Im Zuge der aktuellen Neuheiten-Offensive hat Fender auch für Bassistinnen und Bassisten einige interessante Instrumente vorgestellt. Im Mittelpunkt stehen dabei die neue limitierte Player Fusion Serie sowie die limitierten Modelle der 75th Anniversary Player II Precision Bass Collection. Während die Fusion-Serie einen deutlich moderneren Ansatz verfolgt, orientieren sich die Anniversary-Modelle stärker an den klassischen Fender-Tugenden.

Sieben Jahrzehnte Musikgeschichte

Als Leo Fender den Precision Bass 1951 vorstellte, legte er den Grundstein für den modernen E-Bass. Entwickelt als kompakte und leicht spielbare Alternative zum Kontrabass, übernahm das Instrument viele Konstruktionsmerkmale der Telecaster und war der erste serienmäßig gefertigte Solid-Body-E-Bass der Welt. Seinen Namen verdankt der Precision Bass den Bünden, die ein präziseres Greifen der Töne ermöglichten als beim damals üblichen Kontrabass.

Player Fusion: Preci im modernen Gewand!

Der Player Fusion Precision Bass zeigt besonders deutlich, wie weit Fender das klassische P-Bass-Konzept für die neue Serie modernisiert hat. Anstelle des bekannten Split-Coils kommen hier gleich zwei Fireball Bass Humbucker zum Einsatz, die den Bass klanglich deutlich stärker in Richtung moderner Rock-, Metal- und Progressive-Produktionen schieben.

Auch das Spielgefühl entfernt sich spürbar vom klassischen Precision-Bass-Vorbild. Der vertraute Erle-Korpus bleibt erhalten, wird jedoch mit einem schlanken Thin-„C“-Hals im Jazz-Bass-Stil kombiniert. Hinzu kommen ein Ebenholzgriffbrett mit flacherem 12″-Radius, Jumbo-Bünde, schwarze Hardware und eine HiMass Vintage-Style Bridge. Damit wirkt der Fusion Precision Bass weniger wie eine reine Vintage-Hommage, sondern vielmehr wie eine moderne Heavy-Interpretation des Fender-Klassikers.

75th Anniversary Player II Precision Bass Collection

Wer es etwas traditioneller mag, findet in der neuen 75th Anniversary Player II Precision Bass Collection passende Alternativen. Die limitierten Modelle feiern zusammen mit dem Telecaster-Jubiläum über sieben Jahrzehnte Musikgeschichte und kommen in exklusiven Finishes wie Daphne Blue, Seafoam Green, Candy Apple Red oder Aztec Gold.

Mit einem Erle-Korpus, dem Modern-„C“-Hals sowie das Griffbrett mit 9,5″-Radius, bleiben die 75th Anniversary-Modelle definitiv ein Allrounder für sämtliche Genres, ohne den klassischen Charakter des Instruments zu verändern.

Klanglich kommt der bewährte Player Series Alnico 5 Split-Coil Pickup zum Einsatz, der den typischen Precision-Bass-Sound mit sattem Low-End, durchsetzungsfähigen Mitten und knackiger Ansprache liefert, so wie man es vom Preci kennt und liebt.

Fender-Neuheiten im Juni: Neue Player Fusion-Serie, Akustikgitarren & Baritone-Überraschungen

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Typisch für die California-Serie ist auch hier die Verbindung aus traditionellem Akustikgitarrenbau und markantem Fender-Design. Verschiedene Korpusformen, ausdrucksstarke Finishes und praxisnahe Ausstattung machen die Modelle zu flexiblen Begleitern.

Hochwertige Ausstattung für vielseitigen Sound

Alle Modelle der California-Deluxe-Serie setzen auf bewährte Tonhölzer und eine komfortable Konstruktion. Je nach Ausführung kommen massive Decken aus Fichte, Sitka-Fichte oder Mahagoni zum Einsatz, kombiniert mit Boden und Zargen aus laminiertem Mahagoni. Das Scalloped X Bracing unterstützt die Schwingungsfreude der Decke und sorgt für eine lebendige Ansprache.

Auch beim Spielgefühl bleibt Fender seiner Linie treu: Ein Mahagonihals mit schlankem Slim-C-Profil liegt angenehm in der Hand, während das Walnussgriffbrett eine geschmeidige Haptik bietet. Viele Modelle sind zudem elektroakustisch ausgelegt und verfügen über einen Fishman Preamp CD-1 mit Lautstärke- und Tonregelung sowie integriertem Stimmgerät.

Redondo Jr. E – kompakt und komfortabel

Die Fender California Deluxe Redondo Jr. E richtet sich besonders an Kinder, Jugendliche und kleinere Erwachsene. Ihre reduzierte Redondo-Korpusgröße (Dreadnought) und die verkürzte Mensur von 610 mm erleichtern das Greifen und sorgen für ein komfortables Handling. Erhältlich ist sie in zwei Varianten: mit massiver Fichtendecke im Honey Burst Finish oder mit massiver Mahagonidecke im Natural Finish.

Redondo und Redondo CE – kraftvolle Dreadnoughts

Wer den vollen Klang einer großen Redondo sucht, findet in der California Deluxe Redondo die passende Wahl. Die rein akustischen Modelle kommen mit 648-mm-Standardmensur und sind wahlweise mit Sitka-Fichtendecke in Sienna Sunburst oder mit Mahagonidecke im Natural Finish erhältlich.

Die California Deluxe Redondo CE ergänzt dieses Konzept um einen Cutaway und ein integriertes Tonabnehmersystem. Damit eignet sie sich besonders für Spieler, die auch verstärkt flexibel bleiben möchten. Zur Auswahl stehen mehrere Finishes wie Black, Natural, Honey Sunburst und Sherwood Green. Zudem ist ein Linkshändermodell erhältlich.

Monterey E – ausgewogener Orchestra-Sound

Die California Deluxe Monterey E bringt die California-Serie in eine handliche Monterey-Bauform (Orchestra). Sie kombiniert ausgewogene Klangeigenschaften mit elektroakustischer Flexibilität und eignet sich sowohl für Strumming als auch für Fingerpicking. Modelle mit Fichtendecke erscheinen unter anderem in Honey Sunburst, Black und Aztec Gold. Ergänzend gibt es eine Ausführung mit massiver Mahagonidecke im Natural Finish.

Newporter CE – moderne Form mit Cutaway

Die California Deluxe Newporter CE steht für einen eigenständigen Look und komfortables Spielgefühl. Ihre Newporter-Bauform mit Cutaway erleichtert den Zugang zu höheren Lagen und macht sie zu einer vielseitigen Wahl für moderne Akustikgitarristen. Erhältlich ist sie im hellen White Blonde Finish sowie in Sienna Sunburst.

Villager E – 12-String-Sound im Fender-Stil

Für Fans des charakteristischen, schimmernden Zwölfsaiter-Klangs bietet Fender die California Deluxe Villager E. Die elektroakustischen 12-String-Westerngitarren kommen in der Villager-Bauform mit 629-mm-Mensur und verbinden volle Klangfülle mit angenehmer Bespielbarkeit. Zur Auswahl stehen Modelle in Honey Sunburst sowie Black.

Fazit: Fender California für jeden Spielertyp

Mit der Fender California Deluxe Serie zeigt der US-amerikanische Traditionshersteller, wie vielseitig moderne Akustikgitarren sein können. Von kompakten Junior-Modellen über klassische Dreadnoughts bis hin zu Orchestra-, Newporter- und 12-String-Varianten deckt die neue Line ein breites Spektrum ab. Massive Decken, komfortable Hälse, attraktive Finishes und praktische Fishman-Elektronik machen die Serie zu einer spannenden Wahl für Einsteiger, Fortgeschrittene und erfahrene Spieler gleichermaßen.

Wer eine Akustikgitarre mit eigenständigem Fender-Charakter, zuverlässiger Ausstattung und moderner Optik sucht, sollte die neue Fender California Deluxe Serie unbedingt im Blick behalten.

Natürlich ist Fender auch mit zahlreichen neuen E-Gitarren am Start. Wer mehr hierzu erfahren möchte, kann sich im Beitrag Fender-Neuheiten im Juni: Neue Player Fusion-Serie, Akustikgitarren & Baritone-Überraschungen näher darüber informieren.

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Fender erweitert sein Sortiment mit einer ganzen Reihe neuer Instrumente, Verstärker und Effektpedale. Dabei reicht das Spektrum von neuen Player-Fusion-Gitarren über Jubiläumsmodelle zum 75-jährigen Telecaster-Geburtstag und neue Akustikgitarren der California-Serie bis hin zu überarbeiteten Effektpedalen.

Neue E-Gitarren & Akustikgitarren

Neue Classic Silent- & Player Fusion-Serie

Zu den spannendsten Neuheiten zählen die Limited Edition Classic Silent Stratocaster und Telecaster, die erstmals mit dem neuen Fender Silent System ausgestattet werden. Die passive und batterielose Schaltung reduziert das typische Single-Coil-Brummen deutlich, ohne den charakteristischen Fender-Sound zu verändern.

Einen deutlich moderneren Ansatz verfolgt die neue Player Fusion Serie. Stratocaster-, Telecaster- und Baritone-Jaguar-Modelle wurden gezielt für aktuelle Rock- und Metal-Anwendungen entwickelt und setzen auf Humbucker-Bestückungen, Noiseless-Pickups, Floyd-Rose-Tremolos, Locking-Mechaniken und moderne Hardware. Besonders die Fusion Baritone Jaguar mit 27″-Mensur und Spin-a-Split-Schaltung dürfte für Freunde tiefer Tunings interessant sein.

75th Anniversary Collection: Historische Klassiker & 27″-Baritone-Tele

Ebenfalls im Mittelpunkt stehen die neuen Instrumente der 75th Anniversary Collection. Neben verschiedenen Player-II-Telecaster-Modellen, darunter auch Baritone-Ausführungen, präsentiert Fender die 75th Anniversary American Vintage II 1951 Nocaster, die sich eng an den historischen Ursprüngen der Telecaster orientiert und den Geist der frühen Fender-Jahre aufleben lässt.

California Deluxe

Auch im Akustikbereich erweitert Fender sein Portfolio um mehrere Modelle der California Deluxe Series. Die neuen Redondo-Varianten stehen in unterschiedlichen Ausführungen, Größen und Finishes zur Verfügung. Neben kompakten Redondo Jr. E Modellen umfasst die Serie auch vollwertige Redondo CE Westerngitarren mit Cutaway und Tonabnehmersystem.

Mit Ausführungen in Mahagoni, Natural, Honey Sunburst, Sienna Sunburst, Black oder Sherwood Green ist die California Deluxe Serie besonders spannend für alle, die eine moderne Alternative zu klassischen Dreadnought-Gitarren suchen.

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Fender California Deluxe: Neue Akustikgitarren mit modernem Fender-Charakter

Neue Amps & überarbeitete Effekte

Bei den Verstärkern stellt Fender den neuen ’62 Deluxe Amp vor, der sich optisch und klanglich an klassischen Brownface-Verstärkern orientiert. Darüber hinaus wird die Champion-II-Serie um die neuen Champion II 50 und Champion II 100 Combos erweitert, die vielseitige Sounds für Übungsraum, Bühne und Studio bereitstellen sollen.

Auch die Effektpedal-Sparte erhält ein Update. Mit dem Santa Ana Overdrive V2, Pugilist Distortion V2, The Pelt Fuzz V2 und The Bends Compressor V2 überarbeitet Fender gleich mehrere seiner beliebtesten Effektgeräte. Die neuen Versionen sollen die bewährten Grundcharaktere beibehalten und gleichzeitig durch moderne Verbesserungen in Bedienung und Performance überzeugen.

Am auffälligsten dürften jedoch die neuen Designs der Effektpedale sein: Fender hat hier einen Rundumschlag in Sachen Design vorgenommen und ihre V2-Varianten optisch deutlich aufgewertet!

Abgerundet werden die Neuheiten durch das neue EXP-2 Expression Pedal, den Telepath Wireless Transmitter für kabelloses Spielen sowie das gemeinsam mit MusicNomad entwickelte Fender x MusicNomad Tool Kit, das wichtige Werkzeuge für Wartung, Pflege und Setup von Gitarren und Bässen bündelt.

Mit dieser umfangreichen Produktoffensive deckt Fender nahezu alle Bereiche des eigenen Sortiments ab und liefert sowohl für Traditionalisten als auch für moderne Spieler zahlreiche interessante Neuheiten für den Sommer!

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1. RockBoard TRS-Jack Dust Cover

Es gibt so manche praktische Dinge, die so simpel sind, dass man von selbst nicht darauf kommt. So auch die TRS-Jack Dust Covers von RockBoard. Die relativ einfach geformten Elastomer-Plugs passen auf die üblichen 6,35-mm-Klinkenanschlüsse und schützen die Buchsen vor Staub, Schmutz, Feuchtigkeit und eigentlich allem, was einer Buchse generell Schaden zufügen könnte. Wer also Pedale in der Schublade oder in der Vitrine hat, die aktuell nicht auf dem Pedalboard in Benutzung sind, kann seine Anschlüsse somit bestens schützen.

Die Dust Cover Plugs sind übrigens nicht nur für Effektpedal-Enthusiasten wertvoll, denn an sich können sie für nahezu jede Gerätschaft mit ungenutzten 6,35-mm-Buchsen verwendet werden. Also auch für Verstärker, Mischpulte, Interfaces, und vieles mehr. Die RockBoard Dust Cover Plugs gibt es im 5er-Pack für ca. 5 Euro, somit für ca. 1 Euro pro Plug zu haben. Versionen für XLR-Buchsen gibt’s übrigens auch. Jeder, der sich schon mühevoll daran versucht hat, eine fehlerhafte Buchse mit dem Lötkolben von der Platine eines Effektpedals zu lösen, weiß ganz genau, dass sich diese Anschaffung wirklich lohnt!

2. Mooer Audio Candy Footswitch Toppers

Hier kommt ein ganz besonderes Highlight für Sofa-Gitarristen und Bedroom-Shredder: Die Mooer Audio Candy Footswitch Toppers! Saftig einrastende Fußschalter fühlen sich zwar besonders wertig an, sind aber auch die absolute Hölle, wenn man sie barfuß oder auf Socken bedient. Genau hier kommen die Mooer Audio Candy Footswitch Toppers ins Spiel. Die bunten Überzüge passen auf die meisten gängigen Fußschalter und sorgen nicht nur für einen farbenfrohen Look in der Effektkette, sondern auch für eine breitere und weichere Trittfläche. Dadurch lassen sich selbst die härtesten Fußschalter ohne festes Schuhwerk komfortabel bedienen. Ein weiterer praktischer Anwendungs-Tipp: Wer zwei benachbarte Nano-Pedale auf dem Board gleichzeitig aktivieren möchte, kann beide mit den nützlichen Kappen versehen. So wird es weitaus einfacher, beide Fußschalter gleichzeitig zu drücken.

3. Rockboard Power Ace Battery Clip Converter

Der Rockboard Power Ace Battery Clip Converter ist eine nützliche Angelegenheit, um Effektpedale ohne Möglichkeit des Batteriebetriebs trotzdem mit einer 9V-Batterie betreiben zu können. Hierzu wird einfach eine entsprechende Batterie an den Clip angeklemmt, die Hohlsteckerbuchse über ein DC-Kabel mit dem DC-Anschluss des Pedals verbunden, und schon ist das Pedal einsatzbereit. Der Battery Clip Converter lässt sich aber auch andersrum benutzen, wodurch er der Geheimtipp schlechthin für Sammler antiker Vintage-Pedale ist. Viele alte Treter aus den Seventies und Eighties waren nämlich auf reinen Batteriebetrieb ausgelegt, Möglichkeiten zum Netzteilbetrieb zu dieser Zeit jedoch nicht immer vorhanden. Ich selbst besitze beispielsweise ein altes Dunlop Cry Baby Wah aus den Achtzigerjahren, das mir im Batteriebetrieb als Standalone-Pedal zwar stets gute Dienste geleistet, aufgrund des fehlenden Netzteilanschlusses jedoch nie den Weg auf mein reguläres Pedalboard gefunden hat – bis ich dann letztendlich über diesen nützlichen Helfer gestolpert bin.

Doch Vorsicht: Überprüfe vor Betrieb immer, dass der Adapter die korrekte Polarität für dein Pedal bereitstellt! Gerade die älteren Pedale haben meist keinen Verpolungsschutz und können im schlimmsten Fall Schaden durch eine falsch angelegte Polung nehmen. Hier kann unter Umständen ein sogenannter Polarity Inverter Abhilfe schaffen.

Der Battery Clip Converter ist an sich recht simpel aufgebaut und konvertiert den typischen Clip-Anschluss für 9V-Blöcke auf einen handelsüblichen 2,1 x 5,5 mm Hohlstecker, den nahezu alle Effektpedale und Multinetzteile verwenden. Wer nicht selber der Lötkolben schwingen möchte, kann sich hier also eine gute Lösung zu einem fairen Preis von ca. 3,20 € besorgen.

4. Nobels Mounty-P Schraubenset

Wer sich die Unterseite seiner Pedale nicht mit dem üblichen Velcro-Tape verschandeln möchte und die Befestigung per Velcro-Tape vielleicht auch generell als etwas zu schwammig erachtet, ist mit dem Nobels Mounty-P Schraubenset bestens beraten. Das praktische Set der Hamburger Pedalenthusiasten, denen mit Tretern wie dem ODR-1 Overdrive der große Wurf gelungen ist, ist an sich relativ einfach aufgebaut. Zur Installation werden die vorhandenen Schrauben in der Backplate des zu befestigenden Pedals gelöst und mit den beiliegenden Metalllaschen neu verschraubt. Das zweite Bohrloch der Metalllasche lässt sich dann anderweitig verschrauben, beispielsweise in einem DIY-Pedalboard. Gerade für Musiker, die ihr Equipment häufiger Mal on the Road dabei haben und auch nach holprigeren Fahrten im Tourbus ihr Pedalboard noch richtig bestückt auffinden möchten, sind diese kleinen Helfer wirklich viel Wert!

5. Stage Works Pedal Mats

Apropos Velcro: Besonders nervig ist es, wenn man ein mit Velcro-Tape beklebtes Pedal vom Board nimmt und auf glatten Oberflächen wie Laminatböden spielen möchte. Vor allem Wahs und Expression-Pedale schwimmen gerne unter den Füßen weg, wenn die haltgebende Gummierung auf der Unterseite fehlt. Hier hat Stage Works mit den Pedal Mats eine praktische Abhilfe geschaffen. Die rutschfesten Matten können einfach unter die Pedale gelegt werden, um ihnen auf nahezu allen Böden sicheren Halt zu geben. Das Ganze gilt übrigens nicht nur für Effektpedale, sondern auch beispielsweise für Sustain-Pedale von Keyboardern oder für die Fußmaschine des Drummers. Die Pedal Mats gibt’s im Zweierpack und decken mit ihrer Größe von ca. 46 cm x 20 cm auch die Dimensionen großkalibriger Effektpedale gekonnt ab.

6. Rockboard LED Damper

Die allermeisten Effektpedale kommen heutzutage mit einer oder gleich mehreren Status-LED, die dem Spieler über so manche Dinge Auskunft geben. Sei es der aktuelle Schaltzustand des Pedals, das eingestellte Tempo des internen LFO oder die Anzeige der gerade aktivierten Preset-Bank, den einem die bunten Lichter vermitteln können. Manche dieser LED leuchten jedoch derart hell, dass sie einem gerade auf so manch dunklen Bühnen nahezu vollständig die Sicht rauben können und so im schlimmsten Fall sogar für weniger Durchblick sorgen. Glücklicherweise hat Rockboard auch hier eine praktische Lösung parat: Die Rockboard LED Dampers. Die kleinen selbstklebenden Kappen im Amp-Jewel-Look werden einfach über die betroffenen LED geklebt, um diese nicht nur zu dimmen, sondern auch für eine angenehme Dispersion des Lichts zu sorgen. Die LED Dampers sind in zwei verschiedenen Größen Small (8 mm Außendurchmesser) und Large (10 mm Außendurchmesser) jeweils im 5er-Pack erhältlich.

Fazit

Selbst die besten und teuersten Boutique-Effektpedale nützen einem wenig, wenn beispielsweise die Stromversorgung nicht stimmt, die Buchsen korrodiert sind oder sie sich nicht anständig bedienen lassen. Oft sind es nämlich die stillen, heimlichen Helfer im Hintergrund, die hier Abhilfe schaffen und ein Pedal-Setup erst so richtig durchdacht erscheinen lassen. Alle genannten Lösungen kosten zwar nur wenige Euro, können aber oftmals den entscheidenden Unterschied zwischen Frust und purer Spielfreude ausmachen. Insofern lohnt es sich hier fast immer, in den einen oder anderen praktischen Helfer zu investieren.

Was sind eure praktischen Helfer im alltäglichen Umgang mit Effektpedalen, die wir übersehen haben? Schreibt es uns in die Kommentare!

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Für wen eignet sich die Hanika 50 AF

Diese Gitarre richtet sich besonders an Gitarristen, die ihre Einsteigergitarre hinter sich lassen möchten und es wirklich ernst meinen. Zwar geht sie in puncto Preisgestaltung deutlich über die simplen Anfängerinstrumente hinaus, reicht aber bei Weitem noch nicht an die Profigitarren der Meisterklasse heran. Dabei setzt Hanika auf einen vollmassiven Korpus, der klanglich besonders durch seine Durchsetzungsstärke hervorsticht.

Erster Eindruck und Verarbeitung

Bereits auf den ersten Blick zeigt sich der hochwertige Charakter der Hanika 50 AF. Ihr offenporiges Matt-Finish erzeugt eine subtile Eleganz und ermöglicht den Hölzern darüber hinaus ein freies Schwingungsverhalten. Auffällig ist auch der goldbraun gebeizte Ahornkorpus, der dem Instrument eine eigenständige Optik verleiht.

Dass hier ausschließlich erfahrene Gitarrenbauer am Werk waren, zeigen auch die präzise gesetzten Bünde, saubere Übergänge und sorgfältig verarbeitete Kanten. Die vergoldeten Rubner-Mechaniken stellen ebenfalls den Qualitätsanspruch unter Beweis. Beim Stimmen zeigten sie sich wunderbar leichtgängig und zugleich stimmstabil während des Spiels. Unterdessen sorgen der Knochensattel sowie die Stegeinlage aus Knochen für eine optimale Schwingungsübertragung und eine saubere Intonation.

Konstruktion und Bespielbarkeit

Durch eine Mensur von 650 Millimetern sowie einen Sattel von 52 Millimetern orientiert sich die Gitarre an den traditionellen Maßen einer 4/4-Konzertgitarre. So bietet sie ausreichend Platz für klassische Spielliteratur und komplexe Fingersätze.

Der Hals ist dabei stabil aus Thermoahorn und Grenadill konstruiert und in einem flachen D-Profil gehalten, das ein besonders ergonomisches Spielgefühl garantiert, allerdings eine geringere Auflagefläche für den Daumen aufweist. Für das Griffbrett verwendet der Hersteller hier Palisander, das sich auf zahlreichen High-End-Gitarren auf dem Markt findet und ein besonders glattes Spielgefühl liefert. Die Finger gleiten damit müheloser über das Griffbrett und erlauben flüssige Griffwechsel und schnelle Läufe.

Das Premium-Feature der Hanika 50 AF ist zweifellos ihr vollmassiver Korpus, bestehend aus einer Fichtendecke und Boden und Zargen aus Ahorn. Die massiven Tonhölzer sind eine Basis für einen bühnenreifen Sound und optimal für jene, die ihrem Spiel mehr Professionalität geben möchten. Für eine schnelle Ansprache ist die Decke zudem mit einer asymmetrischen fünffachen Beleistung ausgestattet, die ihre Schwingungsfreude optimiert und eine verbesserte Balance zwischen Bässen und Diskant herstellt.

Klang der Hanika 50 AF: Klarheit und Präzision

Mit ihrer massiven Fichtendecke und Boden und Zargen aus massivem Ahorn unterscheidet sich die Hanika 50 AF bewusst von traditionell abgestimmten Konzertgitarren. Durch diese Tonholzkombination erzeugt sie ein weniger warmes Klangbild, sondern sticht durch einen brillanten Klang mit einem ausgeprägten Obertonspektrum hervor. Einzelne Töne lassen sich hervorragend voneinander trennen, was insbesondere komplexen Arrangements zugute kommt. Auch zur Gesangsbegleitung sind die hohen Töne von ungemeinem Vorteil. Sie harmonieren wunderbar mit der Stimme und stellen diese gekonnt in den Vordergrund.

Positiv fällt auch die direkte Ansprache des Modells auf. Bereits leichte Anschläge entfalten sich schnell, wodurch der Klang an Lebendigkeit gewinnt. Dynamische Unterschiede lassen sich dabei gut herausarbeiten, was gerade Fortgeschrittenen, die ihrem Spiel mehr Tiefe verleihen möchten, entgegenkommt.

Kritikpunkte

Auch wenn die Hanika 50 AF als Gitarre der Mittelklasse überzeugt, sollte man einige Aspekte vor ihrem Kauf berücksichtigen. So ist der klare Klangcharakter im Bereich der klassischen Gitarre nicht jedermanns Sache. Wer den warmen Ton berühmter spanischer Konzertgitarren bevorzugt, könnte sich auf Dauer daran stören.

Kritikwürdig sind dabei außerdem die weniger markanten Bässe. Da Fichte und Ahorn beide einen höhenbetonten Klang hervorbringen, vernachlässigt dies natürlich die tiefen Töne. Im Gegensatz zu den Höhen kamen sie beim Anspielen vergleichsweise dumpf daher. Ausgleichen lässt sich dies mit einem Plektrum, wer jedoch lieber mit den Fingern spielt, muss hier klangliche Einbußen in Kauf nehmen.

Außerdem führt die transparente Klangabstimmung dazu, dass Ungenauigkeiten beim Spiel weniger kaschiert werden. Dennoch profitieren Spieler, die ihre Fähigkeiten auf das nächste Level heben möchten, von ungeschöntem Feedback – so weh es manchmal tut.

Preis-Leistungs-Verhältnis

Eine vollmassive Konzertgitarre aus deutscher Fertigung mit hochwertigen Komponenten findet man nicht in jeder Preisklasse, weshalb sich ihr Preis von circa 900 Euro im absolut vertretbaren Bereich befindet. Vor diesem Hintergrund positioniert sich die Hanika 50 AF im typischen Mittelklassebereich. Sie wird dich mit absoluter Sicherheit über viele Jahre begleiten und besitzt das Potenzial, viel Spielfreude zu schenken.

Fazit

Dank ihrer sauberen Verarbeitung, einem tollen Klangcharakter und hohem Spielkomfort ist die Hanika 50 AF definitiv eine ausgezeichnete Wahl für fortgeschrittene Gitarristen, die nach einem gehobeneren Modell suchen. Wünschst du dir eine langlebige Konzertgitarre mit professionellen Eigenschaften und setzt dabei auf einen modernen, differenzierten Klang, findest du in der Hanika 50 AF eine der interessantesten Optionen ihrer Preisklasse.

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Bereit für Shred-Action in San-Dimas-Manier? Mit der neuen Neo-Classic-Serie bringt Charvel nämlich echte Klassiker der 1980er-Jahre zurück. Erhältlich sind nicht nur zahlreiche Farbvarianten, sondern sowohl Modelle mit Floyd-Rose-Tremolo als auch Ausführungen mit Hardtail-Bridge, wodurch für jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte. Die neuen Modelle zeichnen sich durch ihren schrillen Power-Strat-Look aus und kommen mit einer ganzen Reihe an Features, die voll und ganz auf Performance ausgelegt sind.

Für wen die neuen San Dimas-Modelle interessant sein dürften und welche Spezifikationen sie mitbringen, erfahrt ihr im Folgenden.

Features: Hier steckt echte Shred-Power drinnen!

• Erle-Korpus
• Einteiliger Quartersawn-Ahorn-Hals mit Graphitverstärkung
• Griffbrett aus Quartersawn-Ahorn mit Speed Neck-Halsprofil
• 12″-16″ Compound Radius Griffbrett mit 22 Jumbo-Edelstahlbünde
• Luminlay Side Dots
• Seymour Duncan ’59 Humbucker in Halsposition & Seymour Duncan JB TB-4 Trembucker in Stegposition
• 500K EVH Bourns Low Friction Volume-Poti & 5-Wege-Schalter
• Floyd Rose 1000 Double-Locking-Tremolo (Top-Mount) oder Charvel Hardtail Bridge
• Made in USA
• Inklusive Charvel Multi-Fit Hardshell-Case

Die Basis aller Modelle bildet ein Erle-Korpus in Kombination mit einem einteiligen Quartersawn-Ahornhals samt Graphitverstärkung. Das typische Charvel-Speed-Neck-Profil, ein 12″-16″-Compound-Radius-Griffbrett aus Ahorn sowie 22 Jumbo-Edelstahlbünde sollen optimale Voraussetzungen für schnelle Soli, ausgedehnte Bendings und komfortables Rhythmusspiel schaffen. Zusätzliche Features wie Luminlay Side Dots und abgerundete Griffbrettkanten unterstreichen den High-End-Ansatz der neuen Instrumente.

Floyd Rose oder Hardtail?

Bei der Hardware haben Käufer die Wahl zwischen zwei Varianten: Die FR-Modelle verfügen über ein Floyd Rose 1000 Double-Locking-Tremolo, während die Hardtail-Versionen mit einer festen Charvel Hardtail Bridge ausgestattet sind und dadurch besonders direktes Ansprechverhalten sowie sattes Sustain versprechen.

Seymour Duncan Humbucker

Für den passenden Sound setzt Charvel auf eine bewährte Seymour-Duncan-Bestückung mit einem ’59 Humbucker in Halsposition und einem JB TB-4 Trembucker am Steg, wodurch hier zwei echte Pickup-Workhorses für ordentliche Durchsetzungskraft sorgen. Die Bedienung erfolgt bewusst reduziert über ein einzelnes 500K EVH Bourns Low Friction Volume-Poti sowie über den 5-Wege-Schalter. Durch den Verzicht auf einen zusätzlichen Tone-Regler bleibt der Signalweg zudem bewusst schlank gehalten, wodurch das volle Höhenpotenzial der Pickups erhalten bleibt.

Alle Varianten im Überblick

Die neuen San Dimas-Modelle werden inklusive Charvel Multi-Fit Hardshell Case ausgeliefert und stehen in mehreren klassischen Finishes zur Verfügung. Während die Floyd-Rose-Varianten unter anderem in Robin’s Egg Blue, Ivory Blitz, Gloss Black und Ferrari Red erhältlich sind, bieten die Hardtail-Modelle zusätzlich die Farbe Velvet Midnight als exklusive Option. Die neuen Modelle sind dadurch vor allem für all diejenigen interessant, die den Charme der 80er-Jahre mit moderner Bespielbarkeit und hochwertiger US-Fertigung suchen.

Floyd Rose-Modelle:

Hardtail-Modelle:

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Die Wahl der Gitarrensaiten ist immer eine Geschmackssache, weshalb beide Varianten ihre treuen Anhänger haben. In diesem Artikel zeigen wir dir die spezifischen Unterschiede zwischen beiden Saitentypen auf und beleuchten Klang, Spielgefühl, Haltbarkeit und Preis. Dies soll dir einen Überblick verschaffen und dir die Entscheidung erleichtern, damit du die passende Wahl für deinen Spielstil treffen kannst.

Was sind beschichtete Gitarrensaiten?

Beschichtete Gitarrensaiten sind mit einer hauchdünnen Schutzschicht aus Polymeren oder ähnlichen Materialien ausgestattet. Diese Beschichtung bildet einen Schutzfilm, der die Saite vor Schweiß, Schmutz, Hautfetten und Feuchtigkeit schützt und somit ihre Abnutzung verlangsamt.

Um den Einfluss auf Klang und Spielgefühl zu reduzieren, entwickeln renommierte Saitenhersteller wie D’Addario, Elixir, Ernie Ball oder Martin ausgefeilte Beschichtungstechnologien. Dabei erfreut sich zum Beispiel die XS-Serie von D’Addario aufgrund ihrer langen Haltbarkeit sowie eines angenehmen Spielgefühls einer großen Beliebtheit.

Was sind unbeschichtete Gitarrensaiten?

Unbeschichtete Saiten bestehen ausschließlich aus den verwendeten Metalllegierungen wie Nickel, Stahl, Bronze oder Phosphor Bronze. Sie verfügen über keine zusätzliche Schutzschicht und gelten daher als die traditionelle Variante. Viele Gitarristen bevorzugen unbeschichtete Saiten aufgrund ihres direkten Klangs und natürlichen Spielgefühls.

Unbeschichtete und beschichtete Gitarrensaiten im Klangvergleich

Unbeschichtete Saiten werden am häufigsten wegen ihres Klangs bevorzugt. Ohne die dämpfende Beschichtung zeichnet sich ihr Klangverhalten durch eine sehr direkte Ansprache und einen offenen Ton aus. Gerade im Studio macht sich dies ausgesprochen gut, denn ein natürlicher Klang hört sich auf Aufnahmen einfach besser an. Allerdings muss erwähnt werden, dass der authentische Sound unbeschichteter Saiten bereits nach kurzer Zeit verfliegt. Äußere Einflüsse wirken stark auf die Saiten ein, was sie weniger lang haltbar macht.

Zwar wurden frühere Generationen beschichteter Saiten wegen ihres gedämpften Klangs kritischer betrachtet, aber natürlich steht die Zeit nicht still. Moderne Beschichtungen haben enorme Fortschritte gemacht und nähern sich dem natürlichen Ton unbeschichteter Saiten kontinuierlich an. Die klaren Vorteile einer Beschichtung sind ein konstanter Klang über einen längeren Zeitraum und eine damit einhergehende gleichbleibende Performance. Zwar ist die Brillanz gegenüber frischen unbeschichteten Saiten etwas geringer, dafür sind beschichtete Saiten deutlich langlebiger.

Haltbarkeit: der größte Unterschied

Hier liegen beschichtete Gitarrensaiten ganz klar vorne. Durch ihre Schutzschicht gelangen Schweiß, Hautpartikel und Feuchtigkeit schwerer an das Metall, woraus sich eine deutlich längere Lebensdauer ergibt. Somit müssen die Saiten auch nicht so häufig gewechselt werden, weshalb du durchaus ein paar Wochen länger Freude an ihnen haben wirst.

Unbeschichtete Saiten sind hingegen zwar ein günstiger Ersatz, oxidieren allerdings weitaus schneller und müssen häufiger gewechselt werden. Gerade Gitarristen mit eher schwitzigen Händen werden dies schnell zu spüren bekommen und bereits nach wenigen Tagen Veränderungen im Klang und Spielgefühl feststellen.

Preisvergleich

Da unbeschichtete Saiten keine zusätzliche Schutzschicht besitzen, sind sie entsprechend günstiger in der Anschaffung. Hier kannst du mit einer Preisspanne von 5 bis 15 Euro und einer großen Auswahl je nach Preisklasse rechnen.

Im Gegensatz dazu sind beschichtete Gitarrensaiten zwar teurer, aber auch langlebiger. Das rechnet sich definitiv, denn wenn ein Satz drei- bis viermal länger hält, gleicht dies den höheren Kaufpreis hervorragend aus.

Für wen eignen sich beschichtete Gitarrensaiten?

Besonders Vielspieler tendieren zu beschichteten Saiten, da sie sich einen andauernden Saitenwechsel mit ihnen getrost sparen können. Auch Live-Musiker oder jene, die viel touren, profitieren definitiv von einer Beschichtung, da sie ihre Instrumente raueren Bedingungen aussetzen. Hast du häufig schwitzige Hände, könnten beschichtete Gitarrensaiten ebenfalls genau das Richtige für dich sein, da Schweiß eben schneller zu Korrosion führt. Last but not least sind beschichtete Gitarrensaiten auch etwas für Faulpelze (keine Wertung), die schlichtweg keine Lust haben, ihre Saiten ständig zu wechseln.

Für wen eignen sich unbeschichtete Gitarrensaiten?

Unbeschichtete Saiten richten sich an Puristen, die einen möglichst natürlichen Ton bevorzugen, sowie Studiomusiker, die einen maximal frischen Klang auf ihren Aufnahmen hören möchten. Um dem schnellen Verschleiß der Saiten entgegenzuwirken, solltest du sie nach jeder Session mit einem trockenen Mikrofasertuch abwischen, ab und an einen speziellen Saitenreiniger verwenden, dir vor dem Spielen die Hände waschen und die Gitarre nicht in feuchten Räumen lagern (das ist ohnehin nicht gut für das Instrument). Außerdem verwendest du zur Aufbewahrung am besten einen Koffer oder ein Gigbag, die deine Gitarre zusätzlich vor äußeren Einflüssen schützen.

Fazit: beschichtet oder unbeschichtet?

Wie du siehst, kann man diese Frage nicht pauschal beantworten. Sowohl beschichtete als auch unbeschichtete Saiten haben ihre Vor- und Nachteile. Während beschichtete Gitarrensaiten mit einer längeren Haltbarkeit und einem konstanten Klangerlebnis punkten, überzeugen unbeschichtete durch ihr direktes Spielgefühl und einen brillanten Sound.

Letztlich entscheidet also das persönliche Spielgefühl, weshalb du beide Varianten ausprobieren solltest, um deine Entscheidung zu treffen. Dafür musst du dich auch nicht in Unkosten stürzen.

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Was hat eine 27,7″-Baritone-Gitarre mit Ed Sheeran zu tun? Auf den ersten Blick vermutlich nicht besonders viel. Dennoch haben PRS und der britische Singer-Songwriter im Januar eine der wohl interessantesten Signature-Gitarren des Jahres 2026 vorgestellt. Die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash Limited Edition hebt sich dabei nicht nur durch ihr auffälliges Design von herkömmlichen PRS-Hollowbody-Modellen ab, sondern vor allem durch ihre enorme Mensur von 27,7 Zoll. In Kombination mit dem integrierten Piezo-Tonabnehmersystem ergibt sich ein wirklich spannendes Signature-Modell.

Nun, wenn man an Ed Sheeran denkt, kommen den meisten Menschen vermutlich zunächst ausverkaufte Stadiontourneen, Loopstations und Hits wie Shape of You, Perfect oder Thinking Out Loud in den Sinn und keine Baritone-E-Gitarren.

Weniger bekannt ist hingegen, dass Sheeran in seiner Jugend großer Fan von Metal-Bands wie Slipknot oder Cradle of Filth war. Seine Begeisterung für härtere Musikrichtungen zeigte sich auch später wieder: So veröffentlichte er 2021 mit Bad Habits eine Neuinterpretation des Songs gemeinsam mit der britischen Metalcore-Band Bring Me The Horizon.

Diese Vorliebe spiegelt sich auch in seiner limitierten Signature-Gitarre wider, während gleichzeitig seine Affinität für kreative Akustik-Kompositionen gleichermaßen in diesem Baritone-Brett steckt. Denn anstelle einer klassischen Akustikgitarre oder einer kompakten Singer-Songwriter-E-Gitarre setzt die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash Limited Edition auf eine Baritone-Konstruktion mit 27,7″-Mensur, Piezo-System und Hollowbody-Bauweise.

Damit präsentiert sich die Cosmic Splash als außergewöhnliche Mischung aus E-Gitarre, Akustikgitarre und Baritone-Instrument, die auf dem Papier definitiv einiges zu bieten hat. Deshalb schauen wir uns im Folgenden genauer an, wie sich das Instrument in der Praxis schlägt und wie gut Spielgefühl, Ausstattung und Klang tatsächlich überzeugen können.

Ausstattung und Features

Die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash basiert konstruktiv auf der SE Hollowbody I Piezo Baritone und wird weltweit auf lediglich 1.000 Exemplare limitiert angeboten. Optisch hebt sich das Instrument deutlich von anderen PRS-Modellen ab. Das auffällige „Cosmic Splash“-Finish basiert auf Ed Sheerans „Cosmic Carpark“-Artwork und verleiht der Gitarre einen eigenständigen Charakter, der sich dank des Satin-Finish klar von traditionellen PRS-typischen Riegelahorn-Burst- oder Uni-Lackierungen in Highgloss absetzt.

Der Hollowbody-Korpus kombiniert einen Mahagoni-Boden mit einer Ahorn-Decke, während ein Ahornhals und ein Palisandergriffbrett mit speziell gestalteten Media-Button-Inlays zum Einsatz kommen. Die Inlays zeigen Symbole wie Play, Pause, Rewind oder Fast-Forward und greifen damit die Verbindung zwischen Musik und Kunst auf. Selbst das Trussrod-Cover trägt ein passendes Play-Symbol.

Das Herzstück der Gitarre bildet jedoch ihre äußerst vielseitige Elektronik: Neben zwei PRS 85/15 „S“ Humbuckern verfügt die Cosmic Splash über ein integriertes PRS/LR Baggs Piezo-System in der PRS Adjustable Stoptail Piezo Bridge.

Besonders interessant sind dabei die beiden Klinkenbuchsen: Neben dem regulären Mix/Piezo-Ausgang steht ein separater Magnetic-Ausgang zur Verfügung. Werden beide Buchsen gleichzeitig genutzt, lassen sich Humbucker- und Piezo-Signal unabhängig voneinander an verschiedene Verstärker, Effektketten oder Recording-Setups schicken. Dadurch sind kreative Stereo-Rigs, Dual-Amp-Setups oder parallele Akustik- und E-Gitarren-Sounds problemlos realisierbar.

Ab Werk ist die Signature-Gitarre mit einem PRS-Saitensatz mit Stärke .014–.068 ausgeliefert und auf das Standard H-Baritone-Tuning H–E–A–D–F#–H eingestellt.

Praxistest

Beim ersten Anspielen fällt auf, wie angenehm die Cosmic Splash in der Hand liegt. Die Hollowbody-Konstruktion sorgt für ein leichtes und ergonomisches Spielgefühl, während das Instrument allgemein sehr ausbalanciert ist und durch das Satin-Finish eine schöne Haptik besitzt. Sowohl im Sitzen als auch im Stehen wirkt die Gitarre durchweg ausgewogen und komfortabel.

Die 27,7″-Mensur verlangt selbstverständlich zunächst etwas Eingewöhnung, wenn man nicht primär an Baritone-Instrumente gewöhnt ist. Wer überwiegend auf klassischen 24,75″- oder 25,5″-Gitarren unterwegs ist, wird die zusätzliche Halslänge unmittelbar bemerken. Nach etwas Einspielzeit verschwindet dieses Gefühl jedoch in der Regel. Ich konnte mich zumindest nach kurzer Zeit in jeder Lage gut zurechtfinden.

Besonders positiv fiel mir auf, dass die lange Mensur trotz der dicken Werkssaiten nie unangenehm wirkt. Gerade im Baritone-Bereich habe ich bei Instrumenten mit langen Mensuren bereits häufiger erlebt, dass die Diskantsaiten etwas schwammig, schwer kontrollierbar oder gar labbrig wirken können. Bei der Cosmic Splash trat dieses Problem überhaupt nicht auf. Selbst in höheren Lagen und bei stärkeren Bendings blieb das Spielgefühl angenehm kontrollierbar.

Auch der PRS-typische Griffbrettradius von 10 Zoll funktioniert für mich in dieser Baritone-Konfiguration hervorragend. Das Instrument vermittelt insgesamt einen sehr ausgewogenen Eindruck und lädt dazu ein, deutlich mehr Zeit mit Experimentieren zu verbringen als ursprünglich geplant.

Tonabnehmer

PRS/LR Baggs Piezo-Tonabnehmer und 85/15 “S” Humbucker

Klanglich bietet die Cosmic Splash ein wirklich umfangreiches Klangkonzept, das zwischen anmutigen Piezo-Sounds und magnetischen Pickups jogliert. Die verbauten PRS 85/15 „S“ Humbucker decken mühelos ein breites Spektrum von Clean-Sounds bis hin zu modernen High-Gain-Anwendungen ab. Natürlich ist die Gitarre aufgrund ihrer langen Mensur, der dicken Saiten ab Werk sowie der Baritone-Konstruktion kein Allround-Instrument für jedes Genre. Genau darin liegt jedoch ein großer Teil ihres Reizes.

Die werksseitigen .014–.068-Saiten waren für mich zunächst die größte Umstellung. Als Gitarrist, der überwiegend mit Plektrum spielt und normalerweise auf 10–52er-, 10–54er- oder 10–56er-Sätzen unterwegs ist, fühlen sich diese Saiten zunächst äußerst massiv an. Gleichzeitig erzeugen sie aber einen beeindruckend vollen Grundklang, insbesondere bei offenen Akkorden und breiten Voicings, ganz in Westerngitarren-Manier.

In Kombination mit der resonanten Hollowbody-Konstruktion entsteht ein authentisches Akustik-Gefühl. Das Instrument reagiert dabei sehr dynamisch auf Anschlagstärke und Spielweise: Fingerpicking oder einzelne Melodielinien profitieren von einem wunderbaren Attack und einer angenehmen Wärme.

Interessanterweise fiel mir jedoch auf, dass sich Piezo- und Humbucker-Signal nicht immer so stark voneinander unterscheiden, wie man es vielleicht erwarten würde, was primär am Verstärkersetup liegt. Über hochwertige Clean-Amps wie einen Vox AC30, Fender Princeton oder auch die Clean-Kanäle eines Marshall JVM lassen sich durchaus deutliche Unterschiede und sehr schöne Akustik-ähnliche Sounds herausarbeiten. Über kleinere Übungsverstärker hingegen wirken die Sound-Unterschiede beider Tonabnehmer-Systeme deutlich geringer. Wer also einen möglichst authentischen Akustikklang erwartet, sollte darauf achten, den Piezo-Sound über einen passenden Clean- oder Akustikgitarrenverstärker wiederzugeben, der gegebenenfalls auch tiefgreienderer Anpassungen am Sound gewährt, um Höhen und Attack-Verhalten spontan anpassen zu können.

Unabhängige Signalwege für Experimente und kreative Ausflüsse

Genau dafür eröffnet die getrennte Signalführung spannende Möglichkeiten. Die Option, Piezo- und Humbucker-Signal auf zwei unabhängige Signalwege zu verteilen, lädt regelrecht zum stundenlangen Experimentieren mit verschiedenen Verstärkern, Effektgeräten oder völlig abgedrehten Stereo-Signalketten ein. Während die magnetischen Tonabnehmer beispielsweise durch einen herkömmlichen E-Gitarren-Amp laufen können, lässt sich das Piezo-Signal parallel über einen Akustik-Amp, einen zweiten E-Gitarrenverstärker oder über einen Modeler direkt in Interface schicken. Gerade für Recording-Anwendungen und kreative Sounddesign-Ideen entstehen dadurch zahlreiche Möglichkeiten.

Am meisten überrascht hat mich jedoch die kreative Wirkung der Gitarre selbst. Ursprünglich wollte ich die Cosmic Splash vor allem mit High-Gain-Amps und tiefen Tunings testen. Schließlich schreien die lange Mensur, die dicken Saiten und das Baritone-Tuning förmlich nach Downtunings und schweren Riffs.

Gleichzeitig entwickelte sich der Piezo-Sound für mich jedoch schnell zum eigentlichen Highlight des Instruments. Die Kombination aus Baritone-Tuning, Hollowbody-Konstruktion und Akustik-artigen Klangfarben eröffnet Klangwelten, die ich in dieser Form nicht erwartet hätte. Die Gitarre lädt förmlich dazu ein, neue Akkordvoicings auszuprobieren, Bass-Lines und Akkorde zu loopen oder mit alternativen Signalwegen zu experimentieren.

Der beste Freund für Looper-Fans!

Stichwort Looper: Gerade in Kombination mit einem umfangreicheren Looper-Pedal lassen sich mit der Cosmic Splash im Handumdrehen komplette Arrangements aufbauen. In meinem Test habe ich beispielsweise zunächst eine einfache Basslinie über vier Takte eingespielt, darauf Akkorde gelegt und anschließend verschiedene Melodien improvisiert.

Natürlich lässt sich ein solches Vorgehen grundsätzlich auch mit einer herkömmlichen Akustik- oder E-Gitarre umsetzen. Die Baritone-Konstruktion verleiht den einzelnen Spuren jedoch deutlich mehr Fundament und Tiefe. Insbesondere Bassbegleitungen oder tiefere Akkordvoicings profitieren spürbar von der langen Mensur und der tiefen Stimmung, was hier im Vergleich zu herkömmlichen Mensuren den großen Unterschied macht.

Werden die Basstöne über den Piezo-Tonabnehmer geloopt, während Akkorde und Leads über die magnetischen Pickups eingespielt werden, eröffnet die Cosmic Splash mit nur einem Instrument eine beeindruckende klangliche Bandbreite. Genau darin liegt letztlich ihre größte Stärke: Die Cosmic Splash ist keine typische Signature-Gitarre, die lediglich den Namen eines bekannten Künstlers trägt. Stattdessen verfolgt PRS hier ein spannendes Konzept, das man in dieser Form nur selten findet. Während viele Baritone-E-Gitarren klar auf moderne Metal-Anwendungen ausgerichtet sind, verbindet dieses Modell tiefe Tunings, Piezo-Sounds, Hollowbody-Resonanz sowie klassische magnetische Tonabnehmer-Klänge zu einem umfangreichen Gesamtpaket.

Wir springen kopfüber in härtere Gefilde

Gleichzeitig wollte ich wissen, wie souverän sich die Cosmic Splash in härteren Gefilden behauptet. Dafür habe ich sie unter anderem über einen Mesa/Boogie Mark VII Combo, den vierten Kanal eines Marshall JVM Topteils sowie einen EVH 5150 getestet.

Gerade hier zeigt sich, dass die Baritone-Konstruktion auch für Modern Metal, Metalcore und verwandte Subgenres hervorragend funktioniert. Tiefe Riffs und Drop-Tunings lassen sich sehr tight umsetzen, während die lange Mensur für die nötige Straffheit und Definition im Bassbereich sorgt.

Ich war außerdem so frei, die werksseitige Baritone-Stimmung in Standard H (H–E–A–D–F#–H) auf Drop A abzusenken, indem ich die tiefe H-Saite um einen Ganzton herunterstimmte, und habe die Gitarre anschließend ausgiebig in verschiedenen Riff- und Lead-Kontexten getestet. Darüber hinaus ging es noch deutlich tiefer: Selbst bei einer weiteren tonalen Absenkung um zwei Ganztöne überzeugte die Cosmic Splash mit straffer Definition. Hier spielt die lange Mensur ihre Stärken voll aus, denn selbst in diesen tiefen Registern blieben einzelne Noten klar nachvollziehbar und wirkten nie schwammig oder undefiniert.

Preis und Verfügbarkeit

Ein weiterer Diskussionspunkt ist sicherlich der Preis. Mit einer UVP von 1.919 Euro bewegt sich die PRS SE Ed Sheeran Cosmic Splash bereits in einem Bereich, in dem viele Gitarristinnen und Gitarristen eher zu einer höherwertigen PRS-Core-Gitarre oder anderen Premium-Instrumenten schielen dürften. Für eine SE-Serie ist dieser Preis zunächst ungewohnt hoch, da sich viele Modelle der Baureihe üblicherweise um die 1.000-Euro-Marke bewegen. Gleichzeitig handelt es sich hier jedoch keineswegs um eine gewöhnliche SE-Gitarre.

Die Kombination aus Hollowbody-Konstruktion, Baritone-Mensur, integriertem Piezo-System, separaten Signalwegen, limitierter Stückzahl und dem aufwendigen Signature-Design macht die Cosmic Splash zu einem ausgesprochen eigenständigen Instrument. Wer gezielt nach einer vielseitigen Baritone-Gitarre sucht und sich von dem ungewöhnlichen Konzept angesprochen fühlt, erhält daher ein spannendes Gesamtpaket, das weit mehr bietet als eine klassische Signature-Gitarre mit rein kosmetischen Anpassungen.

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Wenn ich an ein Musikgenre denke, das gute Laune, Energie und Spaß vereint, dann fällt mir als Erstes Ska-Punk ein. Wie der Name es bereits preisgibt, entstand die Stilrichtung aus der Verschmelzung von Ska und Punkrock und entwickelte sich insbesondere während der sogenannten Third-Wave-Ska-Bewegung in den 1980er- und 1990er-Jahren zu einem eigenständigen Genre. Typische Merkmale sind in der Regel schnelle Punkrock-Rhythmen, verzerrte Gitarren, eingängige Melodien sowie die für Ska charakteristischen cleanen Offbeat-Gitarren und die obligatorischen Bläsersätze.

Während einige Bands den Punkrock-Anteil stärker betonen und auf hohe Geschwindigkeiten, aggressive Gitarren und rauen Gesang setzen, orientieren sich andere stärker am klassischen Ska und kombinieren verzerrte Gitarren mit saubere Clean-Offbeat-Chords, Saxophon, Trompete oder Posaune miteinander. Genau diese Mischung machte Ska-Punk in den 1990er-Jahren besonders erfolgreich. Bands wie Operation Ivy, Rancid, Reel Big Fish, The Mighty Mighty Bosstones oder Less Than Jake prägten damit eine Generation von Musikerinnen und Musikern und etablierten das Genre weit über die Grenzen der Punk-Szene hinaus.

Gerade auf Festivals gehören Ska-Punk-Bands seit vielen Jahren zum festen Bestandteil vieler Line-ups und sorgen regelmäßig für einen willkommenen Kontrast zwischen harten Metal-Acts und großen Pop- oder Rock-Bands. Mir persönlich haben Ska-Punk-Bands selbst an langen und anstrengenden Festivaltagen immer wieder ein Lächeln ins Gesicht gezaubert. Entsprechend war es in meiner Jugend nur eine Frage der Zeit, bis ich mich intensiver mit einigen Vertretern des Genres beschäftigte.

In diesem Sound-Decoded-Beitrag werfen wir deshalb einen Blick auf eine Band, die mich bereits seit vielen Jahren begleitet und von der ich bis heute nicht müde geworden bin: Less Than Jake.

Der Sound von Less Than Jake: Von Gainesville in die Ska-Punk-Oberliga

Less Than Jake wurden 1992 im amerikanischen Gainesville, Florida, gegründet und zählen bis heute zu den wichtigsten Vertretern des modernen Ska-Punk. Der ungewöhnliche Bandname geht auf die Bulldogge von Schlagzeuger Vinnie Fiorellos Eltern zurück. Der Hund namens Jake genoss innerhalb der Familie einen derart hohen Stellenwert, dass alles andere gewissermaßen „less than Jake“ war.

Bereits mit ihrem Debütalbum Pezcore machte die Band auf sich aufmerksam, ehe Alben wie Losing Streak und Hello Rockview den Status als feste Größe der Szene zementierten.

Songs wie All My Best Friends Are Metalheads oder History of a Boring Town verbinden eingängige Punkrock-Melodien mit den typischen Bläserarrangements des Ska und gelten bis heute als Genre-Klassiker. Auch mehr als drei Jahrzehnte nach ihrer Gründung gehören Less Than Jake zu den aktivsten und beliebtesten Bands der Ska-Punk-Szene.

Chris DeMakes: Punkrock-Riffs zwischen Les Paul und Telecaster

Der Gitarrensound von Chris DeMakes bildet seit den frühen 1990er-Jahren das Fundament vieler Less-Than-Jake-Songs. Anders als man es von vielen Punk- oder Metal-Gitarristen erwarten würde, setzt DeMakes nicht auf besonders exotisches oder gemoddetes Equipment.

E-Gitarren

Zu seinen bevorzugten Stage-Gitarren gehören verschiedene Epiphone Les Paul-Modelle sowie Fender Telecaster-Gitarren. Die Kombination aus humbuckerbestückten Les Pauls und den bissigeren Telecaster-Sounds passt hervorragend zum musikalischen Konzept der Band und funktioniert je nach Song und Gewichtung von Ska und Punkrock wunderbar im Kontext.

Während die Les Pauls für satte Rhythmusgitarren und fette Refrains sorgen, liefern die Telecaster-Modelle die nötige Definition für Offbeat-Passagen und cleane Ska-Rhythmen.

Verstärker

Bei Verstärkern setzt Chris mittlerweile auf moderne Modeling-Lösungen wie einen Kemper Profiler. Neben Modeling kamen unter anderem Blackstar Series One 200 Tops in Verbindung mit passenden 4×12″-Boxen zum Einsatz. Diese Kombination ermöglicht sowohl klassische Punkrock-Zerre als auch die klaren Clean- und Crunch-Sounds, die für den Ska-Anteil vieler Less-Than-Jake-Songs unverzichtbar sind.

Chris setzt also weniger auf besondere Geheimtipps oder legendäre Amps, sondern vielmehr auf sein expressives Spiel und eine unverkennbare Energie, die nahezu jeden Ton der Band sofort wiedererkennbar macht.

Interessant ist außerdem sein Signature-Pedal von Oneder Effects. Das speziell auf seinen Sound abgestimmte Effektgerät gilt als eines der ersten Pedale, das gezielt für Ska-Punk-Gitarristen entwickelt wurde. Ein Kanal erzeugt komprimierte und angehobene Clean-Sounds für Offbeat-Rhythmen, während der zweite Kanal einen satten High-Gain-Sound für die typischen Punkrock-Refrains liefert.

Auch wenn DeMakes das Pedal nicht als festen Bestandteil seines Live-Rigs nutzt, verdeutlicht ein Blick auf das Regler-Layout des Pedals, welche beiden Klangwelten den Gitarrensound von Less Than Jake prägen.

Nahtloser Wechsel zwischen Ska und Punk: Tight sein ist alles!

Viel wichtiger als die konkrete Wahl des Verstärkers oder der Gain-Einstellungen ist dabei die Fähigkeit, blitzschnell zwischen den cleanen Offbeat-Passagen der Strophen und den satten Punkrock-Refrains umzuschalten. Gerade dieser nahtlose Übergang zwischen Ska und Punk prägt den Less-Than-Jake-Sound seit jeher und stellt deutlich höhere Anforderungen an Timing und Dynamik als die Wahl eines bestimmten Verstärkermodells.

Der notwendige Wechsel zwischen Clean- und Zerrsounds lässt sich dabei auf unterschiedlichste Weise realisieren. Neben mehrkanaligen Verstärkern oder Modeling-Systemen kommen hierfür ebenso häufig Overdrive- und Distortion-Pedale infrage. Betrachtet man jedoch den rauen und aggressiven Charakter vieler Less-Than-Jake-Songs, dürfte ein Distortion-Sound dem typischen Bandsound oftmals näherkommen als ein klassischer Low-Gain-Overdrive.

Roger Lima: Mehr als nur Bassfundament

Neben Chris‘ Gitarrenspiel, dem deftigen Wechsel zwischen Skate-Punk- und Off-Beats sowie den ikonischen Bläsersätzen spielt auch der E-Bass eine zentrale Rolle im generellen Less Than Jake-Arrangement.

Roger Lima übernimmt dabei nicht nur den Tieftonbereich am E-Bass, sondern ist gemeinsam mit Chris einer der Hauptsänger der Band. Sein Basssound muss daher sowohl durchsetzungsfähig als auch klar definiert sein, um sich im dichten Arrangement aus Gitarren, Bläsern und Gesang behaupten zu können.

Gleichzeitig spart er jedoch nicht an komplexeren Riffs oder einprägsamen Bass-Lines, die ab dem ersten Ton direkt ins Ohr gehen. Ein Paradebeispiel dafür ist definitiv der Song Look What Happened vom Album Borders & Boundaries (2000).

E-Bass

Seit vielen Jahren setzt Roger auf Ernie Ball Music Man Sterling Bässe. Die Instrumente liefern einen durchsetzungsfähigen Ton mit knackigem Attack und eignen sich hervorragend für schnelle Basslinien im Ska-Punk. Als Saiten kommen dabei Ernie Ball Super Slinky Bass Strings im Satz .045–.100 zum Einsatz.

Mindestens ebenso interessant ist seine Verstärkerhistorie. Auf frühen Aufnahmen vertraute er auf einen Gallien-Krueger 400RB in Verbindung mit einer Carvin 2×15″-Box. Dieses Setup war unter anderem auf den ersten Studioaufnahmen bis zur Hello-Rockview-Ära zu hören und prägte den charakteristischen Less-Than-Jake-Basssound der 1990er-Jahre.

Heute bildet ein Eden World Tour WT800 den Kern seines Live-Rigs. Für Studioaufnahmen experimentiert Roger jedoch regelmäßig mit verschiedenen Verstärkern und Klangquellen. So kombinierte er in einigen Produktionen sogar einen Marshall JCM2000 Gitarrenverstärker mit seinem Bass-Setup, um zusätzliche Obertöne und einen aggressiveren Charakter zu erzeugen.

Was Rogers Bassspiel besonders interessant macht: Es zeigt exemplarisch, wie sich anspruchsvolle Ska-Riffs mit schnellen Punkrock-Passagen kombinieren lassen. Immer wieder übernimmt der Bass prägnante Melodien, Intros oder Überleitungen und tritt dadurch deutlich stärker in den Vordergrund, als es in vielen Punkrock-Bands üblich ist.

Gerade im Zusammenspiel mit Chris DeMakes‘ Gitarrensound entstehen zahlreiche Momente, in denen der Bass weit mehr als nur das rhythmische Fundament liefert und entscheidend zum Wiedererkennungswert der Band beiträgt.

Der Sound von Less Than Jake: Gear-Minimalismus und ein Verständnis für Performance

Der Sound von Less Than Jake lebt letztlich von seiner Balance aus tightem Ska und schnellen Skate-Punk-Passagen. Punkrock-Gitarren treffen auf federnde Offbeat-Rhythmen, während ein durchsetzungsfähiger Bass das Fundament legt und die Bläser für den unverwechselbaren Gute-Laune-Ska-Charakter sorgen.

Weder Chris DeMakes noch Roger Lima setzen dabei auf besonders komplizierte oder übermäßig technische Setups. Stattdessen basiert der Bandsound auf bewährten Instrumenten, einfachen Verstärkerkonzepten und einem klaren Verständnis dafür, wie Ska und Punkrock zu einer energiegeladenen Einheit verschmelzen und diese Power auch live gekonnt transportieren.

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Titelbild: fkpscorpio

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Ab 1985 war Cliffs Waffe der Wahl an der Tieftonfront ein rabenschwarzer Aria Bass, der so manchem Kenner von einigen ikonischen Live-Auftritten der Band aus dieser Zeit bekannt sein dürfte. Sein erstes Aria-Modell, ein Aria SB-1000, wich später schließlich seinem berühmten Aria „SB Black n‘ Gold“ Bass, dessen prominentester Einsatz auf den Tapes der Master of Puppets zu hören ist.

Aria Pro II SB-CLB Cliff Burton Signature Bass – jetzt erhältlich

Anfang des Jahres stellte der japanische Hersteller Aria eine limitierte Sonderauflage des legendären Aria Bass vor, dessen Auslieferung nun endlich begonnen hat. Das Replica-Modell hört auf den Namen Aria Pro II SB-CLB Cliff Burton Signature und bietet alles, was das Vorbild so genial machte: Ein durchgehender Hals aus Ahorn und Walnuss, der mit Escheflügeln abgeschlossen ist, dazu ein dem Original nachempfundener MB-10E Pickup mit erstaunlich vielseitiger Elektrik-Ausstattung.

Interessanterweise spielte Cliff als Fingerpicker ungern die sonst im Metal üblichen High-Output-Pickups, hier ist also eine ganze Menge Spielraum für Dynamik drin. Gesteuert wird der Pickup über ein sehr spezielles Wiring, das mit klassischer Volume- und Tone-Regelung und einen aktiven B.B. Circuit aufwartet. Mithilfe des Attack Mode Selector Switch stehen hier sechs verschiedene Low-Pass-Filter von Mellow bis Bright bereit. Ein passendes Gigbag ist im Lieferumfang enthalten.

Der Aria Pro II SB-CLB Cliff Burton Signature ist ab sofort für ca. 1795,- € erhältlich. Wer Interesse am Cliff Burton Bass hat, hat lediglich bis zum Ende des Jahres 2026 Zeit, oder alternativ, bis der Vorrat dieser Limited Edition ausverkauft ist. Ob und wann es eine Neuauflage geben wird, steht allenfalls in den Sternen. Eingefleischte Metallica-Fans sollten also lieber zuschlagen!

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