Dass das alles natürlich absoluter Quatsch ist, wird schnell klar, wenn man sich dann doch mal den E-Bass umhängt und merkt, dass nichts so wirklich einfach ist. Kein Wunder, dass Gitarristinnen und Gitarristen am Bass von echten Bassisten belächelt werden, immerhin fehlt uns ‚Aushilfs-Bassern‘ oft das nötige Gespür, das absolut entscheidend ist, um die Rolle am Tieftöner in einer Band angemessen zu bedienen. Falls auch du von der Gitarre an den Bass gewechselt bist oder noch wechseln möchtest, haben wir hier 5 heiße Tipps für dich, die dir helfen, wie ein echter Bassist zu denken!

Tipp 1: Sei das Bindeglied zwischen Harmonie und Rhythmus!

Zunächst einmal solltest du dir im Klaren darüber sein, was die essenzielle Aufgabe eines Bassisten im üblichen Band-Kontext eigentlich bedeutet. Diese besteht meist nämlich darin, die Harmonien der Gitarre oder des Keyboards mit dem Rhythmus des Schlagzeugs zu verbinden. Wichtig ist also nicht nur, welche Töne du spielst, sondern auch, wann du sie spielst. Während vor allem die Lead-Gitarristen unter uns das Tempo und den Rhythmus gerne mal etwas variabler auslegen, ist Tightness das A und O am Bass. Denn erst, wenn du in der „Pocket“ bist und mit dem Schlagzeuger eine solide Einheit bildest, kannst du wirklich grooven.

In erster Linie gilt das für die Beziehung zur Bass Drum. Ihr Einsatz kann dir nämlich wertvolle Hinweise darüber geben, wann du kraftvolle Akzente setzen kannst. Das heißt nicht, dass Bass und Drums immer zwingend die gleichen Rhythmen spielen sollen. Dennoch ist es nie verkehrt, sich am Pattern der Kick Drum zu orientieren. Denn der richtige Groove sollte immer auch das rhythmische Fundament eines Songs unterstützen.

Ein weiterer guter Tipp ist es, stets die Hi-Hat des Schlagzeugs im Ohr zu behalten. Die Hi-Hat spielt nämlich meist rhythmisch konstante Muster, die dir wie die Rasterung eines Millimeterpapiers auch in unübersichtlicheren Band-Gefügen jederzeit das aktuelle Tempo des Songs anzeigen. Gerade für Basstöne, die du unabhängig von Kick und Snare einstreust, ist die Hi-Hat daher eine weitere wichtige Schlagzeug-Komponente, um das richtige Timing zu finden.

Tipp 2: Spiele nicht zu viele Töne!

„Overplaying“ ist hier das Stichwort, das viele Bassisten nutzen, um uns Gitarristen am Bass zu entlarven. Und es stimmt: wir Gitarristen sind es gewohnt, schnelle Läufe einzustreuen, komplexe Akkorde zu spielen und mit Bendings und Vibratos für Aufmerksamkeit zu sorgen. Statt vieler verschiedener Töne und Skalen, die rauf und runter gespielt werden, setzen Bassisten aber meist lieber auf weniger, dafür strategisch klug platzierte Töne. Oft kann ein einzelner Ton nämlich erst seine größtmögliche Wirkung entfalten, wenn wir stattdessen lieber auf Timing, Notenlänge und Dynamik achten.

Unser Tipp: Keep it simple! Beschränke dich zunächst auf wenige rudimentäre Töne wie z. B. den Grundton eines Akkords sowie die Oktave dazu. Mache dir stattdessen lieber Gedanken darum, wie fest du die Töne anschlägst, wann du sie anschlägst und wie lange du sie hältst. Es ist wirklich erstaunlich, wie viel Ausdruck du einem einzelnen Ton entlocken kannst, wenn du über jeden einzelnen Ton genauer nachdenkst und überlegst, wie du ihn spielst.

Tipp 3: Saiten richtig abdämpfen!

Bassisten sind nicht nur wichtiger als man denkt, sie tragen mit ihrem Instrument auch eine enorme Verantwortung. Denn im Gegensatz zur Gitarre ist jeder falsche Ton am Bass selbst durch allerdickste Club-Türen noch bestens zu hören

Wer die dicken, klanggewaltigen Saiten eines Bass in Schwingung bringen will, sollte also auch gleichermaßen darauf achten, dass sie nicht zur falschen Zeit schwingen. Denn nichts killt den Groove und den Impact einer gepflegten Basslinie mehr als mitschwingende Basssaiten, die das eigentliche Signal überdecken und für unerwünschte Nebengeräusche und störendes Wummern sorgen. Deshalb gehört das konsequente Abdämpfen der Saiten zu den wichtigsten Disziplinen, die ein Bassist mitbringen sollte.

Zum Saitendämpfen hast du im Endeffekt zwei Möglichkeiten, wovon die eine deine linke Hand ist und die andere deine rechte Hand. Mit der linken Hand kannst du sehr gut die Saiten unterhalb der gerade gespielten Saite abdämpfen, indem du die Finger bei Bedarf nicht ganz rund machst und locker auf den hohen Saiten liegen lässt, während die Fingerkuppe die eigentliche Greifarbeit übernimmt.

Das Abdämpfen der tiefen Saiten kann hingegen die rechte Hand übernehmen. Wenn du klassisch Fingerstyle mit Zeigefinger und Mittelfinger spielst, sorgt zum einen der sogenannte ‚Rest Stroke‘. Wenn du beispielsweise die A-Saite zupfst, bewegt sich die Fingerkuppe weiter, bis sie auf die höher gelegene E-Saite trifft und diese dämpft. Eine gute Rest-Stroke-Technik kann also schon sehr viel dazu beitragen, dass dein Bassspiel sauberer wird.

Manchmal kann es allerdings auch helfen, zusätzlich noch den Daumen zur Hilfe zu nehmen. Wenn du beispielsweise auf der D-Saite spielst, dämpft der Rest Stroke zwar die A-Saite oben drüber, die E-Saite kann aber dennoch ungehindert schwingen. Hier kann der Daumen Abhilfe schaffen, indem du ihn locker auf die Saite auflegst.

Tipp 4: Vergiss deinen Gitarrensound!

Eine weitere Angewohnheit, die wir Gitarristen am Bass ablegen müssen, ist die Art und Weise, wie wir unseren Sound betrachten. Während uns mit der E-Gitarre viel Platz im Frequenzspektrum für verzerrte Sounds mit aggressiven Höhen und durchsetzungsfähigen Mitten haben, verfolgen wir am Bass meist ein ganz anderes Ziel.

Ein guter Bass-Sound füllt nämlich gekonnt die Lücke zwischen den tiefen Frequenzen der Kick Drum und dem Mittenbereich, den in der Regel die Gitarren füllen. Wenn wir unserem Sound also zu viel Tiefbass gönnen, rauben wir der Bass Drum des Schlagzeugs ihre Konturen und der Sound wir schwammig. Ein zu sehr auf Höhen und Verzerrung ausgelegter Bass-Sound verliert hingegen seine tragende Funktion im Bandgefüge, das Resultat ist ein dünner Gesamtklang. Es ist also nie verkehrt, viel mit dem Equalizer am Verstärker, am Instrument oder im Pedalformat zu arbeiten, um deine perfekte Lücke im Band-Mix zu finden.

Das Thema Dynamik spielt natürlich auch eine enorm wichtige Rolle. Hier kommen meist Kompressoren ins Spiel, mit denen du nicht nur das grundlegende Lautstärkeverhältnis zwischen verschiedenen Tönen anpassen kannst, sondern auch Einfluss auf den Lautstärkeverlauf eines gespielten Tons nehmen kannst. Wer beispielsweise gerne Slap Bass spielt, stellt seinen Kompressor in der Regel so ein, dass allzu harsche Signalspitzen am Anfang des Tons vom Kompressor abgefangen werden.

Tipp 5: Lerne, wie ein Bassist zu denken!

Der Schlüssel zum richtigen Bassspiel liegt zuletzt nicht nur in der korrekten Spieltechnik, sondern vor allem in der richtigen musikalischen Denkweise. Wie bereits erwähnt, beschäftigen sich die meisten Bassisten weniger mit Dingen wie komplexen Akkordvoicings und blitzschnellen Solo-Einlagen, allerdings beschränken sie sich auch nicht darauf, nur simple Grundtöne zu zupfen.

Besonders aufschlussreich ist es, sich intensiv mit den Basslinien bekannter Songs auseinanderzusetzen. Immerhin gibt es eine enorme Bandbreite verschiedener Bass-Ikonen, von denen man einiges lernen kann. Egal, ob es der melodische Stil eines Paul McCartney, rhythmisch fundiertes Spiel à la James Jamerson oder der unverkennbare Groove eines Bootsy Collins oder Pino Palladino ist, der dich reizt. Wenn du hingegen den Bass in einer Metal-Band spielst, ist es nie verkehrt, bei den Klassikern wie Iron Maidens Steve Harris oder Geezer Butler von Black Sabbath, aber auch bei den moderneren Prog-Metal-Bassisten wie John Myung oder Nolly Getgood zu lernen.

Wichtig ist, dass du Zusammenhänge verstehst und für dich ergründest, warum bestimmte Töne im Zusammenspiel mit Harmonie und Rhythmus so gut funktionieren. So findest du schnell zu deinem eigenen Stil, der deinen Basslinien das gewisse Etwas gibt und dich vom einfachen Grundtongezupfe schnell abhebt.

Fazit: Bass ist mehr als eine tiefer gestimmte Gitarre

Selbstverständlich spricht nichts dagegen, wenn du als Gitarrist gelegentlich zum Bass greifst, um den eigentlichen Bassisten zu vertreten oder schnell mal eine simple Basslinie einzuspielen. Wer allerdings beide Instrumente und vor allem ihre jeweilige Denkweise dahinter verstehen lernt, entwickelt ein besseres Verständnis für Arrangements, Rhythmik und das allgemeine Zusammenspiel in einer Band. Es geht also nicht um rasante Läufe oder virtuose Slap-Einlagen, stattdessen stehen essenzielle Skills wie Groove, Timing und Dynamik stets im Vordergrund. Denn ganz ehrlich: es gibt nicht besseres, als ein anerkennendes Nicken vom Schlagzeuger nach einer gelungenen Jam-Session zu bekommen

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Dabei geht es weniger um klangliche Harmonien oder besonders schwere Riffs. Einzelne Töne, gruselige Geräusche und bewusst gesetzte Pausen können bereits ausreichen, um eine düstere Klangkulisse aufzubauen. Gerade wenn ein Ton lange nachklingt oder sein gewohnter Anschlag verschwindet, klingt die Gitarre plötzlich deutlich weniger nach Gitarre.

Die folgenden Einstellungen sind als Ausgangspunkte gedacht. Je nach Pedal oder Gitarre unterscheiden sich Regelwege und Funktionsumfang. Viele Ideen funktionieren selbstverständlich ebenso mit den Effekten eines Modelers oder einer Amp-Software.

1. Chorus und Tremolohebel: Wenn Akkorde ins Schwanken geraten

Schon ein cleaner Gitarrensound mit Chorus kann eine gute Grundlage für gruselige Klänge sein. Besonders interessant wird es, wenn deine Gitarre ein Tremolosystem besitzt: Schlage einen Akkord an, lasse ihn ausklingen und bewege den Tremolohebel leicht auf und ab. Mit langsamen Bewegungen gerät die Tonhöhe allmählich ins Schwanken, während kurze, schnelle Bewegungen ein nervöses Vibrato erzeugen.

Zusammen mit der Modulation des Chorus entsteht ein eiernder, beinahe verstimmter Klang, der sich irgendwo zwischen schwebender Gitarrenfläche und ausgeleiertem Tonband bewegen kann. Wie stark dieser Charakter hervortritt, hängt natürlich von der eingestellten Chorus-Modulation ab – hier kannst du die Einstellungen je nach Bedarf durchaus bis ins Extreme treiben.

Und so geht’s: Beginne mit einer niedrigen bis mittleren Chorus-Geschwindigkeit und passe Depth so an, dass die Modulation deutlich hörbar wird. Der Hebel braucht dabei keine großen Bewegungen: Bereits kleine Tonhöhenschwankungen können einen zunächst harmlosen Akkord ziemlich unheimlich wirken lassen.

Etwas zusätzlicher Hall gibt dem Ganzen mehr Raum und lässt die schwankenden Töne länger nachklingen. Anders als beim Tremolo-Effekt, der die Lautstärke verändert, entsteht das Vibrato mit dem Hebel durch eine Veränderung der Tonhöhe.

2. Reverse-Delay: Wenn die Gitarre rückwärts läuft

Ein gewöhnliches Delay wiederholt das gespielte Signal zeitversetzt. Ein Reverse-Delay gibt aufgenommene Signalabschnitte dagegen rückwärts wieder. Dadurch wird aus dem vertrauten Verlauf von Anschlag und Ausklang ein ungewohnt anschwellender Sound.

Für einen ersten Versuch wählst du eine Delay-Zeit von etwa 500 bis 800 Millisekunden, wenige Wiederholungen und einen deutlich hörbaren Effektanteil. Spiele anschließend einzelne Töne oder eine kurze Melodie und lasse zwischen den Phrasen Platz. So lässt sich gut hören, wie die rückwärts abgespielten Fragmente auf dein Spiel antworten.

Noch fremdartiger wird es, wenn dein Delay das trockene Direktsignal vollständig ausblenden kann. Dann bleibt nur die rückwärts laufende Gitarre übrig. Beim BOSS DD-8 ist das beispielsweise im Reverse-Modus über die Maximalstellung des E.Level-Reglers möglich. Beim EHX Canyon lässt sich das Direktsignal im Reverse-Modus ebenfalls ausblenden, indem du den FX-LVL-Regler vollständig aufdrehst. Bei anderen Geräten kann dafür eine eigene Mix- oder Kill-Dry-Funktion vorgesehen sein.

Mit einem nachgeschalteten Hall verschwimmen die einzelnen Fragmente zusätzlich. Schnelles Spiel wird dabei leicht unübersichtlich – für den Anfang reichen zwei oder drei langsam gespielte Töne völlig aus.

3. Lange Hallfahnen: Viel Platz für wenig Gitarre

Ein Hallgerät gehört zu den einfachsten Werkzeugen für atmosphärische Sounds. Für unsere Halloween-Klangkulisse eignen sich zunächst Hall- oder größere Raumprogramme mit einer langen Ausklingzeit. Falls dein Pedal entsprechende Werte anzeigt, kannst du mit ungefähr fünf bis acht Sekunden beginnen. Den Effektanteil stellst du so ein, dass der Hall deutlich präsent bleibt, ohne den gespielten Ton sofort vollständig zu verdecken.

Spiele eine einzelne hohe Note, ein Flageolett oder einen langsam angeschlagenen Mollakkord und höre dem Ausklang zu. Häufig entsteht die Atmosphäre erst in den Sekunden, in denen du nichts Neues spielst. Wer jede Lücke mit weiteren Noten füllt, nimmt dem Effekt schnell seinen Raum.

Über einen Tone- oder Damping-Regler lässt sich die Hallfahne zusätzlich formen. Gedämpfte Höhen können sie dunkler und entfernter wirken lassen. Für einen schärferen, kälteren Klang dürfen dagegen mehr Höhen erhalten bleiben. Hier entscheidet vor allem das Zusammenspiel mit dem Grundsound deiner Gitarre.

4. Volume-Swells: Töne aus dem Nichts

Bei Volume-Swells blendest du den Ton erst nach dem Anschlag ein. Damit verschwindet das typische Anschlagsgeräusch weitgehend, und die Gitarre bekommt einen beinahe streicherartigen Charakter.

Das funktioniert bereits mit dem Volume-Regler am Instrument:

1. Drehe den Volume-Regler zunächst vollständig herunter.
2. Schlage einen Ton oder Akkord an.
3. Drehe die Lautstärke unmittelbar danach gleichmäßig auf.
4. Lass den Ton ausklingen und schließe den Regler vor dem nächsten Anschlag wieder.

Etwas Übung braucht dabei vor allem die Bewegung zwischen Anschlag und Lautstärkeregler. Mit einem Volume-Pedal lässt sich derselbe Ablauf bequem mit dem Fuß steuern. Alternativ eignet sich ebenso das TC Electronic Crescendo Auto Swell Pedal, welches die Anschlagslautstärke automatisch abdrehen kann.

Damit Delay-Wiederholungen und Hallfahnen beim Zurücknehmen der Lautstärke weiterklingen, sollte das Volume-Pedal vor Delay und Reverb sitzen. Ein Platz hinter diesen Effekten würde auch deren Ausklang leiser regeln.

Für eine erste Geisterfläche kombinierst du langsame Swells mit langem Hall. Lass die Töne ineinander übergehen, statt ständig neue Akkorde anzuschlagen. Ein normaler Clean-Sound reicht dafür bereits aus.

5. Tremolo: Vom unruhigen Puls zum abgehackten Stottern

Ein Tremolo-Effekt verändert regelmäßig die Lautstärke. Langsam und weich eingestellt entsteht ein schwebender Puls. Mit höherer Intensität und einer kantigen Wellenform kann der Sound dagegen regelrecht zerhackt werden.

Beginne mit niedriger Geschwindigkeit und mittlerer Effekttiefe. Spiele dazu einzelne tiefe Töne oder einen ausgehaltenen Akkord. Anschließend erhöhst du die Tiefe, bis die Lautstärkeschwankung deutlich hervortritt. Besitzt das Pedal eine wählbare Wellenform, lohnt sich der Wechsel zwischen weicher Sinus- und harter Rechteckform.

Auch die Reihenfolge macht einen Unterschied: Tremolo vor dem Hall lässt den Hall die Lautstärkelücken teilweise auffüllen. Sitzt das Tremolo dahinter, pulsiert auch die Hallfahne mit. Das Prinzip gilt ebenso für die Kombination mit Delay: Nachklingende Echos können die harten Unterbrechungen eines vorgeschalteten Tremolos wieder aufweichen.

6. Delay-Feedback: Wenn sich die Echos verselbstständigen

Der Feedback- beziehungsweise Repeats-Regler eines Delays bestimmt, wie viel vom verzögerten Signal erneut in die Wiederholung gelangt. Bei manchen Geräten können sich die Echos mit hohen Einstellungen bis zur Selbstoszillation aufschaukeln. Dafür muss die Gitarre nicht vor einem laut aufgedrehten Verstärker stehen: Die Rückkopplung entsteht innerhalb des Effekts.

Starte bei niedriger Abhörlautstärke mit einem einzelnen kurzen Ton und erhöhe das Feedback langsam. Sobald die Wiederholungen stehen bleiben oder lauter werden, nimmst du den Regler wieder etwas zurück. Nicht jedes Delay ermöglicht diesen Übergang; manche begrenzen das Feedback bewusst.

Bei vielen Analog- und Tape-Delays oder entsprechenden Simulationen verändert das Drehen der Delay-Zeit außerdem vorübergehend die Tonhöhe der Wiederholungen. Daraus können absackende Echos oder sirenenartige Geräusche entstehen. Wie sich das verhält, hängt vom jeweiligen Gerät und Algorithmus ab.

Hier lohnt sich ein vorsichtiger Umgang mit dem Feedback-Regler, denn der Pegel kann schnell steigen. Zum Beenden drehst du das Feedback zurück. Das Ausschalten des Effekts allein stoppt die Wiederholungen bei aktivierter Trails- oder Carryover-Funktion nicht unbedingt sofort.

Drei Ideen für die eigene Halloween-Klangkulisse

Zum Ausprobieren kannst du die einzelnen Techniken in kleinen Kombinationen zusammenbringen:

• Die Geisterfläche: Volume-Swells und langer, eher dunkler Hall. Spiele wenige hohe Töne und lasse die Hallfahnen ineinanderlaufen.
• Das verlassene Funkgerät: Reverse-Delay mit hohem Effektanteil und nachgeschaltetem Hall. Kurze, voneinander getrennte Phrasen halten die rückwärts laufenden Fragmente hörbar.
• Der Horror-Puls: Ein ausgehaltener tiefer Ton, deutliches Tremolo und etwas Hall. Mit der Geschwindigkeit bestimmst du, ob die Fläche langsam atmet oder hektisch stottert.

Am besten beginnst du jeweils mit einem Effekt und schaltest den nächsten erst hinzu, wenn der Grundsound funktioniert. Manchmal reichen ein langsam eingeblendeter Ton und eine lange Hallfahne schon aus – den Rest erledigt die Pause danach.

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Ttitelbild: SzaboJanos

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Wir setzen einmal voraus, dass die Gitarre gut eingestellt ist. So mancher Gitarrist staunt, wenn er sein Instrument zum ersten Mal zum Gitarrenbauer bringt und dieser die Saitenlage deutlich „tieferlegt“. Auch die Wahl der Saiten spielt natürlich eine wichtige Rolle, würde hier aber den Rahmen sprengen.

Der Tonabnehmer

Fangen wir also beim Tonabnehmer an. Um es vorwegzunehmen: Hier liegt bereits der größte Kompromiss, denn eine Akustikgitarre ist ein derart komplexes Instrument, dass sie sich nicht so einfach naturgetreu abbilden lässt. Gerade bei reinen Piezo-Tonabnehmern, die unter der Stegeinlage sitzen (auch „Undersaddle“ genannt), fallen oft Begriffe wie „topfig“ oder „nasal“.

Der Sound ist in jedem Fall gewöhnungsbedürftig und sollte unbedingt nachbearbeitet werden. Mittlerweile gibt es unzählige Ansätze, dem natürlichen Klang einer Akustikgitarre so nah wie möglich zu kommen.

Manche aktiven Pickup-Systeme setzen auf eine Kombination aus Mikrofon und Piezo. L.R. Baggs hat mit dem Anthem-System einen Standard geschaffen, bei dem das Mikrofon im Korpus unter dem Steg an die Stegplatte geklebt wird.

Mit einem Blend-Regler lässt sich das Verhältnis zwischen Piezo und Mikrofon mischen. In der Praxis wird für den besten Klang meist ein hoher Mikrofonanteil gewählt. Achtung: Auf lauten Bühnen besteht dabei Rückkopplungsgefahr.

Stimmgeräte

Eine saubere Stimmung ist auf der Bühne schon im eigenen Interesse absolute Pflicht. Stimmgeräte, die an die Kopfplatte geklemmt werden, sind gute Helfer in der Not und im Studio oder zu Hause schnell einsatzbereit. Auf der Bühne ist es jedoch sinnvoll, dem Publikum den Stimmvorgang zu ersparen. Hier hilft ein Tuner im Pedalformat, der das Signal beim Aktivieren stummschaltet.

So lässt sich die Gitarre ungestört stimmen. Sobald alles bereit ist, wird das Signal mit einem weiteren Fußtritt wieder freigegeben. Und noch einen Vorteil hat so ein Mute-Schalter: Wird das Kabel aus der Gitarre gezogen, gibt es keinen lauten Knall, der den ganzen Saal zusammenzucken lässt.

Equalizer / Low Cut

Bei Akustikgitarren gibt es besonders im Bass- und Mittenbereich typische Frequenzen, die es zu bändigen gilt. Sie klingen nicht nur unschön, sondern können sich auch zu unangenehmen Rückkopplungen aufschaukeln. Sinnvoll ist immer ein Low Cut bei etwa 80 Hz, damit in diesem Bereich schon einmal keine Gefahr besteht. Er lässt sich entweder am Mischpult setzen oder mit einem eigenen Equalizer, der als Einzelpedal oder in anderer Form „zu Füßen liegt“.

Auch in den Mitten gibt es die berühmten „Nasen“, die für den bereits beschriebenen topfigen Sound verantwortlich sind. Ein einfaches Pedal, das genau diese Klangkorrekturen ermöglicht, ist der L.R. Baggs Para Acoustic DI Preamp – gleichzeitig eine aktive DI-Box, um die es im folgenden Abschnitt geht.

DI-Box

Eine DI-Box hatte wohl jeder schon einmal in der Hand oder hat zumindest gehört, dass man sie immer braucht, um eine Akustikgitarre zu verstärken. Das ist weder ganz richtig noch ganz falsch, denn genau genommen kommt es auf die Kabellänge an. Eine DI-Box macht aus einem unsymmetrischen Signal (wie im Gitarrenkabel) ein symmetrisches Signal (wie im Mikrofonkabel).

Ein symmetrisches Signal lässt sich auch über 30 Meter nahezu verlustfrei übertragen. Wer schon einmal versucht hat, über ein 30 Meter langes Gitarrenkabel direkt ins Pult zu spielen, weiß: Die Höhen bleiben buchstäblich auf der Strecke, und das Signal ist äußerst anfällig für Störgeräusche. Steht das Pult auf der Bühne, sind drei oder sechs Meter lange Kabel kein Problem, und die Gitarre kann auch mal direkt eingestöpselt werden.

Steht das Mischpult dagegen am FOH-Platz im Publikum, wird klar, warum Stageboxen in der Regel mit XLR-Buchsen arbeiten: Das unsymmetrische Signal des Tonabnehmers muss für den längeren Weg mithilfe einer DI-Box symmetriert werden.

Je nach Tonabnehmer kommen dabei aktive oder passive DI-Boxen zum Einsatz. Handelt es sich um einen aktiven Pickup, der meist mit einem 9-Volt-Block in der Gitarre betrieben wird, reicht eine passive DI-Box, die ihren Job unauffällig, aber zuverlässig erledigt.

Was noch zum guten Sound fehlt

Neben den Korrekturen per Equalizer bzw. Low Cut – entweder auf dem Pedalboard, um bereits einen optimierten Sound ans Pult zu liefern, oder direkt am Mischpult – sind bei Akustikgitarren noch jede Menge Effekte denkbar. Die gehören allerdings nicht zum „Brot-und-Butter-Setup“, das jeder Gitarrist auf der Bühne dabeihaben sollte.

Der wichtigste Effekt für Akustikgitarren ist ohne Zweifel ein guter Hall, den der Mischer beisteuern kann oder der auch als Pedal erhältlich ist. Eine knochentrockene Akustikgitarre im Ohr macht keinen Spaß und klingt denkbar unnatürlich – kein Wunder, denn unverstärkt hören wir sie immer zusammen mit den Reflexionen des Raumes.

All-in-one-Lösungen

Wie bei E-Gitarren weit verbreitet, gibt es auch für Akustikgitarren Multieffektgeräte, die kaum Wünsche offenlassen. Sie können verschiedene Sounds speichern und abrufen und simulieren sogar den Klang unterschiedlicher Gitarrenbauformen. Ob einem das zusagt, muss jeder nach eigenem Geschmack entscheiden. Praktisch sind diese Helfer auf jeden Fall, um direkt einen fertigen Sound zu liefern.

Beim Zoom AC-3 sind sogar ein Stimmgerät und eine Stereo-DI-Box integriert. Ein weiteres Feature ist ein Solo-Boost, damit die Gitarre nicht untergeht, wenn es darauf ankommt.

Und nicht vergessen …

Manchmal sind es eben die Kleinigkeiten, an denen man Profis mit viel Bühnenerfahrung erkennt. Dazu zählt ein gut gefüllter „Werkzeugkoffer“ mit Ersatzkabeln, Saiten, Batterien und verschiedenen Adaptern, damit nichts dem Zufall überlassen bleibt. Wer mehr oder weniger professionell unterwegs ist, sollte seinen Sound im Griff haben und auf alle Eventualitäten vorbereitet sein. Dann klappt es auch mit dem Wohlfühlen auf der Bühne.

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Warum ist das Griffbrett so wichtig?

Das Griffbrett ist eine der direkten Kontaktflächen zwischen Gitarrist und Gitarre. Es beeinflusst die Haptik eines Instruments maßgeblich, da die Finger der Greifhand während des Spielens im permanenten Kontakt zu ihm sind. Da das Spielgefühl einen wesentlichen Einfluss auf den Spaß am Musizieren ausübt, ist es also ungemein wichtig, dass sich das Gleiten der Finger gut anfühlt.

Auch optisch prägt das Griffbrett das Instrument, was für die meisten Gitarristen ein wichtiges Kriterium ist. So sind beispielsweise helle Ahorngriffbretter besonders auf Fender-Modellen beliebt, während dunkle Palisander- oder Ebenholzgriffbretter sowohl auf E- als auch auf Akustikgitarren ein vertrautes Erscheinungsbild schaffen.

Da sich die verschiedenen Holzarten jedoch hinsichtlich ihrer Härte, Oberflächenstruktur, Pflegebedürfnisse und Verarbeitung unterscheiden, sind sie definitiv eine Geschmacksfrage.

Palisander: Der vielseitige Klassiker

Palisander, englisch Rosewood, ist ein absoluter Klassiker unter den Griffbrettmaterialien. Du findest es sowohl auf E- als auch auf Western- und Konzertgitarren, zum Beispiel auf der Mehrheit der High-End-Gitarren der Firma Gibson.

Dabei vermittelt das dunkle Holz mit seiner natürlichen Maserung, die von gleichmäßigen Brauntönen bis zu kontrastreichen dunklen Streifen reichen kann, einen besonders hochwertigen Eindruck. Gerade unbehandelte, also nicht lackierte Palisandergriffbretter sind unter Gitarristen sehr beliebt, da sie ein außerordentlich natürliches Spielgefühl bieten.

Klanglich wird Palisander häufig ein warmer Ton zugeschrieben, was allerdings mit Vorsicht zu genießen ist. Besonders bei E-Gitarren spielen Tonhölzer bei der Klangproduktion keine Rolle, weshalb wir uns hier bei der Klangbeschreibung nur auf Akustikgitarren beziehen. Dazu aber später noch mehr.

Du solltest dir allerdings bewusst sein, dass Palisander nicht als einzelne Holzart, sondern als Bezeichnung für verschiedene Hölzer zu verstehen ist. Einige Arten unterliegen zudem Handels- und Artenschutzbestimmungen, weshalb du dich über das genaue Material informieren solltest.

Ahorn für helle Akzente

Ein Griffbrett aus Ahorn bringen die meisten wohl mit Fender in Verbindung. Schon die frühen Telecaster- und Stratocaster-Modelle waren mit einem Ahorngriffbrett ausgestattet, sodass sich die insgesamt helle Farbgebung des Halses fest in die meisten Köpfe eingebrannt hat.

Im Gegensatz zu Palisander ist Ahorn häufig mit einer Lackschicht versehen, sodass sich die Oberfläche besonders glatt anfühlt. Passend zur Farbe wird Ahorn häufig mit einem hellen Sound und hoher Durchsetzungsstärke in Verbindung gebracht.

Ebenholz: Hochwertig und widerstandsfähig

Kein Griffbrettmaterial wird wohl so stark mit hochwertigen Gitarren in Verbindung gebracht wie Ebenholz. Besonders das tiefschwarze Kernholz ist ausgesprochen beliebt, da seine gleichmäßige Farbe einfach einen edlen Eindruck macht.

Dazu zeichnet sich das Holz durch eine hohe Dichte und eine harte Oberflächenstruktur aus, die wenig Widerstand bei schnellen Griffwechseln bietet. Diese Eigenschaften erleichtern dem Gitarrenbauer bei der Verarbeitung des Holzes die Arbeit. Dazu wird auch Ebenholz häufig ein brillanter Klang nachgesagt.

Doch auch hier gibt es eine Kehrseite der Medaille. Ebenholz zählt zu den bedrohten Pflanzenarten, deren Bestände in alarmierendem Tempo schwinden und nicht schnell genug nachwachsen. Dies hat bei vielen Herstellern zu einem Umdenken geführt. Wurde früher ausschließlich das schwarze Kernholz verwendet, wird heute der komplette Stamm verarbeitet. Zwar erhält man so kein einheitlich schwarzes Griffbrett, an den haptischen Eigenschaften ändert sich aber nichts.

Pau Ferro als interessante Alternative

Um die Bestände der Gewächse traditioneller Griffbretthölzer zu schonen, hat sich Pau Ferro als Alternative etabliert und wird bereits seit einigen Jahren von Gitarrenherstellern genutzt. Seine braun-rötliche Farbe erinnert an Palisander, während sich seine harte Beschaffenheit zu einer ausgesprochen glatten Oberfläche verarbeiten lässt. So erscheint ein Griffbrett aus Pau Ferro ein idealer Kompromiss aus den Eigenschaften von Palisander und Ebenholz für diejenigen zu sein, die eine warme Optik mit einem mühelosen Spielgefühl für schnelle Wechsel verbinden möchten. Das zeigt, dass Pau Ferro keineswegs als Ersatzmaterial zu verstehen ist, sondern sich seinen Platz unter den Griffbrettmaterialien redlich verdient hat.

Richlite und andere alternative Griffbrettmaterialien

Da der Gitarrenbau von Kreativität und Innovation lebt, muss mittlerweile nicht mehr jedes Griffbrett aus Holz bestehen. So haben sich inzwischen auch technische Verbundwerkstoffe wie Richlite durchgesetzt.

Richlite besteht aus papierbasierten Faserschichten, die mit Harz verbunden und unter Druck zu einem widerstandsfähigen Material verarbeitet werden. Ein besonderer Vorteil besteht darin, dass die Materialstruktur aufgrund der künstlichen Herstellung ausgesprochen einheitlich ist. Holz als lebendes Material ist hier deutlich unberechenbarer. Auch die Pflege gestaltet sich bei Verbundwerkstoffen unkompliziert, da sie keine Griffbrettölbehandlung benötigen.

Beeinflusst das Griffbrettmaterial wirklich den Klang?

Diese Frage ist ein vieldiskutiertes Thema unter Gitarristen. In Produktbeschreibungen und Foren werden verschiedenen Tonhölzern Klangcharaktere zugeschrieben, die wir in den vorherigen Abschnitten schon angesprochen haben. Doch sind das wirklich gesicherte Fakten oder eher Marketingversprechen?

Fakt ist zumindest, dass Tonhölzer bei E-Gitarren in puncto Klang keinen Einfluss ausüben. Hier kommt es auf die Tonabnehmer, die Brücke, Saiten und Stimmstabilität an. Die Hölzer sind hier nämlich nicht so dünn gehalten wie bei einer Akustikgitarre, weshalb sie nicht in klangerzeugende Schwingung geraten.

Bei Akustikgitarren sieht das etwas anders aus, allerdings sollte man den Einfluss des Griffbretts auf den Klang ebenfalls nicht überbewerten. Die Hauptrolle bei der Klangerzeugung einer Western- oder Konzertgitarre spielt die Decke, während auch Korpusgröße, Korpusform, Deckenbeleistung, Boden und Zargen und mehr ein Wörtchen mitzureden haben. Es ist hier also eher ein Zusammenspiel, zu dem das Griffbrett seinen Teil beiträgt. Zwar zählt es durchaus zu den klangbestimmenden Komponenten, aber weniger, als es manch laute Stimme behauptet.

Wie sieht es mit dem Spielgefühl aus?

Während der Einfluss auf den Klang gar keine oder eine untergeordnete Rolle spielt, wirkt sich das Griffbrett durchaus spürbar auf die Bespielbarkeit einer Gitarre aus. Dabei kommt es allerdings auch stark auf die Verarbeitung an.

Einen direkten Einfluss auf die Haptik des Holzes hat die Oberflächenbehandlung. So fühlt sich ein lackiertes Ahorngriffbrett definitiv anders an als ein unbehandeltes Palisandergriffbrett. Man darf allerdings nicht vergessen, dass die Fingerkuppen in erster Linie mit den Saiten in Kontakt kommen, weshalb es mehr auf die Spieltechnik ankommt, wie intensiv du das Griffbrettmaterial wirklich wahrnimmst.

Auch der Griffbrettradius ist ein wichtiges Kriterium. Griffbretter von E- und Akustikgitarren sind gewölbt, unterscheiden sich jedoch je nach Modell in ihrer Krümmung. Ein stark gewölbtes Griffbrett wird häufig als angenehm für Akkordspiel empfunden, während flachere Varianten Bendings erleichtern.

Griffbrettpflege: Was muss man beachten?

Damit du auch möglichst lange etwas von deiner Gitarre hast, ist die richtige Pflege das A und O. Da das Griffbrett zudem eine Kontaktfläche ist, lagern sich hier besonders gerne Hautschuppen und Schweiß ab, die dem Material auf Dauer nicht guttun.

Bei unbehandelten Griffbrettern reicht es häufig, die Fläche mit einem weichen Tuch abzuwischen. Bei Bedarf können auch geeignete Griffbrettreiniger zum Einsatz kommen, etwa das Lemon Oil von Dunlop. Der Saitenwechsel bietet dabei eine hervorragende Gelegenheit. Achte aber darauf, das Öl sparsam aufzutragen. Aggressive Haushaltsreiniger, ungeeignete Lösungsmittel und übermäßige Feuchtigkeit haben hingegen auf dem Griffbrett nichts verloren!

Lackierte Griffbretter können ebenfalls einfach mit einem Tuch abgewischt werden. Öle und spezielle Reiniger sind hier weniger geeignet.

Für Richlite und andere Verbundmaterialien schaust du am besten in die Herstellerhinweise.

Welches Griffbrett ist das richtige für dich?

Wie du siehst, gibt es zahlreiche Faktoren, die dir die Wahl erleichtern oder auch erschweren können. Während manche Gitarristen besonderes Augenmerk auf das Design ihrer Gitarre legen, konzentrieren sich andere ganz auf die Haptik oder den Pflegeaufwand. Die verbreitete Vorstellung, dass sich aus verschiedenen Holzarten unterschiedliche Klangcharaktere heraushören lassen, ist zum Teil ein Mythos. In puncto Bespielbarkeit wirkt sich das jeweilige Griffbrett und dessen Verarbeitung definitiv auf das Spielgefühl aus.

Letztendlich musst du dich einfach im Sortiment des Musikalienhändlers umsehen, die Modelle antesten und dann entscheiden, welches Instrument dir zusagt.

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Wie schon beim Vorgänger setzte Songwriter Ray Davies auf ein ebenso einfaches wie wirkungsvolles Gitarrenriff. Statt ausgefeilter Harmonien gab es verschobene Powerchords, einen treibenden Rhythmus und jede Menge Verzerrung. Das Riff lebt vom Wechsel zwischen kurzen, abgehackten Akkordschlägen und den dazwischenliegenden Pausen.

Selbstgebaute Verzerrung

Für den aggressiven Gitarrensound war Rays jüngerer Bruder Dave Davies verantwortlich. Weil ihm sein kleiner Elpico-Verstärker zu brav klang, hatte er kurzerhand dessen Lautsprechermembran mit einer Rasierklinge bearbeitet. Das Ergebnis war ein kratziger, übersteuerter Ton, den Davies anschließend über einen größeren Vox-Verstärker verstärkte. Fuzz-Pedale waren damals noch längst keine Selbstverständlichkeit. Dave hatte sich seine Verzerrung kurzerhand selbst gebaut.

Produziert wurde die Single von Shel Talmy, der den ungeschliffenen Charakter der Band einzufangen wusste. Der Song erreichte Platz 2 der britischen Charts und wurde auch in den USA ein Hit. Vor allem aber zeigte er, wohin sich die Rockmusik entwickeln konnte. Lange bevor Hardrock, Heavy Metal oder Punk ihre Namen bekamen, hatten The Kinks bereits einige ihrer wichtigsten Zutaten gefunden.

Das Riff: Wer „All Day and All of the Night“ nachspielen möchte, braucht vor allem einen kräftigen Anschlag, einen ordentlich angezerrten Sound und ein gutes Gefühl für die Pausen. Die Powerchords sollten kurz und trocken kommen, ohne unnötig lange auszuklingen.

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Doch warum verwenden Gitarrenhersteller so viele verschiedene Holzarten für Boden und Zargen und welchen Einfluss haben diese wirklich auf den Klang? In diesem Beitrag beleuchten wir die Klangbeschreibungen der Hersteller und sehen uns näher an, was eigentlich zur Klangerzeugung einer Akustikgitarre beiträgt. Sogar eine wissenschaftliche Studie konnten wir hierzu finden, die wir dir natürlich nicht vorenthalten wollen.

Wie erzeugt eine Akustikgitarre ihren Klang?

Zu diesem Thema gibt es bereits einen Beitrag, weshalb wir die Klangproduktion einer Akustikgitarre hier der Vollständigkeit halber nur kurz erklären. Kleiner Hinweis: E-Gitarristen, die sich jetzt fragen, warum ihr Instrument nicht berücksichtigt wird, müssen wir leider enttäuschen. Die Holzauswahl einer E-Gitarre hat absolut keine Auswirkungen auf den Klang. Hier kommt es auf die Tonabnehmer, Stimmstabilität, Saiten und nicht zuletzt auf die Skills des Spielers an.

Doch zurück zum Thema dieses Abschnitts. Der Klang einer Akustikgitarre entsteht durch das Zusammenspiel von Saitenschwingung, Steg, Decke, Resonanzkörper und nicht zuletzt massiven oder laminierten Tonhölzern. Besonders die Decke prägt den Klang, während Korpusform, Hölzer und Bauweise ihn zusätzlich beeinflussen.

Welche Aufgaben übernehmen Boden und Zargen genau?

Während die Decke die Hauptrolle der Klangproduktion übernimmt, beeinflussen Boden und Zargen das mechanische Schwingungsverhalten und die Resonanzen der eingeschlossenen Luft im Korpus. Dabei verbinden die Zargen Decke und Boden miteinander und bilden sie seitliche Begrenzung des Resonanzraums. Mit einer hohen Steifigkeit wirken sie zudem mehr als verbindende Elemente. Der Boden hingegen ist deutlicher an der Schwingung beteiligt. Allerdings können Gitarrenbauer selbst entscheiden, wie groß sein Einfluss tatsächlich ist. So können sie ihn bewusst so gestalten, dass er stärker mit der Decke zusammenwirkt, indem sie seine Dicke, Material, seine Wölbung sowie seine Verstrebung entsprechend anpassen.

Boden und Zargen beeinflussen also durchaus das akustische Verhalten einer Gitarre. Wie groß dieser Einfluss jedoch wirkt, hängt wesentlich von der Konstruktion des Instruments ab.

Welche Eigenschaften des Holzes sind entscheidend?

Ein unterschiedlicher Klangcharakter kommt bei Holzarten durch ihre spezifischen Eigenschaften zustande. Holz ist schließlich nicht gleich Holz, sondern jede Art bringt ihre ganz eigenen physikalischen Eigenschaften mit.

Ein zentraler Aspekt sind Dichte und Gewicht, die über das Holzvolumen entscheiden, wobei das Material, das eine höhere Dichte aufweist, in der Regel auch schwerer ist. Logischerweise folgt daraus, wie sensibel das in der Gitarre verarbeitete Holz auf Schwingungsanregungen reagiert. Zwar verhält sich eine Holzart mit hoher Dichte anders als eine mit geringer Dichte, daraus aber eine allgemeingültige Regel abzuleiten, wäre zu kurz gegriffen.

Auch die Steifigkeit ist ein wichtiger Faktor. Sie beschreibt den Widerstand eines Materials gegen Verformung, wobei sich die Eigenschaften je nach Faserrichtung des Holzes unterscheiden. Ein Gitarrenboden kann somit entlang der Holzfasern deutlich steifer sein als quer dazu. Da aber Materialstärke, Wölbung oder Verstrebung die Steifigkeit ebenfalls beeinflussen, kann der Gitarrenbauer einen Teil der Unterschiede durch die Konstruktion ausgleichen.

Holzarten unterscheiden sich darüber hinaus in ihrem Dämpfungsverhalten. Das bedeutet, wie stark bestimmte Schwingungen ausgeprägt sind und wie schnell diese abklingen. Häufig werden daraus Aussagen über Sustain, Obertonreichtum oder einen besonders trockenen Klang abgeleitet. Solche Zusammenhänge sind grundsätzlich plausibel, lassen sich jedoch nicht ohne Weiteres auf den Klang einer vollständigen Gitarre übertragen.

Doch selbst innerhalb einer Holzart können sich die genannten Eigenschaften voneinander unterscheiden. Da Holz ein lebendes Material ist, spielen Standort, Wachstumsbedingungen, Faserverlauf und nicht zuletzt eine geeignete Trocknung und Verarbeitung eine wichtige Rolle.

Die wichtigsten Hölzer für Boden und Zargen im Überblick

Im Akustikgitarrenbau haben sich im Laufe der Zeit zahlreiche Hölzer fest etabliert. Während die Decke meist aus Fichte oder Zeder besteht, ist die Vielfalt an Hölzern für Boden und Zargen jedoch höher. Einige von ihnen werden bereits seit Jahrzehnten verwendet, andere kamen im Laufe der Zeit dazu. Dies begründet sich nicht zuletzt auf dem Aspekt der Nachhaltigkeit, da die Bestände zahlreicher Holzarten wie Mahagoni oder Palisander besorgniserregend schwinden.

Dabei werden den verschiedenen Holzarten bestimmte Klangeigenschaften zugeschrieben, die gerade von Händlern und Herstellern stark beworben werden. Zwar können sie bei der Orientierung helfen, machen aber nicht den gesamten Klangcharakter einer Akustikgitarre aus, wie wir ja bereits erläutert haben. Natürlich gibt es noch mehr Holzarten, die für Boden und Zargen verwendet werden. Für diese Übersicht konzentrieren wir uns aber auf die, die wir am häufigsten antreffen.

Mahagoni: der traditionsreiche Allrounder

Mahagoni gehört wohl zu den bekanntesten Hölzern für Boden und Zargen und findet sich sowohl in günstigen Einsteigerinstrumenten als auch hochpreisigen Gitarren der Oberklasse. Besonders gut lässt es sich an seiner rötlich-braunen Färbung mit einer relativ gleichmäßigen Maserung erkennen.

Man sagt ihm einen ausgesprochen mittenbetonten Sound mit deutlicher Klangwärme nach, der besonders gut mit Fichtendecken, die sich durch ihre markante Höhenansprache auszeichnen, harmoniert.

Allerdings sollte man bei der Bezeichnung Mahagoni immer etwas genauer hinsehen. Im engeren botanischen Sinne handelt es sich um Holz aus der Gattung Swietenia, allerdings werden im Handel auch andere Hölzer unter mahagoniähnlichen Bezeichnungen angeboten. Zum Beispiel wird das afrikanische Khaya häufig als afrikanisches Mahagoni bezeichnet, ist aber wie auch Sapele eine zwar verwandte, aber eigenständige Holzart.

Palisander als der Klassiker für hochwertige Westerngitarren

Palisander zählt im Gitarrenbau zu den wahren Stars unter den Hölzern. Zahlreiche High-End-Akustikgitarren auf dem Markt sind mit Boden und Zargen aus Palisander ausgestattet, der einen ganz besonders vielseitigen Klang verspricht. So wird er häufig mit einem kräftigen Bassbereich und einem komplexen Obertonspektrum verbunden, während die Mitten etwas dezenter ausfallen. Beschrieben wird eine hohe Klangfülle mit einem besonders raumfüllenden Ton, der sich durch ein ausgeprägtes Sustain bemerkbar macht.

Doch auch hier muss man zwischen verschiedenen Arten unterscheiden, da Palisander keine einzelne Holzart, sondern eine Sammelbezeichnung ist. Zu den bekanntesten Vertretern gehören ostindischer Palisander sowie Rio-Palisander, die sich in ihrer Verfügbarkeit unterscheiden. Am häufigsten wird heute auf ostindischen Palisander zurückgegriffen.

Ahorn: Auffällige Optik und klare Klangzuschreibungen

Ahorn wird häufig mit hellen, transparenten und besonders definierten Klangeigenschaften in Verbindung gebracht. Die traditionelle Beschreibung betont eine klare Ansprache und eine vergleichsweise geringe Überlagerung durch anhaltende Obertöne. Besonders häufig verwendet Gibson Ahorn für seine Jumbo-Modelle.

Auch optisch sticht Ahorn deutlich hervor. Es zeichnet sich durch einen besonders hellen Farbton aus und besitzt auch durch seine charakteristischen Maserungen wie geflammt oder Riegelahorn einen ganz eigenen Reiz. Und die Optik spielt bei Gitarren bekanntermaßen auch keine unwesentliche Rolle.

Koa: Das charakteristische Tonholz aus Hawaii

Das Holz der hawaiianischen Koa-Akazie wird längst nicht mehr nur für Möbel und Ukulelen verwendet. Auch im Akustikgitarrenbau hat sich das aufregend gemaserte Holz mittlerweile einen Namen gemacht. Seine Färbung reicht von goldbraunen bis zu dunkleren rötlichen und braunen Tönen. Besonders stark gemaserte Stücke sind bei hochwertigen Instrumenten begehrt, beispielsweise bei den vollständig aus Koa gefertigten Modellen von Taylor.

Klanglich bietet Koa einen Kompromiss aus Mahagoni und Palisander. Laut Herstellerbeschreibung kannst du hier präsente Mitten eine klare Ansprache und eine gewisse klangliche Wärme erwarten.

Walnuss als interessante Alternative

Walnuss wird beim Bau von Akustikgitarren als Alternative zu den klassischen Tonhölzern angesehen, die teilweise unter Artenschutz stehen. Zusätzlich wird es mittlerweile häufig auch als Holz für Griffbretter verwendet, um die knappen Ebenholzbestände zu schonen.

Walnuss besitzt eine attraktive braune Färbung mit lebendiger Maserung und lässt sich klanglich ebenfalls zwischen Palisander und Mahagoni einordnen, auch wenn solche Vergleiche immer stark vereinfacht sind.

Da sich bestimmte Walnussarten regionaler beschaffen lassen, verkürzen sich die Transportwege, was umweltschädliche Emissionen einspart.

Sapele: Häufig eingesetzt, aber nicht einfach Mahagoni

Gerade bei Akustikgitarren im mittleren und günstigen Preissegment ist Sapele eine beliebte Alternative. Hierbei handelt es sich um ein schnell nachwachsendes Mahagonigewächs, das als artenschonende Alternative für echtes Mahagoni gilt. Dabei ist es keineswegs ein minderwertiger Ersatz. Es ist eine eigenständige Holzart, die sich aufgrund ihrer Verfügbarkeit sowie ihrer Eigenschaften ideal für Musikinstrumente eignet.

Sowohl klanglich als auch optisch weist es deutliche Ähnlichkeiten mit Mahagoni auf, erzeugt laut der Hersteller aber häufig einen etwas helleren Ton in den oberen Mitten. Optisch fällt es durch seine rötlich-braune Färbung auf, verfügt aber oft über streifige oder wechselwüchsige Maserungen.

Was sagt die Wissenschaft?

Kommen wir von Meinung und Marketing zu den Fakten. Mit der Studie Effect of back wood choice on the perceived quality of steel-string acoustic guitars¹ von 2018 aus den Bereichen Psychophysik, Musikakustik und Instrumentenbau namhafter Universitäten untersuchten renommierte Forscher, ob das Holz von Boden und Zargen einer Westerngitarre einen hör- oder spürbaren Einfluss auf den Klang und die Qualität hat, wenn man die Optik komplett ausblendet.

Dazu baute ein erfahrener Gitarrenbauer, der als Autor an dieser Studie mitwirkte, sechs baugleiche Westerngitarren, die sich nur in der Wahl ihrer Boden- und Zargenhölzer unterschieden. Dabei handelte es sich um Rio-Palisander, ostindischen Palisander, südamerikanisches Mahagoni, Sapele, nordamerikanischen Ahorn und nordamerikanisches Claro-Walnussholz.

Das Experiment wurde mit 53 Probanden mit gitarristischem Hintergrund durchgeführt. Dabei spielten sie selbst in einem schlecht beleuchteten Raum mit aufgesetzter Schweißerbrille, was ein optisches Erkennen der Hölzer ausschloss. Auch das Abtasten der Hölzer war nicht gestattet und aufgrund einer Lackierung sowie eines Lufterfrischers wurden typische Gerüche des Holzes überdeckt. Untersucht wurden akustische Messungen und Hörversuche, wobei die Gitarristen die Qualität der Instrumente bewerten und Unterschiede in ihrem Klangcharakter identifizieren sollten.

Die Ergebnisse zeigten, dass die hörbaren Unterschiede verhältnismäßig gering ausfielen, was die starken Zuschreibungen von Klangeigenschaften verschiedener Tonhölzer infrage stellt. Das bedeutet aber nicht, dass sich überhaupt keine Tendenz erkennen lässt. Es zeigt lediglich, dass die Tonhölzer von Boden und Zargen den beworbenen Sound einer Gitarre nur in geringem Maße beeinflussen, denn die mechanischen Eigenschaften unterscheiden sich durchaus. Es wird verdeutlicht, dass andere Konstruktionsmerkmale einer Gitarre ebenfalls ihren Teil beitragen und den Einfluss der Hölzer ausgleichen können.

Natürlich ist die Studie für diesen Beitrag nur stark verkürzt dargestellt. Die Methodik und die verschiedenen Messungen waren weitaus durchdachter und umfangreicher, würden hier aber zu tief ins Detail gehen. Fakt ist, dass die Forschenden zu dem Schluss kamen, dass der Einfluss von Boden und Zargen auf den Klang minimal ist.

Welches Holz ist nun das beste für Boden und Zargen?

Hierauf gibt es leider keine eindeutige Antwort. Die verschiedenen Hölzer für Boden und Zargen besitzen alle unterschiedliche optische und physikalische Eigenschaften und bieten verschiedene Möglichkeiten, ein Instrument zu gestalten.

Die Klangbeschreibungen können dir zwar eine ungefähre Orientierung liefern, aber beachte, dass diese nicht so deutlich hervortreten, wie es manche Produktbeschreibungen vermuten lassen. Um dir selbst ein Bild davon zu machen, kannst du einfach mal Modelle, die sich nur durch die Wahl der Hölzer von Boden und Zargen unterscheiden, antesten. Dass die verschiedenen Gitarren möglichst baugleich sind, ist extrem wichtig, denn wie wir bereits festgestellt haben, entsteht der Sound einer Gitarre durch das Zusammenspiel verschiedener Merkmale. Zahlreiche Hersteller führen Modellreihen, die dir genau das bieten. Vielleicht machen die Klangergebnisse für dich genau den Unterschied, der dir die Entscheidung für ein Modell erleichtert.

Wichtiger ist aber, dass dich das Instrument in seiner Gesamtheit überzeugt. Und dabei kommt es nicht nur auf die Hölzer an.

Fazit: Das Holz macht einen Unterschied – aber nicht immer den erwarteten

Auch wenn die Klangeigenschaften der verschiedenen Hölzer für Boden und Zargen nur einen geringfügig hörbaren Unterschied machen, sind sie für den Gitarrenbau keineswegs bedeutungslos. Durch ihre unterschiedlichen mechanischen Eigenschaften können sie nämlich durchaus das Schwingungsverhalten einer Gitarre beeinflussen. Dieser Einfluss ist jedoch nicht isoliert zu betrachten, weshalb andere Faktoren wie Korpusgröße und -form, Deckenholz, massive oder laminierte Fertigung, Deckenbeleistung und mehr nicht unterschätzt werden dürfen.

Damit verliert das Holz nicht seine Bedeutung, sollte nur nicht zum alleinigen Qualitätsmerkmal einer Gitarre werden. Eine gute Akustikgitarre entsteht nicht durch die Wahl eines vermeintlich überlegenen Tonholzes, sondern durch das gelungene Zusammenspiel aller Bauteile.

¹Carcagno, S., Bucknall, R., Woodhouse, J., Fritz, C., & Plack, C. J. (2018). „Effect of back wood choice on the perceived quality of steel-string acoustic guitars“. The Journal of the Acoustical Society of America, 144(6), 3533 – 3547.

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Was bedeutet Mensur bei einer Gitarre?

Die Mensur ist schlichtweg die Länge der schwingenden Saite einer Gitarre vom Sattel bis zur Stegeinlage. Zwar existiert bei Akustikgitarren kein universelles Standardmaß, bei einem Großteil der Modelle findest du jedoch eine Länge von 648 bis 650 Millimetern, während eine Westerngitarre mit einer Mensur von 619 bis 632 Millimetern häufig auch als Short Scale bezeichnet wird. Allerdings handelt es sich hier nicht um eine feste Größenklasse.

Bekannte Modelle gibt es zum Beispiel von Gibson oder Concert-Westerngitarren von Taylor, während Instrumente von Martin häufig mit einer längeren Mensur ausgestattet sind. Da es hier aber keine starren Regeln gibt, existieren bei allen Herstellern wiederum Ausnahmen.

Warum ändert eine kurze Mensur das Spielgefühl?

Der größte Unterschied macht sich unter den Fingern bemerkbar. Werden vergleichbare Gitarren mit der gleichen Saitenstärke, aber unterschiedlich langen Mensuren auf dieselbe Tonhöhe gestimmt, erzeugen die Saiten der Short Scale weniger Spannung. Daraus folgen ein weicheres Gefühl und ein geringerer Kraftaufwand beim Greifen, was besonders bei langen Proben oder Auftritten eine wahre Wohltat für die Finger sein kann.

Da sich zudem bei einer kurzen Mensur nichts an der Anzahl der Bünde ändert, liegen diese entsprechend näher beisammen. Das ist natürlich besonders für Spieler mit kleinen Händen, aber ebenso für jene, die ein kompakteres Spielgefühl bevorzugen, interessant.

Vergiss jedoch nicht, dass nicht nur die Mensur maßgeblich für den Spielkomfort ist, denn Halsprofil, Sattelbreite, Saitenstärke und insbesondere die Einstellung der Saitenlage können mindestens ebenso entscheidend sein.

Wie beeinflusst eine kurze Mensur den Klang?

Auch auf das Klangverhalten nimmt die Mensur Einfluss, indem sich eine kurze Mensur häufig durch einen warmen Klangcharakter mit weicher Ansprache auszeichnet. Eine längere Mensur kann dagegen ein strafferes Spielgefühl und eine knackigere Ansprache unterstützen.

Für den Klang einer Akustikgitarre ist jedoch nicht allein die Mensur verantwortlich. Viel eher handelt es sich um ein Zusammenspiel verschiedener Konstruktionsmerkmale wie Korpusgröße, Tonhölzer, Deckenbeleistung, Saiten und mehr. Eine Short-Scale-Gitarre klingt somit nicht automatisch wärmer und eine Gitarre mit Standardmensur nicht zwangsläufig brillant. Einen Eindruck bekommst du hier von der Gibson J-45 Special, einem echten Klassiker unter den Westerngitarren mit einer verkürzten Mensur von 628 Millimetern:

Gibt es Vorteile beim Fingerstyle?

Fingerstyle-Spieler profitieren hier besonders von der geringen Saitenspannung, da schnellere Muster wortwörtlich leichter von der Hand gehen und Techniken erleichtern, die ein hohes Maß an Kontrolle beim Greifen erfordern. Aber auch in diesem Fall ist der persönliche Geschmack maßgeblich, denn die hohe Saitenspannung einer längeren Mensur erzeugt ein präzises Feedback für eine saubere Tontrennung.

Zudem lohnt es sich, einen Blick auf die Sattelbreite und die Saitentrennung zu werfen. Bei einem zu schmalen Sattel wird ein sauberes Spiel nämlich deutlich komplizierter.

Short Scale bedeutet nicht kleine Gitarre

Ein weit verbreiteter Fehler ist es, eine kurzmensurige Gitarre mit einer Minigitarre gleichzusetzen. Zwar sind Minigitarren in der Regel in ihrer Gesamtheit kompakter, allerdings kann beispielsweise auch eine Parlor mit einer Standardmensur ausgestattet sein. Die Korpusgröße beschreibt die Abmessungen des Resonanzkörpers und nicht den aller Gitarrenparts. Wiederum haben wir oben im Video gesehen, dass es auch zahlreiche Dreadnoughts sowie übrigens andere größere Modelle gibt, die über eine kurze Mensur verfügen.

Wer also zusätzlich nach einer handlichen Gitarre sucht, muss beide Angaben berücksichtigen. Besonders in der GS-Mini von Taylor findest du beides vereint.

Für wen eignet sich eine kurze Mensur?

Bevorzugst du ein weicheres Spielgefühl und einen leicht wärmeren Klang, lohnt es sich definitiv, eine Short-Scale-Gitarre einmal anzutesten. Auch jenen, denen das Spiel auf einer Standardmensur zu viel Kraft abverlangt, könnten hier das richtige Modell für sich entdecken. Wer sich jedoch eine direkte Ansprache wünscht, wird wahrscheinlich langfristig mit einer längeren Mensur glücklicher. Falls dir die Finger noch zu sehr beim Greifen schmerzen, kannst du dir gerne einmal den Beitrag Finger tun beim Gitarrespielen weh? Das hilft wirklich ansehen. Dort findest du einige Tipps, deine Hand an die Belastung zu gewöhnen.

Allerdings lassen sich technische Daten auf dem Papier nur schwer vermitteln. Wie immer gilt also auch hier: Probieren geht über Studieren. Schon wenige Millimeter können sich im Spielgefühl bemerkbar machen, weshalb du dich einmal durch das Sortiment des Gitarrenhändlers deines Vertrauens testen solltest. Am Ende gibt es kein besser oder schlechter. Allein dein Gefühl entscheidet.

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In dem kleinen Ort zwischen Bielefeld und Hannover werden Victor Smolski, ehemals Gitarrist bei Rage und Almanac, sowie Fusion-Gitarrist Julian Scarcella, den Workshop gemeinsam mit Soundexperte Steffen Klimasch und Theorie-Dozent Mario Ehrenberg-Kempf leiten. Auf dem Programm stehen Spieltechnik, Improvisation, Rhythmus und Sound. Zwischendurch arbeiten Anfänger und Fortgeschrittene in getrennten Gruppen.

Vorab bekommen die Teilnehmer ein Workshop-Heft, Übe-Backings und Videos zu zwei eigens geschriebenen Stücken: „Rookie Grooves“ für den Einstieg und „Victor*ious“ für Fortgeschrittene. Einen anderen Blick auf schnelles Gitarrenspiel liefern der Musikpsychologe Reinhard Kopiez und der Musikwissenschaftler Kilian Vogt. Ihr Gastvortrag „Speed Kills“ fragt, was beim Shredding im Gehirn passiert und welche Übemethoden bei hohem Tempo helfen.

Der Einlass und das Equipment-Setup beginnen um 10:30 Uhr, der Workshop startet um 11 Uhr. Um 20 Uhr folgt ein öffentliches Konzert mit den Dozenten sowie Mario Ehrenberg-Kempf und Sebastian Salas. Bei den letzten beiden Stücken spielen die Workshop-Teilnehmer mit.

Programm und Tickets gibt es auf der Veranstaltungsseite von radio aktiv

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Funk aus New Orleans

The Meters veröffentlichten „Cissy Strut“ 1969 auf ihrem selbstbetitelten Debütalbum. Nocentelli hatte die Melodie bereits zuvor entwickelt, die Band spielte das Instrumental zunächst live. Produzent Allen Toussaint hörte das Stück und holte The Meters schließlich zu Aufnahmen ins Studio.

Was daraus entstand, ist bis heute eine ziemlich gute Einführung in den New-Orleans-Funk: wenige Töne, kurze Akkorde und viel Platz für George Porter Jr. am Bass und den eigenwilligen Groove von Schlagzeuger Joseph „Zigaboo“ Modeliste.

Riff 1

Das erste Riff beginnt mit der bekannten absteigenden Linie über Cm7 (dorisch). In der Transkription bleibt die Greifhand dabei zwischen dem dritten und sechsten Bund. Nach den vier Sechzehnteln zu Beginn wird die Phrase zunehmend von Pausen und der rhythmischen Platzierung der Noten bestimmt.

Der kleine Viertelton-Bend auf dem Ton es sollte nur angedeutet werden. Die Saite wird leicht gezogen, ohne einen konkreten neuen Zielton anzusteuern. Ebenso wichtig sind die kurzen Notenwerte: Nach dem Anschlag den Druck der Greifhand lösen und die Töne konsequent zum richtigen Zeitpunkt beenden. Da hilft es, sich immer wieder das Original anzuhören und mitzuspielen.

Im zweiten Takt folgen die kurzen Voicings von Bb- und F-Dur. Auch sie werden sofort wieder abgedämpft. Nocentelli wechselt damit innerhalb des Riffs von der einstimmigen Melodie zu knappen Akkordakzenten, ohne dass sich Gitarre, Bass und Schlagzeug gegenseitig in die Quere kommen.

Riff 2

Das zweite Riff ist technisch noch einfacher. Die linke Hand bewegt sich hauptsächlich zwischen dem dritten und fünften Bund. Im ersten Takt bestimmen die Sechzehntelpausen den Verlauf der Phrase. Beim Üben lohnt es sich deshalb, das Tempo zunächst zu reduzieren und das Sechzehntelraster konsequent mitzuzählen. Im zweiten Takt läuft die Figur schließlich zum tiefen C hinunter, danach bleibt der Rest des Taktes frei. Diese Pause gehört genauso zum Riff wie die vorherigen Noten.

Beide Figuren sind schnell gelernt. Für den passenden Sound braucht es ebenfalls wenig: clean bis leicht angeraut, trocken, nicht zu viel Sustain und ein präziser Anschlag. Schwieriger ist es, nichts hinzuzufügen.

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Was macht eigentlich eine Gitarre der nächsten Kategorie aus? Muss sie unbedingt teurer sein und welche Eigenschaften könnten nun interessant für dich werden? Wahrscheinlich kannst du mittlerweile genau benennen, was dir an deinem aktuellen Modell fehlt. In diesem Beitrag zeigen wir dir, welche Features sich für das nächste Level lohnen.

Woran erkenne ich, dass es Zeit für eine Akustikgitarre für Fortgeschrittene ist?

Liegt der Fokus bei einer Einsteigergitarre in erster Linie auf Spielkomfort und einem einsteigerfreundlichen Preis, achtest du mit wachsender Erfahrung wahrscheinlich auf Details, die dir anfangs gar nicht bewusst waren.

Vielleicht wünschst du dir mehr Spielkomfort, einen transparenteren Klang oder möchtest die ersten Schritte auf der Bühne wagen und brauchst daher einen Tonabnehmer.

Wichtig ist also zu wissen, wo du genau hinmöchtest. Anhand dieser Kriterien solltest du die passende Gitarre für dich auswählen.

Spielgefühl: Wenn kleine Unterschiede wichtig werden

Verfügt deine jetzige Gitarre wahrscheinlich über Standardmaße wie eine 650 Millimeter lange Mensur, eine Sattelbreite von ca. 43 Millimetern bei Westerngitarren und 52 Millimetern bei Konzertgitarren sowie ein klassisches C-Halsprofil, könnte sich dies im Hinblick auf deinen Spielstil nun ändern.

Während du für eine schnelle Akkordbegleitung am besten auf einen möglichst schlanken Hals setzt, empfiehlt sich dir beim Fingerpicking ein breiterer Sattel. So hast du etwas mehr Platz zwischen den Saiten und kannst sauberer arbeiten. Konzertgitarren sind standardmäßig sowieso mit einem breiteren Sattel ausgestattet. Bei Westerngitarren liegt das Maximum hingegen bei 45 bis 46 Millimetern.

Bist du ein ambitionierter Solist, ist zudem ein Cutaway empfehlenswert. Entscheidend ist, dass die Gitarre zu deiner Technik passt.

Der Klang einer Akustikgitarre für Fortgeschrittene

Am Anfang soll eine Akustikgitarre einfach gut klingen. Mit zunehmender Erfahrung wird das Gehör jedoch feiner und die Vorstellungen werden konkreter. Möchtest du einen mächtigen Bassbereich? Oder lieber brillante Höhen? Oder suchst du einen ausgewogenen Klang, der jedes Tonspektrum deutlich zur Geltung bringt? Hier lohnt sich der Vergleich verschiedener Korpusformen. Diese haben nämlich deutlichen Einfluss auf den Klangcharakter einer Akustikgitarre.

Singer-Songwriter und Bandmusiker, die eine durchsetzungsstarke Akkordbegleitung spielen, sind hervorragend mit einer Jumbo oder einer Dreadnought beraten. Kompaktere Modelle wie Grand Concert, Parlor oder Mini sind hingegen von Vorteil, wenn du ein direkteres Spielgefühl bevorzugst oder dir größere Gitarren einfach zu unhandlich sind. Ein perfekter Kompromiss ist eine Grand Auditorium, die durch ihre mittelgroße Bauform einen ausgewogenen Sound erzeugt und zudem sowohl beim Strumming als auch beim Picking gut in der Hand liegt. Ein echter Allrounder also.

Auch die Tonhölzer wirken sich auf den Klang einer Akustikgitarre aus.

Wann wird Massivholz interessant?

Wenn man sich mit höherwertigen Gitarren beschäftigt, stößt man relativ schnell auf den Begriff Massivholz. Preisgünstige Instrumente und Anfängergitarren sind häufig aus laminierten Tonhölzern gefertigt, während in höheren Preisklassen zunehmend massive Hölzer zum Einsatz kommen.

Besonders die Decke verdient Aufmerksamkeit, da sie das Herzstück der Klangproduktion ist. Praktischerweise gibt es zahlreiche erschwingliche teilmassive Akustikgitarren auf dem Markt, die dir ein professionelles Klangerlebnis zum noch moderaten Preis bieten.

Hochpreisige Profigitarren sind meist mit einem vollmassiven Korpus ausgestattet. Ob sich dies für eine Akustikgitarre für Fortgeschrittene allerdings lohnt, müssen deine Ansprüche und dein Geldbeutel entscheiden. Fairerweise will aber gesagt sein, dass zahlreiche Hersteller vollmassive Gitarren auch zu einem verhältnismäßig geringen Preis anbieten. Dazu zählt beispielsweise die Epiphone Blues King Studio Dark Burst. Allerdings ist die Auswahl günstiger vollmassiver Gitarren eher gering.

Muss eine Akustikgitarre für Fortgeschrittene teurer sein?

Ein höherer Preis bedeutet nicht automatisch, dass die Gitarre besser zu dir passt. Hier geht es eher um persönliche Präferenzen, die deinen Spielstil optimal unterstützen. Schau dir daher genau an, was du konkret erwartest. Ein teureres Modell bringt nämlich wenig, wenn es nicht zu deinem Stil passt.

Darüber hinaus solltest du eine Gitarre nicht ausschließlich anhand ihrer technischen Ausstattungsliste auswählen, denn auch ähnliche Instrumente können sich ganz unterschiedlich anfühlen und anhören. Nimm dir daher die Zeit und spiele mehrere Gitarren an, nutze unterschiedliche Techniken, spiele mit der Dynamik und fühl dich genau in das Instrument hinein.

Vielleicht suchst du mehr Spielkomfort, einen charakteristischeren Klang, hochwertigere Materialien oder eine zuverlässige Lösung für Live-Auftritte. Je genauer du deine Anforderungen kennst, desto leichter fällt die Entscheidung.

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