Die Saiten schnarren, einige klingen gar nicht, deine Hand verkrampft und du hast das Gefühl, dass deine Finger einfach nicht dafür gemacht sind. Genau hier steigen viele aus oder schieben das Thema vor sich her. Das ist völlig normal, aber auch komplett unnötig. Denn Barré-Griffe sind keine Raketenwissenschaft. Sie sind ein technischer Schritt, den jeder lernen kann, wenn er weiß, wie.

Warum Barré-Griffe am Anfang so schwer wirken

Barré-Akkorde verlangen etwas, das du vorher kaum gebraucht hast. Dein Zeigefinger übernimmt plötzlich die Aufgabe eines kleinen Kapodasters. Er drückt mehrere Saiten gleichzeitig herunter, während deine anderen Finger zusätzlich eine Akkordform greifen. Das bedeutet, dass du gleichzeitig Kraft, Koordination und Präzision brauchst.

Viele reagieren darauf instinktiv mit mehr Druck. Sie versuchen, das Problem mit Kraft zu lösen. Das führt aber meistens nur dazu, dass die Hand schneller ermüdet und die Saiten trotzdem nicht sauber klingen. Das eigentliche Problem ist fast nie die Kraft, sondern die Technik.

Der größte Fehler beim Lernen

Ein typischer Anfängerfehler ist, direkt den kompletten Akkord greifen zu wollen. Du setzt alle Finger auf einmal und hoffst, dass es irgendwann funktioniert. Das Problem dabei ist, dass du nicht erkennst, wo genau der Fehler liegt. Ist es der Barré selbst? Ist es ein anderer Finger? Oder ist es die Haltung deiner Hand? Wenn du alles gleichzeitig übst, lernst du langsamer. Der bessere Weg ist, den Akkord in kleine Schritte zu zerlegen.

Barré Greifen – die richtige Position des Fingers

Bevor du überhaupt an den kompletten Akkord denkst, solltest du nur den Barré üben. Lege deinen Zeigefinger über alle Saiten, zum Beispiel im fünften Bund. Spiele dann jede Saite einzeln an und achte darauf, ob sie sauber klingt. Wenn eine Saite nicht klingt, verändere minimal die Position deines Fingers. Manchmal reicht ein winziger Winkelunterschied, damit der Ton plötzlich klar wird. Diese Übung ist simpel, aber extrem effektiv. Du trainierst gezielt genau das, was später den Unterschied macht.

Viele legen den Zeigefinger flach auf die Saiten. Das funktioniert selten gut, weil die Unterseite des Fingers relativ weich ist. Stattdessen solltest du den Finger leicht zur Seite kippen. Die Kante deines Fingers ist härter und bietet mehr Stabilität. Dadurch brauchst du weniger Kraft und erreichst schneller einen sauberen Klang. Das fühlt sich am Anfang ungewohnt an, ist aber einer der wichtigsten Tricks überhaupt.

Ein weiterer wichtiger Tipp: Positioniere deinen Finger nah hinter dem Bundstab! Denn auch beim Greifen einzelner Saiten gilt bereits, dass eine gute Fingerposition weniger Kraft erfordert, um einen sauberen Ton erzeugen zu können. Wenn man dieses Prinzip auf den Barré überträgt, ist der Effekt sogar umso größer.

Weniger Druck ist oft die bessere Lösung

Es klingt widersprüchlich, aber mehr Druck ist selten die Antwort. Wenn du zu fest drückst, verkrampfst du automatisch. Deine Hand wird steif und du verlierst die Kontrolle über die Bewegung. Das führt dazu, dass die Saiten trotzdem nicht sauber klingen. Versuche stattdessen, den Druck bewusst zu reduzieren. Spiele eine Saite und erhöhe den Druck nur so weit, bis sie klar klingt. Genau dieses Gefühl solltest du dir merken. Barré-Akkorde funktionieren nicht durch maximale Kraft, sondern durch effizienten Einsatz.

Baue den Akkord langsam auf

Wenn dein Barré alleine funktioniert, kannst du anfangen, den Akkord zu erweitern. Setze einen Finger nach dem anderen dazu und überprüfe nach jedem Schritt den Klang. So behältst du die Kontrolle und merkst sofort, wenn etwas nicht stimmt. Viele versuchen, alles auf einmal zu greifen und wundern sich, warum es nicht klappt. Der Schlüssel liegt darin, die Komplexität langsam zu steigern.

Der Durchbruch kommt plötzlich

Am Anfang fühlt es sich an, als würde nichts funktionieren. Doch wenn du dranbleibst, kommt irgendwann ein Moment, in dem der Akkord plötzlich sauber klingt. Dieser Moment wirkt oft überraschend, ist aber das Ergebnis deiner Übung. Deine Hand hat die Bewegung gelernt und kann sie jetzt umsetzen. Ab diesem Punkt geht es deutlich schneller voran.

Gute Barré-Akkorde für den Einstieg

Nicht alle Barré-Akkorde sind gleich schwer. Einige eignen sich besser für den Einstieg. Akkorde wie B-Moll oder Fis-Moll im zweiten Bund sind gute Beispiele. Auch Barré-Akkorde in der A-Form sind oft angenehmer zu greifen. Der klassische F-Dur Akkord im ersten Bund ist dagegen eher eine Herausforderung und sollte nicht dein erster Versuch sein.

H-Moll-Griff im zweiten Bund auf der A-Saite.

H-Dur-Griff im zweiten Bund auf der A-Saite.

Mit diesem Video-Tutorial kannst du dir die Umsetzung von Barré-Griffen noch genauer anschauen:

Fazit: Barré-Griffe erfolgreich meistern

Barré-Akkorde sind eine der wichtigsten Grundlagen auf der Gitarre. Sie öffnen dir neue Möglichkeiten und machen dich deutlich flexibler beim Spielen. Auch wenn sie am Anfang schwierig wirken, sind sie mit der richtigen Technik und etwas Geduld absolut machbar. Konzentriere dich auf saubere Grundlagen, übe in kleinen Schritten und bleib konsequent. Dann wirst du schon bald merken, dass sich deine Hand sicherer anfühlt und die Akkorde immer besser klingen. Und genau dann hörst du auf, gegen Barré-Akkorde zu kämpfen und fängst an, sie wirklich zu nutzen.

Auch interessant:

Effektiv üben auf der Gitarre – unsere Top-Tipps

Die meisten Gitarrenschüler kennen es. Trotz ambitionierten Übens will es einfach nicht richtig klappen und [...]

> WEITERLESEN

Gute Vorsätze 2026: Gitarre üben ohne Druck – 7 Tipps zur Motivation

Gitarre üben ohne Druck – 7 Tipps, um motiviert ins neue Jahr zu starten! Frohes [...]

> WEITERLESEN

Welche ersten Akkorde und Songs eignen sich für Anfänger?

Als Gitarrenanfänger kannst du es wahrscheinlich gar nicht abwarten, die ersten bekannten Songs auf deinem neuen [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Wie du schneller Barré-Griffe lernst erschien zuerst auf Guitar-Player.

Viele Gitarristinnen und Gitarristen kennen das Problem: Die Grundakkorde sitzen, Barré-Griffe klappen ebenfalls, aber die höheren Lagen wirken oft wie ein unübersichtliches Geflecht aus Mustern und Positionen. Wirft man dann noch einen Blick auf die Töne des Griffbretts, fühlt man sich schnell erschlagen (besonders dann, wenn Musiktheorie bislang eher ein blinder Fleck war). Die Noten scheinen willkürlich verteilt, Soli oder komplexere Riffs werden mithilfe von Tabs auswendig gelernt, ohne wirklich zu verstehen, was harmonisch eigentlich passiert. Das kann auf Dauer frustrierend sein. Genau deshalb wollen wir in diesem Artikel Abhilfe schaffen.

Wer vorher noch einmal sein musiktheoretisches Verständnis auffrischen möchte, findet alles dazu in diesem Beitrag: Musiktheorie für Gitarre: Tonarten, Intervalle & Akkorde

Hat man erst einmal verstanden, wie die Töne auf dem Griffbrett funktionieren, wirkt dessen Aufbau plötzlich alles andere als chaotisch. Tatsächlich folgt das Griffbrett klaren Mustern, die sich ständig wiederholen. Zahlreiche Eselsbrücken liegen dabei direkt vor deiner Nase – beziehungsweise unter deinen Fingern. Wer diese Zusammenhänge erkennt, kann sich deutlich schneller orientieren, Songs einfacher lernen und beginnt schließlich, die Gitarre wirklich zu verstehen.

Grundsätzlich wiederholen sich alle Töne und Halbtöne auf dem Griffbrett mehrfach. Auch saitenübergreifend lassen sich dadurch schnell wichtige Orientierungspunkte erkennen. So entsteht nach und nach ein nachvollziehbares System, in dem sich Powerchords, Skalen oder komplette Akkordfolgen deutlich leichter einordnen lassen.

Wichtige Erkenntnis: Du musst nicht das gesamte Griffbrett beziehungsweise jede einzelne Note stumpf auswendig lernen. Viel wichtiger ist es, die sich wiederholenden Muster und Zusammenhänge zu verstehen. Besonders sinnvoll ist es, sich zunächst auf die beiden tiefen Saiten – also die E- und A-Saite – zu konzentrieren. Kennst du dort die wichtigsten Töne, lassen sich Intervalle, Akkorde und Skalen deutlich einfacher über das gesamte Griffbrett hinweg nachvollziehen.

Wo fange ich an, mich zu orientieren?

Grundsätzlich wird das Griffbrett durch die metallischen Bundstäbchen in einzelne Bereiche unterteilt. Diese nennt man „Bünde“. Je nachdem, an welcher Position gegriffen wird, spricht man vom ersten, zweiten oder dritten Bund und so weiter. Wichtig dabei: Mit jedem Bund bewegt man sich musikalisch um einen Halbtonschritt weiter. Überspringt man zwei Bünde, entsteht entsprechend ein Ganztonschritt. Dieses Prinzip zieht sich konsequent über das gesamte Griffbrett und bildet die Grundlage für Tonleitern, Akkorde und Intervalle.

Damit man sich auf dem Griffbrett besser orientieren kann, besitzen die meisten Gitarren sogenannte Inlays beziehungsweise Griffbretteinlagen. Diese kleinen Punkte oder Markierungen verraten zwar nicht direkt, welcher Ton dort liegt, helfen aber enorm dabei, Positionen und Intervalle schneller zu erkennen. Typischerweise befinden sich diese Markierungen im dritten, fünften, siebten, neunten und zwölften Bund sowie in weiteren höheren Lagen.

Besonders auffällig ist der zwölfte Bund, da er meist mit zwei Punkten markiert ist. Das hat einen einfachen Grund: Ab hier beginnt das Tonsystem erneut. Spielt man im zwölften Bund alle sechs Saiten, erklingen dieselben Töne wie bei den Leersaiten, lediglich eine Oktave höher.

Die Tonleiter einer Klaviatur auf das Griffbrett übertragen

Genau dieses Prinzip macht das Griffbrett deutlich übersichtlicher, als es zunächst erscheint. Statt unzählige einzelne Positionen auswendig zu lernen, reicht es oft, grundlegende Muster und Zusammenhänge zu verstehen.

Besonders hilfreich ist dabei die sogenannte Stammtonreihe mit den Tönen C, D, E, F, G, A und H. Zwischen E und F sowie zwischen H und C liegt jeweils nur ein Halbtonschritt. Alle übrigen Töne besitzen einen Ganztonabstand zueinander. Dieses Muster wiederholt sich auf allen Saiten der Gitarre und hilft enorm dabei, sich schneller zu orientieren.

Zusätzlich kommen auf dem Griffbrett noch die sogenannten Zwischentöne hinzu. Diese entstehen durch das Erhöhen oder Erniedrigen eines Tons mithilfe von Kreuz- oder b-Vorzeichen. Dadurch entsteht die chromatische Tonleiter mit insgesamt zwölf verschiedenen Tönen pro Oktave.

Für viele wirkt diese vollständige Darstellung des Griffbretts allerdings schnell überladen. Gerade am Anfang ist es deshalb sinnvoller, sich zunächst auf die Stammtöne und grundlegende Orientierungspunkte zu konzentrieren. Dabei reichen lediglich die ersten beiden Saiten, also die tiefe E- und A-Saite aus, um sich nahezu vollständig auf dem Griffbrett zurechtzufinden.

Oktaven lokalisieren

Eine besonders praktische Methode zur Orientierung sind sogenannte Oktavmuster oder „Oktaven-Dreiecke“. Dabei wiederholt sich ein Ton in festen geometrischen Formen über mehrere Saiten hinweg. Kennt man die Töne auf der tiefen E- und A-Saite gut (Grafik oben), lassen sich identische Töne auf anderen Saiten deutlich schneller finden. Verschiebt man dieses Dreieck nach oben, so bleiben die Intervalle logischerweise gleich und Oktaven jedes Tons der E- und A-Saite können blitzschnell identifiziert werden.

Genau solche Muster helfen vielen erfahrenen Gitarristinnen und Gitarristen dabei, sich intuitiv auf dem Griffbrett zu bewegen. Darüber hinaus lässt sich das Griffbrett auch in verschiedene Bereiche oder „Blöcke“ unterteilen. Statt jede einzelne Note isoliert zu betrachten, denkt man dabei eher in zusammenhängenden Formen, Bewegungsmustern oder Rastern. Gerade beim Improvisieren oder beim Lernen von Skalen entsteht dadurch ein deutlich besseres Gefühl für das Instrument.

Der Vorteil liegt dabei wortwörtlich auf der Hand: Visuelle Muster lassen sich deutlich leichter lernen und behalten, als sämtliche Töne blind auswendig lernen zu wollen. Besonders das Muskelgedächtnis profitiert davon, weil sich eingeübte Skalen, Bewegungsabläufe und Muster wesentlich besser verinnerlichen lassen.

Weitere Intervalle verstehen

Worauf bauen Tonleitern und Skalen auf?

Ein wichtiger Schlüssel zum Verständnis des Griffbretts liegt außerdem in den Intervallen und der Stimmung der Gitarre selbst. Die sechs Saiten sind größtenteils in Quarten gestimmt: E, A, D, G, H und E. Die einzige Ausnahme bildet der Abstand zwischen G- und H-Saite, der einer großen Terz entspricht.

Genau dieses System sorgt dafür, dass sich viele Akkord-, Skalen- und Arpeggio-Formen relativ einfach über das gesamte Griffbrett verschieben lassen. Deshalb arbeiten viele Gitarristinnen und Gitarristen weniger mit einzelnen Notennamen, sondern vielmehr mit wiederkehrenden Mustern und Formen.

Tonleitern

Gerade bei Tonleitern zeigt sich dieses Prinzip besonders deutlich. Viele Skalen funktionieren auf der Gitarre nach identischen Bewegungsmustern und verändern sich lediglich durch ihre Position auf dem Griffbrett.

Spielt man beispielsweise eine Dur-Tonleiter oder in einer bestimmten Lage, lässt sich dieselbe Form einfach verschieben, um eine andere Tonart zu erzeugen. Dadurch entsteht mit der Zeit ein deutlich intuitiveres Verständnis für das Instrument, weil man Zusammenhänge erkennt, anstatt jede Tonleiter komplett neu lernen zu müssen.

Für die Orientierung auf dem Griffbrett sind besonders die tiefe E-Saite sowie die A-Saite entscheidend. Wer die Töne auf diesen beiden Saiten sicher kennt, kann daraus viele weitere Positionen ableiten. Gerade Powerchords, Oktavmuster oder Barré-Akkorde orientieren sich häufig an diesen Grundtönen.

Statt das komplette Griffbrett auswendig zu lernen, reicht es deshalb oft aus, einige zentrale Orientierungspunkte wirklich zu verstehen. Der Rest ergibt sich mit zunehmender Spielerfahrung beinahe automatisch.

Die Blues-Skala

Die Blues-Skala ist eine Erweiterung der Moll-Pentatonik und charakterisiert sich durch ihren frechen Stil, der vor allem von rhythmischen Aussetzern und freier Improvisation lebt. Deshalb wird sie häufig auch als „Blues-Pentatonik“ bezeichnet. Sie besteht aus denselben fünf Tönen wie eine Moll-Pentatonik, wird jedoch um die verminderte Quinte ergänzt und ist somit strenggenommen eine Hexatonik. Dadurch entsteht eine sechstönige Skala mit dem typischen Blues-Charakter.

Tipp: Improvisation mit der Blues-Skala

Die sogenannte Blue Note – in diesem Fall das E♭ – sorgt für den charakteristischen bluesigen Klangcharakter der Skala. Wenn du besonders bluesig klingen möchtest, kannst du diesen Ton gezielt betonen und länger ausklingen lassen.

Für rockigere Spielweisen eignet sich die Blue Note dagegen oft eher als Durchgangston. Experimentiere damit, sie auf unbetonte Zählzeiten zu platzieren oder als Übergang zwischen zwei anderen Tönen einzusetzen.

Üben, Verknüpfen, Improvisieren: Am Ende bleibt alles im Muskelgedächtnis. Wie Fahrradfahren.

Letztlich geht es beim Lernen des Griffbretts nicht darum, jede Position sofort perfekt benennen zu können. Viel wichtiger ist es, die wiederkehrenden Muster und Zusammenhänge zu erkennen.

Wer versteht, wie sich Töne, Intervalle und Oktaven auf der Gitarre bewegen, entwickelt mit der Zeit automatisch mehr Orientierung und beginnt das Griffbrett nicht mehr als Chaos, sondern als logisch aufgebautes System wahrzunehmen und provitiert von einem trainierten Muskelgedächtnis.

Auch interessant:

Musiktheorie für Gitarre: Tonarten, Intervalle & Akkorde

Musiktheorie für Gitarre: Warum es sinnvoll ist, nicht nur mit Tabs zu üben! Viele Gitarristinnen [...]

> WEITERLESEN

E-Bass für Einsteiger: Fünf einfache Bassriffs mit Tabs

Fünf Bassriffs für den Einstieg Wer die ersten Schritte auf dem E-Bass hinter sich hat [...]

> WEITERLESEN

Banjo lernen – ein Leitfaden für Einsteiger

Ein weiter blauer Himmel, staubige Straßen, rasante Fingerläufe – kaum ein Instrument steht derart für [...]

> WEITERLESEN

Minimalismus in der Musik: Nur Gitarre und Stimme

Der Sommer ist die Zeit, in der Musik wieder nach draußen wandert. Menschen sitzen gemeinsam [...]

> WEITERLESEN

Gitarre effektiv üben: 30 Minuten effizient nutzen

Zeit ist für viele Musikerinnen und Musiker der größte Engpass. Gerade heutzutage fällt es zunehmend [...]

> WEITERLESEN

Gitarre lernen mit Videospielen: Games & Tools für spielerisches Üben

Gitarre lernen mit Gamification: Mit diesen Games & Tools lässt sich spielerisch üben Gitarre lernen [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Das Griffbrett der Gitarre wirklich verstehen: Töne, Oktaven und Skalen lokalisieren erschien zuerst auf Guitar-Player.

Das heißt übrigens nicht, dass du die Pentatonik komplett hinter dir lassen musst, um dich fortzuentwickeln. Stattdessen zeigen wir dir, wie du mit ihr musikalisch weiterdenkst und aus einfachen Tonleitern singende Linien machst.

Was ist die Pentatonik überhaupt?

Die Pentatonik ist – genau wie Dur oder Moll – eine Tonleiter. Also ein Vorrat an Tönen, den wir problemlos zu bestimmten Harmonien spielen können, ohne dabei schief zu klingen. Im Gegensatz zu diatonischen Skalen wie Dur oder Moll, die aus sieben Tönen pro Oktaven bestehen, beschränkt sich die Pentatonik lediglich auf fünf Töne – daher auch ihr Name (Penta griech. = fünf).

Im Beispiel A-Moll besteht die zugrundeliegende Pentatonik in A-Moll aus folgenden Tönen:

A – C – D – E – G

Die wohl bekannteste Form der A-Moll-Pentatonik auf dem Griffbrett der Gitarre ist die sogenannte 5. Position. Sie ist deshalb so beliebt, weil sie sehr einfach nachzuvollziehen ist, der Grundton A auf den beiden E-Saiten jeweils unter dem Zeigefinger liegt und viele berühmte Licks aus dieser Position heraus gespielt werden:

Die Pentatonik ist übrigens nicht nur essenzieller Bestandteil unserer europäisch geprägten Musik, sondern in allen möglichen Genres wie Rock, Jazz, Blues und Gospel vertreten und sogar in zahlreichen anderen musikalischen Kulturen tief verwurzelt. Wie sehr wir alle durch die Pentatonik geprägt sind, hatte bereits Bobby McFerrin in folgendem Video eindrucksvoll bewiesen:

Warum die Pentatonik allein oft nicht reicht

Die klassische Moll-Pentatonik funktioniert deshalb so gut, weil sie fast immer „richtig“ klingt. Wer die Pentatonik in A-Moll über einen A-Moll-Akkord spielt, wird natürlich auf keine harten Reibungen oder kritischen Töne treffen. Genau das ist aber auch ihr Problem: Wenn alle Töne sicher sind, entsteht wenig Spannung. Die Pentatonik allein klingt also sehr schnell langweilig, wenn wir ihre Töne einfach nur willkürlich aneinanderreihen.

Das passiert vor allem dann, wenn unser Solo

• keine klare Richtung oder Melodie hat,
• rhythmisch eintönig ist,
• nur oberflächlichen Bezug zur Harmonie nimmt.

Und genau hier können wir ansetzen. Hier sind unsere wichtigsten Tipps, um deinen Leads und Improvisationen garantiert mehr Leben einzuhauchen und die Musik in den Vordergrund zu stellen.

1. Melodien statt Muster denken

Der wichtigste Schritt aus dem „Skalen-Gefängnis“ ist zunächst einmal ein Perspektivwechsel. Sobald du dich mit dem Tonvorrat der Pentatonik ein wenig vertraut gemacht hast, kannst du anfangen, aus den dir bekannten Tönen Melodien zu entwickeln, die du während einer Improvisation als Thema nutzen, variieren und spielerisch verarbeiten kannst.

Was macht gute Melodien aus?

Diese Frage ist mindestens genau so alt wie die Musik selbst. Nicht ohne Grund wurde ihr mit der Melodik ein ganzes wissenschaftliches Feld eingeräumt, das sich ausschließlich mit dieser Frage beschäftigt. Trotzdem lassen sich grundlegende und einfach nachvollziehbare Faustregeln für gute Melodien ableiten. Gute Melodien kannst du erkennen, wenn du folgende Fragen mit Ja beantworten kannst:

• Kann ich diese Phrase mitsingen?
• Hat sie einen Anfang und ein Ende?
• Würde ich sie wiedererkennen?

Die besten, die bekanntesten Solos zeichnen sich nämlich nicht dadurch aus, dass sie aus vielen schnellen Tönen bestehen. Sie bleiben uns deshalb im Gedächtnis, weil sie eine nachvollziehbare Melodie mit Ohrwurmcharakter zur Grundlage haben. Große Solisten denken daher nicht in Boxen oder Shapes auf dem Griffbrett, sondern in Phrasen.

Hier sind noch ein paar weitere Tipps, um geeignete melodischere Lines zu finden:

1. Beginne nicht immer auf dem Grundton!
2. Beende deine Phrasen auf stabilen Tönen! Dazu zählt in der Pentatonik die Oktave und die Quinte (Im Beispiel A-Moll das A oder E)
3. Nutze Wiederholungen und kleine Variationen! Selbst Spielfehler lassen sich durch Wiederholungen gewollt klingen. Oder wie Musiker gerne sagen: Repetition legitimizes
4. Baue Pausen ein! Stille ist ein legitimes Element zum Bauen von Melodien.

Ein einfaches Motiv, zweimal leicht verändert gespielt, wirkt oft stärker als ein blitzschnell gespielter langer Lauf, der zwar über mehrere Oktaven geht, musikalisch aber kaum etwas zu sagen hat.

2. Rhythmus: Der unterschätzte Melodie-Faktor

Bisher haben wir viel über Töne, Intervalle und Skalen gesprochen. Dabei ist der richtige Rhythmus mindestens genau so wichtig, um gute Melodien zu schaffen. Genau wie wir durch unterschiedliche Tonfolgen Interesse beim Zuhörer wecken, können wir auch durch rhythmische Stilmittel relativ einfach Anspannung und Entspannung erzeugen. Hier sind ein paar nützliche Dinge, die unsere Lines weitaus interessanter gestalten:

Lange gegen kurze Noten

Die einfachste Form, mit Rhythmus zu arbeiten, ist die Verwendung unterschiedlicher Tonlängen. Selbst die interessantesten Melodien werden schnarchlangweilig, sobald wir all ihre Töne komplett gleichförmig spielen und z. B. nur Viertelnoten verwenden. Wenn wir allerdings manche Töne länger halten, andere wiederum zu kleinen schnellen Läufen verbinden, bringen wir hörbare Tempovariationen in unser Spiel.

Synkopen

Ein weitere wichtiger rhythmischer Aspekt ist die Frage, wann die gespielten Töne im Takt beginnen. Gerade im Zusammenspiel mit Perkussion oder einem Schlagzeuger kann es besonders spaßig sein, Töne nicht immer nur auf, sondern auch zwischen den Schwerzeiten zu beginnen. Ganze Genres wie z. B. Ragtime oder Swing, aber auch der Funk beziehen einen Großteil ihrer Faszination aus diesem simplen Trick.

Das beste Beispiel, wie man mit ein paar simplen Tönen aus der Pentatonik ansprechende Lines bildet, beweist Bass-Legende Bootsy Collins eindrucksvoll mit seiner „Funk Formula“:

3. Zielnoten: Die Harmonie bewusst treffen

Während wir unsere Soli an der Lead-Gitarre entwickeln, geschieht im Hintergrund meist etwas ganz anderes: Andere Begleitinstrumente wie die Rhythmusgitarre oder der Bass schaffen ein harmonisches Fundament, auf dem unsere Leads fußen. Oftmals können wir Akkordwechsel problemlos überspielen, indem unsere Pentatonik im Grundton des Songs bleibt. Wenn die Begleitband z. B. die Harmoniefolge A-Moll – F-Dur – G-Dur – A-Moll spielt, wird die A-Moll-Pentatonik auch über den F- und G-Akkord gespielt sicherlich nicht falsch klingen, da A weiterhin der Bezugston im Song ist.

Weitaus professioneller klingt es aber, wenn du es schaffst, Melodien zu entwickeln, die dem Harmonieablauf des Songs bewusst folgen. Hierzu ist es hilfreich zu wissen, aus welchen Tönen sich die Begleitakkorde jeweils bilden:

• A-Moll – A, C und E
• F-Dur – F, A und C
• G-Dur – G, H und D

Wenn wir uns die Töne des F-Dur-Akkords betrachten, stellen wir fest, dass A und C bereits Teil unserer Pentatonikskala sind. Das fehlende F erhalten wir, indem wir aus unserer bisherigen Skala den Ton E einfach um einen Halbton erhöhen.

Im G-Dur-Akkord haben wir auch bereits zwei Töne des Akkords in unsere A-Moll-Pentatonik enthalten, nämlich das G und das D. Das fehlende H (engl. B) erreichen wir, indem wir den Ton C einfach einen Halbton tiefer spielen.

Dadurch ergeben sich neue Skalen, nämlich die F-Dur-Pentatonik und die G-Dur-Pentatonik:

F-Dur-Pentatonik

G-Dur-Pentatonik

4. Pentatonik erweitern

Nachdem wir unsere Pentatonik bereits auf verschiedene Harmonien angepasst haben, können wir sie schließlich auch erweitern. Zum Beispiel auf die vollständige A-Moll-Skala. Hierzu nehmen wir einfach alle Töne der vorherigen Skalen, und bauen sie zu einer gemeinsamen Skala zusammen:

Im Gegensatz zu unseren bisherigen pentatonischen Skalen haben wir nun sieben verschiedene Töne, die uns allerdings bereits allesamt bekannt sind. Wir haben also bereits ein gutes Verständnis darüber, wie wir sie gezielt verwenden können und neue Melodien aus dem erweiterten Tonvorrat entwickeln.

5. Bending, Vibrato & Artikulation

Zu guter Letzt können wir natürlich noch auf nützliche Verzierungen zurückgreifen, die unserem Spiel Ausdruck verleihen und so manches Solo erst so richtig lebendig klingen lassen. Hier gibt es nahezu unzählige Möglichkeiten, die natürlich auch von deinem jeweiligen Instrument abhängig sind. Wir schauen uns die bekanntesten Formen auf der Gitarre an:

Bending

Die wohl bekannteste und beliebsteste Verzierung ist das sogenannte Bending. Hierfür greifen wir eine Saite auf einem Ton unserer Skala und ziehen die Saite einfach nach oben oder unten, bis sie den nächsthöheren Ton erreicht. Am einfachsten klappt das, wenn wir uns hierfür einen Ausgangston aussuchen, dessen nächster Ton auf der Skala bereits im nächsten Bund liegt. Wichtig ist hierbei nur, dass wir den Zielton auch tatsächlich treffen!

Vibrato

Eine weitere Verzierung, die gerade den lange gehaltenen Tönen Ausdruck verleihen kann, ist das sogenannte Vibrato. Statt den Ton einfach nur auf seiner eigentlichen Tonhöhe zu halten, umspielen wir diese konstant durch ganz kleine, super schnell ausgeführte Bendings und lassen den Ton ‚flattern‘. Vibratos können auf zwei Arten und Weisen umgesetzt werden: Entweder lenken wir die Saite nach oben und unten aus, oder indem wir den Finger der Greifhand hin- und herbewegen.

Slides, Hammer-Ons & Pull-Offs

Die dritte beliebte Möglichkeit, Melodien flüssiger und musikalischer klingen zu lassen, ist das Legatospiel. Statt jeden gespielten Ton einzeln mit der rechten Hand anzuschlagen, haben wir unterschiedliche Möglichkeiten, Tonwechsel besonders flüssig klingen zu lassen. Die flüssigste ist der Slide, bei dem wir einfach mit der Greifhand auf den nächsten Ton rutschen, ohne ihn erneut anzuspielen. Weitere Möglichkeiten

Fazit: Melodie beginnt im Kopf, nicht in der Skala

Der Weg von der Pentatonik hin zur Melodie besteht aus vielen Schritten und verbessert nicht nur deine Lead-Skills an der Gitarre, sondern macht auch insgesamt einen besseren Musiker aus dir. Denn egal, ob du noch weitere Instrumente spielst, Songs schreibst oder komponierst: ansprechende Phrasierung, interessante Rhythmen und artikulativer Ausdruck bilden stets das Fundament wirklich gut gemachter Musik!

Auch interessant:

10 häufige Fehler beim Kauf einer Akustikgitarre

Du spielst Akustikgitarre und möchtest dir nun dein erstes Instrument kaufen? Glückwunsch, denn nun startet [...]

> WEITERLESEN

Gitarrenpflege im Sommer: So schützt du deine Akustikgitarre

Der Sommer lockt mit Gartenpartys, Lagerfeuern und entspanntem Urlaub am Strand. Die ideale Gelegenheit also, [...]

> WEITERLESEN

Dicke oder dünne E-Gitarren-Saiten? So beeinflusst die Saitenstärke Sound & Spielgefühl

E-Gitarren-Saitenstärken erklärt: Dünne Saiten, dicke Saiten und der richtige Satz für deinen Sound Kaum ein [...]

> WEITERLESEN

Passive vs. aktive Tonabnehmer: Mythen, Fakten und die wichtigsten Unterschiede

Aktive oder passive Tonabnehmer? Unterschiede, Vorteile und Mythen im Faktencheck Wer sich früher oder später [...]

> WEITERLESEN

Riff Lab: LENNY KRAVITZ „Always On The Run“ (Noten + Tabs)

Als 1991 die erste Single von Lenny Kravitz’ zweitem Album ‚Mama Said‘ erschien, war schnell [...]

> WEITERLESEN

Wie du schneller Barré-Griffe lernst

Wenn du gerade Gitarre lernst, kommt früher oder später dieser eine Moment, der alles verändert. [...]

> WEITERLESEN

Hall, Room, Spring, Plate & Shimmer – die wichtigsten Reverb-Typen erklärt

Einer der ersten Effekte, mit denen wir Gitarristinnen und Gitarristen meist direkt nach der Zerre [...]

> WEITERLESEN

Riff Lab: JOHN MAYER „Who Did You Think I Was“ (Noten + Tabs)

Mit der Gründung des John Mayer Trio wagte John Mayer Mitte der 2000er-Jahre einen deutlichen [...]

> WEITERLESEN

Gitarre effektiv üben: 30 Minuten effizient nutzen

Zeit ist für viele Musikerinnen und Musiker der größte Engpass. Gerade heutzutage fällt es zunehmend [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Von der Pentatonik zur Melodie – 5 Tipps für musikalische Solos erschien zuerst auf Guitar-Player.

Wer die ersten Schritte auf dem E-Bass hinter sich hat und bereits einige Klassiker spielen kann, bekommt in diesem Beitrag neuen Tab-Nachschub! Mit einer Mischung aus bekannten Evergreens und weniger bekannten Basslines präsentieren wir euch fünf Riffs, die nicht nur Spaß machen, sondern auch spielerisch fordern und dabei unterschiedliche Techniken abdecken.

Natürlich gibt es unzählige ikonische Bassriffs aus verschiedensten Genres, die nicht jeden Geschmack treffen, aber vielleicht entdeckt ihr in dieser Auswahl ein oder zwei Stücke, die euch genauso viel Freude bereiten wie mir.

Green Day – Longview

Wer diesen Klassiker nicht ohnehin schon draufhat, hat jetzt die perfekte Gelegenheit dazu! In den frühen 1990er-Jahren wurde Green Days drittes Studioalbum Dookie über Nacht zum Erfolg und katapultierte das Punkrock-Genre in den Mainstream. Besonders die frühen Tracks der Band bestehen meist aus drei bis vier Akkorden und sind auf dem E-Bass schnell zu lernen. Der vierte Track Longview tanzt hier etwas aus der Reihe. Er lebt vor allem von seinem schweren Refrain und der ikonischen Bassline in den Strophen.

Als eines der bekanntesten Bassriffs der 90er wird Longview von Green Day-Bassist Mike Dirnt mit kräftigem Plektrum-Anschlag nahe der Bridge gespielt, wodurch das typische Pick-Attack entsteht. Der Song kombiniert prägnanten Groove und Melodik, wechselt zwischen tiefen Grundtönen und melodischen Läufen hinein in obere Lagen. Halte die linke Hand locker und achte besonders auf String Skipping (Saitensprünge) in der zweiten Hälfte der Phrase!

Tipp: Trainiere den Wechsel zwischen offenen und gegriffenen Noten im Tempo – das Timing und die „Tightness“ im leicht geschuffelten Groove sind hier entscheidend.

Queen – Another One Bites The Dust

Queen produzierten zwischen 1970 und 1992 unzählige Hits. Neben legendären Rock-Hymnen wie Bohemian Rhapsody oder We Are The Champions experimentierte die Band immer wieder mit unterschiedlichen Genres. 1980 griffen sie den damals populären Disco-Sound auf und schrieben mit Another One Bites The Dust einen Song, der vor allem durch sein minimalistisches Arrangement aus E-Bass und Schlagzeug glänzt.

Wahrscheinlich haben die meisten Bassistinnen und Bassisten die ikonische Bassline bereits erlernt – doch habt ihr auch die Variation im zweiten Teil des Refrains drauf? Diese kurze Abwandlung bringt Abwechslung in den Song und lebt von einem groovigen Rhythmus mit gezielten Pausen, was perfekt ist, um Timing und Präzision zu trainieren.

Besonders die Sechzehntelpausen ab dem fünften Takt machen den typischen Groove aus. Für Einsteigerinnen und Einsteiger ist das Riff außerdem ein großartiger Einstieg, um ins rhythmische Spiel einzutauchen.

Miley Cyrus – WTF Do I Know

Okay, diesen Song erwartet man vielleicht nicht unbedingt in einer Bassriff-Liste – aber ich wollte ihn euch trotzdem nicht vorenthalten, da ich ihn persönlich sehr gerne auf meinem Tieftöner spiele. Wer Miley Cyrus auch nach ihrer Hannah Montana-Zeit verfolgt hat, weiß, dass sie musikalisch weit mehr kann, als nur Pop zu liefern.

WTF Do I Know stammt vom 2020 erschienenen Album Plastic Hearts, welches meiner Meinung nach ihre bislang beste Platte ist. Das Album vereint 80s-Synth-Pop mit Rock-Elementen (Nicht umsonst hat Billy Idol ein Feature mit Miley auf der Platte). Der Opener WTF Do I Know bringt eine simple, aber coole Bassline mit, die leicht zu lernen ist und dennoch einen coolen Eigencharakter besitzt.

Der Song wird in Drop-D-Stimmung (D–A–D–G) gespielt, wodurch du Zugang zum tiefen D bekommst, was im zweiten Takt essenziell für das Riff ist. Im Grunde setzt es sich aus dem tiefen E (D-Saite, 2. Bund) und dem hohen E (A-Saite, 7. Bund), während die Achtelpause im dritten Takt den Groove definiert. Außerdem wird das Stück fingergepickt, wodurch es trotz Einfachheit angenehm dynamisch klingt.

Nirvana – Lounge Act

Krist Novoselic war bei Nirvana für seine tragenden Basslines bekannt, die Kurt Cobains aggressiven Stil perfekt untermalten. Besonders beeindruckend ist, wie Novoselic fernab der reinen Grundtöne melodische Abwandlungen der Harmonien einsetzt, die den Songs ihren unverwechselbaren Charakter verleihen.

Lounge Act vom Kultalbum Nevermind zeigt diesen Stil perfekt. Der Song lebt von einer Bassline, die rhythmisch präzise und durch gleichzeitig verspielt klingt. Besonders auffällig ist der Slide von der zweiten auf die siebte und von der dritten auf die zehnte Bundposition: Dies eine hervorragende Übung, um das Gefühl für saubere Slides und gleichmäßige Tonübergänge zu trainieren.

Ebenso interessant ist der Wechsel zwischen Viertel- und Achtelnoten, der das rhythmische Fundament lebendig hält. Der Sprung über drei Saiten im zweiten Takt erfordert exakte Koordination und Kontrolle der rechten Hand, was eine tolle Übung für gezieltes Saitenwechselspiel mit dem Plektrum ist.

Asian Kung-Fu Generation – Haruka Kanata

Der Song Haruka Kanata der japanischen Rockband Asian Kung-Fu Generation ist ein echter Banger mit einer kräftigen Bassline, die gleich zu Beginn zu hören ist. Fans des Naruto-Animes werden den Song wahrscheinlich sofort wiedererkennen, da er als zweites Opening ab Folge 26 bis 53 fungierte.

Der Song kombiniert Pop-Punk-Energie, treibende Drums und raue Vocals, die von einem knackigen Bass-Sound mit reichlich Pick-Attack getragen werden. Obwohl das Riff technisch nicht besonders schwer ist, eignet es sich perfekt, um schnelle Fingerwechsel über fünf Bünde hinweg zu trainieren. Es bewegt sich ausschließlich auf der tiefen E-Saite und wandert konstant die Dur-Tonleiter hoch von der Leersaite über den 2. und 4. Bund, bis hoch zur Quinte (5. Bund) auf und ab, was präzises Timing und gleichmäßige Achtel-Anschläge erfordert.

Fazit

Alle fünf Riffs bzw. Songs machen mir persönlich unglaublich viel Spaß zu spielen. Egal, ob beim Üben, Jammen oder einfach zwischendurch. Einige davon gehörten mit zu den ersten Basslines, die ich gelernt habe, und sie haben mir damals sehr geholfen, ein Gefühl für Timing und Dynamik zu entwickeln. Besonders spannend finde ich, wie unterschiedlich jedes Riff funktioniert: Mal steht der Groove im Vordergrund, mal die Melodie oder der Charakter des Anschlags ist entscheidend. Ich hoffe, dass euch diese Auswahl genauso motiviert, weiter am E-Bass zu experimentieren und vielleicht entdeckt ihr beim Spielen ja auch euer eigenes Lieblingsriff!

Auch interessant:

75 Jahre Preci: Neue Fender Player Fusion- und 75th Anniversary Precision Bässe

Fender erweitert ihr Bass-Portfolio: Neue Player Fusion und 75th Anniversary Precision Bässe Im Zuge der [...]

> WEITERLESEN

Die 5 besten YouTube-Kanäle für Gitarristen, die dich garantiert zum Spielen bringen!

Seien wir ehrlich: YouTube-Content für uns Gitarristinnen und Gitarristen gibt es wie Sand am Meer. [...]

> WEITERLESEN

Oster-Deal 2026 im MUSIC STORE – Sonderrabatte auf Epiphone, Blackstar und viele mehr!

Die Tage werden wieder länger, das Wetter wärmer und die ersten Blumen blühen – Ostern [...]

> WEITERLESEN

BJÖRN MEYER: E-Bassist & Horizonterweiterer

Der schwedische E-Bassist und Komponist Björn Meyer (* 1965) lebt in der Schweiz, und vielleicht [...]

> WEITERLESEN

Bass Gear: Das Live-Equipment von DAVE LANDRETH

Es gibt wohl derzeit kaum eine Band, die in traditioneller Hinsicht so gut klingt, wie [...]

> WEITERLESEN

Aktive vs. passive Bässe – Klang, Technik und Sound erklärt

Aktiv oder passiv? – Das ist genau die Frage, die Bassistinnen und Bassisten quer durch [...]

> WEITERLESEN

Trotz Insolvenzanmeldung: Höfner weiterhin handlungsfähig

Wie wir bereits am 15. Dezember 2025 berichteten, musste der deutsche Traditionshersteller von Saiteninstrumenten, ein [...]

> WEITERLESEN

E-Bass für Einsteiger – Unsere Top 10

In diesem Beitrag zeigen wir dir 10 besonders empfehlenswerte E-Bässe für den Einstieg und geben [...]

> WEITERLESEN

Black Deals 2025: Angebote für E-Gitarren, E-Bässe, Amps und mehr!

Black Deals 2025: Heiße Angebote für E-Gitarren, Bässe, Amps, Effekte und mehr! Die Black Deals [...]

> WEITERLESEN

E-Bass für Einsteiger: Fünf einfache Bassriffs mit Tabs

Fünf Bassriffs für den Einstieg Wer die ersten Schritte auf dem E-Bass hinter sich hat [...]

> WEITERLESEN

Guitar Summit 2025 – Alle Highlights im Überblick

Guitar Summit 2025: Musik braucht jemanden, der sie möglich macht Es ist schon erstaunlich, was [...]

> WEITERLESEN

IK Multimedia TONEX Bass Edition: Zwei neue Amp-Modeler für E-Bass

IK Multimedia TONEX Bass Edition: Mit dem TONEX Pedal Bass Edition und dem TONEX One [...]

> WEITERLESEN

So klingst du wie Polyphia – Gitarren- und Bass-Equipment für jedes Budget

Als ich vor einigen Jahren auf die damals noch recht unscheinbare Band namens Polyphia stieß, [...]

> WEITERLESEN

Fame BC-100 & BC-500 – die neuen Bass-Combos im Überblick

Mit den neuen Fame BC-100 und Fame BC-500 Combo-Verstärkern präsentiert Fame zwei kraftvolle und durchdachte [...]

> WEITERLESEN

J & D JB Bass Fretless 3-Tone Sunburst – Less Frets, let´s fetz!

J & D JB Bass Fretless 3-Tone Sunburst: Less Frets, let´s fetz! Die Idee dürfte [...]

> WEITERLESEN

Sandberg California TM Ida Nielsen – Edelbass in limitierter Edition

Die Braunschweiger Gitarrenschmiede Sandberg Guitars hat einen besonderen Leckerbissen im Gepäck – den Sandberg California [...]

> WEITERLESEN

Godin A4 Ultra Rob Trujillo – Exklusivmodell für Metallica-Fans

Heiße News für Tieftöner und Metallica-Fans: In streng limitierter Auflage von nur 12 weltweit erhältlichen [...]

> WEITERLESEN

Synthesizer Pedale für E-Bass – Sci Fi Sounds auf Knopfdruck

So wird dein E-Bass zum Synthesizer! Synthesizer-Pedale für Bass sind wie Portale in eine andere [...]

> WEITERLESEN

Squier Classic Vibe Bässe: Diese neuen Modelle und Farben erwarten uns 2025!

Squier Classic Vibe Bässe 2025 – diese neuen Modelle und Farben kommen auf uns zu! [...]

> WEITERLESEN

Fünf Tipps für Gitarrist*innen, die Bass spielen möchten

An die Bässe, fertig, los! Es gibt viele Situationen, in denen es für Gitarrist*innen von [...]

> WEITERLESEN

Fame PB & JB Burl Top – Tiefton-Klassiker Deluxe

Oh Boy, what a time to be alive! Nach der willkommenen Frischzellenkur des Klassikers Fame [...]

> WEITERLESEN

Effektpedale für E-Bass: Must-Have-Effekte für Tieftöner

Effektpedale für E-Bass Must-Have-Tieftöner-Effekte für einen erleichterten Studio- und Bühnen-Alltag Effektpedale für E-Bässe können das [...]

> WEITERLESEN

Laney Digbeth DB-EAST – Nathan East Signature Verstärker-Top

Laney Digbeth DB-EAST – kraftvoller Bass-Bolide Bass-Gigant Nathan East betätigte im Rahmen seiner langjährigen Karriere [...]

> WEITERLESEN

Sandberg Basic Ken Taylor 5 – Testbericht

Sandberg Basic Ken Taylor 5 – Alleskönner mit Charakter Manchmal kommt alles anders als man [...]

> WEITERLESEN

IK Multimedia TONEX Cab – Die Lösung für digitale Modeling-Setups

Die TONEX Cab im Überblick IK Multimedia stellt mit der TONEX Cab eine leistungsstarke aktive [...]

> WEITERLESEN

Fame Baphomet II 4 Natural Ash – Schlichte Eleganz

Der Fame Baphomet II besticht durch eine schlichte und dennoch edle Optik. Diese in Polen [...]

> WEITERLESEN

Fender Standard Series – viel Fender für wenig Geld!

Fender E-Gitarren & Bässe Made in Indonesia Fenders Standard-Serie dürfte vielen sicherlich noch als Line-Up [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag E-Bass für Einsteiger: Fünf einfache Bassriffs mit Tabs erschien zuerst auf Guitar-Player.

„Du spielst Gitarre? Cool, das wollte ich auch immer können, aber ich habe kein Talent!“

Diesen Satz habe ich in meinem Leben unzählige Male gehört. Ehrlich gesagt halte ich vom Begriff Talent überhaupt nichts. Es geht nicht um eine angeborene Begabung, sondern schlicht darum, sich Zeit zu nehmen und zu üben. Man muss es einfach tun.

Heute ist das Erlernen eines Instruments einfacher denn je. Es gibt qualitativ hochwertige Einsteigerinstrumente zu Spitzenpreisen und ein riesiges Angebot an Lernmöglichkeiten: Gitarrenunterricht, Videokurse oder einfach YouTube – alles ist leicht zugänglich. Paradiesische Zustände!

Im Folgenden möchte ich euch ein paar Gedanken mitgeben, die eure musikalische Reise beschleunigen und zeigen, warum das Lernen eines Instruments manchmal anstrengend sein kann – und warum es sich trotzdem lohnt.

Ein Instrument lernen – die Theorie

Im Gegensatz zum Lernen für einen Mathe- oder Vokabeltest, wo man vor allem Wissen aufnimmt, spielt sich das Erlernen eines Instruments auf mehreren Ebenen ab. Neben theoretischem Wissen steht die motorische Umsetzung im Vordergrund. Das dafür zuständige prozedurale Gedächtnis ist jedoch eher „gemütlich“. Bewegungen müssen immer wieder wiederholt werden – das kann mühsam sein und zu Frust führen.

Der Vorteil: Diese Abläufe bleiben im Langzeitgedächtnis und sind über viele Jahre abrufbar. Genau wie beim Fahrradfahren gilt: Einmal gelernt, verlernt man es nicht.

Eine weitere wichtige Fähigkeit ist die Audiation – also Musik im Kopf hören zu können, ohne sie zu spielen. Wer weiß, wie eine Melodie klingt, kann sie leichter auf dem Instrument umsetzen.

Ein Instrument lernen – die Praxis

Das Lernen eines Instruments ist eine Mischung aus Wissen, Bewegung und Vorstellungskraft. Der Schlüssel dazu: Üben, Spielen, Komponieren, Aufnehmen, Auftreten und Musik hören.

Üben

Üben bedeutet bewusstes und zielgerichtetes Wiederholen. Beispiele beim Gitarre lernen: Akkordgriffe, Tonleitern, Plektrumhaltung, Bending, Vibrato, Soundgestaltung oder Intonation. Wichtig sind kurze, konzentrierte Übephasen ohne Ablenkung.

Spielen

Spielen heißt, das Geübte anzuwenden – im Proberaum, mit Backing Tracks oder live. Während Üben unter „Laborbedingungen“ stattfindet, ist Spielen praxisnah. Dabei geschieht vieles unterbewusst, was es leichter und oft inspirierender macht.

Komponieren

Komponieren heißt nicht gleich eine Sinfonie schreiben. Schon ein Riff oder ein Solo zu entwickeln bringt einen weiter – und zeigt oft die eigenen Grenzen auf. Diese führen wiederum zurück zum gezielten Üben.
Aufnehmen

Eigene Aufnahmen sind ein hervorragendes Korrektiv. Schon mit dem Handy lassen sich Timing, Intonation oder Sound überprüfen. Fehler werden sofort hörbar und lassen sich gezielt verbessern.

Auftreten

Auf der Bühne lernt man am meisten. Nervosität sorgt oft dafür, dass nicht alles perfekt klappt. Doch genau das gehört dazu. Mit jedem Auftritt wächst die Routine und Sicherheit.
Musik hören

Aktives Zuhören ist unverzichtbar: Bassläufe erkennen, Fill-Ins wahrnehmen, Gitarrenstimmen unterscheiden oder Effekte identifizieren. Das trainiert das Ohr, erweitert den musikalischen Horizont und verbessert das Zusammenspiel in der Band.

Woher kommt das Wissen?

Der klassische Weg führt über die Musikschule. Mit einer guten Lehrperson begleitet einen Unterricht oft jahrelang und kann sogar bis zum Musikstudium führen. Parallel dazu war autodidaktisches Lernen noch nie so einfach. YouTube, Lernplattformen wie Truefire oder bewährte Lehrbücher bieten unerschöpfliches Material. Egal ob Bluesgitarre, Rocklicks oder Jazzharmonie – für jeden Geschmack gibt es Inhalte. Wichtig ist, immer wieder über den eigenen Tellerrand zu schauen, sowohl was den Schwierigkeitsgrad als auch die Stilistik betrifft.

Fazit: Ein Instrument zu erlernen ist kein Hexenwerk

Kehren wir zum Anfang zurück. So sollte es klingen: „Du spielst Gitarre? Cool! Du hast bestimmt viel Zeit investiert und bist drangeblieben, um so gut zu werden.“
Ein Instrument zu erlernen ist Arbeit – daran führt kein Weg vorbei. Aber es lohnt sich. Und Hand aufs Herz: Es ist das schönste Hobby der Welt.

Auch interessant:

E-Gitarre lernen: Tipps für Einsteiger – Anfängerfehler vermeiden

Der Einstieg in die Welt der E-Gitarre ist aufregend – neue Sounds, erste Riffs, vielleicht [...]

> WEITERLESEN

Metal Guitar Guide – Teil 1: Aller Anfang ist Heavy

Metal Guitar Guide: Das richtige Werkzeug für die brachialsten Sounds! Du möchstest Gitarre spielen lernen, [...]

> WEITERLESEN

So klingst du wie Green Day – Modifizierter Plexi-Sound und Punkrock-Energie

Willkommen bei „So klingst du wie“ Kennst du das Gefühl? Du spielst E-Gitarre und fragst [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Wie lernt man ein Instrument? erschien zuerst auf Guitar-Player.

1. Falsche Haltung und Handposition

Ein häufiger Fehler, den nicht nur Einsteiger sondern oft leider auch fortgeschrittene Gitarristinnen und Gitarristen begehen, ist eine ungünstige Spielhaltung. Das kann nicht nur Schmerzen verursachen, sondern auch die Spieltechnik behindern. Ein tief gehängter Gitarrengurt sieht zwar cool aus, kann aber zu technischen Einschränkungen und verkrampften Handpositionen führen.

So vermeidest du es:

• Im Sitzen: Achte darauf, dass der Hals leicht nach oben zeigt und die Gitarre stabil auf dem Oberschenkel liegt. Halte den Daumen locker hinter dem Hals, um deinen Fingern größtmögliche Beweglichkeit auf dem Griffbrett zu erlauben.
• Im Stehen: Wenn du merkst, dass das Handgelenk deiner Greifhand beim Spielen zu stark angewinkelt ist, stelle den Gitarrengurt etwas kürzer. Eine höhere Spielposition der Gitarre entlastet das Handgelenk deiner Greifhand und macht das Spiel angenehmer. Suche also die ideale Zwischenlösung aus Coolness und Komfort

Und in jeder Position gilt: Schultern entspannt lassen, um Verspannungen zu vermeiden!

2. Zu viel Druck auf die Saiten

Viele Anfänger pressen die Saiten zu fest auf das Griffbrett. Wenn die ersten gegriffenen Akkorde – gerade Barré-Akkorde – unsauber klingen, scheint für viele Einsteiger intuitiv die schnellste Lösung zu sein, die Saiten einfach fester zu greifen. Das macht das Spielen aber unnötig anstrengend und führt zu unsauberen Tönen. Um zu prüfen, ob du zu viel Kraft beim Greifen aufwendest, kannst du folgende simple Übung ausprobieren:

• Lege den Zeigefinger der Greifhand locker auf eine beliebige Saite in einem beliebigen Bund. Platziere den Finger möglichst nah am Bundstab (Richtung Korpus).
• Schlage die Saite wiederholt mit der rechten Hand an und erhöhe kontinuierlich den Druck mit deiner Greifhand, bis der Ton sauber erklingt.

Du wirst merken, dass du in idealer Greifposition so gut wie gar keine Kraft mit der Greifhand benötigst, um einen sauberen Ton zu erzeugen. Wenn ein Akkord also mal nicht funktionieren sollte, korrigiere die Position der Greifhand, statt mehr Kraft zu geben.

3. Kein regelmäßiges Stimmen

Eine verstimmte Gitarre kann Anfängern gleich auf zwei Wegen einen Strich durch die Rechnung machen: Erstens klingt die Gitarre selbst dann falsch, wenn du sauber greifst und alles richtig machst. Und zweitens trainierst du dein Gehör falsch.

So vermeidest du es:

1. Stimme vor jeder Übungseinheit.
2. Nutze ein Stimmgerät (Clip-On, Pedal oder App).

Lerne langfristig, auch nach Gehör zu stimmen. Nützliche Tipps, wie du deine Gitarre richtig stimmst, findest du in unserem Tutorial Gitarre stimmen leicht gemacht – ein Leitfaden für Einsteiger.

4. Üben ohne Metronom

Ja, ich gebe zu: mein Metronom und ich, wir waren damals auch nicht gerade beste Freunde. Das änderte sich jedoch schlagartig, als ich in meiner ersten Band mit anderen Musikern spielte und merkte, wie wichtig gutes Timing eigentlich ist. Denn das Metronom ist im Endeffekt nichts anderes als der Ersatz für unseren Drummer, wenn wir üben.

Tipps zum Üben mit Metronom:

• Taktunterteilung einstellen: Viele Metronome bieten die Möglichkeit, spezielle Taktunterteilungen zu wählen. Je nachdem, welche Taktart du gerade übst, kannst du eine passende Unterteilung einstellen. Das hilft dir bei der Orientierung innerhalb eines Taktes.
  
  Zusatz-Tipp Für Fortgeschrittene: Wenn du dich in deinem Tempo wohl fühlst, reduziere nach und nach die Taktschläge des Metronoms. Die Königsdisziplin ist es, am Ende nur noch die 1 des Taktes als Click darzustellen. Schaffst du es, nach Gefühl so präzise in Time zu spielen, dass du pünktlich auf der nächsten 1 auskommst?
• Achte darauf, dass du das Metronom hörst. Gerade, wenn du über einen lauten Verstärker spielst, kann es hilfreich, dir den Click des Metronoms per Kopfhörer auf die Ohren zu legen. Viele Metronome haben auch visuelle Unterstützungen anhand blinkender LEDs. So kannst du den Takt sehen, falls du ihn nicht hören kannst.

5. Zu schnell zu schnell

Wenn die ersten Riffs nach den ersten langsamen Durchgängen sitzen, neigen wir Gitarristen oft dazu, das Tempo zu schnell anzuziehen. Das hat zur Folge, dass unsere Riffs unsauber klingen, wenn wir sie auf Originaltempo spielen.

So vermeidest du es:

• Stelle das Metronom auf ein Tempo, das weit unter dem Maximaltempo liegt, das du dir intuitiv zumuten würdest.
• Konzentriere dich auf Präzision statt Geschwindigkeit. Das heißt, dass jeder Ton exakt zur richtigen Zeit gespielt wird und jeder Ton sauber klingt.
• Spiele mehrere Durchläufe auf diesem Tempo und werde in langsamen Schritten (z. B. 5 BPM pro Schritt) schneller.

Wenn du deine Riffs am nächsten Tag erneut übst, gehe nicht direkt vom schnellsten Tempo aus, das du am Vortag erreicht hast. Gehe stattdessen lieber wieder aufs Ausgangstempo von Anfang der gestrigen Übungs-Session. Dein Fortschritt zeigt sich dadurch, dass du das Tempo mit der Zeit schneller und weiter erhöhen kannst.

Fazit

Der Weg zur sicheren Spieltechnik und zu gutem Sound ist kein Sprint, sondern ein Marathon. Wer von Anfang an auf Haltung, Technik und regelmäßiges Üben achtet, vermeidet viele typische Anfängerfehler. So bleibt die Motivation hoch, und der Spaß am Instrument wächst mit jedem Fortschritt.

Mit Geduld, der richtigen Herangehensweise und den passenden Hilfsmitteln wirst du nicht nur schneller besser, sondern entwickelst auch einen individuellen Stil, der dich langfristig am Ball bleiben lässt.

Auch interessant:

Wie du schneller Barré-Griffe lernst

Wenn du gerade Gitarre lernst, kommt früher oder später dieser eine Moment, der alles verändert. [...]

> WEITERLESEN

Das Griffbrett der Gitarre wirklich verstehen: Töne, Oktaven und Skalen lokalisieren

Warum das Griffbrett am Anfang wie Chaos wirkt Viele Gitarristinnen und Gitarristen kennen das Problem: [...]

> WEITERLESEN

Von der Pentatonik zur Melodie – 5 Tipps für musikalische Solos

Kaum eine Skala hat so vielen angehenden Gitarristinnen und Gitarristen den Weg zur Improvisation geebnet [...]

> WEITERLESEN

E-Bass für Einsteiger: Fünf einfache Bassriffs mit Tabs

Fünf Bassriffs für den Einstieg Wer die ersten Schritte auf dem E-Bass hinter sich hat [...]

> WEITERLESEN

Wie lernt man ein Instrument?

Talent oder Üben? „Du spielst Gitarre? Cool, das wollte ich auch immer können, aber ich [...]

> WEITERLESEN

E-Gitarre lernen: Tipps für Einsteiger – Anfängerfehler vermeiden

Der Einstieg in die Welt der E-Gitarre ist aufregend – neue Sounds, erste Riffs, vielleicht [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag E-Gitarre lernen: Tipps für Einsteiger – Anfängerfehler vermeiden erschien zuerst auf Guitar-Player.

Die Standardstimmung (E A D G H E) ist seit langem die Grundlage für die meisten Gitarrenspielweisen und ist besonders für Anfängerinnen und Anfänger obligatorisch. Die Standardstimmung ist unkompliziert und breit einsetzbar für sämtliche Stile und Genres – schließlich nutzen die meisten professionellen Gitarristinnen und Gitarristen die Standardstimmung nach wie vor, wodurch sich die meisten Pop- und Rock-Songs mit einfachen Standardakkorden unkompliziert lernen lassen.

Wer auf einem fortgeschrittenen Niveau unterwegs ist und kreativ werden möchte, verlässt diese Komfortzone für spannende Tuning-Experimente: Alternative Tunings für E-Gitarre eröffnen neue Möglichkeiten, lassen Routinen hinter sich und fördern unverbrauchte Harmonien und Techniken, die dich nicht nur in neue Genres katapultieren, sondern gleichzeitig dein musiktheoretisches Verständnis enorm erweitern können.

Wir schauen uns einige alternative Tunings für E-Gitarre an und zeigen, welche Vorteile bestimmte Tunings haben, in welchen Genres sie eingesetzt werden und welche alternativen Stimmungen von Musikerinnen, Musiker und Bands gerne genutzt werden!

Gängige alternative Tunings für E-Gitarre kurz erklärt:

1. Open Tunings: Gitarren werden so gestimmt, dass alle leeren Saiten einen Akkord (z. B. D-Dur, G-Dur) bilden:
   Open G, Open D, Open A, DADGAD – bekannt aus Blues, Rock & Folk, bestens geeignet für Slide, Akkordverstärkung und kreative Begleitmuster.

2. Flat-Tunings: Das Standard-Tuning wird um einen halben Ton nach unten verlagert (E♭ A♭ D♭ G♭ B♭ E♭). Ermöglicht einen leicht dunkleren Klangcharakter, während der Zugang zum tiefen E♭ gewährt wird.

3. Tiefe Standard-Tunings: Standard D (D G C F A D) oder Standard C (C F B♭ E♭ G C) eröffnen die perfekten Klangeigenschaften für den breiten Metal-Sumpf und wurden gerade in der frühen Metal-Geschichte durch ihren dunklen Grundsound beleibt..

4. Drop Tunings: Beispielsweise Drop D (D A D G H E) bietet flexible Möglichkeiten, um neue Techniken und Spielweisen zu erkunden. Bietet einfachen Zugang zu Powerchords und tieferen Tönen – im Hardrock und in sämtlichen Metal-Genres weit verbreitet und gerne genutzt.

5. Exotische oder experimentelle Tunings: Z. B. „Math-Rock F-Tuning“, Nashville- oder New Standard-Tuning:
   Weniger geläufig, aber ideal für Sounddesigner – sie bieten unorthodoxe Griffbilder und einzigartige Soundlandschaften.

Kreativ, aber mit Tücken – Was du zu alternativen Tunings wissen solltest

Alternative Stimmungen sind ein heftiger Sprung aus der Komfortzone: Man öffnet sich für neue Klangreize, erkundet neue harmonische Abläufe und erweitert die eigene klangliche Handschrift. Viele Songwriter, Blues-, Fingerstyle- und Folk-Gitarristen sowie viele Bands aus dem Rock- und Metal-Segment nutzen beispielsweise Drop- oder Open-Tunings, um rhythmische Muster zu erleichtern oder den Gitarrenklang auf natürliche Weise zu erweitern.

Andererseits erfordern neue Stimmungen auf der E-Gitarre:

• ein Umdenken der Fingertechnik, da gewohnte Griffformen oft nicht mehr passen,

• andere Saitenstärken oder Justierungen, insbesondere bei tiefer gestimmten bzw. dickeren Saiten,

• mögliche Einschränkungen oder musiktheoretische Hürden, z. B. bei komplexen Akkordsystemen in Jazz oder unkonventionellen Stilen.

1. Open-Tunings – Offene Akkordwelten

Open G (D G D G B D) oder Open D (D A D F♯ A D)

Open Tunings sind besonders in Blues, Folk und Rock beliebt. Dabei werden die Saiten so gestimmt, dass die Leersaiten bereits einen Akkord ergeben – etwa Open G (D G D G B D) oder Open D (D A D F♯ A D). Das ermöglicht voll klingende Akkorde mit einfachen Barré-Griffen und macht diese Stimmungen zur ersten Wahl für Slide-Gitarristen wie Keith Richards (The Rolling Stones, „Brown Sugar“) oder Ry Cooder. Auch im Folk ist das verbreitet: Joni Mitchell nutzte zahlreiche offene Stimmungen, um unverwechselbare Songstrukturen zu erschaffen.

D A D G A D – Der breite Sus4-Klang

Die Stimmung D A D G A D gilt als eine der charakteristischsten „World Music“-Tunings. Sie liefert einen offenen sus4-Klang, der sich weder klar in Dur noch in Moll verorten lässt. Besonders beliebt ist D A D G A D im keltischen Folk (z. B. bei Pierre Bensusan) und im modernen Fingerstyle-Spiel. Auch Led Zeppelin nutzten dieses Tuning in „Kashmir“, um einen exotischen Klangcharakter zu erzeugen, der bis heute legendär ist. Die Stimmung eröffnet viele modale Klangfarben und eignet sich perfekt für atmosphärische Begleitungen.

2. Flat-Tuning

E♭ A♭ D♭ G♭ B♭ E♭

Beim Flat-Tuning wird jede Saite der Gitarre einen Halbton tiefer gestimmt. Dadurch bekommt man nicht nur Zugang zum tiefen E♭, sondern erreicht selbst mit einfachen Standardakkorden einen neuen Klangcharakter. Viele Grunge- und Punkrock-Bands der 90er-Jahre stimmten ihre E-Gitarren auf das Flat-Tuning, wodurch der Sound gleich eine dunklere Klangfarbe bekommt – selbst, wenn es sich nur um einen halben Ton handelt. Bands wie Green Day, Smashing Pumpkins oder Gitarristen wie Slash oder Jimi Hendrix griffen gerne auf das Flat-Tuning zurück, während unzählige andere Musikerinnen und Musiker aus den unterschiedlichsten Genres ebenso auf diese Stimmung bauen.

3. Tiefes Standard-Tuning: Einen oder zwei Ganztöne abwärts

Standard D (D G C F A D) & Standard C (C F B♭ E♭ G C)

Während wir uns beim Flat-Tuning lediglich einen Halbton nach unten bewegen, kann es selbstverständlich mit gleichbleibenden Intervallen noch weiter hinab gehen. Stimmt man vom Standard-Tuning einen Ganzton nach unten, so landet man beim Standard D-Tuning (D G C F A D). Beispielsweise profitiert Metallicas „Sad But True“ von der Standard D-Stimmung, da der ohnehin schwere Klangcharakter des Songs durch die tiefen Riffs seinen einzigartigen Flair bekommt.

Geht man einen weiteren Ganzton nach unten, so landet man schließlich beim Standard C-Tuning (C F B♭ E♭ G C). Dieses Tuning wird selbstverständlich ebenso von vielen großen Metal-Bands gerne für ihre schwere Riffarbeit genutzt.

4. Drop Tunings – Tiefe Power für alternative Rock- und Metal-Genres

Drop D (D A D G H E)

Die wohl bekannteste Drop-Variante ist Drop D, bei der nur die tiefe E-Saite einen Ganzton tiefer gestimmt wird. Dieses Tuning verschiebt den Grundton eines Power-Chords, der auf der tiefen D-Saite gegriffen wird, um einen Ganzton nach oben, wodurch man nun Zugang zum tiefen E♭ und zum tiefen D bekommt. Gleichzeitig muss man die Quinte des Power-Chords auf der A-Saite nicht mehr mit einem zweiten Finger greifen – die Quinte rutscht nun direkt unter den Grundton, wodurch lediglich ein Finger ausreicht, um einen Power-Chord auf der tiefen D-Saite spielen zu können.

Das ermöglicht mit nur einem Finger präzise Akkordwechsel in tiefen Registern, wodurch schnelle „Chord-Riffs“ oder aggressiv klingende „Chugs“ wunderbar von der Hand laufen. Dieses Tuning wird vorwiegend im Hardrock und Metal eingesetzt, andere Genres wie Punkrock, Grunge, Post-Hardcore oder andere Alternative-Rock-Genres profitieren ebenso von Drop-Tunings. Bands wie Billy Talent oder Rage Against The Machine nutzen das Drop D-Tuning in nahezu all ihren Songs, während Bands wie Nirvana oder Metallica neben vereinzelten Drop D-Einsätzen auch auf tiefere Drop-Stimmungen für ihre schweren Riffs zurückgreifen.

Drop C♯ (G♯ C♯ F♯ A♯ D♯)

Eine spannende Erweiterung ist das Drop C♯-Tuning, das im Prinzip eine Kombination aus Flat-Tuning (alle Saiten einen Halbton tiefer) und Drop D darstellt. Hierbei wird die gesamte Gitarre zunächst ins E♭-Flat-Tuning heruntergestimmt, anschließend die tiefe Saite nochmals einen Ganzton abgesenkt. Das Ergebnis ist eine tiefere Stimmung, die sich besonders im Alternative Rock und im frühen 2000er-Nu Metal etabliert hat. Bands wie Linkin Park nutzten das Drop C♯-Tuning auf zahlreichen Songs ihrer ersten Alben (z. B. Songs wie „One Step Closer“ oder „Papercut“).

Der Vorteil: Durch die zusätzliche Tiefe klingt die Gitarre wuchtiger und aggressiver, bleibt aber im Spielgefühl noch relativ nah an der Standardstimmung – Griffe und Akkordformen sind also weiterhin vertraut, nur mit mehr „Wumms“ im Bassbereich. Dieses Tuning ist ideal für alle, die den Punch eines tieferen Drops wollen, ohne den vollen Sprung auf Drop C oder gar Drop B zu gehen und durch die lockere Saitenspannung gefahr laufen, einen matschigeren Sound zu bekommen.

Drop C (C G C F A D) & Drop B (B F♯ B E G♯ C♯)

Noch tiefere Varianten wie Drop C oder Drop B sind typisch im Metalcore und im Modern Metal (z. B. Bring Me The Horizon, Killswitch Engage, System of a Down, Avenged Sevenfold), da sie wuchtige Tiefe mit aggressivem Attack verbinden. Gerade in Kombination mit High-Gain-Settings entsteht ein strammer Sound, der die tiefsten Frequenzen der E-Gitarre abdeckt. Selbstverständlich geht es auch noch weiter hinab: Drop A- oder Drop G-Tunings werden gerne in exotischen Metal-Subgenres wie Deathcore, Djent oder Progressive Metal eingesetzt.

Tipp: Bei solch tiefen Tunings empfiehlt es sich, auf eine Baritone-E-Gitarre zurückzugreifen! Die herkömmlichen 24,75″- und 25,5“-Standard-Mensuren reichen oft nicht aus, um die Saitenspannung in solchen Tiefen zuverlässig aufrechtzuerhalten. Längere Bariton-Mensuren zwischen 26“ und 27“ ermöglichen eine klarere Ansprache und besseres Attack bei tiefen Stimmungen, wodurch der Sound in diesem Frequenzbereich nicht matschig, sondern definiert klingt.

5. Exotische und experimentelle Tunings

„Math Rock F-Tuning“ (F A C G C E) – unkonventionelle Intervalle und melancholischer Klangcharakter

Das sogenannte „Math Rock F-Tuning“ (F A C G C E) erzeugt einen subtilen Fmaj9-Akkord, der überraschende Harmoniewechsel erlaubt und ungewöhnliche Intervalle fördert. Trotz minimaler Stimmungsschritte (E- und H-Saite einen Halbtn rauf, die D-Saite einen Ganzton tiefer) bereichert dieses Tuning Arpeggios und Akkordmuster mit feiner Spannung, die ideal für das verspielte, komplexe Gitarrenspiel der Math-Rock-Szene sind.

Bekannte Bands wie This Town Needs Guns („Crocodile“), American Football („Never Meant“) oder Gitarristinnen wie Yvette Young nutzen es, um ihren melancholischen Sound zu formen, und YouTube-Künstler wie Rob Scallon haben es in modernen Kompositionen weiter popularisiert. Das Tuning bietet einen frischen Ansatz für Klangarchitektur, wodurch es perfekt für alle ist, die im Math Rock neue kreative Wege suchen.

Nashville Tuning – Der 12-String-Sound auf sechs Saiten

Das Nashville- oder High-Strung-Tuning ist eine besondere Technik, bei der die tiefen vier Saiten (E, A, D, G) einer Gitarre durch dünnere Saiten ersetzt und eine Oktave höher gestimmt werden. Im Grunde imitiert man so die höheren Oktav-Saiten einer 12-String-Gitarre, während die B- und hohe E-Saite unverändert bleiben. Das Ergebnis ist ein schimmernder, glockenklarer Sound mit starkem Chime-Charakter, der sich ideal für Genres wie Pop, Folk oder rein akustische Arrangements eignet.

Prominente Beispiele sind „Hey You“ von Pink Floyd: In diesem Song nutzte David Gilmour diese Stimmung für seinen einzigartigen Klang, während z. B. „Dust in the Wind“ von Kansas durch das Nashville-Tuning seinen unverwechselbaren Schimmer erhält. Besonders spannend wird der Effekt, wenn man eine zweite oder mehr Gitarren in Standardstimmung dazumischt – so entsteht ein breites, nahezu orchestrales Klangbild.

Lohnen sich alternative Tunings für E-Gitarre?

Über diese Klassiker hinaus gibt es zahllose experimentelle Stimmungen, die neue Klangwelten eröffnen. Dazu zählt etwa das New Standard Tuning (C G D A E G), das von Robert Fripp (King Crimson) populär gemacht wurde. Auch extreme Down-Tunings sind in Stoner Rock, Doom und generell im Metal weit verbreitet. Tiefe Standard- und Drop-Tunings müssen jedoch nicht zwangsweise für harte Metal-Gefilde eingesetzt werden. Im modernen Shoegaze-Genre setzen Gitarristinnen und Gitarristen gerne auf tiefe Stimmungen, sodass bereits seichte Mid-Gain-Settings ausreichen, um breit klingende Gitarrenwände mit düsterem Flair zu erschaffen.

Alternative Gitarrenstimmungen (Open, Drop & co.) sind mehr als bloße Veränderungen der tonalen Norm. Sie sind kreative Sprungbretter, um den eigenen Horizont zu erweitern und neue musikalische Wege einzuschlagen. Sie liefern frische Klänge, inspirieren zu neuen Techniken (z. B. für Slide oder Finger-Picking) und erlauben dir, die Gitarre und insbesondere das Griffbrett neu zu entdecken. Wer bereit ist, sich vom Standard zu lösen, entdeckt überraschende Facetten und vielleicht einen neuen, persönlichen Spielstil!

Auch interessant:

Fingerpicking Basics – das Travis-Picking

Heute legen wir das Plektrum zur Seite und richten unseren Blick auf eine klassische Spieltechnik [...]

> WEITERLESEN

E-Gitarren für Einsteiger – Unsere Top 10

Hier stellen wir die 10 besten E-Gitarren für Einsteiger vor und geben dir nützliche Tipps, damit du garantiert [...]

> WEITERLESEN

Jackson Pro Origins 1985: Zurück zu den Metal-Wurzeln der 80er!

Jackson Pro Origins – Zurück zu den Wurzeln der frühen Metal-Ära Seit über vier Jahrzehnten [...]

> WEITERLESEN

Fünf Tipps für Gitarrist*innen, die Bass spielen möchten

An die Bässe, fertig, los! Es gibt viele Situationen, in denen es für Gitarrist*innen von [...]

> WEITERLESEN

Fame Custom Line Series: Die brandneuen E-Gitarren im Check!

Fame Custom Line Series: Vier neue Modelle in zahlreichen Finish-Varianten Mit der neuen Custom Line [...]

> WEITERLESEN

Fender American Ultra Luxe Vintage: Alle Infos zur neuen Serie!

Fender American Ultra Luxe Vintage Serie – hochwertige Klassiker auf Custom Shop-Niveau Mit der American [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Alternative Tunings für E-Gitarre: Von Open & Drop bis Nashville erschien zuerst auf Guitar-Player.

In diesem Beitrag erfährst du, was das Travis-Picking ausmacht, wie du es lernen kannst und welche Tipps dir helfen, die Technik sauber zu spielen.

Wer war Merle Travis?

Merle Travis war nicht nur Namenspate des berühmten Pickings, sondern auch ein angesehener Country-Sänger und Songwriter, der eine wichtige Rolle innerhalb der Country-Musik des 20. Jahrhunderts einnahm. Merle wurde während des ersten Weltkriegs in Kentucky geboren und wuchs in ärmlichen Verhältnissen auf. Hier lernte er mit Daumen und Zeigefinger gespielte Pickings im Stile von Blues-Größen wie Blind Blake, Elizabeth Cotten oder Mississippi John Hurt kennen. Zu seinen Lehrern zählten Ike Everly von den Everly Brothers und der großartige Arnold Shultz, der bereits die beiden Bluegrass-Legenden Charlie und Bill Monroe unterrichtete.

Merle Travis war also keineswegs der Erfinder des Travis-Pickings, das schon damals bereits seit Jahrzehnten tief in der afroamerikanischen Blues-Musik verwurzelt war. Viel mehr wurde die Spieltechnik unter seinem Namen bekannt, da er sie als erster weißer Musiker einem größeren Publikum bekannt machte. Doch Merle wurde letztlich auf andere Weise zu einem wahren Pionier seines Genres: er war einer der ersten Country-Musiker, die schon in den Vierzigerjahren zur E-Gitarre griffen.

Travis-Picking – so geht’s

Die Grundlage für jedes Picking im Travis-Stil ist ein gut geübter Daumen, der die tiefen Saiten E, A und D bedient. Der Daumen spielt nämlich nicht nur die Bassstimme, sondern bildet gleichzeitig das rhythmische Fundament für unser Picking. Man könnte also sagen, dass er sowohl die Rolle des Bassisten als auch die des Drummers übernimmt.

Für ein typisches Travis-Picking spielt der Daumen meist einfach den Grundton des gegriffenen Akkords und die Quinte als Viertelnoten im Wechselschlag. Das Muster fängt in der Regel auf dem Grundton an, je nach gegriffenem Akkord kann sich das Pattern also unterscheiden. Wenn wir einen Akkord greifen und ihn auf die Töne der drei Basssaiten reduzieren, können sich für den Daumen folgende Muster ergeben:

Daumenmuster im A-moll-Akkord

Daumenmuster im G-Dur-Akkord

Die hier gezeigten Patterns sind selbstverständlich nur Beispiele, die man nach Belieben anpassen kann.

Während der Daumen also die tiefen Saiten bedient und das Fundament für Bass und Rhythmus bereitstellt, können wir die drei hohen Saiten G, H und E mit Zeigefinger, Mittelfinger und Ringfinger bedienen und unser Picking mit Melodie und Harmonie ergänzen. Besonders interessant wird das Travis-Picking erst, wenn wir Synkopen spielen.

Was sind Synkopen?

Eine Synkope bezeichnet im Grunde eine rhythmische Abweichung vom regulären Takt und verleiht unseren Pickings etwas mehr Pep, da sie aus rhythmischer Sicht interessanter klingen. Wenn wir für unser Beispiel einen C-Dur-Akkord greifen und auf jeden Daumenschlag die H-Saite mit dem Zeigefinger mitspielen, ergibt sich folgendes – wenn auch nicht allzu spannendes – Muster:

Weitaus interessanter wird’s, wenn wir vor die in Vierteln gespielten Anschläge des Zeigefingers eine zusätzliche Achtelnote schieben. Dadurch verschieben sich die gespielten Melodietöne insgesamt um eine Achtel und passieren nicht mehr gleichzeitig mit den Daumenschlägen, sondern dazwischen:

Melodietöne können also entweder zusammen mit den Daumenschlägen (auf den Schwerzeiten 1, 2, 3 und 4) oder auf den Achteln dazwischen (auf den Leichtzeiten „Und“) gespielt werden, um ansprechende Rhythmen mit unserem Picking zu bilden.

Songbeispiel: Kansas – Dust in the Wind

Sobald der Daumen weitestgehend automatisiert ist und die restlichen Finger im richtigen Timing mitspielen, können wir uns an die ersten Songs mit Travis-Picking heran wagen. Ein besonders berühmtes Beispiel hierfür ist das Picking-Pattern aus Dust in the Wind von Kansas:

Tipp: Die vom Daumen gespielten Töne sind durch nach unten zeigende Notenhälse markiert, die Noten der Melodietöne zeigen nach oben.

Ja, das sind schon verdammt viele Noten! Aber keine Sorge: es ist einfacher, als es aussieht Um rhythmisch nicht den Faden zu verlieren, konzentrieren wir uns zunächst einfach auf den Daumen. Durch sein beständiges Viertelmuster können wir das Daumenmuster nämlich wie ein Metronom nutzen, das immer mitläuft. Alle anderen gespielten Töne passieren entweder gleichzeitig mit einem Daumenschlag (auf der Schwerzeit) oder zwischen zwei Daumenschlägen (auf der Leichtzeit).

Im Beispiel der ersten vier Takte von Dust in the Wind ergibt sich in der Melodiestimme folgendes Pattern:

• Erster Melodieton C (1. Bund H-Saite) zusammen mit 1. Daumenschlag
• Zweiter Melodieton (Leere G-Saite) zwischen 2. Und 3. Daumenschlag
• Dritter Melodieton C (1. Bund H-Saite) zwischen 3. Und 4. Daumenschlag
• Vierter Melodieton (Leere G-Saite) zwischen 4. Daumenschlag und 1. Daumenschlag des nächsten Taktes

Hier sind einige nützliche Tipps und Tricks zum Üben:

• Konzentriere dich anfänglich auf den Daumen: Je besser du deinen Daumen automatisiert bekommst, desto leichter fällt es dir, dieses und andere Travis-Picking-Patterns zu lernen, da du dich besser auf andere Aspekte deines Spiels konzentrieren kannst.
• Übe das Pattern isoliert: Statt die Akkordwechsel direkt mit einzubauen, übe zunächst lieber nur einen kurzen Abschnitt. Da sich das Picking-Muster in jedem Takt wiederholt, solltest du dich anfangs besser auf einen Takt beschränken, bis das Picking wie von selbst von der Hand geht.
• Übe langsam! Wie bei jeder Spieltechnik gilt, sie zunächst langsam, aber so präzise wie möglich zu üben. Langsames Üben verhindert, dass deine Pickings unsauber klingen, wenn du sie später auf schnelleren Tempos spielst.
• Dämpfe die Basssaiten mit der Handkante: Ein beliebter Trick ist es, die drei tiefen Saiten leicht mit der Handkante zu dämpfen, die drei hohen Saiten jedoch offen zu spielen. Dadurch erhalten die vom Daumen gespielten Basstöne zum einen einen perkussiveren Klang. Zum anderen schaffst du einen klanglichen Kontrast zu den Melodietönen, sodass beide Stimmen wie von zwei verschiedenen Instrumenten gespielt klingen.
• Vereinfache gegebenenfalls den Song: Falls es dir am Anfang einfacher fällt, kannst du das Wechselmuster im Daumen auch zunächst weglassen. Stattdessen spielst du immer die gleiche Saite mit dem Daumen, um dich vollständig auf die rhythmische Komponente konzentrieren zu können.

Sobald du das Pickingmuster mit der rechten Hand sicher drauf hast, ist der Rest des Songs recht einfach zu lernen. Es ändern sich nämlich lediglich die gegriffenen Akkorde, während das generelle Picking weitestgehend gleich bleibt und lediglich an die Saiten des jeweils gespieltem Akkords angepasst werden muss.

Berühmte Pickings und Picker

Wenn dir das Travis-Picking gefällt und du mehr Munition für dein Picking-Repertoire suchst, solltest du dir folgende berühmte Klassiker anhören:

• „Landslide“ oder „Never Going Back Again“ von Fleetwood Mac
• „Freight Train“ von Elizabeth Cotten
• „The Boxer“ von Simon & Garfunkel
• „Windy and Warm“ von Chet Atkins

Ansonsten gibt es zahlreiche berühmte Musiker, die das Travis-Picking in vielen Stücken nutzen und sogar in ihrem eigenen individuellen Stil weiterentwickelt haben:

• Chet Atkins – nicht umsonst als „Mr. Guitar“ und „the Country Gentleman“ bekannt. Er verfeinerte das Travis-Picking zu komplexen Arrangements.
• Jerry Reed – der „Alabama Wild Man“. Elvis Presley ließ ihn 1967 extra nach Nashville einfliegen, um Jerrys einzigartigen Picking-Stil für sein Cover von „Guitar Man“ einzuspielen.
• Paul Yandell – Sideman von Chet Atkins und ein genialer Nashville-Picker, der von Chet Atkins und Merle Travis gelernt hat.
• Doc Watson – Arthel Lane „Doc“ Watson gilt als Legende der Bluegrass-Szene und war ein absoluter Meister des Travis-Stils.

Fazit:

Das Travis-Picking ist eine bedeutende Technik, die dein Gitarrenspiel ungemein bereichern kann. Mit recht einfachen Mitteln erlaubt es dir, simple Akkordbegleitungen mit interessanten Rhythmen und Melodien zum Leben zu erwecken. Mit ein wenig Übung und klanglichem Feinschliff wird deine Gitarre so im Handumdrehen zur vollständigen Band – inklusive Schlagzeug und Bass!

Alle Notenbeispiele wurden mit Guitar Pro 8 erstellt

Der Beitrag Fingerpicking Basics – das Travis-Picking erschien zuerst auf Guitar-Player.

Willkommen in der Welt des Metals – hier tickt die Uhr nicht im Takt, sondern im Downbeat. Die Klanglandschaft wird beherrscht von brutalen Riffs, blitzschnellen Soli und monströsen High-Gain-Sounds. Es ist sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne nichts für Zartbesaitete. Mit einem hauchdünnen 09–42-Saitensatz kommst du hier nicht weit. Wir zeigen dir die Metal Essentials für einen brutalen Sound!

Tief gestimmt ist halb gewonnen

Bevor du überhaupt den ersten Ton spielst, gibt’s eine goldene Regel: Tuning ist (un)heilig! Runter mit der Stimmung – und wenn du denkst, du bist tief genug, geh noch ’ne Etage in den Keller. Drop-Tunings sind nicht nur ein aktueller Trend, sondern auch die Eingangstür zu dem groovigen Untergrund der Gitarrenmusik.

1. Palm Muting –mit dem Handballen in die Stratosphäre

Wer schon mal versucht hat, Metallicas Enter Sandman ohne Palm Muting zu spielen, hat sofort begriffen, wie essenziell diese Technik für Rock, Metal und alle zehntausend Subgenres, die darunter fallen, ist. Man gebe mir eine auf Drop-„wasauchimmer“ gestimmte E-Gitarre, angeschlossen an einen High-Gain-Verstärker, und ich kann mit dem Abdämpfen der tiefsten Note wochenlang Spaß haben. Unzählige legendäre Songs und Riffs werden gerade dank des druckvollen Charakters des Palm Mutings zu den donnernden Brettern, die uns die Socken ausziehen.

Die brutalsten Breakdowns im Deathcore, die rasantesten Galopps im Thrash Metal und auch die abwechslungsreichen Phrasierungen von Griffbrettvirtuosen haben alle eins gemeinsam: Die Spieler bedienen sich dieser Technik immer dann, wenn’s ordentlich drücken soll.

Praktische Umsetzung

Palm Mutes klingen, als hätte sie uns der Fürst der Finsternis höchstpersönlich in die Hand gedrückt – doch das Beste daran ist: Du musst nicht deine Seele verkaufen, um sie zu erlernen. Diese Technik ist gleichermaßen einfach und effektiv. Du dämpfst die Saiten mit dem Handballen deiner Schlaghand ab – und zauberst so diese knochentrockenen, punchigen Töne, die in jedem Metal Riff zu Hause sind.

Mit einer cleanen Gitarre kann man mit dem Abdämpfen seinem Spiel ganz neue Artikulation verleihen. Aber der Spaß geht richtig los, sobald die Verzerrung an ist. Die von einem schwedischen YouTuber geprägte Lautmalerei „Chug“ ist eine der treffendsten Beschreibungen dessen, was bei einem Palm-Muting-Riff auf unser Trommelfell einprügelt. Mit etwas Präzision und Feinmotorik in der Schlaghand können wir auch den Klangcharakter drastisch beeinflussen.

Tipp: Willst du mehr Druck und Bass? Dann platziere deine Hand näher am Steg. Darf’s etwas mehr Staccato-Effekt sein? Dafür musst du nur etwas näher an den Pickup rutschen. Ganz wichtig: Nicht zimperlich sein! Ein kraftvoller Sound bedarf eines kräftigen Anschlags.

Ob als Spannungsaufbau oder für das durchgehende „Brett“ – mit dem Palm Muting hast du einen Equalizer in deiner rechten Hand!

2. Pinch Harmonics – der Schrei aus der Hölle

Jetzt wird’s dreckig. Oder besser gesagt: brillant schmutzig. Die Metalhymne mit den wohl meisten Pinch Harmonics hintereinander ist von Pantera und trägt den Titel Cemetery Gates. Als mein 14-jähriges Ich diese sägende, rohe Gewalt zu hören bekam, war’s um mich geschehen! Mit Pinch Harmonics bringst du deine Gitarre gezielt zum Kreischen und verpasst jedem im Raum eine Gänsehaut. Ähnlich wie beim Palm Muting kannst du diese Technik sowohl beim Rhythmus- als auch beim Solospiel verwenden.

Praktische Umsetzung

Du schlägst die Saite in einer Abwärtsbewegung mit dem Pick an und berührst sie unmittelbar danach leicht mit dem Daumen – und zwar genau an der richtigen Stelle. Hier ist etwas Fingerspitzengefühl gefragt, denn die Saite soll nicht komplett abgedämpft werden, sondern noch weiter schwingen können. Die leichte Berührung der Saite mit dem Daumen erzeugt diesen quietschenden Höllenton, der alle Hunde in der Nachbarschaft aufheulen lässt. Am Anfang kannst du die beiden Schritte nacheinander ausführen, aber das Ziel sollte sein, die Pinch Harmonics ohne hörbare Verzögerung zu erzeugen.

Bei Pinch Harmonics führt am Intensiven kein Weg am Üben vorbei. Sobald man diese etwas spezielle Daumenbewegung so weit verinnerlicht hat, dass man sie im Song ohne zwei Takte Vorbereitungszeit ausführen kann, kommt die nächste Hürde: Du musst für jede Saite und jeden Bund den richtigen Sweetspot finden und ihn dir gut einprägen. Treffsicherheit ist das höchste Gebot! Glaub mir, es gibt kaum einen größeren gitarristischen Antiklimax als einen verfehlten Pinch Harmonic. Aus einem Höllenhund von einem Riff wird in Sekundenbruchteilen ein kläffender Dackel.

Tipp: Vibrato drauf für noch mehr Ausdruck. Abhängig vom Songkontext kann sowohl ein langsames, weites Bending als auch ein irres Auf-und-Ab sehr dienlich sein. Hauptsache, du bist nicht zimperlich. Beim Thema Pinch Harmonics kann es nicht zu viel Vibrato geben. Zieh an der Saite, als würdest du versuchen, sie zum Reißen zu bringen!

3. String Skipping – die Sprungfeder im Riff

Weg mit dem Linearen, rein ins Gespringe! Beim String Skipping lässt du gezielt Saiten aus und erzeugst dadurch weite Intervallsprünge, die dein Riff modern und luftig klingen lassen. Besonders in tiefen Tunings bekommst du so fette Oktavsounds mit Höhen-Pepp.

Praktische Umsetzung (mit Beispiel im Drop-D-Tuning)

• Spiel auf der tiefen D-Saite:[---5-0-5-8-]
• Spring direkt zur hohen D:[---5-8-5---]
• Und wieder zurück zur tiefen D-Saite: [-8-5-0-5-8-]
• Lass die A-Saite dazwischen einfach links liegen.

Das bringt Struktur, Dynamik und macht dein Spiel abwechslungsreicher. Dieses simple Beispiel klingt mit genug Zerre und Tempo schon ziemlich stark. Bettest du das String Skipping in ein interessantes Riff ein, verpasst du deinem Song sofort einen modernen Anstrich. Parallel steigerst du auch deinen Spielspaß.

Tipp: Wenn du mit den Oktavsprüngen der Akkordfolge deines Songs folgst und es auch noch schaffst, weitere Techniken einzubauen, hebst du dein Spiel und dein Writing direkt auf’s übernächste Level!

4. Pick Scrapes – der akustische Elektroschock

Pick Scrapes sind wie das Kratzen von Freddy Kruegers Krallen an deiner Tür – bedrohlich, roh, unaufhaltsam. Schon seit Jahrzehnten im Live-Arsenal von Thrash-Legende James Hetfield und vielen anderen. Anfangs vereinzelt, als Nachfolger der kleinen Sekunde, eine gepfefferte Dissonanz im Breakdown. Inzwischen auf so gut wie jeder modernen Metal-Platte zu hören. Dieser Soundeffekt verbreitete sich in der Core-Szene wie ein virales Video.

Praktische Umsetzung

Diese Technik ist ebenso simpel zu erlernen wie unsere Nr. 1, das Palm Muting. Du ziehst dein Plektrum von unten nach oben über die Saiten, während du mit der Greifhand leichte Harmonics erzeugst. Der Finger der Greifhand kann, wie bei natürlichen Harmonics, einfach nur leicht auf die Saite gelegt werden. Ring- oder Mittelfinger greifen an, der Zeigefinger bleibt frei für die darauffolgenden Noten. Besonders zwischen drittem und viertem Bund findest du diese herrlich-hässlichen, süß-kratzigen Stellen, die den Klang aufbrechen wie Sand im Getriebe – im besten Sinne.

Tipp: Greif nicht zu fest – es geht nicht um Druck, sondern um Kontakt. Die Saite muss nicht bis zum Griffbrett durchgedrückt werden.
Timing ist alles – landest du nicht auf der Eins, klingt’s wie ein Unfall.

5. Tapping – Griffbrettolymp zum Greifen nah

Und nun mache ich dich zum Gitarrenvirtuosen!

Tapping ist deine Eintrittskarte in die Oberliga. Eddie Van Halen hat mit seinem Eruption-Solo völlig neue Maßstäbe des Shreddings gesetzt. Die Gitarristen, die dieses Solo seinerzeit nur gehört haben und nicht zu sehen bekamen, wie es gespielt wird, kamen aus dem Staunen nicht mehr heraus.

Was macht er da?
Wie kann er solch große Intervallsprünge in diesem Tempo spielen?
Wieso höre ich keinen Pick-Attack?

Fragten sie sich allesamt – und sobald man ihn auf der Bühne oder später auf MTV gesehen hat, kam der große Aha-Moment: ein Mix aus Hammer-ons, Pull-offs und einem gut getimten Griff deiner rechten Hand auf dem Griffbrett – das Ganze ohne Plektrum.

Praktische Umsetzung

Linke Hand spielt normal Hammer-ons und Pull-offs. Die rechte Hand (z. B. mit dem Mittelfinger) haut einen zusätzlichen Ton rein. Schnell getappt klingt’s fast wie ein Keyboardläufer – nur metallischer. Je mehr du damit spielst, desto flüssiger wird’s. Du kannst sogar komplett ohne Pick loslegen und wie ein Tapping-Gott mit acht Fingern durch die Tonleiter wirbeln. Achtung: Tosin-Abasi-Level erfordert viel Kaffee und Geduld.

Tipp: Versuche, verschiedene Figuren in einen Tapping-Lauf oder auch einzelne Tapping-Licks mitten in deine Riffs unterzubringen. Es ist wie Gehirnjogging auf dem Griffbrett.

Deine Metal-Werkzeugkiste ist jetzt bereit

Du hast jetzt fünf Techniken an der Hand (oder besser: an beiden Händen), die dich von einem braven Gitarren-Anfänger zu einem echten Heavy Riffer machen. Wie immer beim Üben gilt auch hier der Grundsatz: langsam einsteigen, mit Metronom üben und das Tempo schrittweise steigern. Wer hier Abkürzungen nimmt, landet öfter auf der Nase als auf dem richtigen Ton.

Um diese Techniken besser zu veranschaulichen, habe auch ich ein kurzes Tutorial-Video gedreht. Den Link findest du hier:

Zum Video

Also ran an den Speck! Stimm die Gitarre runter, dreh den Verstärker auf elf und lass es krachen.

Mehr zum Thema:

Fünf Tipps für Gitarrist*innen, die Bass spielen möchten

Der Beitrag Metal Essentials – 5 Gitarrentechniken, die JEDER Heavy-Spieler beherrschen sollte erschien zuerst auf Guitar-Player.

Es gibt viele Situationen, in denen es für Gitarrist*innen von Vorteil ist, zumindest grundlegend E-Bass spielen zu können: Sei es beim Aufnehmen von Songideen, um ein erkranktes Bandmitglied zu vertreten, oder weil man schlichtweg Gitarre Nummer drei in der Band ist – und laut ungeschriebenem Bandgesetz den Tieftöner übernehmen muss. Damit euer Spiel nicht den Bass runtergeht, sondern in höchsten Tönen gelobt wird, kommen hier fünf essenzielle Tipps aus der Unterwelt des Sounds.

Tipp 1: Ein Bass ist keine Gitarre

Was zunächst banal klingt, ist der mit Abstand wichtigste Punkt: Ein Bass ist kein überdimensionierter Ableger der Gitarre. Er ist ein eigenständiges Instrument mit eigenen Techniken, Spielweisen und einer völlig anderen klanglichen Rolle.

Viele Gitarrist*innen starten mit einem Short-Scale- oder gar Kinderbass, weil sie glauben, sich so nicht umgewöhnen zu müssen. Das ist vergleichbar mit einem ausgewachsenen Kerl auf einem Puky-Fahrrad– nicht ganz so optimal aber irgendwie süß.

Wenn du ernsthaft Bass lernen möchtest, orientiere dich an folgenden Anhaltspunkten:

• Greife gleich zu einem Longscale-Bass
• Zwei Tonabnehmer sorgen für mehr klangliche Flexibilität
• Ein Aktivbass ist ideal für Recording-Zwecke: Durch den eingebauten Preamp kannst du direkt Höhen, Bässe und ggf. Mitten regeln
• Tipp zur Batterie bei aktiven Bässen: Keine Sorge – bei regelmäßigem Wechsel (ca. 2–3 Mal im Jahr) ist eine leere Batterie kein Thema. Wichtig: Zieh das Kabel nach dem Spielen raus, sonst wird die Batterie permanent belastet
• Ob du einen 4- oder 5-Saiter brauchst, hängt vom Musikstil ab: Spielst du Metal, Reggae oder Gospel? Dann ist der 5-Saiter Pflicht

Der Ibanez Gio GSR200PC-TMU bietet vielseitige Features für den Einstieg: Zwei Pickups (Split-Coil in Mittelposition, Single Coil in Halsposition), aktiver Preamp mit 2-Band-EQ zum Anpassen von Bässen und Höhen direkt am Instrument und 34″-Longscale-Mensur.

Tipp 2: Denke wie ein Bassist, nicht wie ein Gitarrist

Nicht nur das Instrument ist anders – auch deine musikalische Denkweise muss sich ändern. Der Bass ist das Fundament der Band. Er stützt, verbindet, führt und groovt. Die Hauptaufgabe ist nicht, zu glänzen, sondern zu tragen. Dies gilt übrigens für jedes Bassinstrument, seien es die Pedale einer Orgel, ein Kontrabass, eine Tuba, ein Synth oder eben ein E-Bass.

Ein besonders wichtiger Aspekt: die Beziehung zum Schlagzeug. Während Gitarrist*innen oft Harmonien verweben, ist der Bass an die Bassdrum gebunden. Statt Gitarrenriffs zu doppeln, arbeite an einem sauberen, soliden Groove – höre genau zu, was in dem Song getrommelt wird.

Tipp 3: Der Kontrabass-Fingersatz schont deine Hand

Ein E-Bass hat oft eine Mensur von 34 Zoll – das ist eine Menge Holz. Wer versucht, wie auf der Gitarre über vier Bünde zu greifen, riskiert Sehnenschäden. Die Lösung: der Kontrabass-Fingersatz.

• Zeigefinger → 1. Bund
• Mittelfinger → 2. Bund
• Kleiner Finger → 3. Bund
• Der Ringfinger bleibt außen vor
• Die Hand bleibt deutlich entspannter und die allermeisten Basslinien sind so problemlos spielbar

Tipp 4: Polychrome Powerchords? Chromatik und Quinten!

Chromatik als Stilmittel

Ein klassischer Trick: Annäherung an einen Zielton über die drei darunterliegenden Halbtöne. Bekannt aus dem Outro von Hey Joe (Jimi Hendrix). Funktioniert universell und bringt Verbindung und Bewegung in deine Basslinien. Funktioniert immer!

Powerchords für Tieftöner

Powerchords bestehen aus Grundton und Quinte – z. B. C und G. Spiele diese aber nicht gleichzeitig, sondern abwechselnd. Da isser, der Wechselbass (z. B. C–G–C–G). Dieser Stil ist beliebt in Country, Jazz, Latin oder Volksmusik – und bringt jedes Publikum zum Tanzen und Biertrinken.

Tipp 5: Anschlagstechniken: Finger, Daumen, Plektrum, Slap

Die rechte Hand macht den Sound! Je nach Genre und Stil eignen sich verschiedene Tehcniken zur Tonerzeugung Hier die wichtigsten Techniken im Überblick:

• Fingerstyle: Achte auf einen Anker für den Daumen (z. B. Pickup oder E-Saite) und auf konsequente Dämpfung aller nicht gespielten Saiten.
• Daumenspiel: Ideal für warme, weiche Sounds – z. B. Balladen.
• Slaptechnik: Der Daumen sollte die Saite schnell wieder verlassen (wie ein Flummi). Slappen klingt besonders fett, wenn du nahe am Hals spielst. Gib dir Zeit, diese Technik zu erlernen.
• Plektrumspiel: Bekannt für Gitarrist*innen – achte auf die Lautstärkeangleichung zwischen Finger- und Plektrumspiel.

Fazit: Der Bass braucht Zeit – aber es lohnt sich!

Ich hoffe, dass dir diese fünf Tipps beim Einstieg in die Basswelt helfen! Wie bei jedem Instrument gilt: Gut Ding will Weile haben – und mit der Zeit kommt auch der Groove!

Mehr zum Thema:

Effektpedale für E-Bass: Must-Have-Effekte für Tieftöner

Sandberg Basic Ken Taylor 5 – Testbericht

Der Beitrag Fünf Tipps für Gitarrist*innen, die Bass spielen möchten erschien zuerst auf Guitar-Player.