmen, in einem Live-Kontext improvisieren, einen bestimmten Gitarrensound einstellen usw. Und dann arbeite ich an den technischen Hürden, auf die ich dabei stoße. Das fühlt sich für mich nach einem guten Weg an, sicherzustellen, dass alles, woran ich arbeite, auch dazu dient, meine eigene Stimme auf dem Instrument zu erweitern und weiterzuentwickeln – anstatt Techniken nur deshalb zu üben, weil es sie gibt.

Du scheinst deine technischen Fähigkeiten auf der Gitarre schon sehr früh perfektioniert zu haben. Aber gibt es so etwas wie Perfektion in der Musik überhaupt?

Vielleicht gibt es in der Musik wichtigere Ziele als Perfektion? MIDI ist in der Lage, eine komponierte Folge von Noten „perfekter“ wiederzugeben als jeder Mensch – aber ich glaube, die meisten Hörer reagieren instinktiv stärker auf die leicht fehlerhafte „menschliche“ Version, vielleicht weil sie auf irgendeiner unterschwelligen Ebene nachvollziehbarer wirkt.

Ich glaube, hier gibt es eine Parallele zu diesem Experiment, bei dem man ein frontal aufgenommenes Porträt einer berühmten, attraktiven Person nimmt und dann die linke Seite des Bildes durch das Spiegelbild der rechten Seite ersetzt … die Ergebnisse wirken meist seltsamer als die leicht asymmetrische „Wahrheit“ des ursprünglichen Fotos – obwohl man eigentlich annehmen würde, dass die gespiegelte Version theoretisch näher an der Perfektion liegen müsste.

Kurze Antwort also: Nein, ich bin nicht überzeugt davon, dass Perfektion in der Musik existiert (oder überhaupt existieren muss) … aber Seite 2 von Abbey Road der Beatles kommt ziemlich nah dran.

In welchem Maß haben deine Erfahrungen als Lehrer und Autor deine eigenen musikalischen Entscheidungen beeinflusst?

Der Einfluss ist wahrscheinlich eher in die umgekehrte Richtung geflossen – wann immer ich mich in einer pädagogischen Rolle wiedergefunden habe, habe ich versucht, auf meine eigenen Erfahrungen beim Spielen und Lernen zurückzugreifen und diese als Ausgangsmaterial zu verwenden. Ich habe nie eine formale Gitarrenstunde gehabt, deshalb habe ich mein gesamtes musikalisches Leben damit verbracht, Dinge selbst herauszufinden. Diese Entdeckungen mit anderen Menschen zu teilen, fühlt sich für mich als Lehrer oder Autor nach dem authentischsten und aufrichtigsten Ansatz an.
>Allerdings gab es wohl ein paar Momente, in denen ich eine kreative oder technische Blockade überwunden habe, indem ich mir selbst die Frage gestellt habe: „Wenn ein Schüler mit diesem Problem zu dir käme – was würdest du ihm raten?“

Welche Aspekte der Musik lassen sich deiner Meinung nach nicht unterrichten?

Das weiß ich ehrlich gesagt nicht – jedes Gehirn ist anders verdrahtet, deshalb möchte ich keine pauschale Aussage machen, die für alle gilt.
>Aber hier ist ein Geständnis: Ich kann mir wirklich nicht vorstellen, wie es wäre, „unmusikalisch“ oder „tonunempfindlich“ zu sein, oder nicht in der Lage zu sein, im Takt zu einer Musik mitzuwippen. Trotzdem gibt es tatsächlich Menschen, die scheinbar völlig unfähig sind, selbst die grundlegendsten musikalischen Grundlagen zu erfassen. Ich habe keine Ahnung, was sie eigentlich hören, wenn sie Musik hören, so wie Farbenblindheit nachweislich existiert – und ich mir trotzdem nicht wirklich vorstellen kann, wie sich das anfühlt.

Ich hätte nicht die geringste Ahnung, wie ich jemandem die Grundlagen der Tonhöhenwahrnehmung oder das Konzept eines stabilen Pulses in einem Musikstück beibringen sollte, weil ich mich wirklich nicht daran erinnern kann, jemals in meinem Leben einen Zeitpunkt erlebt zu haben, an dem ich diese Dinge nicht intuitiv wusste. Und ich kann mich auch nicht daran erinnern, dass mir das jemals jemand hätte beibringen müssen. Also ich fürchte, das hilft nicht wirklich dabei, deine Frage zu beantworten – aber vielleicht zeigt es zumindest einige ziemlich deutliche Schwächen meiner Fähigkeiten als Lehrer auf!

EQUIPMENT

Welche Rolle spielt dein Equipment in deinem kreativen Prozess?

Manchmal nehme ich eine „untypische“ Gitarre zur Hand, um zu sehen, ob sie mich während des Kompositionsprozesses dazu inspirieren kann, anders zu denken. Alle meine Beiträge auf dem Aristocrats-Album Tres Caballeros zum Beispiel wurden bewusst auf einer „old school“-Strat geschrieben. Manchmal führt mich das Experimentieren mit Effekt-Patches in interessante neue Richtungen. Ein Song wie ,Slideshow‘ entstand im Grunde daraus, interessante Sounds zu finden und dann Gitarrenparts zu schreiben, die gut dazu passen.

Trotzdem ist das wichtigste Werkzeug in meinem Schreibprozess wahrscheinlich mein Laptop mit Logic Pro. Mit Spur-Layering und ähnlichen Dingen zu experimentieren war noch nie so einfach. Als ich damals anfing, mit Homerecording zu experimentieren, benutzte ich noch eine Fostex-R8-Bandmaschine, da gab es deutlich mehr technische Einschränkungen. Mit einem modernen Computer gibt es praktisch keine Grenzen mehr für das, was man tun kann, und Festplattenspeicher ist heutzutage definitiv günstiger als Tonband!

Was sind im Moment deine Lieblings-Gitarre, dein Lieblings-Amp und deine Lieblings-Effekte?

Ich bin gewissermaßen verpflichtet zu sagen, dass meine Lieblingsgitarre das Charvel-GG-Signature-Modell ist – schließlich habe ich sie entworfen! Diese Gitarre ist das Ergebnis davon, dass Charvel meine sehr detaillierte „Wunschliste“ genommen und sie während einer Prototypenphase, die fast zwei Jahre gedauert hat, Wirklichkeit werden lassen hat. Besonders das Brückendesign hat viele kleine Veränderungen durchlaufen, bevor wir alle der Meinung waren, dass es fertig ist.

Was das restliche Equipment betrifft: Inzwischen benutze ich für praktisch alles Fractal-Modeling-Gear. Einer der Vorteile der digitalen Welt ist, dass ich mich nicht auf einen bestimmten Lieblings-Amp oder bestimmte Effekte festlegen muss. Sie sind einfach alle „da drin“. Ich habe also den Luxus, für einen einzigen Song ein komplett neues virtuelles Rig zu bauen. Das ist nicht nur im Hans-Zimmer-Universum praktisch, sondern auch im Kontext der Aristocrats. Wir haben Spaß daran, verschiedene musikalische Stile zu imitieren. Deshalb ist es unterhaltsam, virtuelle Geräte einzustellen, die zu dem Genre und der Epoche passen, auf die wir gerade anspielen wollen.

Meine „Go-to“-Amp-Modelle für den grundlegenden Aristocrats-Gitarrenton wären die Friedman-BE/HBE-Amps. Allerdings habe ich in letzter Zeit auch mit einem Modell des Suhr Badger 18 experimentiert, für einige der nicht-aristokratischen Fusion-Gigs, die ich zwischen meinen großen Tourneen zuletzt im Raum London gespielt habe.

Tourdaten

07.04.26 München, Technikum
08.04.26 Nürnberg, Z-Bau
09.04.26 Aschaffenburg, Colos-Saal
10.04.26 Leipzig, Anker
11.04.26 Berlin, Columbia Theater
13.04.26 Hamburg, Fabrik
14.04.26 Bremen, Modermes
15.04.26 Bochum, Zeche

The Aristocrats im Netz:

Offizielle Website

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