Warum brummt eine E-Gitarre überhaupt?

Vorab: Ein gewisses Grundrauschen ist bei einer an einen Verstärker oder eine DAW angeschlossenen E-Gitarre völlig normal. Deutliches Brummen entsteht jedoch, wenn elektromagnetische Störungen oder technische Schwächen ins Signal gelangen. Besonders Singlecoil-Tonabnehmer reagieren empfindlich auf äußere Einflüsse wie Bildschirme, Netzteile, Mobiltelefone oder Beleuchtung. Ein typisches Anzeichen hierfür ist, wenn sich das Brummen verändert, sobald man sich oder die Gitarre bewegt.

Häufige Ursachen

Pickups

Singlecoil-Tonabnehmer sind konstruktionsbedingt anfälliger für elektromagnetische Störungen als Humbucker. Das macht sich vor allem in Umgebungen mit vielen elektrischen Geräten bemerkbar. Ein typischer Fall aus der Praxis: Man sitzt mit der Gitarre vor dem Computer, und sobald man sich mit der Gitarre leicht dreht, verändert sich das Brummen deutlich. In diesem Moment fungieren deine Pickups quasi als Antenne und nehmen Störfelder aus der Umgebung auf. Bei Humbuckern ist dieses Problem deutlich reduziert, aber nicht vollständig eliminiert.

Erdung

Ein klassischer Hinweis auf ein Erdungsproblem ist, dass das Brummen leiser wird, sobald man die Saiten oder Metallteile der Gitarre berührt. Das liegt daran, dass der Körper in diesem Moment Teil der Masseverbindung wird und Störungen ableitet. Funktioniert diese Verbindung nicht sauber, kann sich das Brummen verstärken. In der Praxis lohnt sich hier ein Blick in die Elektronik der Gitarre. Oft ist es nur eine lose oder schlecht verlötete Masseverbindung.

Kabel und Pedale

Defekte oder schlecht geschirmte Kabel gehören zu den häufigsten Ursachen für Brummen und Rauschen. Ein typischer Praxistest: Wenn das Brummen verschwindet oder sich deutlich verändert, sobald man das Kabel bewegt, liegt das Problem sehr wahrscheinlich genau dort. Und auch Effektpedale können Störquellen sein, vor allem, wenn mehrere Geräte gleichzeitig im Einsatz sind. Besonders kritisch sind einfache Daisy-Chain-Netzteile, bei denen sich mehrere Effekte eine Stromquelle teilen. Auch ein mit zu wenig Ampere versorgtes Pedal kann zu Störgeräuschen führen. Was man in Sachen Stromversorgung zu beachten hat, findest du hier: Stromversorgung fürs Pedalboard – Ohne Strom kein Tone

Um herauszufinden an welcher Stelle des Boards die Probleme auftreten, kann ein radikaler Schritt sinnvoll sein: Alles entfernen und das Setup von Grund auf neu aufbauen – zuerst Gitarre und Amp, dann Schritt für Schritt jedes Pedal wieder hinzufügen. So lässt sich schnell erkennen, welches Element tatsächlich Probleme verursacht. Und: Eine Kette ist immer nur so stark wie ihr schwächstes Glied. Will heißen, wenn alles einwandfrei ist, aber irgendwo in der Kette ein billiges oder defektes Patchkabel sitzt, wird sich das am Ende bemerkbar machen. Auch die Reihenfolge der Effektpedale und ihre Verkabelung können Einfluss haben.

Das weiß sicher auch Rob Scallon:

Mehr zum Thema Pedalboard, Verkabelung und Stromversorgung findest du auch unter Pedalboard & Co. – Dein Guide zur Pedal-Glückseligkeit (Teil 1) und Teil 2  

Gain und Verstärker

Hohe Gain-Einstellungen gehören zu den häufigsten Gründen für hörbares Rauschen und Brummen. Verzerrung funktioniert technisch so, dass das Signal stark verstärkt und komprimiert wird – dabei werden nicht nur deine gespielten Töne, sondern auch alle Nebengeräusche angehoben. Das führt dazu, dass ein Setup, das im Clean-Bereich noch relativ ruhig ist, bei stärkerer Verzerrung plötzlich deutlich rauscht. Ein typisches Beispiel: Du spielst einen High-Gain-Sound, stoppst die Saiten – und sofort entsteht ein deutlich hörbares Grundrauschen. In diesem Moment hörst du nicht den Verstärker allein, sondern die Summe aller Störquellen im Signalweg.

Auch die Kombination mehrerer Gain-Stufen spielt eine Rolle. Ein Booster vor einem Overdrive oder ein zusätzlicher Preamp können das Problem verstärken, weil das Signal mehrfach angehoben wird. In der Praxis lohnt es sich deshalb, den Gain-Regler nicht höher einzustellen als nötig. Oft wirkt ein etwas reduzierter Verzerrungsgrad sogar definierter und kontrollierter – und reduziert gleichzeitig die Nebengeräusche deutlich.

Wenn du mit viel Gain arbeitest, kann ein Noise Gate sinnvoll sein, um das Signal zwischen den Noten zu beruhigen. Wie das funktioniert, kannst du hier nachlesen: Noise Gate erklärt

Ergo

Ein Brummen oder Rauschen im Gitarrensignal kann also verschiedene Ursachen haben und durch mehrere Faktoren gleichzeitig bedingt sein. Wenn man auf der Suche nach der Ursache systematisch vorgeht, sollte man schnell fündig werden. Und vielleicht findet man dabei ja noch weitere Ansatzpunkte das eigene Setup nachhaltig zu verbessern.

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Design und Verarbeitung

Das Gehäuse folgt der bekannten UAFX-Optik: robustes Metall, kompakte Bauform und eine klare, praxisnahe Anordnung der Bedienelemente. Die Regler wirken solide und bieten genügend Widerstand für den Live-Einsatz. Auch auf dicht bestückten Pedalboards bleibt das Layout übersichtlich und gut erreichbar. Die getrennten Sektionen für Delay und Reverb sorgen für Orientierung, ohne das Pedal optisch zu überladen. Es ist kein Boutique-Pedal im handverdrahteten Sinne, vermittelt aber genau die hochwertige Anmutung, die man in dieser Preisklasse erwartet. Die Optik ist durch die Farbgebung und das Retro-Feeling sehr gelungen.

Anschlüsse und Routing

Das Del-Verb arbeitet in Stereo und bietet damit ein deutlich breiteres Klangbild als viele klassische Mono-Pedale. Damit ist er auch für Synthesizer-Nerds sehr spannend. Wer mit zwei Amps, einem Stereo-Interface oder einem erweiterten Live-Setup arbeitet, kann das Potenzial des Pedals besonders gut ausnutzen. Delay und Reverb lassen sich innerhalb des Signalwegs sinnvoll kombinieren und klanglich fein abstimmen. Buffered Bypass, Analog Dry Through und Silent Switching tragen dazu bei, dass das Pedal auch in komplexeren Setups stabil und unauffällig arbeitet. Eine besonders weitreichende externe Steuerung gehört allerdings nicht zum Konzept. Das Del-Verb setzt auf direkte Bedienung am Pedal und auf die Ergänzung durch die UAFX Control App. Es hat inzwischen MIDI, aber weiterhin keinen klassischen Schwerpunkt auf komplexem Preset- und Menü-Workflow.

Bedienkonzept und Workflow

Das Bedienkonzept ist angenehm direkt. Trotz der zwei Effektsektionen wirkt das Pedal nie wie ein Menü-System, sondern bleibt klassisch und schnell erfassbar. Genau das macht es im Alltag so zugänglich. Die drei Delay- und drei Reverb-Algorithmen sind klar voneinander abgegrenzt und decken definierte Klangwelten ab. Der Wechsel erfolgt über Schalter und nicht über ein Display oder tief verschachtelte Presets. Das fördert einen fokussierten Arbeitsstil und passt gut zu Gitarristen, die lieber hören als programmieren. Im Studio wie auf der Bühne entsteht dadurch ein Workflow, der sehr nah am Instrument bleibt. Das Pedal verlangt keine lange Einarbeitung, sondern belohnt direktes Spielen und bewusstes Einstellen.

Das Del-Verb ist bewusst reduziert gehalten. Die sechs Potis greifen direkt in den Klang ein, ohne Umwege über Menüs oder versteckte Parameter.

Delay Time bestimmt die Zeit zwischen den Wiederholungen. Kurze Einstellungen erzeugen Slapback-ähnliche Effekte, längere Werte öffnen den Raum für rhythmische oder flächige Delays.

Feedback regelt, wie oft das Delay wiederholt wird. Bei niedrigen Werten bleibt es dezent im Hintergrund, bei höheren Einstellungen baut sich eine dichte Wiederholungskette auf, die bis in selbstoszillierende Bereiche gehen kann.

Mix (Delay) legt fest, wie stark das Delay dem Originalsignal beigemischt wird. Von kaum wahrnehmbar bis hin zu dominanten Echo-Strukturen ist hier alles möglich.

Color beeinflusst die Klangfarbe der Wiederholungen. Je nach Stellung werden Höhen gedämpft oder betont, wodurch das Delay entweder wärmer und zurückhaltender oder klarer und präsenter wirkt.

Mod fügt den Effekten eine leichte Modulation hinzu. Das sorgt für Bewegung im Klangbild, besonders bei längeren Delays oder Hallfahnen, ohne direkt wie ein Chorus wahrgenommen zu werden.

Reverb steuert die Intensität des Hallanteils. Von einem subtilen Raum bis hin zu langen, dichten Flächen lässt sich hier die Tiefe des Signals formen.

Klangcharakter und Effektarchitektur

Klanglich setzt das Del-Verb nicht auf Effekthascherei, sondern auf stimmige, organische Ergebnisse. Die Delay-Sektion deckt ein Spektrum von Tape-artigen Texturen über analoge Wiederholungen bis hin zu klareren digitalen Delays ab. Die Reverb-Sektion orientiert sich an klassischen Raumtypen und klingt dabei kontrolliert, räumlich und musikalisch. Besonders überzeugend ist die Kombination beider Welten. Das Delay sitzt nicht einfach als Effekt „oben drauf“, sondern fügt sich in den Raum ein. Genau das macht das Pedal für Ambient-Setups und Sounddesign-Anwendungen interessant.

Delay-Algorithmen

Das Del-Verb stellt drei klar voneinander abgegrenzte Delay-Typen bereit, die sich weniger über Parameter, sondern über ihr Verhalten im musikalischen Kontext unterscheiden.

• Das Tape EP-III orientiert sich an klassischen Bandecho-Systemen. Die Wiederholungen sind leicht komprimiert, verlieren mit jeder Wiederholung an Höhen und entwickeln eine gewisse Instabilität. Dadurch entsteht ein organischer, fast „atmender“ Effekt, der sich besonders gut für Ambient Gitarre und fließende Übergänge eignet.
• Das Analog DMM basiert klanglich auf Bucket-Brigade-Schaltungen. Hier stehen wärmere, etwas dunklere Wiederholungen im Vordergrund, die sich dichter an das Originalsignal schmiegen. Im Bandkontext wirkt dieser Delay-Typ oft unauffälliger, weil er weniger Präsenz im Hochtonbereich hat und sich besser in den Mix integriert.
• Der Precision Mode liefert ein klares, modernes Digital-Delay. Die Wiederholungen bleiben definiert und stabil, auch bei längeren Delay-Zeiten. Das ist vor allem dann interessant, wenn rhythmische Strukturen oder präzise Pattern gefragt sind, etwa bei U2-artigen Delay-Figuren oder modernen Sounddesign-Ansätzen.

Reverb-Typen

Auch auf der Reverb-Seite verfolgt das Del-Verb einen klaren Ansatz mit drei klassischen Raumtypen, die jeweils eine eigene musikalische Funktion erfüllen.

• Der Spring Reverb orientiert sich an klassischen Gitarrenverstärkern der 60er Jahre. Der Klang ist leicht metallisch, reagiert stark auf das Spiel und bringt eine gewisse Rauheit mit, die besonders bei cleanen Sounds oder Surf-inspirierten Parts funktioniert.
• Der Plate 140 lehnt sich an Studio-Plattenhall an. Im Vergleich zum Spring wirkt er deutlich dichter und gleichmäßiger. Er erzeugt einen kompakten Raum, der sich gut für Leads oder rhythmische Parts eignet, ohne das Signal zu stark nach hinten zu schieben.
• Der Hall 224 ist ein digitaler Hall im Stil früher Studio-Prozessoren. Er bietet eine größere räumliche Tiefe und eine gleichmäßigere Diffusion. Dadurch eignet er sich besonders für Flächen, Drone Sounds und atmosphärische Klangwelten, bei denen der Raum selbst Teil des Sounds wird.

Praxis und Anwendung

Im praktischen Einsatz zeigt sich schnell, dass das Del-Verb kein Pedal für schnelle Preset-Wechsel ist. Es lädt eher dazu ein, Sounds langsam aufzubauen und sie im Raum zu entwickeln. Mit Volume-Pedal, E-Bow oder langen Sustain-Linien entstehen dichte Flächen, die sich organisch entfalten. Gleichzeitig lassen sich rhythmische Delays erzeugen, die im Reverb aufgehen, ohne ihre Struktur zu verlieren. Das Ergebnis wirkt geschlossen und musikalisch. Gerade in Ambient-Setups spielt das Pedal seine Stärke aus, weil es Effekte nicht isoliert präsentiert, sondern zu einem zusammenhängenden Klangbild verschmilzt.

Live und Studio

Live punktet das Del-Verb mit klarer Bedienung und verlässlichem Verhalten. Was eingestellt ist, bleibt nachvollziehbar, und die Dynamik des Spiels wird sauber übertragen. Das macht das Pedal für Musiker attraktiv, die im Konzert keine komplizierten Menüs oder verschachtelten Routinen wollen. Im Studio profitieren Anwender von den klanglich ausgereiften Algorithmen, die sich gut in Mixe einfügen. Besonders die Reverbs wirken bereits sehr fertig und müssen oft kaum noch nachbearbeitet werden. Das spart Zeit und unterstützt einen schnellen kreativen Workflow. Wer jedoch viele Speicherplätze, komplexe Schaltmöglichkeiten oder maximale externe Steuerung erwartet, stößt hier an Grenzen. Das Del-Verb ist bewusst reduziert und lebt von dieser Fokussierung.

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Ein Riff aus dem Soundcheck

Die Entstehungsgeschichte des Songs ist so unspektakulär wie bezeichnend. Joe Perry entwickelt das zentrale Riff (Beispiel 1) während eines Soundchecks. Interessant ist dabei vor allem die Herkunft: Perry orientierte sich bewusst an New-Orleans-Funk-Grooves, wodurch das Riff weniger „straight Rock“ als vielmehr eine stark synkopierte, fast tanzbare Figur ist. Das erklärt, warum ‚Walk This Way‘ bis heute weniger wie ein klassischer Rocksong funktioniert als wie eine rhythmische Konstruktion. Die Gitarre gibt nicht nur Harmonien vor, sondern definiert das gesamte Bewegungsmuster des Stücks. Die Nähe zu Funk, insbesondere zu Bands wie The Meters, ist dabei kein Zufall, sondern Teil von Perrys Ansatz.

Das Solo

Auch im ersten Solo (Beispiel 2) bleibt Joe Perry dieser Logik treu. Anstelle demonstrativer Virtuosität setzt er auf kurze, klar geformte Phrasen, die sich eng in das rhythmische Gefüge einfügen. Die Basis bildet dabei das vertraute Blues-Vokabular aus Mollpentatonik, kontrollierten Bendings, prägnanten Licks und Blue Notes. Die zugrunde liegende Harmonie ist C7, also ein Dur-Akkord mit kleiner Septim. Bis auf die erste Note setzt Perry in diesen vier Takten jedoch auf die C-Moll-Pentatonik bzw. C-Bluestonleiter. Im dritten Takt wird dieses Tonmaterial mit der Note a noch um die Sexte erweitert.

Vom Rocksong zur kulturübergreifenden Referenz

Innerhalb der Diskografie von Aerosmith markiert ‚Walk This Way‘ einen Wendepunkt. Der Song bündelt erstmals jene Elemente, die die Band in den folgenden Jahren prägen sollten: riffbasiertes Songwriting, ein ausgeprägtes Rhythmusverständnis und die enge Verzahnung von Gitarre und Gesang. Seine eigentliche kulturelle Reichweite entfaltet das Stück allerdings erst ein Jahrzehnt später, als es in der Zusammenarbeit mit Run-D.M.C. neu interpretiert wird. Produzent Rick Rubin hatte die New Yorker HipHop-Newcomer dazu überredet, eine Coverversion aufzunehmen. Joe Perry erinnert sich: „Rick Rubin hatte in einem Interview gesagt, dass ‚Walk This Way‘ so etwas wie Proto-Rap sei, und das fand ich interessant, weil wir damals selbst gerade erst anfingen, uns mit Rap zu beschäftigen“. Die 1986 veröffentlichte Version gilt als einer der entscheidenden Momente in der Annäherung von Rock und Hip-Hop, nicht zuletzt, weil der ursprüngliche Song bereits eine ungewöhnlich starke rhythmische DNA besitzt.

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Entscheidend ist dabei, dass die Fertigung der bekannten Instrumente, weiterhin in Franken bleibt. Die handwerkliche Substanz des Unternehmens wird also nicht verlagert, sondern bewusst gesichert. Gleichzeitig entsteht eine neue Struktur: Die Markenrechte liegen künftig bei einer Beteiligungsgesellschaft von GEWA und Thomann, während der Vertrieb neu aufgeteilt wird.

Dass Höfner überhaupt in diese Situation geraten ist, hat strukturelle Gründe. Bereits Ende 2025 befand sich das Unternehmen in einer vorläufigen Insolvenzverwaltung. Ausgelöst wurde diese durch rückläufige Nachfrage, steigende Kosten und Probleme im Exportgeschäft. Der Fall ist damit kein Einzelfall, sondern symptomatisch für einen Markt, der unter Druck steht. Stteigende Produktionskosten, volatile internationale Märkte und ein wachsender Wettbewerb durch globalisierte Fertigung machen den Herstellern zu schaffen.

GEWA selbst ist kein klassischer Gitarrenhersteller, sondern ein hybrider Akteur. Das Unternehmen entwickelt eigene Produkte, organisiert internationale Fertigung, hält Markenrechte und fungiert gleichzeitig als zentraler Vertriebspartner für zahlreiche Hersteller. Im Alltag bleibt das für viele Musiker:innen unsichtbar.

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In den vergangenen Jahren hat sich Eisenberg als ebenso versierte Gitarristin wie als stilistisch offene Songwriterin zwischen Art-Rock, Jazz, freier Improvisation und Folk positioniert. Alben wie ‚Auto‘ (2020) oder das ausufernde ‚Viewfinder‘ (2024) standen für diese Suchbewegung. Oft sind diese Aufnahmen anspruchsvoll, verquer, manchmal bewusst überfordernd. Das neue Album erscheint dagegen wie eine klare Entscheidung: weg von der Zerstreuung, hin zu stärkerer Konzentration.

Schräger Folk

Ausgangspunkt dieser Neuorientierung ist ein Ortswechsel und eine damit verbundene ästhetische Verschiebung. Nach dem Umzug von Massachusetts nach Brooklyn begann Eisenberg, sich stärker mit traditionellen amerikanischen Songformen auseinanderzusetzen. Referenzen wie John Prine oder Willie Nelson sind dabei weniger als stilistische Zitate zu verstehen, sondern als Zugang zu einer anderen Form von Zeitlosigkeit. Gleichzeitig bleibt der Blick eigenwillig: Auch Figuren wie Joanna Newsom oder Richard Dawson dienen als Referenzpunkte für ein Folk-Verständnis, das das Schräge, Unaufgelöste immer mitdenkt.

Diese Offenheit prägt auch die Produktionsästhetik. Das Album verabschiedet sich weitgehend von der Idee, die Gitarre als virtuoses Zentrum auszustellen. Stattdessen rückt das Zusammenspiel in den Vordergrund. Mit Musikern wie Trevor Dunn und Ryan Sawyer sowie Co-Produzentin Mari Rubio entsteht ein fast kammermusikalischer Ensembleklang, der bewusst organisch gehalten ist. Viele Aufnahmen entstanden im häuslichen Umfeld – eine Entscheidung, die sich unmittelbar in der Fragilität und Intimität der Stücke niederschlägt. Nichts wirkt überinszeniert.

Wunsch nach Stabilität

Inhaltlich ist das Album stark von einer Phase der Selbstbefragung geprägt, die Eisenberg selbst als „Exorzismus“ beschreibt. Zwischen 2023 und 2024 vollzieht sich eine Art Neujustierung des eigenen Selbstbildes, die sich in den Texten als Suche nach Klarheit und Akzeptanz niederschlägt. Stücke wie ‚Old Myth Dying‘ oder ‚Will You Dare‘ verhandeln Fragen von Kontrolle, Liebe und Zeit, ohne dabei eindeutige Antworten zu liefern. Stattdessen entsteht eine Spannung zwischen Auflösung und dem Wunsch nach Stabilität – ein Motiv, das sich durch das gesamte Album zieht.

Musikalisch zeigt sich diese Spannung in der Balance zwischen Struktur und Offenheit. ‚Meaning Business‘ etwa entwickelt sich von tastenden Akkorden zu einer beinahe barock anmutenden Pop-Form, während ‚Vanity Paradox‘ die Unsicherheit künstlerischer Selbstvergewisserung thematisiert. Das Zentrum des Albums bildet mit ‚Another Lifetime Floats Away‘ ein Stück, das die Zeit selbst zum Thema macht. In lose verbundenen Bildern – familiäre Erinnerungen, Tour-Erfahrungen, Gegenwartsmomente – entfaltet sich eine Reflexion über Vergänglichkeit und Selbstwahrnehmung. Die Perspektive verschiebt sich dabei subtil: vom Kind, das beobachtet, hin zu einer Instanz, die das eigene Leben aktiv mitgestaltet. Es ist einer der wenigen Momente auf dem Album, in denen sich so etwas wie emotionale Eindeutigkeit einstellt.

Tracklist

01. Take A Number
02. Meaning Business
03. Old Myth Dying
04. Another Lifetime Floats Away
05. It’s Here
06. Vanity Paradox
07. Curious Bird
08. The Ultraworld
09. Will You Dare
10. The Walls

Album-VÖ: 03.04.2026
Label: Joyful Noise Recordings
www.wendyeisenberg.com

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Ibanez startet im April 2026 mit einer breit aufgestellten Modelloffensive und bedient dabei gleich mehrere Serien: von vielseitigen AZ-Workhorses über moderne Headless-Modelle der Quest-Serie bis hin zu kompromisslosen Metal-Gitarren der Iron Label-Reihe. Die neuen Modelle decken damit ein breites Spektrum von Einsteiger bis Premium ab und sind sowohl für klassische Allrounder als auch für technisch orientierte Gitarristinnen und Gitarristen interessant.

Welche Neuzugänge es im Ibanez-Line-up gibt, erfahrt ihr hier!

Neue Performance-Workhorses

Im Fokus stehen zahlreiche neue AZ-Modelle, die weiterhin für maximale Vielseitigkeit bekannt sind. Neben erschwinglichen Varianten wie der AZES-Serie für Einsteiger bringt Ibanez auch hochwertige Premium-Modelle wie die AZ41P1PB mit Poplar-Burl-Decke, Seymour Duncan Hyperion Pickups und Gotoh-Hardware an den Start. Typisch für die Serie sind Features wie ergonomische Korpusse, komfortable Oval-C-Hälse aus Roasted Maple sowie das flexible dyna-MIX10 Switching-System, das eine enorme Klangvielfalt ermöglicht.

Quest & Iron Label

Q Series: Neue 6- & 7-String Quest-Modelle

Für moderne und technisch versierte Gitarristen erweitert Ibanez außerdem die Quest-Serie (Q) um neue 6- und 7-String Headless-Modelle wie die QX52B und QX527B. Diese setzen auf innovative Konzepte wie schräg angeordnete Bünde, extrem kompakte Bauweise und speziell entwickelte Hardware wie Mono-Tune Bridges und Custom String Locks. In Kombination mit Q58 Pickups und dem vielseitigen Switching-System entstehen hier Instrumente, die besonders auf Präzision, Ergonomie und modernes Spiel ausgelegt sind.

Bereit für harte Gefilde mit neuen Iron Label-Modellen

Im Metal-Bereich legt Ibanez mit neuen Modellen der Iron Label-Serie nach, darunter die S721RB sowie AZ-basierte Varianten. Schwarze Optik, reduzierte Features und kompromisslose Performance stehen hier im Vordergrund. DiMarzio D Activator oder Fusion Edge Pickups, Wizard-Hälse und hochwertige Hardware wie Gotoh Locking Tuner oder Gibraltar Bridges machen diese Gitarren zu echten Tools für High-Gain und moderne Metal-Sounds.

Fazit

Insgesamt zeigt Ibanez mit den Neuheiten 2026 einmal mehr, wie breit das Portfolio aufgestellt ist. Von vielseitigen Allround-Gitarren bis hin zu hochspezialisierten Instrumenten für moderne Spieltechniken und härtere Genres ist alles dabei!

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Wer ist Ben Harper?

Ben Harper zählt bereits seit den 1990er-Jahren zu den vielseitigsten Singer-Songwritern seiner Generation. Bekannt wurde er durch seine Mischung aus Folk, Blues, Rock, Soul und Reggae, die er mit einer sehr persönlichen Handschrift verbindet. Neben seinem Gesang sticht vor allem sein Gitarrenspiel hervor, das er im Alter von 17 Jahren auf seiner Weissenborn Slide-Gitarre zu lernen begann. Dementsprechend ist sein Spielstil von ausdrucksstarken Slide-Techniken und offenen Tunings geprägt.

Harper ist übrigens nicht nur Solo-Künstler, sondern auch mit Bands wie den Innocent Criminals erfolgreich und wurde mehrfach mit Grammy Awards ausgezeichnet. 2005 räumte er in den Kategorien Best Pop Instrumental Performance und Best Traditional Soul Gospel Album ab, 2014 folgte ein weiterer in der Kategorie Bestes Bluesalbum zusammen mit Charlie Musselwhite.

Taylor Ben Harper Gold Label 512e

Bens Gold Label 512e basiert auf einer komfortablen Grand Concert Bauform, die für ein ausgewogenes, direktes Spielgefühl sorgt. Trotz der eher kompakten Größe liefert die Gitarre daher eine überraschend große Klangfülle mit viel Tiefe und Dynamik.

Die Kombination aus Fichte und Mahagoni liefert einen klaren, definierten Ton mit kräftigen Mitten und angenehmer Wärme, eignet sich also ideal für Fingerstyle, Singer-Songwriter-Arrangements und dynamisches Strumming.

Die Features im Überblick

• Torrefizierte Sitka-Fichtendecke
• Boden & Zargen aus Mahagoni
• Fanned V-Class Bracing
• Mahagonihals, einstellbar
• Palisandergriffbrett
• 24,85″-Mensur (632 mm)
• Taylor Claria Tonabnehmersystem
• Custom Shaded Edgeburst Finish

Fanned V-Class Bracing

Ein zentrales Element der Ben Harper Gold Label 512e ist das Fanned V-Class Bracing, das für mehr Sustain, bessere Intonation und eine insgesamt größere Klangprojektion sorgt. Zusätzlich kommt Taylors bewährtes Halsdesign zum Einsatz, das nicht nur stabil ist, sondern auch präzise Einstellbarkeit ermöglicht.

Die Taylor Ben Harper Gold Label 512e Grand Concert ist ab sofort für 3807,- UVP erhältlich. Ein Koffer ist im Lieferumfang enthalten.

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Was ist GAS überhaupt?

Hinter dem Kürzel GAS stecken gleich mehrere unterschiedliche Begrifflichkeiten. Steely Dans Walter Becker prägte in den Neunzigerjahren scherzhaft die Begriffe „Guitar Acquisition Syndrome“ für den Drang, immer neue Gitarren kaufen zu wollen. Alternativ hierzu das „Guitar Modification Syndrome“ für die notorischen Bastler unter uns, die es nicht lassen können, ihre Instrumente über den eigentlichen praktischen Nutzen hinaus aufzumotzen. Übrigens auch liebevoll Upgraditis genannt.

Das GAS ist mittlerweile übrigens nicht nur in der Gitarrengemeinde eine wahre Volkskrankheit. Sie grassiert in nahezu jedem kreativen „Prosumer“-Hobby von Musikern wie Gitarren- und Synthie-Nerds über Fotografen bis hin zu Sportlern und Hobby-Handwerkern. Folglich änderte sich die Bedeutung des G in GAS je nach Anwendungsbereich von „Guitar“ auf die allgemeinere Bezeichnung „Gear“.

Der Reiz des Neuen – Dopamin lässt grüßen

Mittlerweile ist das Thema sogar aus psychologischer Sicht erforscht und Bestandteil einiger wissenschaftlicher Studien geworden. Zunächst einmal: Nein, das Gear Acquisition Syndrome ist ein sogenanntes Pseudosyndrom und nicht mit ernstzunehmenden Störungen wie dem pathologischen Kaufzwang gleichzusetzen. GAS für sich allein betrachtet ist an sich also erst mal nichts, was professionell behandelt werden muss

Trotzdem stellt sich doch die Frage, was den Wunsch nach immer neuem Equipment in uns genau auslöst. Und hier wird es tatsächlich interessant. Der Hauptgrund, warum wir so gerne neues Equipment anschaffen, ist letztendlich nichts anderes als das Glückshormon Dopamin. Die Anschaffung von neuem Gear kann also ähnliche Gefühle auslösen, wie wir sie durch sportliche Betätigung, das Hören guter Musik oder auch durch einen Drogenrausch empfinden. Dopamin wirkt übrigens ebenfalls motivierend. Kein Wunder also, wenn dich die neu angeschaffte Gitarre wieder mehr dazu bringt, ausgiebig Gitarre zu spielen und neue Songs zu schreiben.

Online-Handel, Social Media & co – Katalysator für GAS

Warum das Gear Acquisition Syndrome mehr denn je verbreitet ist, hat im Endeffekt zwei hauptsächliche Gründe. Zunächst ist da das üppige Online-Angebot, das wir bei zahlreichen Händlern im Internet vorfinden. Der Online-Markt an E-Gitarren, Verstärkern, Effektpedalen und vielem mehr ist heutzutage natürlich weitaus breiter aufgestellt. Während sich die Auswahl vor einigen Jahrzehnten noch auf wenige verfügbare Produkte beschränkte, können wir heutzutage aus einem unüberschaubaren Angebot verschiedenster Hersteller und Ausführungen wählen, vergleichen und ganz einfach online bestellen.

Die zweite große Ursache liegt ebenfalls im Internet begründet: Social Media. Wer sich das eine oder andere Gear Review auf YouTube angeschaut hat, den einschlägigen Instagram-Gitarristen folgt oder im GuitarTok-Universum auf TikTok unterwegs ist, wird regelmäßig mit neuem Gear-Related Content versorgt und garantiert keine Neuheit mehr verpassen. Insofern ist die nächste Anschaffung quasi vorprogrammiert.

Sammeln vs. Spielen – Wann GAS hilfreich sein kann, und wann nicht

Selbstverständlich solltest du dir immer bewusst sein, wo der praxisbezogene Bedarf für dich aufhört und der reine Wunsch, etwas Neues haben zu wollen, beginnt. Immerhin hat bereits so manche Rock-Ikone mit sehr einfachen Mitteln schier Unglaubliches geschaffen und unsterbliche Klassiker geschrieben. Es ist also nicht immer alles unbedingt zwingend notwendig. Ebenfalls solltest du dich immer fragen, ob du dein Budget tatsächlich für bestimmte Gitarren oder Pedale investieren möchtest oder es stattdessen doch besser für andere sinnvolle Dinge aufwenden solltest.

Dennoch ist die ewige Suche nach Equipment keineswegs etwas ausschließlich Negatives. Vielmehr kommt es darauf an, wie du deine individuellen Wünsche und Bedürfnisse definierst. Wenn du Musiker bist, kann neues Gear beispielsweise dazu führen, dass du mehr und bessere Musik machst. Das hat mehrere Gründe:

• Neues Gear inspiriert – wie bereits erwähnt, kann ein neu angeschafftes Instrument zu mehr Spielspaß führen. Somit auch zu mehr Zeit, die du mit deinem Hobby verbringst.
• Neue Sounds & Spielweisen – neues Gear erweitert den musikalischen Horizont. Beispielsweise durch völlig andere Sounds, die ein neues Effektpedal auf dem Pedalboard liefern kann.
• Kreative Blockaden lösen – manchmal kann eine andere Ausrüstung neue Perspektiven auf bisherige Projekte eröffnen.

Für die Sammler unter uns ist GAS hingegen weniger ein Problem, sondern vielmehr Teil des Hobbys. Hier liegt der Fokus nicht unbedingt auf dem klanglichen Resultat oder der Verwendbarkeit in der Praxis. Stattdessen werden neue Anschaffungen nach individuellem Sammlerwert und im Hinblick auf die potenzielle Wertsteigung getätigt.

Fazit – GAS ist menschlich

Das Gear Acquisition Syndrome gehört Gitarrenwelt einfach dazu wie die SG zu Angus Young. Denn es ist gerade der Mix aus Leidenschaft, Neugier und einer Prise Psychologie, der unsere Liebe zum Instrument und allem drum herum ausmacht. Dennoch solltest du dir stets vor Augen halten, wo du deine eigenen Grenzen ziehst. Die gute Nachricht ist also: GAS ist kein Problem, solange du seine Prinzipien verstehst.

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Die Verstärker sind heiß, die Luft wird dicker und die Becken scheppern bis zum Anschlag! Doch irgendwie klingt alles nicht wirklich rund? Viele Bands kennen das Problem nur zu gut: Der Sound im Proberaum ist matschig, alles ist laut, aber nichts setzt sich wirklich durch. Einzelne Instrumente gehen unter, während andere unangenehm hervorstechen.

Was im eigenen Zimmer oder beim Solo-Spielen noch gut funktioniert, wirkt im Bandkontext plötzlich unausgewogen und chaotisch, sodass Jam-Sessions oder wichtige Bandproben durch einen unaufgeräumten Gesamtsound nicht optimal laufen.

In diesem Artikel schauen wir uns anhand von Frequenzbildern an, wie sich ein Bandsound im Proberaum zusammensetzt und wo typische Problemstellen liegen. Außerdem geben wir Tipps und zeigen hilfreiche Tools, mit denen sich der Sound gezielt optimieren lässt!

Wettrüsten der Lautstärke

Wir haben alle klein (und laut) angefangen

Wer ganz am Anfang steht und mit einigen Freunden beschließt, zusammen zu musizieren und die ersten Schritte als Band zu beschreiten, der steht im häufigsten Fall vor Budget-Hürden. Nicht jede Band kann sich direkt eine vollwertige PA inklusive Mixer, Monitoring und umfangreicher Klangbearbeitung leisten. Stattdessen wird zunächst mit dem gearbeitet, was vorhanden ist: ein paar Verstärker, ein Schlagzeug und vielleicht ein Mikrofon für den Gesang. Genau in dieser Phase entstehen oft die ersten Proberaum-Erfahrungen und damit auch die typischen Soundprobleme.

Der entscheidende Unterschied zu professionellen Studio- oder Livesituationen liegt oft darin, dass in diesem Fall kein echtes Mixing stattfindet. Ohne PA, ohne separaten FOH-Mix und ohne gezielte Klangbearbeitung konkurrieren Gitarrenverstärker, Bass, Schlagzeug und Gesang direkt miteinander im Raum. Genau hier liegt der Clou: Ein guter Bandsound entsteht nicht im Einzelinstrument, sondern im Zusammenspiel.

Dabei spielen mehrere Faktoren eine Rolle. Die Raumakustik beeinflusst maßgeblich, wie sich Schall ausbreitet und reflektiert. Gerade unbehandelte Räume mit vielen harten Flächen wie Fliesen, Fenstern oder Betonwänden können problematisch sein. Ich erinnere mich selbst an Proben in einer alten Waschküche: viel Hall, unkontrollierte Reflexionen und ein Schlagzeug, das regelrecht gescheppert hat. Ideale Voraussetzungen für einen matschigen Gesamtsound.

Hinzu kommt die Lautstärke: Oft orientieren sich alle am lautesten Element – meist dem Schlagzeug – und drehen ihre Amps entsprechend auf. Das führt unweigerlich zu einem Wettrüsten der Lautstärke.

Der dritte große Faktor ist die Frequenzüberlagerung: Bass, Kickdrum, Toms und tiefe Gitarrenfrequenzen liegen oft im selben Bereich, während Mitten und Höhen durch Vocals und Becken ebenfalls mehrfach belegt sind. Die Folge: Der Sound verliert an Klarheit.

Verstehen, wie Frequenzen im Bandkontext funktionieren

Um den Proberaum-Sound gezielt zu verbessern, hilft ein grundlegendes Verständnis für Frequenzen. Dabei geht es weniger um exakte Zahlen, sondern um ein Gefühl dafür, wo sich Instrumente im Frequenzspektrum bewegen.

Wie funktionieren Equalizier und Frequenzen?

Frequenzen beschreiben, in welchem Bereich sich ein Ton im hörbaren Spektrum bewegt – von tiefen Bässen bis hin zu hohen Höhen. Dieses Spektrum reicht grob von etwa 20 Hz bis 20 kHz (20.000 Hz) und lässt sich in verschiedene Bereiche unterteilen: Tiefe Frequenzen (Bass) liefern Fundament und Druck, die Mitten sorgen für Durchsetzungskraft, während die Höhen für Klarheit und Brillanz verantwortlich sind.

Die dargestellten Bereiche decken selbstverständlich nicht das gesamte Spektrum aller Bestandteile einer Band ab, sollen jedoch grob aufzeigen, wie sich bestimmte Bereiche überlappen und konkurrieren:

Der Bassbereich reicht grob von etwa 20 bis 120 Hz und wird vor allem von Bassdrum und E-Bass dominiert. Die sogenannten Low-Mids zwischen etwa 120 und 400 Hz sind besonders kritisch: Hier sitzen Toms, Teile des Basssignals und tiefe Gitarrenanteile. In den Mitten von etwa 400 Hz bis 2 kHz finden sich vor allem Gitarren, Vocals und die Snare. Die Höhen ab etwa 2 kHz aufwärts werden von Becken, Vocals und Attack-Anteilen vieler Instrumente geprägt.

Wichtig ist dabei: Diese Bereiche sind keine festen Grenzen. Frequenzen überlappen sich ständig, und genau darin liegt die Herausforderung. Im Bandkontext teilen sich alle Instrumente denselben Raum. Sowohl physisch als auch klanglich.

Typische Probleme im Proberaum

Typischerweise übernimmt die Kickdrum das Fundament im Low-End und ergänzt es mit einem klickartigen Attack in den oberen Frequenzen. Der Bass füllt das Low-End und die Low-Mids. Gitarren bewegen sich primär in den Mitten, während Vocals häufig in den oberen Mitten liegen. Becken und andere Percussion-Elemente besetzen die Höhen. Da sich diese Bereiche überschneiden, entstehen zwangsläufig Konflikte. Besonders dann, wenn alle Instrumente versuchen, „alles“ abzudecken.

1. Frequenzen des Schlagzeugs

Slide 1: Kick Drum / Slide 2: Snare / Slide 3: Becken

2. Low-Mids: Gitarre und Bass konkurrieren miteinander

Ein häufiges Problem ist der berühmte „Matsch“. Dieser entsteht meist durch eine Überbetonung der Low-Mids zwischen etwa 150 und 400 Hz. Gerade Gitarren werden oft zu basslastig eingestellt, weil sie solo gespielt druckvoller klingen. Das kann im Wohnzimmer auch super klingen, im Bandkontext kollidieren sie dann jedoch mit Bass und Kickdrum. Wenn mehrere Instrumente denselben Frequenzbereich dominieren, verliert der Sound an Transparenz und Klarheit.

Slide 1: E-Gitarre mit leicht angehobenen Mitten / Slide 2: E-Gitarre mit sogenannten „Scooped Mids“, die im Gesamtmix eher unter gehen / Slide 3: E-Bass mit starkem Low-Cut und Mid-Scoop, um Platz für Kick und Gitarren zu schaffen und leichtem Mid-High-Peak, um den Pick-Attack hörbar zu machen.

Ein weiteres klassisches Problem ist die Situation, in der alles laut ist, sich aber nichts wirklich durchsetzt. Lautstärke wird häufig mit Durchsetzungsfähigkeit verwechselt. In Wahrheit geht es aber um Frequenzverteilung. Ein typischer Fehler ist der sogenannte „Scooped Sound“ bei Gitarren (Slide 2): viel Bass, viel Höhen, aber kaum Mitten. Während das alleine gespielt optimal wirken kann, verschwindet die Gitarre im Bandmix nahezu komplett.

3. Höhenanteile: Vocals und Becken

Vocals haben es im Proberaum ebenfalls schwer. Wenn Gitarren zu dominant in den Mitten sind, bleibt schlicht kein Platz für die Stimme. Ohne bewusste „Lücke“ im Frequenzspektrum gehen Vocals schnell unter.

Slide 1: Vocals mit starkem Low-Cut, um nicht mit dem Bass-Fundament zu konkurrieren. / Slide 2: Becken mit starkem Low-Shelf, um lediglich in den Höhen präsent zu bleiben.

Lösungen für einen besseren Bandsound (auch ohne großes Budget)

Verstärker & Equalizer

Der wichtigste Grundsatz lautet: Platz schaffen statt lauter werden. Jedes Instrument sollte seinen eigenen Bereich im Frequenzspektrum haben. Oft reicht es schon, kleine Anpassungen vorzunehmen, um deutlich mehr Klarheit zu erreichen.

Auch ohne großes Budget lassen sich Verbesserungen bereits schnell erzielen. Wer keinen Mixer mit EQ zur Verfügung hat, sollte zumindest das Maximum aus seinem Equipment herausholen. Gerade an Gitarren- und Bassverstärkern lassen sich viele Probleme direkt lösen: Bereits das subtile Anheben oder Absenken von Bässen, Mitten und Höhen kann entscheidende positive Veränderungen bringen.

Slide 1: Marshall-Verstärker mit 3-Band-Equalizer / Slide 2: E-Bass-Verstärker-Topteil mit integriertem 6-Band-Equalizer

Gitarristen profitieren in der Regel davon, den Bassanteil deutlich zu reduzieren. Was alleine fett klingt, führt im Bandkontext oft zum „Matsch-Problem“. Ein gezielter Bass-Cut – sei es über den Amp oder ein EQ-Pedal – kann Wunder wirken. Gleichzeitig hilft es, die Mitten anzuheben, anstatt sie herauszudrehen. Besonders in Punk, Metal und anderen härteren Genres sorgt ein mittenreicher Sound für deutlich mehr Präsenz. Aber auch hier gilt: Vorsichtige Änderungen sind das A und O! Zu stark eingestellte Gitarren-Mitten können die Vocals oder andere mittenlastige Elemente im Mix überlagern.

EQ-Pedale als Allzweckwaffe

EQ-Pedale können im Proberaum ein enorm hilfreiches Werkzeug sein, um den eigenen Sound gezielt im Bandkontext anzupassen. Modelle wie der MXR Ten Band EQ oder der Boss GE-7 Graphic EQ ermöglichen es, bestimmte Frequenzbereiche aktiv anzuheben oder abzusenken, wodurch genau dort eingegriffen werden kann, wo es im Mix Probleme gibt.

Statt einfach lauter zu werden, kann man so gezielt störende Frequenzen reduzieren oder wichtige Bereiche betonen, um sich besser durchzusetzen. Gerade wenn der Verstärker nur begrenzte EQ-Möglichkeiten bietet, eröffnen solche Pedale zusätzliche Kontrolle über den Sound und helfen dank deutlich mehr Frequenzbänder, ihn präziser in den Gesamtmix der Band einzufügen.

Beim Bass ist es sinnvoll, nicht nur auf Subfrequenzen zu setzen. Ein leichter Fokus auf die Mitten im Bereich von etwa 700 Hz bis 1 kHz kann helfen, mehr Definition zu erzeugen und sich besser im Mix durchzusetzen.

Das Schlagzeug dient oft als Referenzpunkt. Die Kick definiert das Fundament, während die Snare über die Mitten für Durchsetzung sorgt. Alle anderen Instrumente sollten sich daran orientieren. Kritisch ist es hierbei jedoch, wenn Schlagzeugerinnen oder Schlagzeuger wahre Heavy-Hitter sind: Es ist toll, wenn viel Ausdruck und Power im Schlagzeugspiel steckt – gleichzeitig kann das für Proben eben zu jenem Lautstärken-Matsch-Problem führen.

Weniger Lautstärke bedeutet oft mehr Klarheit. Wenn alle Instrumente etwas zurückgenommen werden, entsteht automatisch mehr Raum für Details und Dynamik. Wenn die Becken etwas leiser bedient werden und Verstärker nicht auf Anschlag eingestellt sind, kann bereits deutlich mehr Headroom für Dynamik entstehen.

Frequenzanalyse als Werkzeug

Ein besonders hilfreiches Mittel zur Analyse ist die visuelle Darstellung von Frequenzen, etwa über ein Spektrum in einer DAW wie Cubase. Hier lässt sich gut erkennen, wo sich Frequenzen ballen und wo Lücken entstehen. Wichtig ist dabei: Natürlich hat man im Proberaum nicht bei jeder Probe einen Laptop dabei oder alle Instrumente mikrofoniert und analysiert. Die oben gezeigten Frequenzbilder können dabei als Darstellung oder vielmehr als Orientierung dienen, um grundsätzlich zu verstehen, wie sich Frequenzen im Mix verhalten und wo typische Problemzonen liegen.

Ein matschiger Mix zeigt oft eine starke Anhäufung in den Low-Mids. Ein aufgeräumter Mix hingegen verteilt die Energie gleichmäßiger über das gesamte Spektrum. Besonders interessant ist der Vergleich zwischen einem Solo-Instrument und wie es sich im Bandkontext verhält. Was alleine beeindruckt, funktioniert im Mix nicht zwangsläufig ebenso optimal.

Raumakustik – der unterschätzte Faktor

Neben den Instrumenten selbst spielt der Raum eine enorme Rolle. Kleine Proberäume neigen zu Problemen im Bassbereich, da sich tiefe Frequenzen stauen und sogenannte stehende Wellen entstehen. Harte Oberflächen sorgen zusätzlich für Reflexionen, die den Sound verwaschen wirken lassen.

Schon einfache Maßnahmen können helfen. Die Position im Raum, die Ausrichtung der Lautsprecher und kleine Anpassungen wie Teppiche oder einfache Absorber können den Klang deutlich verbessern.

Zum Beispiel reduziert Akustikschaum die Reflexionen im Raum, indem er Schallwellen absorbiert. Dadurch werden störende Echos und Hall verringert, was zu einem klareren und definierteren Klangbild im Proberaum führt. Es muss nicht immer die perfekte Studioakustik sein, denn oft reichen kleine Veränderungen bereits aus, um große Unterschiede zu erzielen.

Fazit: Zusammenspiel statt Einzelkampf

Ein guter Bandsound ist immer Teamarbeit. Es geht nicht darum, dass jedes Instrument für sich perfekt klingt, sondern dass alle zusammen funktionieren. Frequenzen spielen dabei eine entscheidende Rolle, die darüber entscheiden können, wie der Mix in einem Proberaum am Ende klingt.

Wer versteht, wie sich Instrumente im Frequenzspektrum bewegen, kann gezielt eingreifen und den Sound verbessern. Dabei sind es oft kleine Anpassungen, die den größten Effekt haben. Weniger Bass an der Gitarre, etwas mehr Mitten beim Bass oder eine reduzierte Gesamtlautstärke können bereits den Unterschied machen.

Am Ende gilt: aufeinander hören, bewusst spielen und den Sound als Ganzes betrachten – dann wird aus einem matschigen Proberaum schnell ein klar definierter Bandsound.

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Mit dem Torpedo Captor X+ präsentiert Two Notes eine brandneu überarbeitete Version seiner beliebten Reactive Loadbox, die vor allem durch erweiterte Stereo-Funktionen, flexibleres Routing und neue Klangformungsoptionen deutlich aufgewertet wurde.

Während das Grundkonzept – bestehend aus Reactive Load, Attenuator und IR-basierter Lautsprechersimulation – erhalten bleibt, ist das Update besonders interessant für moderne Recording- und Live-Setups mit höheren Ansprüchen an Flexibilität und Klanggestaltung. Was die neuen Torpedo Captor X+ Loadboxen alles mitbringen und welche Upgrades am Start sind, erfahrt ihr hier!

Was ist neu?

True Stereo DynIR Engine & Virtual Load Shaper

Die größte Neuerung ist die True Stereo DynIR Engine, die eine unabhängige Positionierung und das Panning von zwei Mikrofonen oder Impulsantworten ermöglicht. Im Gegensatz zum bisherigen „Stereo-Expander“ lassen sich nun echte Stereo-Soundscapes mit separater Bearbeitung pro Kanal realisieren.

Ergänzt wird dies durch ein deutlich erweitertes Routing im Dual-Mono-Betrieb, bei dem beide XLR-Ausgänge eigene Signalwege inklusive individueller Mic-/IR- und Effektketten erhalten. Alternativ können beide Signale auch gemischt und dennoch separat weiterverarbeitet werden, was für Live-Setups oder anderweitige Splitting-Lösungen für Recording interessant sein kann.

Ebenfalls neu ist der Virtual Load Shaper, der das Impedanzverhalten der Loadbox gezielt beeinflusst. Dadurch lässt sich der Grundcharakter des Verstärkers subtil anpassen – etwa durch straffere Bässe, mehr Wärme oder zusätzliche Präsenz. Dieses Feature greift direkt in das Spielgefühl ein und erweitert die klanglichen Möglichkeiten über klassische IR-Simulation hinaus und bietet feinste Anpassungsmöglichkeiten für jede Raumsituation.

Überarbeitete Effektsektion: Neue Tools zur Klangbearbeitung

Auch die interne Effektsektion wurde erweitert: Neben Reverb stehen nun zusätzliche Bearbeitungsoptionen wie EQ, Enhancer und weitere Tools zur Verfügung, die sich flexibel in die Signalkette integrieren lassen. Die Steuerung erfolgt weiterhin über die Torpedo Remote Software, die im Zuge des Updates ebenfalls überarbeitet wurde und nun unter anderem eine verbesserte Integration via USB-C bietet.

Unverändert bleiben die grundlegenden Stärken der Serie: Die Reactive Load mit 100 Watt Belastbarkeit, der dreistufige Attenuator, umfangreiche IR-Verwaltung sowie XLR-Ausgänge, Kopfhöreranschluss und MIDI machen das Captor X+ weiterhin zu einer vielseitigen Lösung für Silent Recording, Studioanwendungen und den Live-Einsatz.

Mit dem Torpedo Captor X+ entwickelt der Hersteller seine Loadbox konsequent weiter und positioniert das System stärker als flexible Recording- und Sounddesign-Plattform – ein Upgrade, das vor allem für Nutzer interessant ist, die mehr Kontrolle über Stereo-Sounds, Routing und Spielgefühl suchen.

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