Mammoth-Tourgitarre

„Letztlich ist meine Gitarre ein Werkzeug. Ich möchte, dass sie genau das macht, was ich von ihr brauche. Deshalb haben wir alles weggelassen, was ich nicht benötige. Diese Gitarre klingt riesig und macht unglaublich viel Spaß zu spielen“, wird der US-Amerikaner zitiert. Derzeit ist Jourdan mit Mammoth auf Tour. Zuvor spielte er unter anderem in Clint Lowrys Soloprojekt und ist außerdem Frontmann seiner eigenen Band To Whom It May.

Auf den ersten Blick wirkt dieses minimalistische Konzept tatsächlich wie eine Standard PRS, bei der man einige Teile entfernt hat. Jourdan zufolge hat dies jedoch direkten Einfluss auf den Klang und das Spielgefühl: „Irgendetwas passiert, wenn man die gesamte überflüssige Elektronik entfernt und den Hals-Tonabnehmer weglässt, sodass dessen Magnete nicht mehr an den Saiten ziehen – dadurch fühlt sich die Gitarre deutlich lebendiger an. Ich kann mir nicht vorstellen, dass jemand diese Gitarre in die Hand nimmt und keinen Spaß dabei hat.“

„Übung in Minimalismus“

Konstruktion, Materialien und Hardware entsprechen tatsächlich  in weiten Teilen dem, was man von den regulären Modellen des Herstellers kennt. Der Mahagonikorpus wird mit einem eingeleimten Mahagonihals kombiniert, das Ebenholzgriffbrett besitzt die typische 25-Zoll-Mensur und 22 Bünde. Hinzu kommen das Pattern-Regular-Halsprofil, die PRS Adjustable Stoptail-Brücke, Phase-III-Locking-Mechaniken sowie eine Nitrolackierung entweder in Platinum Metallic oder Gunmetal Metallic.

Die Unterschiede liegen nahezu ausschließlich in der bewusst reduzierten Ausstattung. Statt zweier Tonabnehmer arbeitet lediglich ein Humbucker an der Stegposition, geregelt über einen Lautstärkeregler, der im Vergleich zu den den 3-Knob-Gitarren an der Position des Tone-Reglers angesiedelt ist. Auf ein Tone-Poti verzichten PRS und Jourdan ebenso wie auf die Bird-Inlays. „Das Ganze ist fast schon eine Übung in Minimalismus“, sagt Jourdan. „Es gibt keinen Hals-Tonabnehmer, weil ich mich bei Mammoth vor allem auf die Backing Vocals und auf das Rhythmusspiel konzentriere. Beides sorgt dafür, dass ich ohnehin kaum zwischen den Pickups umschalte und im Grunde ständig den Klang des Steg-Tonabnehmers brauche. Ich spiele viel mit Palm Mutes und viele schnelle, präzise Riffs. Deshalb greife ich praktisch nie zum Sound des Hals-Tonabnehmers.“

„Keine Museumsstücke“

Abgesehen von diesen bewusst gewählten Besonderheiten handelt es sich jedoch um eine recht typische Paul Reed Smith. Jourdans erstes Modell der Firma war eine Custom 22, die er sich 2006 zulegte. Dementsprechend vertraut ist der Gitarrist mit der PRS-DNA. Holzwahl, Verarbeitung, Halsmaße und Hardware bewegen sich auf dem Niveau der regulären Core-Serie. „Gitarren sind Werkzeuge. Sie sind keine Museumsstücke – darum geht es überhaupt nicht. Gitarren sind dazu da, gespielt zu werden. Wenn man auf Tour ist, ständig ein- und auslädt und heute auf einem Festival in Europa, morgen im Bundesstaat Washington und übermorgen in Florida spielt, dann möchte man ein Instrument, auf das man sich jederzeit verlassen kann. Ich mag den Gedanken, diese Gitarre mit auf Tour zu nehmen, dass sie Gebrauchsspuren bekommt und trotzdem genau das tut, was sie soll: zuverlässig funktionieren und mich sicher durch jede Show bringen.“

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Im Mittelpunkt steht die Reunion von Liam Gallagher und Noel Gallagher, die 2025 nach 16 Jahren erstmals wieder gemeinsam auf der Bühne standen. Neben Konzertaufnahmen verspricht der Film bislang unveröffentlichte Einblicke in Proben, Backstage-Momente und das Tourleben. Besonders interessant für Fans: Erstmals seit mehr als zwei Jahrzehnten haben die Gallagher-Brüder gemeinsam vor der Kamera über ihre Vergangenheit und ihre Rückkehr gesprochen.

Versöhnung geglückt

Steven Knight beschreibt die Idee hinter dem Film so: „Die Oasis-Welttournee hat Generationen, Kulturen und Länder miteinander verbunden und einer zerrissenen Welt gezeigt, dass Versöhnung möglich ist. Don’t Look Back In Anger ist nicht nur deine Eintrittskarte zur Show – der Film verschafft dir auch Zugang hinter die Kulissen und einen Platz mit am Tisch, wenn Liam und Noel sich zum ersten Mal seit 15 Jahren zusammensetzen und offen erzählen, wie es wirklich war und wie es dazu gekommen ist.“

Produziert wurde die Dokumentation von Magna Studios, präsentiert von Sony Music Vision in Zusammenarbeit mit Sony Music Entertainment UK. Zum Kreativteam gehören unter anderem Kameramann Haris Zambarloukos sowie die Oscar-prämierten Tonmeister James Mather und Tarn Willers. ‚Don’t Look Back In Anger‘ läuft vom 10. bis 13. September 2026 in ausgewählten IMAX-Kinos und weiteren Lichtspielhäusern. Im Anschluss veröffentlicht Disney+ die Dokumentation exklusiv.

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Heute zählt Nichols zu den markantesten Gitarristen des modernen Bluesrock. Mit seinem kompromisslosen Spiel ohne Plektrum, seinem aggressiven Ton und energiegeladenen Liveshows hat er sich längst eine treue Fangemeinde erspielt. Gibson nahm ihn früh unter Vertrag, inzwischen gehört er „Ambassador“ zu den bekanntesten Endorsern der Marke. Neben seiner legendären 1952er Les Paul „Dorothy“ setzt Nichols heute vor allem auf seine Gibson Futura, während Marshall-Amps und ein bewusst schlichtes Setup seinen charakteristischen Sound prägen.

Mit seinem Anfang Juni erschienenen Album ‚Louder Than Fate‘ schlägt Nichols zugleich ein neues Kapitel auf. Die Songs entstanden gemeinsam mit Songwritern aus Nashville, aufgenommen wurde weitgehend live im legendären Studio 606 von Dave Grohl in Los Angeles. Der Fokus liegt diesmal mehr auf starken Songs, ohne dabei auf kraftvolle Riffs oder markante Soli zu verzichten.

Im Interview spricht Jared James Nichols über seinen ungewöhnlichen Anschlag mit dem Daumen, die Vor- und Nachteile des Spielens ohne Plektrum, seine Vorbilder Jeff Beck und Albert King, den Reiz von P-90-Pickups, seine Abneigung gegen digitale Amp-Modeler sowie darüber, warum er selbst zu Hause meist unverstärkt oder clean spielt. Außerdem erklärt er, weshalb Krafttraining inzwischen zu seinem Touralltag gehört und warum er Vintage-Gitarren trotz aller Liebe zu alten Instrumenten nicht mehr auf jede Konzertreise mitnimmt.

Interview

Musik und Werdegang
„Anders genug, aber trotzdem klassisch “

Für mich ist die Gitarre mein Ventil. Alles, was ich ausdrücken möchte, kommt durch sie heraus. Das war schon immer so – selbst damals, als ich noch richtig schlecht Gitarre gespielt habe. Trotzdem wusste ich damals schon, dass da irgendetwas war, dem ich nachgehen wollte. Wenn man darüber nachdenkt, ist das eigentlich ganz interessant. Wie viele andere Gitarristen habe ich erst mit 15 angefangen. Ich bin praktisch gemeinsam mit der Gitarre erwachsen geworden. All meine Gefühle und überhaupt alles, was mich als Menschen ausmacht, konnte ich über die Jahre durch die Gitarre ausdrücken. Heute ist es so, als wäre mein Gitarrenspiel mit mir gewachsen und reifer geworden. Es fühlt sich einfach so an, dass ich ich selbst bin, sobald ich eine Gitarre in die Hand nehme.

Dein Spiel hat etwas Anarchisches und gelegentlich Wütendes… Gleichzeitig wirkst du als Typ überhaupt nicht wie ein anarchischer oder wütender Mensch.

Nein, das ist schon interessant. Ich rede darüber oft mit meinem Freund Joe Bonamassa. Er sagt immer, dass in dem Moment, in dem er sich für die Show fertig macht, seinen Anzug anzieht und seine Brille aufsetzt, plötzlich etwas mit ihm passiert. Dann ist er einfach ein anderer. Bei mir ist das ähnlich: Sobald ich die Gitarre in die Hand nehme – besonders bevor ich auf die Bühne gehe –, wird daraus für mich eine Alles-oder-nichts-Situation. Sämtliche Energie, jede Frustration, aber auch jede Freude kommen dann durch die Gitarre heraus.

Viele Leute sagen auch, wenn sie mich persönlich kennenlernen: „Mann, du bist viel entspannter, als ich gedacht hätte.“ Sie haben erwartet, dass ich völlig verrückt bin.

Ich glaube, das ist bei vielen Musikern so. Metal-Musiker sind ja privat auch die liebsten Menschen.

Ja, absolut. Deshalb habe ich auch viele Freunde aus der Metal-Szene, obwohl ich selbst gar kein Metal-Musiker bin und auch nicht so spiele. Viele meiner Freunde kommen aus dem Metal-Bereich, weil sie ähnlich ticken. Ganz entspannte Typen – aber sie machen harte, aggressive Musik.

Ich würde deine Musik aber schon irgendwo zwischen Bluesrock und Metal einordnen…

Ja, das sehe ich genauso. Bei dieser Art von Musik und bei dem, was ich mache, gibt es viele Gemeinsamkeiten. Im Grunde ist es fast dasselbe – es ist nur ein bisschen anders verpackt.

Eine Gemeinsamkeit von Bluesrock und Metal ist, dass in den Riffs meist auf der Eins die offene E-Saite gespielt wird. Da frage ich mich immer: Wie schafft man es mit dieser Vorgabe ständig neue Riffs zu schreiben?

Früher hatte ich damit große Probleme. Ich hatte oft so etwas wie eine Schreibblockade. Alles klang gleich, alles klang nach etwas, das es schon gab. Irgendwann habe ich aber gemerkt – und das knüpft an das an, was du eben gesagt hast –, dass es eigentlich darum geht, wie man im Blues oder Bluesrock überhaupt noch originell klingen kann. So vieles wurde schließlich schon gemacht.

Was ich herausgefunden habe, ist: Je tiefer ich mich mit meinem eigenen Gitarrenspiel beschäftigt habe und mit der Art, wie ich spiele – also diesem Stil ohne Plektrum –, desto mehr habe ich zu mir selbst gefunden. Plötzlich konnte ich Riffs spielen, die anderen Sachen zwar ähnlich waren, aber dennoch nach mir klangen. Man kann natürlich das Rad nicht neu erfinden. Das Buch wurde bereits geschrieben. Deshalb glaube ich auch, dass viele Gitarristen mit Bluesrock kämpfen und sich schwertun, sich von anderen abzuheben. Die Musik ist sich stilistisch so ähnlich, dass man etwas finden muss, das gerade anders genug ist, aber trotzdem klassisch klingt. Erst dann funktioniert es.

Und das ist verdammt schwer. Wenn ich heute auf die vergangenen Jahre zurückblicke, erkenne ich schon vor zehn Jahren Ansätze dessen, was ich heute mache. Aber ich habe nie aufgehört, mich weiterzuentwickeln. Bis heute denke ich darüber nach: Wie schreibe ich meine Riffs? Wie schreibe ich Songs, die dem treu bleiben, was ich liebe, und gleichzeitig immer mehr nach mir selbst klingen?

Du hast mit 15 angefangen, Gitarre zu spielen. In der Gibson-Dokumentation über dich (‚The Long Road‘) sagst du, dass du dir nicht die Gitarre, sondern die Gitarre sich dich ausgesucht hat. Wie meinst du das?

Selbst heute habe ich das Gefühl, dass die Gitarre in meinem Leben nie Teil eines Plans war. Als das alles anfing, dachte ich einfach: Okay, ich spiele eben Gitarre. Klingt gut. Dann kam sie immer wieder in mein Leben zurück. Selbst als ich beschloss, es wirklich ernsthaft zu versuchen und ans Berklee College of Music ging, gab es Momente, in denen ich mich fragte: „Was mache ich hier eigentlich?“

Aber die Gitarre hat mich immer wieder gerufen. Sie war einfach immer da. Irgendwann fragte ich mich: „Was mache ich jetzt mit meinem Leben?“ Ich wollte weder Bauarbeiter noch Mechaniker werden. Also dachte ich: Vielleicht sollte ich einfach weiterversuchen, Gitarre zu spielen und etwas daraus zu machen. Allerdings bin ich in einer Umgebung aufgewachsen, in der ich niemanden kannte, der professioneller Musiker war – selbst noch kurz bevor ich nach Kalifornien zog. Es gab niemanden, der sagte: „Ich stelle dich mal diesem oder jenem vor.“ Deshalb sage ich, dass die Gitarre mich ausgesucht hat.

Du erzählst dort auch, wie wichtig für dich die Entdeckung von Distortion war. Macht es dir überhaupt noch Spaß, clean Gitarre zu spielen?

Wenn ich zu Hause bin, spiele ich eigentlich fast immer clean. Oder ich schließe die Gitarre gar nicht erst an. Ich spiele sie einfach unverstärkt. Ich finde nämlich, dass es unglaublich wichtig ist, sauber spielen zu können und sicherzugehen, dass man die Sachen wirklich beherrscht. Viele Gitarristen sagen: „Ich schalte einfach den Zerrsound ein, der kaschiert das schon.“ Aber ich finde, es hat etwas Schönes, wirklich clean spielen zu lernen. Das macht mir tatsächlich großen Spaß.

Zuhause stehen bei mir hauptsächlich alte Röhrenverstärker. Damit sie anfangen zu zerren, muss man sie voll aufdrehen. Selbst bei meinen Marshalls muss man die Lautstärke richtig weit aufdrehen, damit sie in die Sättigung gehen. Zu Hause lasse ich sie deshalb meistens einfach leise laufen. Das ist völlig okay.

Studio und Instrumente
„Für mich hat es etwas ganz Besonderes, mit dem Verstärker im selben Raum zu stehen“

Du hast Anfang Juni mit ‚Louder Than Fate‘ herausgebracht. Erzähl bitte etwas über den Aufnahme- und Songwriting-Prozess. Wie bist du vorgegangen?

Dieses Album haben wir live im Studio auf Band aufgenommen. Viele Leute haben im Laufe der Zeit zu mir gesagt: „Jared, ich liebe deine Konzerte, aber auf Platte klingst du nicht so gut. Live bist du stärker.“ Also beschlossen wir, die Platte live aufzunehmen.

Und ich habe mich nach dem letzten Album gefragt, wie ich diese Energie und Spontaneität einer Liveaufnahme beibehalten kann, gleichzeitig aber als Songwriter noch etwas tiefer gehen kann. Ich wollte Songs schreiben, die sich anders anfühlen als alles, was ich bisher gemacht hatte. Ich wollte mit meiner Kreativität eine andere Seite von mir zeigen.

Also habe ich einige Freunde in Nashville angerufen, die ich sehr respektiere, und gefragt: „Habt ihr Lust, Songs zu schreiben?“ Dabei dachte ich überhaupt noch nicht an ein Album. Ich wollte einfach schreiben. Was dann passiert ist: Durch diese Treffen mit Freunden entstand nach und nach eine ganze Sammlung von Songs. Ich habe ungefähr zwanzig Stücke mit verschiedenen Leuten geschrieben – mit Songwritern, die völlig andere Dinge machen als ich. Country-Autoren, Pop-Songwriter, Menschen, die musikalisch ganz anders denken als ich.

Irgendwann hatten wir diese Sammlung von Songs und gingen in Dave Grohls Studio in Los Angeles – das Studio 606 der Foo Fighters. Dort haben wir Schlagzeug, Bass und Gitarre gemeinsam in einem Raum aufgenommen. Genau wie beim vorherigen Album. Es wurde also alles live eingespielt. Das fühlte sich großartig an. Danach habe ich einige Gitarrensoli nachträglich aufgenommen. Das hatte ich vorher kaum gemacht.

Wenn du Soli nachträglich aufnimmst: Wie versetzt du dich im Studio in die richtige Stimmung, um ein emotionales oder ekstatisches Solo zu spielen?

Weißt du, über die Jahre habe ich gelernt, mich gedanklich in diesen Zustand zu versetzen. Selbst wenn du mir jetzt hier im Hotelzimmer eine Gitarre in die Hand drücken und sagen würdest: „Jared, spiel!“, würde ich sagen: „Okay, los geht’s.“ Was mir dabei besonders hilft – vor allem während der Aufnahmen –, ist Lautstärke. Es muss sich so anfühlen, als wäre ich genau in diesem Modus, als wäre ich bereit, richtig loszulegen. Für mich hat es etwas ganz Besonderes, mit dem Verstärker im selben Raum zu stehen, die Vibrationen zu spüren und zu fühlen, wie die Luft bewegt wird. Das hat eine enorme Kraft.

Das heißt, einen Kemper, Quad Cortex oder ähnliche Geräte würdest du nie dauerhaft benutzen?

Doch, ich habe damit gearbeitet. Ich finde diese Technik großartig. Wirklich beeindruckend. Aber für die Art, wie ich persönlich spiele, fehlt mir dabei etwas. An Röhrenamps ist etwas Wildes, etwas sehr Oldschool. Und das soll überhaupt keine Kritik an den Leuten sein, die solche Geräte benutzen. Aber ich möchte das Gewicht der Saiten spüren. Ich möchte dieses Spielgefühl haben. Deshalb spiele ich zwei Röhrenamps und werde allein aus diesem Grund nicht auf Digitaltechnik umsteigen.

Außerdem bin ich ein sehr einfacher Spieler. Ich benutze nicht besonders viel Equipment. Ein Verstärker, ein paar Pedale und meine Gitarren – mehr brauche ich nicht. Deshalb suche ich gar nicht nach vielen der Möglichkeiten, die digitale Systeme bieten.

Wie lange brauchst du im Studio, bis dein Gitarrensound steht? Beschäftigst du dich intensiv mit Mikrofonpositionen und solchen Dingen?

Unser Produzent und Toningenieur Jay Ruston hat sich darum natürlich intensiv gekümmert. Aber als Faustregel würde ich sagen, dass wir ungefähr zehn bis fünfzehn Minuten gebraucht haben, bis der Gitarrensound stand. Ehrlich gesagt unterscheidet sich mein Studiosound kaum von dem, was ich live benutze. Viele Künstler behandeln Studio und Bühne wie zwei völlig verschiedene Welten. Sie überlegen genau, welches Mikrofon sie womit kombinieren und so weiter. Ich bin dagegen schon mit einer ganz klaren Vorstellung ins Studio gegangen, wie jedes Riff und jede Passage klingen sollte.

Danach ging es nur noch darum, das Mikrofon so zu positionieren, dass der komplette Frequenzumfang des Sounds eingefangen wird, alles phasenrichtig ist und solche Dinge. Im Grunde besteht der Sound des Albums einfach aus einer Les Paul oder meiner Gibson Futura, die in einen Super Lead Plexi läuft – mit einem Klon davor. Und wenn ich etwas Cleaneres wollte, habe ich einfach das Volume-Poti an der Gitarre zurückgedreht.

Muss ein Song für dich ein Gitarrensolo haben, um ein guter Song zu sein?

Nein, das muss er nicht. Aber mit einem Solo wäre er noch besser. (lacht) Im Ernst: Auch auf dem neuen Album gibt es Songs mit Gitarrensolo – etwa bei ‚Bending Or Breaking‘. Dort gibt es ein kurzes, achttaktiges Solo. Nichts Ausgefallenes, aber das dient dem Song sehr gut. Er bekommt dadurch kurz eine andere Richtung.

Also: Ein guter Song braucht kein Gitarrensolo, aber ich liebe Gitarrensoli.

Welche Gitarren hast du im Studio verwendet?

Hast du schon meine Les Paul von 1952 gesehen? Sie heißt „Dorothy“.

Die Goldene?

Ja, genau. Mit ihr bekomme ich fast jeden Sound hin, den ich brauche. Sie ist ein echtes Schweizer Taschenmesser, sie kann laut und aggressiv klingen, aber genauso wunderbar aufgeräumt und warm. Ich habe sie auf ungefähr 60 Prozent des Albums eingesetzt. Sie hat P-90-Tonabnehmer – und ich liebe P-90s. Ich liebe, wie viele unterschiedliche Sounds man mit einem so einfachen Pickup erzeugen kann.

Und dann gibt es noch diese andere Gibson im Explorer-Stil namens „Futura“, die ziemlich ungewöhnlich aussieht und die ich in letzter Zeit oft spiele. Die kam für alles andere zum Einsatz. Wenn ich also Humbucker brauchte, griff ich zur Futura. Gerade bei einigen der härteren Riffs und Parts war das perfekt.

Bei P-90s hat man immer ein gewisses Brummen. Wenn du also ein stark synkopiertes Riff spielst, ist ein Humbucker manchmal einfach die sauberere Lösung. Ich arbeite zwar sehr viel mit dem Volume-Regler und schalte das Signal darüber blitzschnell ein und aus. Trotzdem ist eine gewisse Sauberkeit wichtig. Deshalb habe ich bei den härteren Passagen oft zur Humbucker-Gitarre gewechselt.

Bei einigen Songs ist aber auch eine Akustikgitarre als Dopplung der E-Gitarre zu hören…

Ja. Das ist eine Gibson SJ-200. Die habe ich bei Songs wie ‚Killing Time‘ und ‚Way Back‘ zusätzlich zu den E-Gitarren aufgenommen. Das Schöne daran ist: So etwas hatte ich vorher noch nie gemacht, aber wenn man zu einem schweren Gitarrenpart noch eine Akustikgitarre dazulegt, wirkt alles größer. Die Acoustic bringt mehr Definition hinein. Sie sorgt für Klarheit und verleiht dem Ganzen noch eine zusätzliche Dimension. Das gefällt mir wirklich gut.

Spieltechnik und Einflüsse
„Ich habe das Gefühl, die Saiten wirklich unter Kontrolle zu haben“

Lass uns auf deine Spieltechnik zu sprechen kommen: Obwohl du mit dem Daumen spielst, fehlt deiner E-Gitarre überhaupt nicht der Attack. Wie erzeugst du diesen Attack mit dem Daumen?

Das hat sehr lange gedauert. Und du wirst überrascht sein: An meinen Marshalls ist der Höhenregler fast komplett zugedreht. Viele würden denken: „Die Höhen müssen doch voll aufgedreht sein, damit sich der Ton durchsetzt.“ Aber ich habe über die letzten zwanzig Jahre herausgefunden, wie ich den Ton trotzdem nach vorne bekomme.

Ich kann das gar nicht genau erklären. Ich glaube, es liegt am Winkel, in dem mein Daumen und meine Finger die Saite anschlagen. Und was ich über den Marshall sagen kann, ist Folgendes: Das Einschwingverhalten und das Spielgefühl dieses Verstärkers sind etwas Besonderes. Es fühlt sich an, als würde der Amp die Noten regelrecht nach vorne schieben.

Manche Verstärker habe ich gespielt, bei denen ich das Gefühl hatte, ich komme einfach nicht richtig durch. Irgendetwas fühlte sich nicht richtig an. Beim Marshall – besonders bei den Super Leads – ist das anders. Wenn ich etwas spiele, wirkt es aggressiv und springt förmlich aus dem Verstärker heraus. Ich benutze dafür keine besonderen Treble Booster oder ähnliche Tricks. Ich habe einfach gelernt, wie ich das herausarbeiten kann – wenn du verstehst, was ich meine.

Glaubst du, dass deine Technik deiner Kreativität sogar hilft, weil sie dich limitiert?

Ja, ich glaube tatsächlich, dass das so ist. Als ich jünger war, haben mir viele Leute gesagt: „Wenn du nur mit den Fingern spielst, wirst du nie ein wirklich guter Gitarrist.“ Ich wollte einfach Spaß am Gitarrespielen haben und habe nie darüber nachgedacht, ob ich einmal ein großer Gitarrist werde. Was ich schließlich gemerkt habe: Gerade die Einschränkung, nur mit den Fingern zu spielen, hat mich dazu gezwungen, Dinge anders anzugehen. Ich musste anders denken. Und dann beginnt man plötzlich, Beats anders zu unterteilen oder Töne anders zu akzentuieren. Rückblickend hat mir das enorm geholfen. Heute kann ich praktisch jede Gitarre in die Hand nehmen und sie nach mir klingen lassen. Es ist nicht einfach nur irgendeine Gitarre. Ich habe das Gefühl, die Saiten wirklich unter Kontrolle zu haben.

Ich vermute, dadurch eröffnet sich dir auf der Gitarre eine Welt von Möglichkeiten, die viele andere Gitarristen gar nicht haben.

Ja. Einfach gesagt: Viele Gitarristen sind durch ihr Plektrum begrenzt. Sie spielen eine Note nach der anderen oder schlagen nur nach unten oder nach oben an. Für mich war dagegen von Anfang an klar: Ich kann jede beliebige Saite gleichzeitig spielen. Ich kann hohe und tiefe Saiten kombinieren. Ich kann drei, vier oder sogar fünf Saiten gleichzeitig anschlagen, wenn ich das möchte.

Hast du dich denn mal intensiver mit Fingerpicking beschäftigt?

Nicht besonders … wie soll ich das ausdrücken? Ich habe das nie richtig studiert. Aber ich habe mir genug beigebracht, damit es funktioniert. Ansonsten mache ich einfach mein eigenes Ding. Ich bin kein klassischer Fingerstyle-Gitarrist. Niemand hat mir beigebracht, so zu spielen, wie ich heute spiele. Das hat sich einfach entwickelt. Ich habe etwas ausprobiert und gemerkt: Okay, das funktioniert – oder eben nicht. Und dann habe ich darauf aufgebaut.

Hast du dir zum Beispiel Mark Knopfler genauer angesehen, um zu verstehen, wie man auf einer E-Gitarre ohne Plektrum spielt?

Erstaunlicherweise nicht. Ich habe Mark Knopfler viel gehört, aber ich habe seine Technik nie studiert. Die Gitarristen, mit denen ich mich wirklich intensiv beschäftigt habe, waren Stevie Ray Vaughan – obwohl er mit Plektrum spielt –, Leslie West, Jeff Beck, Derek Trucks und Albert King. Wenn es um Gitarristen geht, die ohne Plektrum spielen, dann waren Jeff Beck und Albert King meine wichtigsten Vorbilder.

Albert Kings Technik war unglaublich. Er spielte im Grunde mit dem Daumen. Ich habe genau hingeschaut und mich gefragt: Wo trifft er eigentlich die Saiten? Viele Leute achten auf solche Kleinigkeiten gar nicht.

Gleichzeitig war ich aber genauso fasziniert von Gitarristen, die mit Plektrum spielten. Auch sie habe ich genau beobachtet und mich immer gefragt: Wie bekomme ich diesen Sound mit meinen Fingern hin?

Wie man sieht, hast du in den letzten Jahren ordentlich Muskeln aufgebaut. Hat das dein Gitarrenspiel verändert? Brauchst du diese Kraft zum Spielen?

Nein, überhaupt nicht. Es ist einfach nur das Ergebnis davon, dass ich älter werde und gemerkt habe: Wenn ich keinen Sport mache, werde ich irgendwann fett. (lacht) Viele haben mich schon gefragt, ob sich Krafttraining auf mein Gitarrenspiel auswirkt. Große Veränderungen habe ich aber nicht festgestellt. Es gibt allerdings eine Sache. Ich habe gemerkt, dass meine Bendings und mein Vibrato präziser geworden sind. Das klingt vielleicht merkwürdig, aber das ist mir tatsächlich aufgefallen.

Auf Tour dürfte das Leben dadurch aber einfacher geworden sein, weil du körperlich fitter bist.

Ja, das ist der entscheidende Punkt. Viele vergessen, wie Tourleben wirklich ist. Man isst schlecht, man schläft schlecht, man schläft immer dann, wenn sich gerade eine Gelegenheit ergibt. Man wechselt ständig die Zeitzonen und hat Jetlag. Viele trinken außerdem viel und feiern. Mir war klar, dass ich fit sein muss, wenn ich auf der Bühne meine beste Leistung bringen will.

Ich sehe das fast wie ein Leistungssportler, deshalb ist das Training für mich so wichtig. Es gibt mir Energie und sorgt dafür, dass ich mich unterwegs gut fühle. Und das ist enorm wichtig.

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Der Vintage-Händler sortierte die angebotenen Instrumente auf seiner Website in Kategorien wie „Stratocaster“ und „Telecaster“ ein. Dort erschienen sowohl originale Fender-Modelle als auch entsprechende Kopien und Nachbauten. Fender stellte also fest, „dass Suchanfragen nach ‚Fender‘ sowie nach Fender-Produktnamen und -Marken wie ‚Stratocaster‘ und ‚Telecaster‘ in der Suchleiste auf www.coololdguitars.shop nicht nur Fender-Gitarren anzeigen, sondern auch eine ungewöhnliche Mischung von Suchergebnissen, darunter Gitarren anderer Hersteller.“

Nach Ansicht des Unternehmens könnten so Käufer den Eindruck gewinnen, es handle sich um autorisierte Fender-Produkte. Oder zumindest um Instrumente mit einer geschäftlichen Verbindung zu Fender. Deshalb fordert der Hersteller, die Verwendung der geschützten Begriffe für Gitarren anderer Marken dauerhaft einzustellen. Juristisch ist dieser Schritt durchaus nachvollziehbar. Die Begriffe „Stratocaster“, „Telecaster“, „Strat“ und „Tele“ sind geschützte Marken. Anders als im früheren Fall verlangt Fender diesmal weder die Vernichtung von Instrumenten noch einen Verkaufsstopp. Es geht ihnen ausschließlich die Verwendung der Marken- und Modellnamen.

Widersprüchlichkeiten seitens Fender

Der Zeitpunkt der neuen Entwicklung überrascht. Denn es ist gerade nur wenige Wochen her, da sprach Fender-CEO Edward „Bud“ Cole auf einer Händlerkonferenz und versuchte, dem aktuellen Konflikt um das Stratocaster-Korpus-Design ein wenig den Wind aus den Segeln zu nehmen.

„Fender verklagt niemanden. Was wir getan haben, ist, uns auf überlegte und respektvolle Weise an eine Handvoll Unternehmen zu wenden, deren Gitarren dem ikonischen Design der Fender Stratocaster äußerst nahekommen.“ Und: „Wir tun das nicht nur für uns selbst, sondern für Sie alle, für jeden Musiker, jeden Sammler und für die Zukunft dieser außergewöhnlichen Branche, die wir alle lieben.“ Gleichzeitig betonte er aber auch, Gitarren in der Stratocaster-Bauart sollten nicht als „S-Style“ bezeichnet werden, da dies den Beitrag Leo Fenders verwässere. Stattdessen solle man von „Stratocaster“ sprechen. Genau diese Bezeichnung wird Händlern nun untersagt, sobald sie Instrumente anderer Hersteller beschreiben.

Darin liegt natürlich ein Widerspruch, den der Fender-CEO selbst zu verantworten hat: In der oben schon zitierten Ansprache hatte er nämlich außerdem erklärt, Gitarren in der Stratocaster-Bauart sollten nicht als „S-Style“ oder „S-Shape“ bezeichnet werden, da dies den Beitrag Leo Fenders verwässere. Stattdessen solle man von „Stratocastern“ sprechen, was die Anwälte des Herstellers nun verbieten wollen, sobald damit Instrumente anderer Hersteller bezeichnet werden. Kritiker verweisen darauf, dass Suchergebnisse mit Fender-Gitarren und kompatiblen Nachbauten auf vielen Online-Marktplätzen üblich sind. Fender argumentiert dagegen, eine solche Darstellung könne Verbraucher irreführen.

COG reagiert mit Sarkasmus und Pragmatismus

Bei Cool Old Guitars reagiert man auf das Schreiben in den Instrumentbeschreibungen kreativ: So wurde „T-Style“ zu „Twang-Style“ umbenannt. Darüber hinaus veröffentlichte man ein Statement, in dem es unter anderem heißt: „Wir haben eine E-Mail von einer Anwaltskanzlei erhalten, die ein großes Unternehmen vertritt, das seit mehr als 70 Jahren weltweit – und insbesondere auch in Australien – E-Gitarren, E-Bässe, Verstärker, professionelles Audio-Equipment sowie entsprechendes Zubehör entwickelt, vermarktet, verkauft und deren Herstellung lizenziert. […] Deshalb haben wir einige Änderungen vorgenommen.“ Zwar blieben Telecaster weiterhin Telecaster, aber „handelt es sich um einen irreführenden und täuschenden Nachbau, nennen wir sie künftig Twang-Style-Gitarre“. Auch in den Beiträgen auf Instagram ist der ironische Unterton deutlich wahrzunehmen.

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Dass dieser Sound nicht das Ergebnis einer akribisch geplanten Strategie, sondern einer vermeintlich falschen Plektrumhaltung ist, erzählt Wong mit sichtlicher Begeisterung. Im Gespräch, das wir vor seinem Konzert in Köln im Backstage-Bereich des Carlswerk Victoria führten, spricht er über den Einfluss der rechten Hand auf den persönlichen Klang, warum ihn seine Dozenten an der Universität zunächst umlernen wollten, weshalb seine Signature-Strat etwas kleiner ausfällt als das Original und wie aus der Zusammenarbeit mit Herstellern wie Fender, Ernie Ball Music Man, Seymour Duncan, Neural DSP oder Wampler Instrumente und Werkzeuge entstanden sind, die exakt seiner Vorstellung von Spielgefühl und Sound entsprechen.

Interview

Cory, bevor wir über deine Gitarren reden: Wie groß ist der Einfluss deiner Anschlagstechnik auf deinen Sound?

Die klassische Technik sieht ja vor, das Plektrum so zu halten, dass der Zeigefinger darunter liegt und das Plektrum gerade über die Saite geführt wird. Ich halte das Plektrum dagegen genau andersherum – und leicht schräg statt gerade. Wenn ich nach unten anschlage, drücke ich das Plektrum durch die Saite hindurch. Beim Upstroke ziehe ich die Saite gewissermaßen wieder nach oben. Ganz ähnlich wie ein Slap-Bassist. Dadurch hat mein Anschlag ganz automatisch einen anderen Attack als bei vielen anderen Gitarristen.

Lange Zeit habe ich selbst behauptet, die linke Hand spiele keine Rolle für den Sound. Ich dachte: Hauptsache, die rechte Hand läuft gleichmäßig. Dann habe ich großartige Gitarristen genau meine Parts spielen hören. Und ich dachte: Warum klingt das nicht wie ich? Technisch war alles korrekt – aber es klang eben nicht nach mir. Natürlich gibt es solche Phänomene immer. Niemand klingt wie Eddie Van Halen. Sie können seine Sachen spielen, aber sie klingen trotzdem nicht wie er. Irgendwann wurde mir klar, dass der Winkel meines Plektrums einen riesigen Anteil an meinem Sound hat.

Deine Musik verlangt viel Attack. Hast du deine Technik darauf ausgerichtet entwickelt oder ging das ganz natürlich?

Es hat sich einfach so ergeben. So halte ich das Plektrum eben. An der Universität haben meine Lehrer allerdings gesagt: „Du hast die schlechteste Technik der rechten Hand, die wir je gesehen haben. Das musst du ändern.“ Also habe ich anderthalb Jahre lang versucht, die „richtige“ Technik zu spielen. Das Ergebnis waren Probleme mit dem Handgelenk, weil sich diese Haltung für mich völlig unnatürlich anfühlte. Mein Handgelenk war ständig angespannt. Vor allem aber klang ich plötzlich nicht mehr wie ich selbst. Wenn ich mir Aufnahmen anhörte, dachte ich nur: Das bin ich nicht.

Irgendwann habe ich dann beschlossen: Egal. Ich spiele wieder auf meine Weise, weil das nach mir klingt. Es ist bequemer, lockerer und völlig mühelos. Außerdem gibt es viele andere Gitarristen, die das Plektrum ähnlich halten – etwa Pat Metheny, George Benson oder Isaiah Sharkey. Jeder Mensch hat eben eine etwas andere Anatomie von Handgelenk und Fingern. Deshalb fühlt sich für jeden etwas anderes natürlich an.

Dein Gitarrensound ist gleichzeitig dünn und warm. Wie lange hat es gedauert, bis du deinen Ton gefunden hast?

Das ist lustig, denn es hat ziemlich lange gedauert, und er ist eher zufällig entstanden. Ich war schon immer ein Strat-Typ. Ich habe viele Gitarren besessen – und besitze immer noch viele –, aber auf einer Strat habe ich mich immer am wohlsten gefühlt. In meiner Heimatstadt habe ich unzählige Gigs und Studiosessions gespielt und dabei nach und nach Dinge gefunden, die sich für mich irgendwie besonders angefühlt haben. Ich habe einfach so gespielt, wie ich die Gitarre hören wollte und wie ich mich auf dem Instrument ausdrücken wollte. Deshalb bin ich eher zufällig bei diesem Stil und dem Sound gelandet.

Ein Großteil meiner Harmonik stammt aus dem Jazz, den ich als junger Musiker gespielt und gehört habe. Der Rhythmus kommt aus Funk und R&B – aus diesem ganzen Feeling. Die Energie wiederum stammt aus meiner Zeit mit Punkrock. Und melodisch greife ich gerne auf meinen Pop-Hintergrund zurück. All diese Einflüsse zusammen haben letztlich ganz unbewusst meinen eigenen Stil geformt. Später, als Vulfpeck bekannter wurde und mehr los war, entwickelte sich auch dieser Sound in der vierten Pickup-Position. Ich mag diesen warmen, blubbernden Ton, der trotzdem noch genug Durchsetzungskraft besitzt.

Schaltest du nie aus Versehen auf die fünfte Position?

Doch, ständig. Genau deshalb hat meine Signature-Gitarre einen „Fourth Position Panic Button“. Man drückt einfach den Knopf und egal, wo sich der Pickup-Schalter gerade befindet – die Gitarre springt sofort auf die vierte Position. Das ist ein nettes Feature.

Die Stratocaster ist wohl die Funk-Gitarre schlechthin. Was macht deine Signature-Version im Vergleich zu einer normalen Strat für dich besonders?

Sie hat eine ganze Reihe moderner Features. Zum Beispiel den konturierten Hals-Korpus-Übergang. Dadurch kommt man sehr leicht und schnell in die hohen Lagen. Außerdem hat sie einen sehr schnellen Hals, der etwas schlanker ist – ähnlich wie bei der Fender American Ultra. Dazu kommt ein Compound-Radius, wodurch sich die Gitarre über das gesamte Griffbrett hinweg stimmstabiler spielt.

Die Pickups habe ich gemeinsam mit Seymour Duncan entwickelt. Sie basieren auf den Antiquity-Surf-Pickups, weil ich deren Clean-Sound liebe. Sobald ich bei diesen Pickups allerdings Overdrive zugeschaltet habe, war mir der Hochtonbereich etwas zu unsauber. Also haben wir verschiedene Magnete und Wicklungen ausprobiert. Am Ende sind wir bei Alnico-5-Magneten gelandet und haben die Pickups etwas heißer gewickelt. Außerdem haben wir am Steg einen gestackten Humbucker eingebaut.

Ich mag den Steg-Pickup einer Strat grundsätzlich sehr, aber oft ist er mir einfach zu hell und zu dünn. Der Wechsel von den anderen Pickup-Positionen zum Steg fühlt sich dann fast wie ein kompletter Szenenwechsel an.
Gleichzeitig mochte ich den Sound eines Humbuckers am Steg schon immer – fett, groß und trotzdem mit genügend Brillanz. Aber ich mag das Aussehen eines Humbuckers in einer Strat einfach nicht. Ich liebe den klassischen SSS-Look. Deshalb haben wir einen gestackten Humbucker entwickelt.

Und die Korpusform der Gitarre ist etwas anders, richtig?

Was die Korpusform betrifft, hatte ich eine Vermutung, die später – völlig unabhängig voneinander – durch Nile Rodgers bestätigt wurde: Ich wollte, dass der Strat-Korpus ungefähr zwei Prozent kleiner wird. Im Grunde dieselbe Form, aber so, als würde man sie beim Schleifen einfach noch fünf Minuten länger bearbeiten.

Es gibt ja ohnehin minimale Größenunterschiede zwischen verschiedenen Strats – allein durch den Schleif- und Lackierprozess. Mir war aber aufgefallen, nachdem ich so viele Strats gespielt hatte, dass die etwas kleineren Exemplare einen ganz bestimmten Attack hatten. Da war einfach etwas Besonderes.

Bei Fender reagierte man zunächst etwas skeptisch: „Wirklich? Dafür müssten wir neue Formen bauen und einiges ändern. Wir besprechen das und melden uns.“ Zwei Tage später riefen sie mich zurück. Sie sagten: „Du wirst es nicht glauben, aber Nile Rodgers hat exakt dasselbe verlangt.“ Auch er hatte beim Prototyp seiner Hitmaker gesagt: „Die ist zu groß.“ Fender antwortete ihm: „Nein, das ist die Standardgröße einer Strat.“ Und Nile meinte: „Nein. Ich spiele meine Gitarre seit Jahrzehnten. Diese hier ist größer als meine. Sie muss etwas kleiner werden – dann bekommt sie genau dieses gewisse Etwas.“ Daraufhin sagte Fender zu mir: „Du und Nile seid beide Rhythmusgitarristen mit einem sehr ausgeprägten Gespür für Spielgefühl und Klang. Wenn ihr unabhängig voneinander dasselbe fordert, muss etwas dran sein.“ Also haben wir das ausprobiert – und das Ergebnis war wirklich beeindruckend. Inzwischen haben mir viele Spieler gesagt, dass das für sie die beste Strat von der Stange ist, die sie seit Jahren gespielt haben – sowohl vom Spielgefühl als auch vom Klang.

Hast du schon mal Strat-Type-Gitarren anderer Marken ausprobiert?

Ja. John Mayer und ich haben sogar Gitarren getauscht. Er hat mir eine seiner Silver Skys geschickt – eine, die er selbst auf Tour gespielt hat. Eine fantastische Gitarre. Das Modell heißt Nebula und ist in einem schimmernden Blau-Lila, wirklich großartig. Im Gegenzug habe ich ihm eine meiner Strats gegeben, die ihm ebenfalls sehr gefallen hat. Die Silver Sky hat allerdings ihren ganz eigenen Klang. Sie sieht zwar wie eine Strat aus, klingt aber anders. Ich habe außerdem einige andere Strat-ähnliche Gitarren gespielt, etwa die Music Man Cutlass. Das sind für mich die beiden besten Instrumente dieser Art: die Music Man Cutlass und die Silver Sky. Beide fühlen sich großartig an.

Wie viele Gitarren hast du momentan auf Tour dabei?

Zwei. Meine Signature-Strat und die Music Man StingRay II. An dieser Gitarre habe ich ebenfalls mitentwickelt, weil ich auf der Suche nach einer Humbucker-Gitarre war. Ich habe damals viele verschiedene Humbucker-Gitarren ausprobiert, aber keine gefunden, die mich wirklich überzeugt hat.

Ich bin mit den Leuten von Ernie Ball gut befreundet – ihnen gehört ja auch Music Man. Also habe ich mit Brian Ball darüber gesprochen. Wir haben uns verschiedene Modelle angesehen. Ich wollte zum Beispiel die Luke ausprobieren oder vielleicht eine Valentine mit Humbuckern oder andere Gitarren aus ihrem Programm. Dabei fiel mir auf, wie cool ich die Korpusform der StingRay finde. Diese tropfenförmige Pickup-Einfassung und das ganze Design – ich hatte so etwas bei einer E-Gitarre noch nie gesehen. Brian fragte mich dann: „Wenn du so eine Gitarre bauen würdest – was müsste sie können?“

Wir haben einfach zusammengesessen und geplaudert. Irgendwann meinte er: „Du scheinst eine ziemlich konkrete Vorstellung zu haben. Wir wollen ohnehin so eine Gitarre entwickeln, haben aber niemanden, der das Projekt inhaltlich mit vorantreibt. Hättest du Lust, uns dabei zu helfen?“ Am Ende wurde daraus eine fantastische Zusammenarbeit. Ich liebe diese Gitarre.

Und dein Pedalboard? Es wirkt recht klein…

Ich benutze einen Quad Cortex, auf dem mein Archetype-Cory-Wong-Plug-in läuft. Dazu kommt der Wong Compressor, den ich gemeinsam mit Wampler entwickelt habe, das Hotone Wong-Press-Volume/Wah-Expression-Pedal und der Optimus Overdrive, den ich zusammen mit Jackson Audio entwickelt habe. Im Grunde besteht mein Board also fast nur aus Geräten, an deren Entwicklung ich beteiligt war. Wenn ich das laut ausspreche, klingt das eigentlich ziemlich verrückt. Ich bin unglaublich dankbar, dass ich solche Möglichkeiten bekommen habe. Das macht wirklich Spaß.

Mit diesem Equipment finde ich sehr unkompliziert einen professionellen Sound. Und für die Hersteller ist die Zusammenarbeit mit Musikern ebenfalls interessant, weil wir ihnen sagen können: „Das brauchen wir wirklich. Genau das wünschen wir uns draußen auf der Bühne.“ Dadurch entstehen letztlich bessere Produkte.

Hast du trotzdem Verstärker auf der Bühne?

Ja, aber nur, damit ich etwas Bühnenlautstärke habe. Die Verstärker werden nicht einmal mikrofoniert. Die beiden XLR-Ausgänge meines Quad Cortex gehen direkt an die PA. Die Ausgänge 3 und 4 gehen in die Verstärker. Benutze ich dabei Amp-Simulationen und schicke sie trotzdem in echte Amps? Ja. Aber das ist mir egal. Ich brauche lediglich etwas Lautstärke auf der Bühne. Breche ich damit irgendwelche Regeln? Klar.

Für manche schon allein dadurch, dass du überhaupt einen Quad Cortex benutzt…

Ja, wahrscheinlich schon. Aber ich bekomme dadurch Abend für Abend denselben Sound. Genau deshalb liebe ich das Gerät. Außerdem ist es ja mein Plug-in, das wir gemeinsam mit Neural DSP entwickelt haben. Das hat unglaublich lange gedauert, weil wir wirklich jedes Detail genau ausarbeiten wollten.

Ich habe bei vielen anderen Geräten den Eindruck: Entweder sie klingen hervorragend oder sie fühlen sich hervorragend an. Bei den Sachen von Neural DSP stimmt für mich beides. Sie klingen richtig und sie fühlen sich auch richtig an. Mir ist außerdem aufgefallen, dass ich bei manchen anderen Modelern zwar einen tollen Cleansound hinbekomme. Sobald ich aber Pedale oder Overdrive davor schalte, muss ich zu viele Kompromisse eingehen. Bei meinem Archetype-Cory-Wong-Plug-in haben wir genau dieses Problem gelöst. Ganz ehrlich: Das Ergebnis ist verrückt gut. Du wirst es heute Abend hören.

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Für die Geburtstagsfeier haben sich zahlreiche Weggefährten und Blues- sowie Rockgrößen angekündigt. Mit dabei sind Eric Clapton, John Mayer, Susan Tedeschi, Derek Trucks, Jon Batiste, Aloe Blacc, Joe Bonamassa, Gary Clark Jr., Shemekia Copeland, Robert Cray, Samantha Fish, Eric Gales, Billy F Gibbons, Ivan Neville, Robert Randolph, Bobby Rush, Isaiah Sharkey, Kenny Wayne Shepherd, Jimmie Vaughan, Ally Venable, Willie Weeks und Kim Wilson. Weitere Gäste sollen in den kommenden Wochen noch bekanntgegeben werden. Als musikalischer Leiter fungiert Rolling-Stones-Schlagzeuger Steve Jordan.

Vorbild unzähliger Gitarristen

Buddy Guy zählt zu den prägenden Figuren des modernen Blues und gilt als einer der einflussreichsten Gitarristen seiner Generation. Der 1936 im US-Bundesstaat Louisiana geborene Musiker zog Ende der 1950er-Jahre nach Chicago, wo er schnell Teil der dortigen Bluesszene wurde. Bei Chess Records nahm er mit Größen wie Muddy Waters, Howlin’ Wolf und Willie Dixon auf und veröffentlichte zugleich eigene Singles. Obwohl sein virtuoses, oft aggressives Gitarrenspiel seiner Zeit voraus war und kommerziell zunächst nur begrenzten Erfolg hatte, entwickelte sich Guy zu einem entscheidenden Bindeglied zwischen dem traditionellen Chicago Blues und der Rockmusik.

Musiker wie Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Jimmy Page und Stevie Ray Vaughan nannten ihn später als wichtigen Einfluss. Mit Alben wie ‚Damn Right, I’ve Got the Blues‘ (1991) gelang ihm schließlich auch der internationale Durchbruch. Im Laufe seiner Karriere gewann Buddy Guy neun Grammy Awards, erhielt 2015 die Presidential Medal of Freedom – die höchste zivile Auszeichnung der USA – und wurde sowohl in die Rock and Roll Hall of Fame als auch in die Blues Hall of Fame aufgenommen. Trotz seines nahenden 90. Geburtstags steht er weiterhin regelmäßig auf der Bühne und zählt zu den letzten noch aktiven Vertretern der klassischen Chicago-Blues-Generation.

www.buddyguy.net

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Von Bruce Springsteen bis Whitney Houston

Er selbst spielte kein Instrument, und doch hatte in den vergangenen 60 Jahren wohl kaum jemand einen so großen Einfluss auf den Lauf der Musikgeschichte wie Clive Davis. Mit seinem Tod verliert die Musikwelt zweifelsfrei eine ihrer prägendsten Persönlichkeiten. Der legendäre Musikmanager und Produzent starb am 22. Juni 2026 im Alter von 94 Jahren. Über sechs Jahrzehnte hinweg drückte er der internationalen Musiklandschaft wie kaum ein anderer seinen Stempel auf.

Er war Entdecker, Förderer und Visionär mit einem außergewöhnlichen Gespür für Künstler und Songs. So holte er in seiner Zeit bei Columbia Records (1967-1973) unter anderem Janis Joplin, Bruce Springsteen, Santana, Billy Joel, Aerosmith, Chicago und Pink Floyd zum Label. Nach seinem Ausscheiden 1973 gründete er Arista Records und schrieb dort das nächste Kapitel Musikgeschichte. Unter seiner Führung entwickelten sich Barry Manilow, Patti Smith, Aretha Franklin und Dionne Warwick weiter, später entstanden mit LaFace Records und Bad Boy Records zudem Plattformen für Künstler wie TLC, Toni Braxton, Usher, Outkast und The Notorious B.I.G.

Clive Davis war dabei mehr als ein klassischer Manager. Er griff in Repertoirefragen ein, entschied über Singles und Arrangements und bewies immer wieder einen außergewöhnlichen Instinkt für Hits. Seine Überzeugungskraft machte ihn zu einer der einflussreichsten Figuren der amerikanischen Musikindustrie. Insgesamt war er an Hunderten Nummer-eins-Erfolgen beteiligt und wurde im Laufe seiner Karriere mit fünf Grammy Awards ausgezeichnet. Bereits im Jahr 2000 wurde er als Non-Performer in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Auf die Nachricht von seinem Tod reagierten zahlreiche Musiker mit bewegenden Worten:

„Verstand die Kraft zeitgenössischer Musik“

„Hier drüben auf der E Street trauern wir um den Tod des großartigen Plattenmanagers und engen Freundes Clive Davis. Mit 22 Jahren veränderte er mein Leben, als er mich bei Columbia Records unter Vertrag nahm. Er begegnete mir als völlig unbekanntem 22-Jährigen mit demselben Respekt und derselben Freundlichkeit wie später, nach all meinen Erfolgen. Ein großer Mensch. Unsere Gedanken, unsere Gebete und unsere ganze Liebe sind bei ihm.“
(Bruce Springsteen)

„Unsere Gedanken sind bei den Freundinnen, Freunden und der Familie von Clive Davis – und bei all den Künstlern und Musikliebhabern, deren Leben er mit seiner Vision, seinem Talent und seiner Großzügigkeit verändert hat. 1972 entdeckte er Aerosmith, damals eine unbekannte Barband, und nahm uns kurz darauf bei Columbia Records unter Vertrag. Er hielt auch während unseres Comebacks in den 1980er-Jahren zu uns, als unsere Zukunft keineswegs gesichert war. Ein großer Mensch, dessen Lebenswerk zur Melodie der modernen Kultur wurde und dessen Andenken immer ein Segen sein wird.“
(Aerosmith)

„Er glaubte von Anfang an an mich – als ich gerade einmal 18 Jahre alt war und nur sehr wenige erkannten, wozu ich fähig war. […] Sein Einfluss reicht weit über die Musik hinaus. Er lebt in den unzähligen Künstlern weiter, die er gefördert hat, in den Träumen, die er Wirklichkeit werden ließ, und in der Liebe, die er so vielen Menschen entgegengebracht hat. Hätte er in mir damals nicht den ersten Schimmer dessen erkannt, was einmal werden sollte, hätten wir beide uns vielleicht nie kennengelernt und wären nie gemeinsam auf diese tiefe musikalische Reise gegangen. Wir werden heute und für immer dein außergewöhnliches Leben, dein Vermächtnis und dein großes Herz feiern. Du wirst uns mehr fehlen, als Worte ausdrücken können. Umso dankbarer bin ich, dass ich dich so lange an meiner Seite haben durfte.“
(Alicia Keys)

„Clive Davis überzeugte mich vor vielen Jahren, bei Columbia Records zu unterschreiben. Er erkannte das Talent großer Musiker und verstand die Kraft zeitgenössischer Musik. Ich werde Clive immer dankbar dafür sein, dass er die entscheidende Bedeutung des Songwritings erkannt hat. Während seiner Amtszeit als Präsident von Columbia Records hat er das Ansehen der Musikindustrie zweifellos gestärkt.“
(Billy Joel)

„Für mehr als ein halbes Jahrhundert wurden die größten Superlative bemüht, um den unvergleichlichen Clive Davis zu beschreiben und ihm Tribut zu zollen. Ohne Clive hätte es sehr gut sein können, dass es Earth, Wind & Fire nicht gegeben hätte – zumindest nicht so, wie unsere Geschichte geschrieben wurde. Wir sind für die Rolle, die er in unserem Leben gespielt hat, für immer dankbar. Wir werden unseren Freund schmerzlich vermissen. Ein Gentleman mit Stil. Ein Genie. Ein Gigant. Der große Clive Davis. Liebe und Gebete für seine Familie.“
(Earth, Wind & Fire)

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Vorerst kein neues Album

„We’re gonna do it, we’re gonna play“, erklärt Gould auf Nachfrage nach einer möglichen Reunion. Die Band habe gemeinsam entschieden, dass sie noch einige Jahre in der Lage sei, die auch physisch anspruchsvollen Shows auf dem gewohnten Niveau zu spielen. Deshalb wolle man es noch einmal versuchen.

Ein neues Album wird es derweil wohl nicht geben: „Mit dieser Band ist es wirklich schwer, Alben zu machen. Ich habe mit dieser Band noch kein einziges Album aufgenommen, bei dem ich sagen könnte, dass es Spaß gemacht hat“, gibt Gould zu. „Ich mag die Musik, ich mag, was wir geschaffen haben und ich bin froh, dass wir es gemacht haben. Aber Spaß gemacht hat es eigentlich nie. Deshalb muss ich wirklich darüber nachdenken, ob ich das noch einmal machen möchte.“

Fast weltweite Tournee

Dafür wird Gould jedoch in puncto Tourplänen konkreter: Faith No More wollen demnach 2027 wieder in Europa, Südamerika, Australien und den USA auftreten. Als möglichen Startzeitpunkt nennt er Januar oder Februar. Die Rückkehr wäre das erste gemeinsame Auftreten der Band seit 2016. Eine bereits angekündigte Reunion-Tour für 2020 fiel zunächst der Corona-Pandemie zum Opfer. Die später neu angesetzten Termine wurden 2021 abgesagt, nachdem Sänger Mike Patton aufgrund psychischer Belastungen seinen Rückzug erklärte. In den folgenden Jahren äußerten sich die Bandmitglieder mehrfach widersprüchlich über die Zukunft von Faith No More. Keyboarder Roddy Bottum sprach zeitweise sogar von einer „semi-permanenten Pause“, während Gould Anfang 2025 einräumte, selbst nicht genau zu wissen, wie es um die Band stehe. Jetzt haben sich die Bandmitglieder anscheinend auf einen neuen gemeinsamen Anlauf verständigt.

Faith No More im Netz:

Offizielle Website

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Interessantes haben auch die anderen Interviewpartner Andreas Björler, Innes Sibun und Björn Meyer zu berichten, ganz zu schweigen von Laura, Coen und Rudi Bults von The Fellowship Of Acoustics, deren Firma dieses Jahr 25. Jubiläum feiert.

Hardware & Setup

Getestet werden E-Gitarren von Fender, Shergold und Hopf, Bässe von Harley Benton und Lakland sowie (Pre-)Amps von Fame und Laney. Im Workshop-Teil geht’s dann um John Scofield, Brent Mason, um Pentatonik, Fuzz-Pedale und Künstliche Intelligenz. Buntes Programm, kann mal wohl sagen!

Highlights der Ausgabe

Interviews

• Kuddel & Die Toten Hosen: Und wenn einmal der Abschied naht …
• Kiefer Sutherland: Mr. Americana
• Anders Björler & At The Gates: Der lange Abschied
• Innes Sibun: Viel von Robert Plant gelernt
• Björn Meyer: Tiefe hören
  

Tests

• Fender 75th Anniversary American Ultra II Telecaster, E-Gitarre
• Shergold Masquerader Standard SM11, E-Gitarre
• Fender California Standard Monterey E, Acoustic
• Lakland HH-30 Hutch Hutchinson Signature Bass
• Fame Magician 15 & GC-112 Vintage 30 Cab, Tube/Modeling-Head
• Laney DB-EAST-PRE Nathan East Preamp

Workshops

• Solo Basics: „Softly, as in a Morning Sunrise” – Teil 3
• Blues Bootcamp: The King of Nashville – Brent Mason
• Bass Basics: Griffbrett-Orientierung, Pentatonik – Teil 2
• Till & Tone: Fuzzinierend, Captain!
• Parts Lounge: KI-K.O.? – Teil 2

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„Ein schelmisches Album“

2011 zogen sich Produzent Ben Hillier und Coxon gemeinsam in die Pool Studios in Bermondsey zurück und nahmen innerhalb weniger Wochen rund 20 Songs auf. „Wir sind ständig zwischen den 20 Songs hin- und hergesprungen und haben sie ziemlich ungeordnet aufgenommen“, erinnert sich der Gitarrist. „Im Grunde hatten wir einfach jede Menge Spaß.“ Schnell zeigte sich jedoch, dass das Material in zwei unterschiedliche Richtungen driftete. Ein Teil entwickelte sich zu dem kantigen, von Post-Punk und elektronischen Einflüssen geprägten Album ‚A+E‘, das 2012 erschien. Die übrigen Stücke landeten dagegen auf einem separaten Stapel, der schließlich den Namen ‚Castle Park‘ erhielt.

„A+E war so ungestüm, dem Album war einfach alles scheißegal“, erinnert sich Coxon. „Es bestand aus Riffs, die einem direkt um die Ohren fliegen, und hatte etwas herrlich Freches. Daneben gab es aber diese andere Seite, aus der Castle Park entstand – ein schelmisches Album über Romantik, Trennungen, Herzschmerz und das Gefühl von Entfremdung.“ Dieser Gegensatz prägt das Album bis heute.

Der Titel verweist auf einen Park in Coxons Heimatstadt Colchester, wo er als Jugendlicher viel Zeit verbrachte. Entsprechend durchziehen Erinnerungen, verlorene Beziehungen und nostalgische Bilder das gesamte Album. „Ein paar Beziehungen waren gescheitert, und ich hatte damals immer wieder mit Herzschmerz zu kämpfen. Entsprechend stark war der Jugendliche in mir noch präsent.“ Trotzdem oder gerade deswegen kommen die zehn Songs erstaunlich leichtfüßig daher. Sentimental und beschwingt gleichzeitig.

Schrammelige Signature-Sounds

Bereits der Opener ‚Billy Says‘ macht deutlich, warum diese Stücke nicht auf ‚A+E‘ gelandet sind. Statt schroffer Gitarren und elektronischer Ausbrüche gibt es hier melodieverliebten britischen Gitarrenpop, der an The Jam, The Kinks, The Who oder die Beatles der mittleren Sechzigerjahre erinnert. Auch die Nähe zu Blurs ‚Modern Life Is Rubbish‘ und ‚Parklife‘ lässt sich stellenweise kaum überhören. Gleichzeitig bleibt Castle Park unverkennbar ein Solowerk. Coxon setzt stärker auf klassische Songstrukturen, eingängige Refrains und fein ausgearbeitete Arrangements. Immer im Mittelpunkt: Schrammelige E- oder A-Gitarren, meistens Dur-Akkorde intonierend.

Coxon hatte im Jahr 2011 gerade ein Signature-Modell einer Fender Telecaster auf den Leib geschneidert bekommen, mit einem Seymour Duncan SH-1 Humbucker am Hals, einem klassischen Tele-Singlecoil am Steg sowie einem Eschekorpus und Palisandergriffbrett. Die Fender Graham Coxon Telecaster basiert auf der modifizierten 1968er Telecaster des Blur-Gitarristen und ist heute nicht mehr erhältlich. (Am nähesten an die Coxon-Spezifikationen kommt aktuell die Fender Player II Modified Telecaster SH MN.)

Akkordfolgen im Traum

Mit Stücken wie ‚There’s A Little House‘, ‚Easy‘ oder ‚Alright‘ bewegt sich das Album teilweise näher am klassischen Pop als viele seiner früheren Soloveröffentlichungen. Coxon selbst bezeichnet ‚Castle Park‘ als „a lot softer and warmer record“. Dennoch bleibt genug Raum für Experimente. Das verträumte ‚Isn’t It Funny‘ entstand teilweise aus einem Traum: „Die gesamten Background-Gesänge und die Akkordfolgen habe ich im Traum gehört“, erzählt Coxon. „Da dachte ich nur: Mein Gott, daraus muss ich einen Song machen.“ Das Instrumental ‚Mélodie Pour Christine‘ erweitert das Klangbild um barocke Streicher, während ‚Dripping Soul‘ mit seinem galoppierenden Rhythmus und den Morricone-Anleihen stark an Coxons Soundtrack-Arbeiten erinnern.

Tracklist

01. Billy Says
02. Alright
03. When You Find Out
04. Isn’t It Funny
05. There’s A Little House
06. Easy
07. Dripping Soul
08. Forget Today
09. Mélodie Pour Christine
10. All The Rage

Album-VÖ: 19. Juni 2026
Label: Transgressive Records / PIAS Records
www.grahamcoxon.co.uk

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