Kim Gordon hat Anfang der Achtzigerjahre gemeinsam mit Thurston Moore und Lee Ranaldo die Band Sonic Youth gegründet, die mit unkonventionellen Gitarrenstimmungen, Noise-Feedback und experimentellen Klangstrukturen mittels zahlreichen Effekten großen Einfluss auf die Entwicklung von Noise Rock und Indie Rock nahm.

Welche Feature die neue Signature Jazzmaster mitbringt, schauen wir uns im Folgenden an!

Kim Gordon: Von Sonic Youth zur Solokünstlerin

Kim Gordon war bei Sonic Youth vor allem als Bassistin und Sängerin bekannt, griff aber auch regelmäßig zur Gitarre. Neben ihrer musikalischen Arbeit ist sie seit Jahrzehnten als bildende Künstlerin tätig und veröffentlichte 2015 ihre Autobiografie Girl in a Band.

Nach dem Ende von Sonic Youth widmete sie sich verstärkt eigenen musikalischen Projekten. Auf ihr Solodebüt No Home Record von 2019 folgte 2024 das Album The Collective. Im März 2026 erschien mit Play Me ihr drittes Soloalbum. Ihre Musik bewegt sich weiterhin zwischen Noise Rock, elektronischen Einflüssen sowie spannenden Klangexperimenten.

Jazzmaster in Olympic White mit Seymour Duncan JB TB-4 Zebra Humbucker

Die neue Fender Limited Edition Kim Gordon Jazzmaster greift die klassische Form des Offset-Modells der 1960er-Jahre auf, setzt bei der Ausstattung jedoch einige eigene Akzente. Der Erlekorpus trägt ein glänzendes Finish in Olympic White, das sich auf der Kopfplatte fortsetzt. Dazu kommen ein dreilagiges schwarzes Schlagbrett und ein Palisandergriffbrett mit weißen Pearloid-Block-Inlays, wodurch der schlichte Look der Gitarre wunderbar abgerundet wird.

Der geschraubte Ahornhals besitzt ein Modern-C-Profil, einen Griffbrettradius von 9,5 Zoll und 22 Medium-Jumbo-Bünde. Die Mensur beträgt Jazzmaster-typische 25,5 Zoll beziehungsweise 648 mm.

Besonders interessant ist die Tonabnehmerbestückung. Am Steg sitzt ein Seymour Duncan JB TB-4 Humbucker, während in der Halsposition ein Fender Player Series Alnico 5 Jazzmaster Single-Coil zum Einsatz kommt. Damit liefert das Signature-Modell sowohl kräftige Humbucker-Sounds als auch knackige Jazzmaster-Single Coil-Klänge.

Gesteuert werden die beiden Pickups über einen 3-Wege-Toggle-Switch sowie einen gemeinsamen Volume- und Tone-Regler. Auf die für traditionelle Jazzmaster-Modelle typische zusätzliche Rhythm-Circuit-Schaltung verzichtet Fender bei dieser Signature-Gitarre.

Hardware mit ClassicGear-Mechaniken und „Floating“-Tremolo hält sich klassisch

Bei der Hardware bleibt die Kim Gordon Jazzmaster der klassischen Jazzmaster-Konstruktion weitgehend treu. Sie besitzt eine Jazzmaster-Bridge mit Mustang-Saitenreitern und ein Vintage-Style-Floating-Tremolo mit einsteckbarem Hebel. Fender ClassicGear-Mechaniken und verchromte Hardware vervollständigen die Hardware.

Die in Mexiko gefertigte Fender Limited Edition Kim Gordon Jazzmaster bietet damit eine vielseitige Grundlage für Sounds zwischen Noise-Rock, Grunge und Shoegaze.

Die Kombination aus kräftigem Steg-Humbucker und Jazzmaster-Single-Coil eignet sich sowohl für dichte High-Gain-Sounds als auch für effektgeladene Klangflächen.

Fotos: Fender

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Überarbeitete Technik und 140 Watt Leistung

Die Spark CAB 2 baut auf dem Konzept ihres Vorgängers auf, wurde laut Positive Grid jedoch sowohl akustisch als auch elektronisch überarbeitet. Eine neue Abstimmung der Lautsprecher und ein optimierter Signalweg sollen für eine klarere Wiedergabe bei unterschiedlichen Lautstärken sorgen.

Im Inneren arbeitet eine Class-D-Endstufe mit 140 Watt RMS und 400 Watt Spitzenleistung, die einen 10”-Tieftöner und zwei 1”-Hochtöner antreibt. Der angegebene Frequenzbereich reicht von 45 Hz bis 20 kHz, während der Schalldruck laut Hersteller bis zu 118 dB SPL beträgt. Damit soll sich die Spark CAB 2 sowohl für das Üben zu Hause als auch für Proben und den Bühneneinsatz eignen.

Zur weiteren Anpassung stehen ein Contour-Schalter für die Klangabstimmung und ein Ground-Lift-Schalter zur Verfügung, mit dem sich mögliche Brummschleifen reduzieren lassen.

Mehr Anschlüsse und Stromversorgung für Spark-Geräte

Neben einem dedizierten 3,5-mm-Stereoeingang für kompatible Spark-Verstärker bietet die Spark CAB 2 zwei kombinierte XLR/Klinken-Eingänge und einen symmetrischen XLR-Ausgang. Damit lassen sich auch externe Amp-Modeler, Multieffektgeräte und andere Line-Level-Signalquellen anschließen. Die Lautstärke des internen Lautsprechers und der Pegel des Line-Ausgangs können unabhängig voneinander geregelt werden.

Eine weitere Besonderheit ist die integrierte Stromversorgung für Geräte der Spark-Serie. Über einen DC-Ausgang lassen sich der Spark 2 und Spark 40 betreiben. Ein zusätzlicher USB-C-Anschluss versorgt den Spark MINI, Spark GO und Spark PEDAL mit Strom beziehungsweise lädt diese auf. Derselbe Anschluss wird außerdem für Firmware-Updates genutzt.

Feature im Überblick:

• Überarbeitete zweite Generation der Spark CAB
• Geeignet für Spark-Verstärker, Amp-Modeler und Multieffektgeräte mit Line-Level-Ausgang
• Class-D-Endstufe mit 140 Watt RMS / 400 Watt Peak
• 1x 10”-Tieftöner und 2x 1”-Hochtöner
• Frequenzbereich: 45 Hz – 20 kHz
• Maximaler Schalldruck: 118 dB SPL (Herstellerangabe: RMS)
• Contour-Schalter zur Klanganpassung & Ground-Lift-Schalter zur Reduzierung von Brummschleifen
• Dedizierter 3,5-mm-Stereoeingang für Spark-Verstärker mit Eingangswahlschalter
• 2x kombinierte XLR/Klinken-Eingänge (Mono) & 1x symmetrischer XLR-Ausgang
• Separate Lautstärkeregler für Lautsprecher und Line-Ausgang
• DC-Stromversorgungsausgang für Spark 2 und Spark 40
• USB-C-Stromversorgung für Spark MINI, Spark GO und Spark PEDAL & USB-C-Anschluss für Firmware-Updates
• Holzgehäuse mit Tolex-Bezug und Lautsprechergitter
• Zwei eingelassene Tragegriffe

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Ein schönes Beispiel dafür ist die PRS SE Ed Sheeran Baritone. Mit ihrem Piezo-Tonabnehmer eignet sich die Signature-Gitarre besonders für kreative Anwendungen mit einem Looper. Von tiefen Piezo-Basslinien über akustische Akkordbegleitungen bis hin zu elektrisch abgenommenen Melodien lassen sich damit unterschiedliche musikalische Aufgaben auf einem einzigen Instrument übernehmen.

Trotz eines reichen Katalogs an Baritone-Metal-Brettern reicht die Geschichte der Baritongitarre wesentlich weiter zurück als die modernen Metal-Spielarten, für die sie heute gerne genutzt wird. Ihre Wurzeln liegen unter anderem in der Studiomusik der Fünfzigerjahre, im Country und im charakteristischen Twang früher Rock-’n‘-Roll-Aufnahmen.

Danelectro und die Anfänge der tief gestimmten E-Gitarre

Einer der wichtigsten Namen in der frühen Geschichte tiefer elektrischer Saiteninstrumente ist Danelectro. Das Unternehmen wurde von Nathan Daniel gegründet, der zunächst vor allem Verstärker entwickelte. Bereits in den Vierzigerjahren beschäftigte er sich mit vergleichsweise preisgünstiger Verstärkertechnik, bevor Danelectro ab 1954 auch eigene E-Gitarren fertigte.

Daniels Instrumente zeichneten sich durch einfache und kostengünstige Konstruktionen aus. Statt auf traditionelle Gitarrenbauweisen setzte er unter anderem auf Korpuskonstruktionen mit Masonite-Deckflächen und die charakteristischen Lipstick-Tonabnehmer. Seine Gitarren wurden auch über große amerikanische Versandhäuser unter anderen Markennamen vertrieben.

1956 stellte Danelectro mit dem UB-2 einen sechssaitigen E-Bass vor. Das Instrument besaß eine Mensur von 29,5 Zoll und wurde wie eine gewöhnliche Gitarre gestimmt, allerdings eine Oktave tiefer.

Damit unterschied es sich von der heute üblichen Baritongitarre in H- oder A-Standardstimmung. Dennoch gehört der UB-2 zu den wichtigsten Vorläufern moderner Baritoninstrumente, da er die vertraute Spielweise einer sechssaitigen Gitarre in ein wesentlich tieferes Register übertrug.

Die Idee blieb dabei nicht auf Danelectro beschränkt. Gibson brachte später den EB-6 auf den Markt, während Fender 1961 den Bass VI vorstellte. Auch diese Instrumente bewegten sich zwischen Gitarren- und Bassdesign und eröffneten Studiomusikern neue klangliche Möglichkeiten in tieferen Registern.

Die Frage, wer die erste elektrische Baritongitarre im heutigen Sinne gebaut hat, lässt sich deshalb nicht ganz eindeutig beantworten. Danelectro spielte bei der Entwicklung und Verbreitung sechssaitiger Instrumente mit tiefem Tonumfang jedoch eine entscheidende Rolle.

Tic-Tac-Bass: Twang, Country und die Studiomusik der Sechzigerjahre

Ihre ersten wichtigen Einsatzgebiete fanden tief gestimmte Gitarren vor allem in der amerikanischen Studiomusik. Besonders im Country wurde der sogenannte Tic-Tac-Bass zu einer verbreiteten Aufnahmetechnik.

Dabei wurde eine Basslinie zusätzlich mit einem hell und perkussiv klingenden sechssaitigen Bass oder einem vergleichbar tief gestimmten Gitarreninstrument gedoppelt. Die Kombination verlieh dem Bassfundament mehr Anschlag und Definition. Gerade auf den damaligen Aufnahmen, bei denen sich tiefe Frequenzen nicht immer besonders deutlich übertragen ließen, konnte dieser zusätzliche Klanganteil einen erheblichen Unterschied machen.

Ein weiterer wichtiger Name ist Duane Eddy. Der amerikanische Gitarrist wurde Ende der Fünfzigerjahre mit seinem tiefen, hallreichen Twang-Sound bekannt. Seine instrumentalen Aufnahmen zeigten, dass tiefe Gitarrenregister nicht nur zur Begleitung geeignet waren, sondern auch eingängige Melodien tragen konnten.

Dieser Sound beeinflusste die Instrumentalmusik der folgenden Jahre und fand sich in unterschiedlichen Formen im Rockabilly, Country und Surf Rock wieder. Die tiefe Gitarre war damit zunächst weniger ein Mittel für besonders schwere Riffs als vielmehr eine Möglichkeit, Melodien und Basslinien eine eigene Klangfarbe zu verleihen.

Ennio Morricone und der Gitarrensound der Italo-Western

Auch in der Filmmusik der Sechzigerjahre hinterließ der tiefe Gitarrensound seine Spuren. Besonders prägend waren die Soundtracks, die der italienische Komponist Ennio Morricone für die Western von Sergio Leone schrieb. Hallreiche Gitarren, straffe Einzelnoten und ungewöhnlich tiefe Klangfarben wurden zu charakteristischen Elementen dieser Filmmusik und prägen unsere Vorstellung vom klassischen Western-Sound bis heute.

Für Filme wie Für eine Handvoll Dollar (1964), Für ein paar Dollar mehr (1965) und Zwei glorreiche Halunken (1966) kombinierte Morricone klassische Orchesterinstrumente mit E-Gitarren, Pfeifen, Chöre, Percussion und weiteren eingängigen Klangelementen wie beispielsweise die westerntypische Mundorgel.

Zu seinen musikalischen Weggefährten gehörten unter anderem Alessandro Alessandroni, dessen charakteristisches Pfeifen zum Erkennungsmerkmal der frühen Leone-Western wurde, sowie der Gitarrist Bruno Battisti D’Amario. Gerade die elektrischen Gitarrenparts erhielten in Morricones Kompositionen oft eine unkonventionell prominente Rolle zwischen größtenteils orchestralen Arrangements.

Der Zusammenhang zur Baritongitarre liegt vor allem in der Klangästhetik. Tiefe, klar angeschlagene Gitarrentöne, lange Hallfahnen und melodische Linien mit viel Raum zwischen den Noten gehören bis heute zu den Sounds, für die Baritongitarren besonders gerne eingesetzt werden.

Ennio Morricones Cinema Paradiso (1988) auf einer Baritongitarre:

Allerdings sollte man hier unterscheiden: Nicht jeder tiefe Gitarrenklang auf einem Morricone-Soundtrack stammt nachweislich von einer Baritongitarre. Die genaue Instrumentierung einzelner Aufnahmen ist nicht immer eindeutig dokumentiert. Der Einfluss dieser Filmmusik auf den heutigen Western- und Baritone-Sound ist dennoch deutlich hörbar. Wer heute eine Baritongitarre mit viel Federhall und leichtem Tremolo spielt, bewegt sich klanglich häufig in genau diesem Italo-Western-Sound.

In den folgenden Jahrzehnten blieb die Baritongitarre zunächst ein eher spezielles Instrument für Studiomusiker oder experimentierfreudige Session-Gitarristen. Ihren charakteristischen Klang entdeckten jedoch immer wieder Musiker außerhalb der Country- und Instrumentalszene.

Ein bekanntes Beispiel ist der Soundtrack zur Fernsehserie Twin Peaks aus dem Jahr 1990. Die Musik von Angelo Badalamenti und die Gitarrenarbeit von Vinnie Bell griffen auf einen düsteren Klang zurück, der die Baritongitarre erneut mit geheimnisvollen und filmischen Klangwelten verband.

Vom Western zum modernen Metal

Auch im Classic Rock, Heavy Metal und Hardrock fanden tiefe Gitarrenregister bereits früh Verwendung. Bands experimentierten mit alternativen tiefen Stimmungen, erweiterten ihren Tonumfang und nutzten die längere Mensur nicht nur für einzelne Bass-Melodielinien, sondern zunehmend auch für Akkorde und Riffs.

Tiefe Stimmung mit herkömmliche 25,5″-Gitarren

Allerdings bedeutete das nicht automatisch den Einsatz von Baritongitarren: Viele Musiker verwendeten zunächst herkömmliche 25,5″-Gitarren mit stärkeren Saiten oder griffen zu siebensaitigen Modellen.

Jimi Hendrix spielte häufig einen Halbton unter der üblichen E-Standardstimmung, während Tony Iommi für Black Sabbaths Album Master of Reality (1971) sogar drei Halbtöne tiefer auf Cis stimmte. Bei Iommi hatte das zunächst praktische Gründe: Die geringere Saitenspannung erleichterte ihm das Spielen, da er aufgrund eines schweren Arbeitsunfall in einer Blechfabrik die Fingerkuppen seines Mittel- und Ringfingers an der rechten Hand im Alter von 17 Jahren verloren hat. Gleichzeitig trug die tiefe Stimmung zum schweren Klang der Band bei und bereitete den Downtuning-Sound späterer Hardrock- und Metal-Bands vor.

Moderne Bariton-Bretter

Einen anderen Weg gingen Musiker wie Mike Mushok von Staind und Pete Loeffler von Chevelle, die Baritongitarren zu einem festen Bestandteil ihres Sounds machten. Auch James Hetfield griff für Metallicas „Invisible Kid“ auf dem Album St. Anger (2003) zu einer speziell angefertigten ESP-Baritongitarre. Mit dem Aufkommen sieben- und achtsaitiger Instrumente verschwammen die Grenzen schließlich weiter: Gitarristen wie Stephen Carpenter von den Deftones kombinierten zusätzliche Saiten mit längeren Mensuren, um noch tiefere Tonbereiche zu erschließen.

Wie unterschiedlich moderne Baritongitarren ausfallen können, zeigen aktuelle Signature-Modelle aus dem Jahr 2026. Für Sleep-Token-Gitarrist IV entwickelte Jackson die Pro Plus Series Signature Monarkh SC mit einer enorm langen 30″-Mensur, EverTune-Bridge und Fishman-Fluence-Humbuckern. Das Instrument ist auf eine Stimmung ausgelegt, die eine ganze Oktave unter E-Standard liegt, und bewegt sich damit bereits im Tonbereich eines sechssaitigen Basses.

Einen völlig anderen Ansatz verfolgt die PRS SE Ed Sheeran Baritone Piezo. Sie besitzt eine 27,7″-Mensur und kombiniert zwei Humbucker mit einem Piezo-System. Gerade für Ed Sheerans Spielweise mit Looper eröffnet das die Möglichkeit, Basslinien, Akkorde und Melodien mit einem einzigen Instrument einzuspielen. Beide Gitarren zeigen, dass eine längere Mensur längst nicht mehr ausschließlich für besonders tiefe Metal-Riffs interessant ist.

Braucht man für tiefe Stimmungen wirklich eine Baritongitarre?

Die Baritongitarre hat sich über die Jahrzehnte vom speziellen Studioinstrument zu einer festen Größe in zahlreichen Musikrichtungen entwickelt. Doch braucht man für tiefe Stimmungen tatsächlich eine längere Mensur? Nicht unbedingt. Wie schon die Beispiele zahlreicher Rock- und Metal-Gitarristen zeigen, lassen sich auch herkömmliche E-Gitarren problemlos herunterstimmen. Entscheidend sind dabei unter anderem die Saitenstärke, das Setup und natürlich die persönlichen Vorlieben beim Spielgefühl.

Je nach Einsatzbereich kann eine Baritongitarre allerdings durchaus sinnvoll sein, insbesondere wenn man sich regelmäßig in Stimmungen unterhalb von H-Standard bewegt. Die längere Mensur erleichtert es, auch bei sehr tiefen Tönen eine straffere Saitenspannung und einen definierten Anschlag beizubehalten, was bei 25,5“ schnell matschig klingen kann.

Ich selbst habe lange überlegt, ob ich für meine persönlichen Metal-Anwendungen wirklich eine Baritongitarre brauche. Da ich allerdings meist in Drop C oder Drop-H spiele und nicht noch tiefer stimme, reicht mir sogar meine Ibanez Gio mit regulärer 25,5″-Mensur. Mit einem .010–.054-Saitensatz (Beefy Bottom) liefert sie für meinen Geschmack einen knackigen, fetten Sound. Eine Baritongitarre ist also keineswegs eine Voraussetzung für tiefe Riffs, sondern vor allem eine weitere Möglichkeit, Klang und Spielgefühl an die eigenen Anforderungen anzupassen.

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Titelbild: Western-Landschaft mithilfe von KI erstellt / Fender: Jackson Pro Sig Sleep Token IV Monarkh Transparent Black Burst Lifestlye

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Auch wenn V-förmige Gitarren im Sitzen nicht gerade bequem zu spielen sind, erfreuen sie sich besonders auf der Bühne großer Beliebtheit. Im Stehen kommt die Korpusform schließlich erst richtig zur Geltung. Doch wie hat sich das V-Design über die Jahrzehnte entwickelt? Wir werfen einen Blick auf die Geschichte der Flying V und weiteren Modellen, die aus der ursprünglichen Idee entstanden sind.

Gibson Flying V: Ein futuristisches Experiment von 1958

Ende der Fünfzigerjahre wollte Gibson mit einigen experimentellen Gitarrenentwürfen neue Wege einschlagen. Unter Firmenpräsident Ted McCarty entstand die sogenannte Modernistic-Serie, zu der neben der Flying V auch die Explorer sowie die Entwürfe Futura und Moderne gehörten. Die Instrumente sollten zeigen, dass Gibson nicht nur traditionelle Gitarren – wie etwa die ES-335 oder die klassische Les Paul – bauen konnte, sondern auch ein Gespür für moderne und ausgefallene Designs besaß.

Die Flying V wurde 1958 offiziell vorgestellt, nachdem bereits 1957 erste Prototypen entstanden waren. Ihre symmetrische, pfeilförmige Korpusform unterschied sich deutlich von den damals etablierten E-Gitarren. Auch die Holzauswahl unterschied sich von ihren bisherigen Modellen: Für die erste Serie verwendete Gibson afrikanisches Limba-Holz, besser bekannt als Korina. Die helle Holzfarbe passte zum futuristischen Erscheinungsbild und machte eine aufwendige Behandlung für das gewünschte Naturfinish überflüssig.

Technisch blieb Gibson dagegen weitgehend bei bewährten Konzepten. Die Flying V besaß einen eingeleimten Hals, eine 24,75″-Mensur und zwei Humbuckern. Ungewöhnlich war jedoch die Saitenführung über eine V-förmige Metallplatte, durch die die Saiten zum Korpus geführt wurden. Damit die Gitarre beim Spielen im Sitzen nicht vom Oberschenkel rutschte, erhielten frühe Exemplare außerdem einen Gummistreifen an der unteren Korpuskante.

Trotz ihres auffälligen Designs entwickelte sich die Flying V zunächst nicht zum Verkaufserfolg, was wohlmöglich an der bis dato eher traditionellen Ausrichtung der Marke lag. Laut den überlieferten Gibson-Zahlen wurden 1958 lediglich 81 Exemplare ausgeliefert, 1959 waren es sogar nur 17. Anfang der Sechzigerjahre folgten noch einige weitere Instrumente aus vorhandenen Beständen. Anschließend verschwand das Modell vorerst aus der regulären Produktion.

Vom Ladenhüter zur Rock-Ikone

Dass die Flying V heute als Klassiker gilt, verdankt sie nicht zuletzt den Musikern, die ihre Korpus-Form auf die Bühne brachten. Zu den frühen prominenten Spielern gehörten die Bluesgitarristen Lonnie Mack und Albert King. Auch Jimi Hendrix griff später zur Flying V und trug dazu bei, dass das Instrument eine neue Aufmerksamkeit erhielt.

1967 nahm Gibson das Modell wieder ins Programm auf. Die Neuauflage unterschied sich in mehreren Punkten vom Original: Statt Korina kam nun überwiegend Mahagoni zum Einsatz, die Korpusform wurde leicht verändert und auch die Hardware überarbeitet. Vor allem aber hatte sich die musikalische Umgebung verändert. Die elektrische Gitarre stand zunehmend im Mittelpunkt einer lauteren Rockmusik, und die auffällige Flying V passte hervorragend für diese neuen Genres auf große Bühnen.

In den Siebziger- und Achtzigerjahren wurde die V-Form immer stärker mit Hardrock und Heavy Metal verbunden. Michael und Rudolf Schenker, K. K. Downing von Judas Priest und später auch James Hetfield von Metallica gehören zu den bekanntesten Gitarristen, die mit V-förmigen Instrumenten in Verbindung gebracht werden. Besonders Michael Schenkers schwarz-weiße Flying V entwickelte sich zu einem unverwechselbaren Markenzeichen.

Die Flying V hatte damit eine erstaunliche Entwicklung hinter sich: Aus einem kommerziell wenig erfolgreichen Designexperiment war eine der ikonischsten Gitarrenformen der Rockgeschichte geworden.

Dean V: Die nächste Interpretation folgt 1977

Knapp zwanzig Jahre nach der Vorstellung der Gibson Flying V tauchte ein weiterer amerikanischer Hersteller auf, der das V-Konzept auf seine Weise interpretierte. Dean Zelinsky gründete 1977 die Firma Dean Guitars und brachte mit der ML, der Z und der V gleich mehrere auffällige E-Gitarren auf den Markt.

Die Dean V orientierte sich erkennbar an Gibsons Flying V, erhielt aber einige charakteristische Eigenheiten. Besonders auffällig war die große, gespreizte V-Kopfplatte, die zu einem Erkennungsmerkmal der frühen Dean-Gitarren wurde. Zusammen mit dem V-förmigen Saitenhalter entstand ein Design, das die ursprüngliche Gibson-Idee aufgriff und optisch weiter zuspitzte.

Dean setzte mit seinen frühen Instrumenten bewusst auf auffällige Formen, hochwertige Ausstattungen und eine eigenständige Markenidentität. Während Gibson seine Flying V inzwischen wieder etabliert hatte, zeigte Dean, dass sich das Grundkonzept auch jenseits des Originals weiterentwickeln ließ.

Die Dean V fand später ebenfalls ihren Platz in der härteren Gitarrenmusik. Zu den bekannten Spielern der Marke gehören unter anderem Michael Schenker und Michael Amott. Gerade Schenker ist ein interessantes Bindeglied in der Geschichte der V-Gitarre, weil er sowohl mit der klassischen Gibson-Form als auch mit späteren Dean-Modellen auf die Bühne ging.

1980: Randy Rhoads und Grover Jackson

Anfang der Achtzigerjahre nahm die Entwicklung der V-Gitarre eine neue Richtung. Der Gitarrist Randy Rhoads hatte sich zunächst mit Quiet Riot einen Namen gemacht und war seit 1979 Mitglied von Ozzy Osbournes Band. Sein technisch anspruchsvolles Spiel, in dem sich Hardrock und klassische Einflüsse begegneten, machte ihn innerhalb kurzer Zeit zu einem der vielversprechendsten Gitarristen seiner Generation.

Rhoads spielte bereits eine auffällige, schwarz-weiß gepunktete V-Gitarre, die Karl Sandoval für ihn gebaut hatte. Doch er wollte ein weiteres Instrument, das sich noch deutlicher von den bekannten Gitarrenformen abhob.

Im Dezember 1980 traf er sich deshalb mit Grover Jackson, der zuvor die Firma Charvel übernommen hatte. Gemeinsam arbeiteten sie an einer neuen V-Gitarre, deren Korpus nicht mehr aus zwei gleich langen Flügeln bestehen sollte. Stattdessen erhielt die Form eine deutlich längere obere und eine kürzere untere Spitze. Die asymmetrische Silhouette wirkte noch kantiger und aggressiver als die klassische Flying V.

Aus der Flying V wird die Concorde

Der erste Prototyp wurde Anfang 1981 fertiggestellt. Er besaß eine weiße Lackierung mit schwarzen Zierstreifen und erhielt den Namen Concorde. Die Bezeichnung spielte auf das gleichnamige Überschallflugzeug an, mit dem Rhoads Ende 1980 von Europa in die USA gereist war.

Die Concorde war aber nicht nur wegen ihrer Form bedeutend. Grover Jackson entschied sich, das Instrument unter seinem eigenen Namen statt unter dem bereits etablierten Charvel-Logo zu bauen. Damit entstand die Grundlage für die Marke Jackson Guitars, die in den folgenden Jahren zu einem der wichtigsten Hersteller moderner Metal-Gitarren werden sollte.

Die Jackson Rhoads: Eine Gitarre wird zur Legende

Die Entwicklung blieb nicht beim ersten Concorde-Prototyp stehen. Randy Rhoads und die Gitarrenbauer von Jackson arbeiteten weiter an der Form. Ende 1981 entstand eine überarbeitete schwarze Version, bei der insbesondere die längere Korpusspitze noch stärker betont wurde. Auch die später für Jackson typischen Sharkfin-Griffbretteinlagen gehörten zu den auffälligen Details.

Am 19. März 1982 starb Randy Rhoads im Alter von nur 25 Jahren bei einem Flugzeugabsturz. Er erlebte den späteren Erfolg der nach ihm benannten Gitarre nicht mehr.

Jackson führte das Modell jedoch weiter und machte die asymmetrische V unter dem Namen Randy Rhoads, kurz Rhoads oder RR, bekannt. Die Gitarre entwickelte sich zu einem der wichtigsten Modelle des Herstellers und zu einer festen Größe im Heavy Metal.

Im Laufe der Jahre entstanden zahlreiche Varianten mit unterschiedlichen Halskonstruktionen, Tonabnehmern und Brückensystemen. Besonders Modelle mit durchgehendem Hals, leistungsstarken Humbuckern und Floyd-Rose-Tremolo stehen für den typischen Jackson-Charakter. Daneben gibt es bis heute einfachere Ausführungen mit geschraubtem Hals sowie zahlreiche Custom-Shop-Instrumente.

Die eigentliche Besonderheit der Rhoads bleibt jedoch ihre Korpusform. Während die Gibson Flying V noch eine weitgehend symmetrische Konstruktion besaß, setzte Jackson auf ein bewusst unausgewogenes Erscheinungsbild. Damit wurde die V-Gitarre endgültig zu einer Form, die nicht nur futuristisch, sondern regelrecht für die aufkommende Entwicklung härter musikalischer Gangarten stand.

Jackson King V: Die symmetrische V kehrt zurück

Jackson beschränkte sich allerdings nicht auf die asymmetrische Rhoads. Bereits in den Achtzigerjahren entstanden weitere spitze V-Entwürfe, aus denen sich unter anderem die Jackson King V entwickelte.

Anders als bei der Rhoads sind die beiden Korpusflügel der King V gleich lang. Die Form erinnert damit wieder stärker an die ursprüngliche Gibson Flying V, wirkt durch ihre scharf zulaufenden Spitzen aber wesentlich radikaler.

Robbin „King“ Crosby, Gitarrist der US-Glam-Metal-Band Ratt, trug zur Bezeichnung der King V bei, während später Gitarristen wie Dave Mustaine über viele Jahre ebenfalls mit

Mit der King V hatte Jackson zwei unterschiedliche Interpretationen der V-Form im Programm: die asymmetrische Rhoads und die symmetrische, besonders spitz gezeichnete King V. Beide wurden zu festen Bestandteilen der Metal-Gitarrenwelt und beeinflussten zahlreiche spätere Varianten dieser Bauform.

ESP Arrow und moderne Metal-Vs: Die Form wird immer extremer

Auch andere Hersteller griffen die Idee der spitz zulaufenden V später auf. B.C. Rich entwickelte besonders extravagante Varianten, während ESP mit verschiedenen Signature-Modellen und eigenen Korpusformen vor allem im Metal-Bereich Fuß fasste.

Ein bekanntes Beispiel für die moderne Interpretation ist die ESP Arrow. Ihr asymmetrischer Korpus erinnert an das Grundprinzip der Jackson Rhoads, besitzt aber eine eigene, stark zugespitzte Linienführung. Zusammen mit modernen Ausstattungsmerkmalen wie aktiven Humbuckern, Floyd-Rose-Tremolos und besonders flachen Halsprofilen steht die Arrow für die technische und optische Weiterentwicklung der Metal-V.

Auch bei modernen V-Gitarren ist die ursprüngliche Idee von 1958 noch deutlich erkennbar. Die beiden nach außen verlaufenden Korpusflügel bilden weiterhin die Grundlage. Gleichzeitig sind die Proportionen häufig extremer geworden, die Spitzen länger und die Konturen schärfer.

Längst beschränkt sich das V-Design nicht mehr auf klassische Sechssaiter. Verschiedene Hersteller bieten entsprechende Instrumente auch mit sieben oder mehr Saiten, verlängerten Mensuren und Ausstattungen für besonders tiefe Stimmungen an.

Von der futuristischen Idee zur festen Größe im Heavy Metal

Als Ted McCarty und Gibson Ende der Fünfzigerjahre die Flying V entwickelten, stand zunächst der Wunsch nach einem modernen Gitarrendesign im Vordergrund. Dass diese Form Jahrzehnte später zu einem der bekanntesten Symbole des Heavy Metal werden würde, war damals kaum abzusehen.

Mit der Dean V erhielt das Konzept in den Siebzigerjahren eine neue Interpretation. Randy Rhoads und Grover Jackson machten daraus Anfang der Achtzigerjahre eine asymmetrische Gitarre, deren Silhouette bis heute unverwechselbar ist. Die Jackson King V führte den symmetrischen Ansatz in deutlich schärferer Form fort, während moderne Modelle wie die ESP Arrow zeigen, wie sich die Idee auch heute noch weiterentwickeln lässt.

Die Geschichte der V-Gitarre ist damit auch eine Geschichte wechselnder Musikstile und Gitarrengenerationen. Was 1958 vielen Käufern noch zu ungewöhnlich erschien, gehört heute ganz selbstverständlich zur Welt der E-Gitarre.

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Vom Triptychon zum eigenständigen Overdrive

Das Rapture übernimmt die komplette Drive-Sektion des Triptychon, die dort als Grundlage für einen verstärkerähnlichen Zerrcharakter dient. Im Mittelpunkt stehen eine natürliche Kompression, harmonische Obertöne und eine dynamische Ansprache, die auf die Anschlagsstärke reagiert. Dabei soll das Pedal den Grundcharakter der angeschlossenen Gitarre und des Verstärkers möglichst wenig verändern.

Die Bedienung erfolgt zunächst über drei Regler: Drive bestimmt den Zerrgrad und die Intensität der Kompression, während Tone die Klangbalance beeinflusst. Mit Master lässt sich der Ausgangspegel einstellen, um das Signal entweder dezent anzureichern oder einen nachfolgenden Verstärker stärker anzusteuern.

MORE und MOD erweitern die Klangmöglichkeiten

Gegenüber der ursprünglichen Triptychon-Schaltung bietet das Rapture zwei zusätzliche Kippschalter. MORE erweitert die verfügbaren Gain-Reserven, während MOD das Clipping-Verhalten der Schaltung verändert. In der aktivierten MOD-Stellung wird das Clipping reduziert, wodurch die Ansprache offener ausfällt und sich stärker am Verhalten eines Röhrenverstärkers mit nahezu ausgeschöpftem Clean-Headroom orientiert.

Beide Schalter beeinflussen sich gegenseitig und reagieren zudem auf die jeweilige Drive-Einstellung. So lassen sich unterschiedliche Abstimmungen von Kompression, Obertongehalt und Dynamik erzielen. Stehen MORE und MOD in der unteren Position, entspricht der Sound laut Hersteller exakt der ursprünglichen Drive-Sektion des Triptychon.

Handgefertigt in Griechenland

Das Crazy Tube Circuits Rapture wird in Athen entwickelt und von Hand gefertigt. Zur Ausstattung gehören ein Soft-Click-Fußschalter mit relaisgesteuertem True Bypass sowie ein goldfarbenes Metallgehäuse. Das Pedal misst 67 × 112 × 50 mm und wiegt rund 249 Gramm.

Die Stromversorgung erfolgt über ein externes 9- bis 18-Volt-DC-Netzteil mit Minuspol innen. Die Stromaufnahme beträgt mindestens 50 mA. Ein Netzteil gehört nicht zum Lieferumfang.

Mit dem Rapture bietet Crazy Tube Circuits die bisher nur im Triptychon erhältliche Drive-Schaltung nun auch einzeln an. Die zusätzlichen MORE- und MOD-Schalter sollen dabei insbesondere Gitarristen ansprechen, die einen dynamischen Low- bis Mid-Gain-Overdrive mit unterschiedlichen Abstimmungen des Zerrverhaltens suchen.

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Allen gemeinsam sind eine neu entwickelte Korpusform, ein schlanker Ahornhals, ein Ebenholzgriffbrett mit 24 Edelstahlbünden und speziell entwickelte PRS Stylus Humbucker. Auch optisch geht PRS mit auffälligen deckenden Finishes und gemaserten Mangoholzdecken teilweise neue Wege für ihre Serienmodelle.

PRS Tekton: Vier Varianten für jeden Geschmack

Mit der Tekton-Serie erweitert PRS sein Sortiment um eine eigenständige Modellfamilie, die gezielt auf die Anforderungen moderner Gitarristen zugeschnitten wurde. Laut Hersteller entstand das Konzept aus dem Wunsch vieler Spieler nach dünneren Hälsen, längeren Mensuren, flacheren Griffbrettern und Tonabnehmern, die sowohl mit klassischen Röhrenverstärkern als auch mit digitalen Modeling-Systemen funktionieren.

Für die neue Korpusform kombinierte PRS gestalterische Elemente der Vela und der klassischen Custom-Modelle. Das Ergebnis ist ein vergleichsweise schlanker Body mit ausgeprägten Konturen, einer ergonomischen Rückseite und einem großzügig ausgeschnittenen unteren Cutaway für einen besseren Zugang zu den hohen Bünden.

Auch bei der Halskonstruktion hat PRS einige Änderungen vorgenommen. Die geschraubten Ahornhälse besitzen ein neues Modern-D-Profil und gehören laut Hersteller zu den dünnsten Hälsen, die PRS bislang in der regulären Serienfertigung eingesetzt hat. Zusätzliche Verstärkungsstäbe aus Hormigo-Holz sollen die Stabilität erhöhen. Hinzu kommen 24 Jumbo-Edelstahlbünde, ein flacher 16″-Griffbrettradius, Offset-Dot-Inlays und seitliche Luminlay-Markierungen, die auch bei schlechten Lichtverhältnissen gut erkennbar bleiben.

Neu sind außerdem die PRS Stylus Humbucker mit Alnico-5-Magneten. Bei ihrer Entwicklung stand eine klare Tontrennung auch bei stärkerer Verzerrung im Mittelpunkt. Die Pickups sollen gegenüber vielen anderen PRS-Humbuckern einen gleichmäßigeren Frequenzgang bieten, ohne vollständig neutral abgestimmt zu sein. Damit richtet sich die Serie auch an Gitarristen, die mit Amp-Modelern und digitalen Effektprozessoren arbeiten.

Alle vier Modelle verfügen über eine HH-Bestückung mit 3-Wege-Blade-Switch sowie Volume- und Push/Pull-Tone-Regler zum Splitten der Humbucker.

Hardtail & T

PRS Tekton: Sechssaiter mit Hardtail-Bridge

Den Einstieg in die neue Modellfamilie bildet die PRS Tekton mit feststehender Brücke. Sie kombiniert einen Mahagonikorpus mit einer gemaserten Decke aus Mangoholz und einem flachen Violin-Carve. Die Konstruktion erhält dadurch eine eigenständige Optik, während die vertrauten PRS-Konturen weiterhin erkennbar bleiben.

Der geschraubte Ahornhals besitzt das neue Modern-D-Profil und trägt ein Ebenholzgriffbrett mit 24 Jumbo-Edelstahlbünden. Die 25,5″-Mensur fällt etwas länger aus als bei vielen klassischen PRS-Modellen. Zusammen mit dem 16″-Griffbrettradius ist die Gitarre besonders für alle interessant, die eine flachere Griffbrettoberfläche und eine direkte Ansprache bevorzugen.

Für die Tonabnahme sorgen zwei PRS Stylus Humbucker, die sich über den Push/Pull-Tone-Regler auch im Single-Coil-Modus betreiben lassen. Die feststehende PRS Hardtail-Bridge besitzt einzeln einstellbare Saitenreiter und eine String-through-Body-Konstruktion. Hinzu kommen PRS Phase III Locking-Mechaniken und Hardware im Farbton Smoked Black.

Die PRS Tekton erscheint in sechs Finishes: Slate Blue, Imperial Topaz, Black Tourmaline, Violet Tourmaline, Bloodstone Red und Fuchsia Aura.

PRS Tekton T: Zwei-Punkt-Tremolo für zusätzliche Spielmöglichkeiten

Die PRS Tekton T übernimmt die grundlegende Konstruktion des Hardtail-Modells, unterscheidet sich aber durch ihr Tremolosystem. Statt einer festen Brücke kommt ein PRS Two-Point Tremolo mit Stahlgrundplatte und Messing-Saitenreitern zum Einsatz. Das System lässt sich auch schwebend einstellen und ermöglicht damit Tonhöhenänderungen in beide Richtungen.

Ansonsten bleibt die Ausstattung weitgehend identisch. Ein Mahagonikorpus mit gemaserter Mangoholzdecke trifft auf einen geschraubten Ahornhals mit Modern-D-Profil, 25,5″-Mensur und Ebenholzgriffbrett. Auch hier gehören 24 Jumbo-Edelstahlbünde, ein 16″-Griffbrettradius und seitliche Luminlay-Markierungen zur Serienausstattung.

Die beiden PRS Stylus Humbucker lassen sich über einen 3-Wege-Schalter anwählen und mittels Push/Pull-Tone-Regler splitten. Für die Stimmmechanik verwendet PRS ebenfalls die hauseigenen Phase III Locking-Tuner.

Damit bietet die Tekton T dieselben grundlegenden Klangmöglichkeiten wie die Hardtail-Version, ergänzt das Konzept aber um ein klassisches Tremolosystem.

Bei den Farben stehen ebenfalls Slate Blue, Imperial Topaz, Black Tourmaline, Violet Tourmaline, Bloodstone Red und Fuchsia Aura zur Auswahl.

Floyd & SVN

PRS Tekton Floyd: Floyd Rose 1000 und auffällige Finishes

Mit der PRS Tekton Floyd richtet sich die neue Serie besonders an Gitarristen, die ein Double-Locking-Tremolo für ausgeprägte Vibratoeffekte, Divebombs und andere Spieltechniken verwenden möchten.

Im Gegensatz zu den beiden vorherigen Modellen setzt PRS hier auf einen Erlekorpus ohne Mangoholzdecke. Die neu entwickelte Korpusform mit ihren ergonomischen Konturen bleibt erhalten. Auch der geschraubte Ahornhals mit Modern-D-Profil, das Ebenholzgriffbrett mit 24 Edelstahlbünden und die 25,5″-Mensur gehören weiterhin zur Ausstattung.

Die wichtigste Besonderheit ist das Floyd Rose 1000 Series Tremolo mit einem an den 16″-Griffbrettradius angepassten Saitenverlauf. Anders als bei den übrigen Sechssaitern kommen hier PRS Phase III Mechaniken ohne Locking-Funktion zum Einsatz, da die Saiten bereits am Klemmsattel fixiert werden.

Bei den Tonabnehmern bleibt PRS den beiden Stylus Humbuckern treu. Auch die Elektronik mit 3-Wege-Blade-Switch und Push/Pull-Coil-Split entspricht den übrigen Modellen.

Optisch setzt sich die Tekton Floyd durch eine eigenständige Farbauswahl ab. Angeboten werden Pearl Black, Purple Royale, Multi-Metal Flake, Hot Pink, Neon Green und White Holoflake. Besonders die kräftigen Neonfarben und Flake-Lackierungen unterstreichen die moderne Ausrichtung dieser Variante.

PRS Tekton SVN: Siebensaiter mit 26,5″-Mensur

Die vierte Variante ist die PRS Tekton SVN, mit der PRS die neue Modellfamilie um eine siebensaitige E-Gitarre erweitert. Laut Hersteller handelt es sich dabei um die erste siebensaitige Gitarre im regulären amerikanischen PRS-Seriensortiment.

Im Mittelpunkt steht die verlängerte 26,5″-Mensur, die insbesondere bei tiefen Stimmungen für eine höhere Saitenspannung und eine definiertere Ansprache sorgen soll. Damit richtet sich die Tekton SVN unter anderem an Gitarristen, die mit erweiterten Tonumfängen, tiefen Riffs und komplexeren Akkordvoicings arbeiten.

Wie die reguläre Tekton besitzt auch die SVN einen Mahagonikorpus mit gemaserter Mangoholzdecke. Der geschraubte Ahornhals erhält ein an die siebensaitige Konstruktion angepasstes Modern-D-SVN-Profil. Auf dem Ebenholzgriffbrett sitzen 24 Jumbo-Edelstahlbünde, ergänzt durch einen 16″-Radius, Offset-Dot-Inlays und seitliche Luminlay-Markierungen.

Für die Tonabnahme wurden die PRS Stylus SVN Humbucker entwickelt, die speziell auf den erweiterten Frequenzbereich des Siebensaiters abgestimmt sind. Die Steuerung erfolgt auch hier über einen 3-Wege-Blade-Switch, einen Volume-Regler und einen Push/Pull-Tone-Regler zum Splitten der Tonabnehmer.

Die Saiten laufen über eine siebensaitige PRS Hardtail-Bridge mit String-through-Body-Konstruktion. Dazu kommen PRS Phase III Locking-Mechaniken. Ab Werk wird die Gitarre mit einem Saitensatz in den Stärken .010–.059 und einer tiefen H-Saite ausgeliefert.

Auch die Tekton SVN ist in Slate Blue, Imperial Topaz, Black Tourmaline, Violet Tourmaline, Bloodstone Red und Fuchsia Aura erhältlich.

Vier Modelle, ein neues Konzept

Mit der Tekton-Serie erweitert PRS sein Angebot um vier Gitarren, die sich in erster Linie durch ihre Brückenkonstruktion und die Anzahl der Saiten unterscheiden. Die Hardtail-Tekton setzt auf eine möglichst unkomplizierte Ausstattung, während die Tekton T ein klassisches Tremolosystem ergänzt. Die Tekton Floyd bietet mit ihrem Double-Locking-Tremolo zusätzliche Möglichkeiten für ausdrucksstarkes Vibratospiel, und die siebensaitige Tekton SVN deckt mit ihrer längeren Mensur auch tiefere Tonlagen ab.

Die gemeinsame Basis aus schlanken Hälsen, Edelstahlbünden, flachen Griffbrettern und den neuen Stylus-Pickups zeigt dabei, welche Richtung PRS mit der Modellfamilie einschlägt. Statt bestehende Modelle lediglich mit einzelnen modernen Ausstattungsmerkmalen zu versehen, hat PRS eine neue Plattform entwickelt, die sich gezielt an technisch orientierte Gitarristen richtet.

Alle vier Varianten werden mit einem PRS Premium Gigbag ausgeliefert und sind in jeweils sechs Farbvarianten erhältlich.

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JHS-Pedals-Gründer Josh Scott verkauft über 400 Effektpedale

Dass Josh Scott über eine beachtliche Sammlung an Effektgeräten verfügt, dürfte Zuschauern seines YouTube-Kanals längst bekannt sein. Für den anstehenden Verkauf musste allerdings tatsächlich ein Fracht-Lkw anrücken, um mehrere Paletten voller Equipment abzutransportieren.

Unter dem Namen „The Josh Scott Collection“ eröffnet am 21. Oktober 2026 ein offizieller Reverb-Shop, in dem mehr als 400 Effektpedale und rund 50 Verstärker zum Verkauf stehen sollen. Hinzu kommen zehn Gitarren, verschiedene Keyboards und weitere Gegenstände aus dem JHS-Umfeld.

Scott selbst kommentiert die Aktion mit gewohnt trockenem Humor. Seine Sammlung sei mittlerweile derart angewachsen, dass ihm das Ganze langsam über den Kopf wachse. Der Verkauf soll deshalb nicht nur Platz schaffen, sondern auch einige besonders seltene Instrumente und Effektgeräte in neue Hände bringen.

Seltene JHS-Pedale, Klon Centaur und Vintage-Amps

Für Sammler dürften vor allem die zahlreichen JHS-Prototypen, Sondereditionen und Einzelstücke interessant sein. Darunter befinden sich handbemalte und speziell gestaltete Pedale, von denen jeweils nur ein einziges Exemplar existiert. Auch verschiedene Modelle aus früheren NAMM-Präsentationen und limitierte Weihnachtseditionen sollen angeboten werden.

Ein besonderes Stück ist ein graues Gehäuse der JHS Colour Box aus einer frühen Präsentation. Außerdem finden sich unter den Effektgeräten ein originaler Klon Centaur im silbernen Gehäuse und ein früher Behringer-Klon des bekannten Overdrives.

Auch bei den Verstärkern gibt es einige interessante Exemplare. Dazu gehört ein Silvertone 1484 Twin Twelve mit 60 Watt Leistung und passender 2×12″-Box, der seinerzeit als Vorbild für das JHS Twin Twelve Pedal diente. Daneben werden unter anderem ein Sovtek MIG aus den 1990er-Jahren und ein Verstärker von Satellite angeboten. Einige Geräte werden sogar in Flightcases mit JHS-Schriftzug verkauft.

Ebenfalls Teil der Sammlung ist ein originaler Barcus-Berry-Preamp, der als Inspiration für das JHS Fumble diente.

Weitere Raritäten: Von Vintage-Keyboards bis zu kuriosen Requisiten

Neben Gitarrenequipment hat Scott auch einige ungewöhnlichere Gegenstände zusammengestellt. Zum Verkauf stehen unter anderem ein Rhodes, eine Yamaha-Orgel und ein Wurlitzer. Dazu kommen Merchandise-Artikel, Jacken, T-Shirts und Requisiten aus der „JHS Show“.

Besonders kurios sind die überdimensionalen Effektpedal-Kostüme aus den Produktionen „Pedals: The Musical“ und „Pedals on Ice“. Wer also schon immer einmal als Tube Screamer verkleidet auftreten wollte, könnte hier fündig werden.

Trotz der zahlreichen Raritäten sollen nicht alle Angebote ausschließlich für finanzkräftige Sammler interessant sein. Laut den bisherigen Informationen bewegen sich die Preise vieler Effektpedale zwischen 60 und 600 US-Dollar. Mehr als die Hälfte der angebotenen Artikel soll für weniger als 500 US-Dollar erhältlich sein.

Die „Josh Scott Collection“ startet am Mittwoch, dem 21. Oktober 2026, auf Reverb. Wer sich für seltene JHS-Pedale, historische Verstärker oder spannende Sammlerstücke von Josh Scott höchstpersönlich interessiert, dürfte dort einiges zu entdecken haben!

Zur Josh Scott Reverb-Seite

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Gitarristinnen und Gitarristen begannen deshalb, ihre Instrumente selbst umzubauen oder von spezialisierten Werkstätten modifizieren zu lassen. Eine der wichtigsten Adressen dieser frühen Hot-Rod-Szene war Charvel in Kalifornien. Doch was steckt eigentlich hinter dem Namen San Dimas, und welchen Einfluss hatte die Marke auf die Entwicklung moderner E-Gitarren?

Wayne Charvel und die San Dimas

Der Begriff San Dimas bezeichnet eine Stadt im US-Bundesstaat Kalifornien, östlich von Los Angeles. Im Zusammenhang mit Charvel steht der Name heute vor allem für eine bestimmte Ära und einen Gitarrenstil, der bis heute mit der südkalifornischen Rock-Szene zusammenhängt.

Die Geschichte der Marke beginnt allerdings nicht direkt in San Dimas. Wayne Charvel gründete 1974 in Azusa, Kalifornien, seine Werkstatt Charvel’s Guitar Repair. Zunächst ging es weniger um den Bau eigener Gitarren als um Reparaturen, neue Lackierungen und den Austausch von Bauteilen. Besonders Fender-Instrumente, die außerhalb der Herstellergarantie lagen, wurden hier überarbeitet und an die Wünsche ihrer Besitzer angepasst.

Der Name San Dimas entwickelte sich später zu einem wichtigen Erkennungsmerkmal der frühen Charvel-Gitarren. Besonders die amerikanischen Instrumente der ersten Hälfte der 1980er-Jahre sind heute immer noch Maßstab für modifizierte Shred-Gitarren. Auf den Halsplatten zahlreicher Modelle war damals der Schriftzug „San Dimas, CA“ zu finden.

Interessant ist dabei, dass die Bezeichnung nicht zwangsläufig bedeutet, dass jede entsprechende Gitarre tatsächlich in San Dimas gefertigt wurde. Vielmehr steht der Name für die historische Charvel-Ära und das daraus hervorgegangene Gitarren-Design.

Hot-Rodding: Wenn die Stratocaster nicht mehr ausreichte

Um zu verstehen, warum Charvel so erfolgreich wurde, muss man sich die Gitarrenwelt der 1970er-Jahre anschauen. Die Fender Stratocaster war längst ein Klassiker, doch nicht jeder Gitarrist war unbedingt mit ihrer serienmäßigen Ausstattung zufrieden. Natürlich gab es zu dieser Zeit zahlreiche Humbucker-Alternativen wie Les Paul oder die leichtere SG, jedoch wollten viele die ergonomischen Vorzüge der Stratocaster gleichzeitig nicht missen.

Gerade Gitarristinnen und Gitarristen aus der aufkommenden Hard-Rock-Szene wollten mehr Ausgangsleistung, eine direktere Ansprache und Instrumente, die sich besser für schnelle Soli und ausdrucksstarkes Tremolospiel eigneten. Statt auf eine unkomfortablere Gitarre umzusteigen oder gar auf ein komplett neues Gitarrendesign zu setzen, wurde deshalb häufig die vertraute Stratocaster einfach umgebaut.

Ein besonders beliebter Eingriff war der Austausch des Steg-Single-Coils gegen einen Humbucker. Damit ließ sich ein deutlich fetterer Sound erzielen, der sich insbesondere für verzerrte Verstärker eignete. Gleichzeitig reduzierten manche Gitarristen die Elektronik auf einen einzigen Tonabnehmer und einen Volume-Regler.

Auch an anderen Stellen wurde experimentiert: Neue Hälse, veränderte Griffbrettradien, leistungsfähigere Tremolos und eigenständige Lackierungen machten aus den ursprünglich eher traditionellen Instrumenten individuelle Rock-Gitarren. Genau in diesem Umfeld entwickelte sich Charvel zu einer wichtigen Adresse für modifizierte Stratocaster-Modelle.

Wayne Charvel, Grover Jackson und die ersten Superstrats

Wayne Charvel machte sich zunächst mit Reparaturarbeiten, Custom-Lackierungen und hochwertigen Ersatzteilen einen Namen. Die Werkstatt bot damit genau das an, was viele Gitarristen suchten: die Möglichkeit, ein vorhandenes Instrument an den eigenen Spielstil anzupassen.

1978 übernahm Grover Jackson das Unternehmen. Unter seiner Leitung verlagerte sich der Schwerpunkt zunehmend vom Reparatur- und Teilegeschäft auf den Bau vollständiger eigener Gitarren.

Die frühen Charvel-Modelle orientierten sich weiterhin stark an der Stratocaster, erhielten aber zahlreiche Veränderungen. Typisch waren geschraubte Ahornhälse, auffällige Lackierungen und leistungsstarke Humbucker. Viele Instrumente besaßen eine vergleichsweise einfache Elektronik und konzentrierten sich ganz auf die Anforderungen von Rock-Gitarristen.

Damit gehörte Charvel zu den Herstellern, die das später als Superstrat bekannte Gitarrenkonzept maßgeblich populär machten.

Der Begriff beschreibt im Grunde eine weiterentwickelte Stratocaster: Die Korpusform bleibt erhalten, während Tonabnehmer, Hals und Hardware stärker auf moderne Spieltechniken und verzerrte Sounds ausgelegt werden.

Eddie Van Halen und die Idee der Frankenstrat

Mit Eddie Van Halen entwickelte sich die Superstrat zu einem seiner größten Markenzeichen. Seine berühmte, in Eigenregie zusammengebaute Frankenstrat zeigte, wie weit sich das ursprüngliche Fender-Design verändern ließ, um den satten Sound einer Gibson mit der Flexibilität einer Stratocaster zu kreieren.

Indem er einen kraftvollen Gibson-PAF-Humbucker in den Steg einsetzte und die Gitarre später mit einem Floyd-Rose-Tremolo bestückte, sprengte er die klanglichen Grenzen der ursprünglichen Strat. Dieses Do-it-yourself-Konzept revolutionierte nicht nur das Gitarrenspiel, sondern legte auch den Grundstein für die moderne Ära der modifizierten Superstrats.

Van Halen kombinierte verschiedene Gitarrenkomponenten zu einem Instrument, das vor allem seinen persönlichen Anforderungen entsprechen sollte. Ein Humbucker am Steg, eine reduzierte Bedienung und später ein leistungsfähiges Tremolosystem wurden zu prägenden Merkmalen seines Setups.

Charvel bewegte sich in genau dieser Szene und griff viele der Ideen auf, die damals unter südkalifornischen Gitarristen kursierten. Daraus entstanden Instrumente, die den vertrauten Stratocaster-Look mit einer deutlich aggressiveren klanglichen Ausrichtung kombinierten.

Der Einfluss dieser frühen Umbauten ist bis heute sichtbar. Eine Stratocaster mit Steg-Humbucker, flachem Griffbrettradius und Locking-Tremolo ist inzwischen ein etabliertes Design, das zahlreiche Hersteller, unter anderem Fender selbst, fest im Programm haben.

Von der San-Dimas-Ära zu Jackson Guitars

Anfang der 1980er-Jahre arbeitete Grover Jackson mit Randy Rhoads an einer neuen Gitarre, die sich deutlich von den bisherigen Stratocaster-orientierten Instrumenten unterscheiden sollte. Aus dieser Zusammenarbeit entstand schließlich die Rhoads-Korpusform. Weil sich das Design so stark von den bekannten Charvel-San-Dimas-Gitarren abhob, erhielt das Instrument den Namen Jackson auf der Kopfplatte.

Während Charvel weiterhin vor allem für modifizierte Stratocaster- und später auch Telecaster-Konzepte stand, entwickelte sich Jackson zunehmend zur Marke für eigenständige Metal-Gitarren.

In den folgenden Jahren wurden beide Marken zu wichtigen Namen in der Rock- und Metal-Szene. Gitarristen wie Warren DeMartini, Jake E. Lee und George Lynch trugen dazu bei, den Ruf der leistungsfähigen Charvel-Instrumente weiter zu festigen.

Was macht eine klassische San Dimas aus?

Die frühen Charvel San Dimas aus den späten 1970er- und frühen 1980er-Jahren waren keine einheitlich ausgestattete Modellreihe, sondern individuell konfigurierte Gitarren. Als Grundlage diente meist ein Stratocaster-artiger Korpus, der mit einem geschraubten Ahornhals, leistungsstärkeren Tonabnehmern und einer auf das Wesentliche reduzierten Elektronik ausgestattet wurde.

Besonders typisch waren sogenannte Single-Humbucker-Strats, bei denen ein kräftiger Steg-Humbucker und ein einzelner Volume-Regler ausreichten. Dazu kamen unlackierte beziehungsweise nur minimal behandelte Ahornhälse, auffällige Custom-Finishes und zunächst klassische Tremolosysteme, bevor sich in den 1980er-Jahren zunehmend auch Locking-Tremolos etablierten.

Die heutigen Charvel Pro-Mod San Dimas Style 1 greifen diese Bauweise auf, fallen technisch allerdings deutlich moderner aus. Statt der früher häufig sehr einfachen Pickup-Konfiguration setzen aktuelle Modelle beispielsweise auf zwei Seymour Duncan Humbucker mit 3-Wege-Schalter und Push/Pull-Coil-Split – es finden sich in den Produktlinien jedoch ebenso häufig 1-Humbucker-Bestückungen wieder.

Die geschraubten Ahornhälse besitzen in der Regel ein schnelles Speed-Neck-Profil, eine handgeriebene Satin-Oberfläche und eine Graphitverstärkung. Hinzu kommen ein standardmäßiger 12″–16″ Compound-Griffbrettradius und zumeist 24 Jumbo-Bünde, die insbesondere Bendings und das Spiel in hohen Lagen erleichtern sollen.

Bei vielen aktuellen San-Dimas-Ausführungen übernimmt außerdem ein Floyd Rose Double-Locking Tremolo die Arbeit, während einzelne Varianten auf feststehende Brücken setzen oder als Alternative zu Floyd Rose-Modellen zur Verfügung stehen.

Damit zeigt sich auch der Unterschied zwischen damals und heute: Während die ursprünglichen Charvel-Gitarren oft aus individuellen Umbauten und unterschiedlichen Teilekombinationen entstanden, bieten die modernen San-Dimas-Modelle ein weitgehend standardisiertes Ausstattungspaket.

Die grundlegende Idee ist jedoch dieselbe geblieben: eine vertraute Stratocaster-Form mit kräftigeren Pickups, einem auf schnelle Spieltechniken ausgelegten Hals und einer Hardware zu versehen, die über das klassische Fender-Konzept hinausgeht.

Eine eigene Superstrat bauen: Welche Modifikationen lohnen sich?

Wer das San Dimas-Design selbst ausprobieren möchte, muss nicht unbedingt eine historische Charvel oder Jackson besitzen. Auch eine günstige Stratocaster-Kopie kann eine interessante Ausgangsbasis für ein Modding-Projekt sein, sofern Hals, Bundierung und Grundkonstruktion stimmen oder sich entsprechend modifizieren lassen. 

Der naheliegendste Schritt ist ein Humbucker in Stegposition. Er verändert den Charakter einer klassischen Stratocaster deutlich und bietet vor allem bei verzerrten Sounds mehr Ausgangsleistung und einen kräftigeren Mittenbereich. Voraussetzung ist allerdings, dass Korpusfräsung und Pickguard den Einbau zulassen.

Ebenso interessant ist eine vereinfachte Elektronik. Wer hauptsächlich den Steg-Tonabnehmer verwendet, kann auf zusätzliche Regler verzichten und die Bedienung auf das Wesentliche reduzieren. Alternativ bietet eine HSS-Bestückung einen guten Kompromiss aus klassischen Single-Coil-Sounds und kräftigem Humbucker-Ton.

Auch das Tremolosystem spielt eine wichtige Rolle. Für moderate Vibrato-Effekte kann eine sauber eingestellte klassische Stratocaster-2-Point-Bridge völlig ausreichen. Wer dagegen extreme Tonhöhenänderungen nutzen möchte, wird eher über ein Double-Locking-System nachdenken. Dessen nachträglicher Einbau ist allerdings deutlich aufwendiger und erfordert häufig Fräsarbeiten am Korpus.

Nicht zuletzt sollte man die Spielbarkeit berücksichtigen. Ein gut eingestellter Hals, sauber abgerichtete Bünde und eine passende Saitenlage bringen häufig mehr als der bloße Austausch möglichst vieler Bauteile.

Genau darin liegt letztlich auch der Reiz des ursprünglichen Hot-Rodding-Gedankens: Es geht nicht darum, eine Gitarre mit möglichst vielen Features auszustatten, sondern darum, sie an die eigenen Anforderungen anzupassen oder eben zu optimieren.

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Fazit: San Dimas ist mehr als ein Modellname

Der Name San Dimas steht heute nicht nur für eine bestimmte Charvel-Baureihe, sondern auch für eine wichtige Phase der E-Gitarrenentwicklung. Aus der Idee, klassische Stratocaster-Modelle mit leistungsfähigeren Tonabnehmern, moderner Hardware und individuellen Hälsen aufzurüsten, entstand ein Gitarren-Design, das die Rockmusik der 1980er-Jahre entscheidend prägte.

Charvel spielte bei dieser Entwicklung eine zentrale Rolle und half dabei, aus individuellen Werkstattumbauten eine eigenständige Instrumentenkategorie zu machen. Die daraus hervorgegangene Superstrat ist längst kein ungewöhnlicher Sonderfall mehr, sondern gehört heute zum festen Bestandteil der E-Gitarrenwelt.

Und genau deshalb ist das Thema auch für moderne Gitarristen interessant: Wer eine klassische Stratocaster modifiziert, greift im Grunde dieselbe Idee auf, die Charvel vor rund fünf Jahrzehnten bekannt gemacht hat – eine vertraute Gitarre so umzubauen, dass sie besser zum eigenen Spielstil passt und über ihre eigenen Grenzen geht.

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Neben der auffälligen Optik stehen vor allem das Palisandergriffbrett mit Edelstahlbünden, Binding und Block-Inlays sowie die umschaltbare Aktiv/Passiv-Elektronik im Zentrum dieses Tieftöners. Diese Relic-Variante ist jedoch kein Einzelstück, sondern bringt jede Menge Geschwister mit: Die Custom JB Bässe aus der Fame Custom Line Serie sind nämlich in zahlreichen Farben beziehungsweise Finish-Varianten verfügbar und je nach 4- oder 5-String-Ausführung zwischen 666 € bis 888 € erfhältlich. Wir schauen uns an, was der Viersaiter aus der Fame Custom Line Serie als Gesamtpaket zu bieten hat und wie gut er wirklich in der Praxis überzeugt.

Erster Eindruck: Auffälliges Finish mit Vintage-Charakter

Optisch hebt sich der Fame Custom JB 4 Worn Sonic Blue over 3-Tone Sunburst von einem gewöhnlichen J-Bass-Nachbau ab. Das gealterte Sonic-Blue-Finish gibt an mehreren Stellen den Blick auf die darunterliegende 3-Tone-Sunburst-Lackierung frei. Gerade diese Kombination aus zwei Farben verleiht dem Instrument einen eigenständigen Charakter, ohne dass die vertraute J-Style-Form verloren geht.

Der Korpus aus Erle ist mit einem Poly-Finish und einer matten Nitrozellulose-Deckschicht versehen, die dem Bass eine besonders hochwertige Haptik verleiht und den Charakter eines aufwendig gefertigten Instruments unterstreicht. Die künstlichen Gebrauchsspuren sind deutlich sichtbar und verteilen sich über verschiedene Bereiche des Instruments. Ob einem diese Art von Aging gefällt, bleibt natürlich Geschmackssache. Wem dieses Finish nicht zusagt, der findet unter den zahlreichen weiteren Farbvarianten – von klassischem Black bis hin zum extravaganten 5-String mit Candy Apple Red over Pink Paisley-Finish, Shell Pink over Pink Paisley oder – garantiert eine Ausführung, die seinem persönlichen Geschmack entspricht.

Dazu passen das helle Schlagbrett, die Chrom-Hardware und die traditionellen Open-Gear-Mechaniken mit Clover-Flügeln. Auch die Block-Inlays auf dem dunklen Palisandergriffbrett machen eine schicke Figur und bieten eine angenehme Haptik.

Roasted Maple und Edelstahlbünde: Mehr als nur Vintage-Optik

Unter der gealterten Oberfläche steckt eine Halskonstruktion, die deutlich moderner ausfällt, als das äußere Erscheinungsbild vermuten lässt. Fame verwendet einen geschraubten Hals aus geröstetem Ahorn, dessen Oberfläche geölt ist. Durch die Wärmebehandlung verändert sich nicht nur die Farbe des Holzes; das Verfahren soll auch dessen Feuchtigkeitsaufnahme reduzieren.

Das Modern-C-Profil orientiert sich an einer zeitgemäßen Halsform und dürfte Spielern entgegenkommen, die einen nicht zu kräftigen Basshals bevorzugen. Zusammen mit der geölten Oberfläche verspricht die Konstruktion ein angenehm direktes Spielgefühl.

Besonders interessant ist das Palisandergriffbrett mit seinen 21 Jumbo-Edelstahlbünden. Edelstahlbünde sind widerstandsfähiger gegen Verschleiß als herkömmliche Bundmaterialien und gehören bei vielen klassischen Jazz-Bass-Modellen keineswegs zur Standardausstattung. Auch der 13,75″-Griffbrettradius fällt vergleichsweise flach aus, ist für meinen Geschmack aber optimal.

Die reguläre 34″-Longscale-Mensur bleibt dagegen ganz dem vertrauten Viersaiter-Konzept treu.

Zwei Single Coils und eine aktive 3-Band-Klangregelung

Der Sound setzt sich aus zwei Einzelspulern zusammen, die in vertrauter Jazz-Bass-Manier über einen Blend-Regler stufenlos miteinander gemischt werden können. Unterschiedliche Klangcharaktere sind so zwischen den beiden Positionen der Mittel- und Bridge-Single-Coils möglich.

Die eigentliche Besonderheit ist allerdings die Elektronik. Anders als bei einem rein passiven Jazz Bass verfügt der Custom JB über einen aktiven Preamp mit 3-Band-EQ. Bässe, Mitten und Höhen lassen sich damit getrennt anheben oder absenken. Damit bietet das Instrument deutlich mehr Möglichkeiten zur Klangformung, als es eine einfache passive Höhenblende erlauben würde.

Gerade bei einem Bass, der in unterschiedlichen musikalischen Zusammenhängen eingesetzt werden soll, ist das ein praktischer Ansatz für nahezu jedes Genre. Für einen warmen Begleitsound lassen sich die Höhen deutlich zurückschrauben, während sich für perkussivere Spielweisen die oberen Frequenzen gezielter betonen lassen. Auch die Mitten können unabhängig angepasst werden, um den Bass im Zusammenspiel mit Schlagzeug und Gitarren besser zu positionieren.

Wie effektiv und musikalisch die einzelnen EQ-Bänder tatsächlich arbeiten, muss der Praxistest zeigen. Auf dem Papier ist die Klangregelung jedenfalls umfangreich genug, um weit über den klassischen Jazz-Bass-Grundsound hinauszugehen.

Aktiv oder passiv? Zwei Konzepte in einem Instrument

Ein weiteres Ausstattungsmerkmal ist der Aktiv/Passiv-Mini-Switch. Mit ihm lässt sich die aktive Elektronik umgehen und der Bass im passiven Modus betreiben.

Das ist vor allem für Bassistinnen und Bassisten interessant, die nicht bei jedem Song auf eine aktive Klangregelung zurückgreifen möchten. Im Passivbetrieb steht eine klassische Höhenblende zur Verfügung, mit der sich der Grundsound der beiden Single Coils unkompliziert abstimmen lässt. Der Blend-Regler ermöglicht weiterhin die Mischung der Tonabnehmer.

Im aktiven Betrieb kommt dagegen, wie bereits erwähnt, der 3-Band-EQ hinzu. Die Regler sind teilweise als Doppelstock-Potis ausgeführt, sodass die umfangreiche Elektronik ohne eine übermäßig große Zahl einzelner Bedienelemente auskommt.

Diese Kombination macht den Custom JB grundsätzlich vielseitig: Wer einen möglichst direkten Basssound bevorzugt, kann sich auf die passive Schaltung beschränken. Für stärkere Eingriffe in das Klangbild steht jederzeit der aktive Preamp bereit.

Hardware und Alltagstauglichkeit

Auch bei der Hardware setzt Fame auf eine Mischung aus traditionellen und moderneren Elementen. Die verchromte Hardtail-Bridge besitzt eine vergleichsweise massive Grundplatte und bietet die üblichen Einstellmöglichkeiten für Saitenlage und Intonation.

An der Kopfplatte sitzen vier offene Mechaniken mit Clover-Flügeln. Sie passen optisch zum Vintage-Design des Instruments und halten die Ausstattung entsprechend bewusst klassisch.

Für die praktische Beurteilung sind allerdings nicht allein die verbauten Komponenten entscheidend. Gerade bei einem Bass dieser Ausstattungsklasse kommt es darauf an, wie sauber die Bünde abgerichtet sind, wie präzise die Mechaniken arbeiten und ob sich eine komfortable Saitenlage ohne störendes Schnarren einstellen lässt. Diese Punkte lassen sich erst am konkreten Testinstrument zuverlässig beurteilen.

Praxistest: Vom klassischen Jazz-Bass-Sound bis zu modernen Drop-Tunings

Verstärkerrundlauf: Röhre, Solid-State & Modeling

Für den Praxistest durfte sich der Fame Custom JB 4 an unterschiedlichen Setups beweisen. Neben einem Ampeg SVT Classic und einem Orange Crush kam auch ein Modeler zum Einsatz, um den Bass sowohl über klassische Verstärker als auch in einer digitalen Signalkette auszuprobieren. Dabei hinterlässt der Viersaiter einen durchweg positiven Eindruck und liefert genau die vielseitigen Sounds, die seine umfangreiche Ausstattung erwarten lässt. Besonders die Kombination aus den beiden Single Coils und der umschaltbaren Aktiv-Elektronik macht sich im praktischen Einsatz bezahlt.

Am Ampeg liefert der Bass einen rundum überzeugenden, charakterstarken Sound, weiß aber auch am eher als Übungsverstärker konzipierten Orange Crush mit seinem markanten Solid-State-Charakter zu begeistern. Natürlich bringen beide Amps ihre eigenen klanglichen Färbungen mit, doch das gebotene Klangniveau muss den Vergleich mit deutlich teureren Bässen jenseits der 1.000-Euro-Marke keineswegs scheuen. Am Modeler lässt sich das Potenzial des Instruments durch gezielte Klangformung und die vielfältigen Eingriffsmöglichkeiten innerhalb der digitalen Amp- und Effektkette sogar noch weiter ausschöpfen.

Passiver Matsch oder warme Vintage-Attitüde?

Im passiven Betrieb überzeugt der Custom JB mit einem voluminösen Grundsound, der den typischen Charakter eines klassischen Jazz-Basses gut zur Geltung bringt. Gerade bei Standard-Tuning oder Drop D bevorzuge ich rein zum Aufnehmen persönlich die passive Betriebsart, da sich der weitgehend unbearbeitete, straffe Klang später bei der Aufnahme oder im Mix gezielt formen lässt. Die passive Höhenblende bietet dabei bereits genügend Spielraum, um den Sound bei Bedarf etwas wärmer und zurückhaltender einzustellen.

Sobald es allerdings in den Live-Betrieb oder in tiefere Stimmungen wie Drop C oder H geht, zeigt die aktive Elektronik für mich persönlich ihre größten Stärken. Der 3-Band-EQ greift deutlich und wirkungsvoll in das Klangbild ein und erlaubt sowohl kräftige Anhebungen als auch gezielte Absenkungen der Bass-, Mitten- und Höhenfrequenzen. Gerade bei tiefer gestimmten Instrumenten ist das ein großer Vorteil: Statt einen übermäßig basslastigen oder wummernden Grundsound erst nachträglich korrigieren zu müssen, lassen sich störende Frequenzanteile bereits direkt am Instrument reduzieren. Gleichzeitig können die Mitten gezielt betont werden, um einzelnen Tönen mehr Kontur und Durchsetzungskraft zu verleihen. Dies macht sich vor allem für spontane Klanganpassungen im Live-Einsatz bezahlt: Je nach Proberaum- oder Bühnensituation kann der Sound schnell angepasst werden.

Damit vereint der Fame Custom JB 4 gewissermaßen zwei Betriebsarten in einem Instrument. Im Passivmodus erhält man den vertrauten Charakter eines klassischen Jazz-Basses, während die aktive Klangregelung deutlich umfangreichere Eingriffe ermöglicht. Besonders gelungen ist dabei, dass sich der Wechsel zwischen Passiv und Aktiv unkompliziert gestaltet und der Bass dadurch für ganz unterschiedliche musikalische Situationen eingesetzt werden kann.

Wie frisst der Custom JB Overdrive- und Fuzz-Pedale?

Auch im Zusammenspiel mit verschiedenen Effektpedalen zeigt sich der Custom JB von seiner vielseitigen Seite. Boosts werden problemlos gefressen, und gerade in Kombination mit Overdrive- oder Fuzz-Pedalen lassen sich einige schöne, raue Sounds aus dem Instrument holen. Die beiden Single Coils liefern dafür eine tolle Grundlage mit klarem Klangcharakter, während sich mit dem aktiven EQ bei Bedarf noch gezielt nachregeln lässt. Ob klassischer Begleitsound, perkussivere Bass-Lines oder kräftig angezerrte Passagen: Der Fame JB 4 macht in den unterschiedlichen Setups eine wirklich starke Figur.

Insgesamt überzeugt der Custom JB 4 im Praxistest vor allem durch seine klangliche Flexibilität. Die Qualität des Instruments passt zu seiner gehobenen Ausstattung, und besonders die aktive Klangregelung erweist sich nicht bloß als zusätzliches Feature, sondern als nützliches Werkzeug, egal in welchem Genre. Wer gerne zwischen klassischen Basssounds und stärker bearbeiteten Klängen wechselt, bekommt hier eine ausgesprochen vielseitige Grundlage.

5-String Custom JB Bässe:

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Welche Neuerung und Verbesserungen mit Firmware 1.4 kommen, erfahrt ihr im Folgenden!

Neue Agoura-Amps und sechs zusätzliche Effekte

Bei den Verstärkern stehen vor allem klassische Marshall-Sounds im Mittelpunkt. Das neue Brit SL100 bildet verschiedene Entwicklungsstufen des Marshall Plexi Superlead aus den Jahren 1967, 1968, 1970 und 1971 ab. Jeweils drei Kanalvarianten stehen zur Verfügung, sodass allein dieses Modell zwölf unterschiedliche Amp-Kanäle bietet. Hinzu kommen der Omega Granophyre für moderne High-Gain-Sounds und der Prosecutor, eine Line-6-Eigenentwicklung auf Basis des beliebten Litigator-Modells.

Auch die Effektsektion wächst um sechs Modelle. Neu sind Mercator Distortion, Rock Box Dist und Rock Box Boost nach dem Vorbild der Z.Vex Box of Rock sowie PortaBox 424, das sich am JHS 424 Gain Stage orientiert. Mit Essex Vibe und Dimension W kommen außerdem zwei Modulationseffekte hinzu, die sich am Vox AC30 beziehungsweise am Boss DC-2W orientieren.

Stem-Splitting und weitere Verbesserungen

Eine besonders interessante Neuerung betrifft die Showcase-Funktion. Importierte Audiodateien lassen sich jetzt mithilfe von Yamahas Music-Connect-Dienst automatisch in bis zu fünf separate Stereo-Spuren aufteilen: Schlagzeug, Bass, Gitarre, Gesang und sonstige Instrumente. Dadurch können einzelne Bestandteile eines Songs für Proben oder Playbacks separat verwendet werden.

Darüber hinaus unterstützt die Helix-Stadium-App nun auch die Verbindung über USB statt ausschließlich über WLAN. Weitere Verbesserungen betreffen unter anderem die MIDI-Steuerung des Matrix-Mixers, den Wechsel zwischen Mono- und Stereo-Effekten sowie kürzere Unterbrechungen beim Preset-Wechsel. Hinzu kommen klangliche Optimierungen an bestehenden Agoura-Verstärkern und zahlreiche Fehlerbehebungen.

Firmware 1.4 steht ab sofort kostenlos für Helix Stadium XL, Helix Stadium Floor und Helix Stadium Native bereit. Nutzer der Hardware sollten zusätzlich die aktuelle Version der Helix-Stadium-App installieren.

Helix Stadium Firmware 1.4: Alle Release Notes

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