Dieser erste Song namens „Rising Force“ ist vielleicht nicht sein bester oder sein auffälligster, aber er illustriert hervorragend und anschaulich Yngwie Malmsteens Ansatz. Neoklassische Wucht in einem erstaunlich griffigen Hardrock-Song: der Track vereint vieles, was sein Spiel ausmacht. Ein paar Sekunden baut „Rising Force“ Spannung auf, dann lässt Yngwie Malmsteen die Zügel los: dramatische Akkordwechsel, enormes Tempo, klassisches Tonmaterial und unfassbar viel Energie im Ton und der Phrasierung.

Maßstab für eine ganze Generation

Anfang der Achtziger gelangte eine 1978 in Schweden aufgenommene Demokassette in die Hände des Shrapnel-Gründers Mike Varney. Der holte den jungen Strat-Player nach Kalifornien, wo Malmsteen zunächst bei Steeler und anschließend bei Alcatrazz spielte. Schon dort war seine Verbindung aus Ritchie Blackmore, Jimi Hendrix, Bach und Paganini unüberhörbar. 1984 erschien das überwiegend instrumentale Solodebüt, das ebenso wie der Song dieses Workshops „Rising Force“ betitelt ist. Es erreichte Platz 60 der US-Charts und erhielt eine Grammy-Nominierung. Mit „Marching Out“ und „Trilogy“ folgten zwei weitere Alben in kurzer Folge. Binnen weniger Jahre war Malmsteen zum Maßstab geworden, an dem sich eine ganze Generation technisch ehrgeiziger Gitarristen abarbeitete.

„Odyssey“ entsteht nach Unfall

Am 22. Juni 1987 prallte Malmsteen in Woodland Hills mit seinem Jaguar gegen einen Baum. Er erlitt eine Hirnblutung, lag im Koma und konnte seine rechte Hand zunächst nicht richtig bewegen. Das Material für „Odyssey“ war zu diesem Zeitpunkt bereits weitgehend vorbereitet. Der frühere Rainbow-Sänger Joe Lynn Turner blieb nach dem Unfall in Los Angeles und arbeitete an Gesangsmelodien und Texten. Als Malmsteen wieder spielen konnte, begannen die Aufnahmen. Produziert wurde das Album von Malmsteen und Jeff Glixman. Jens Johansson übernahm die Keyboards, dessen Bruder Anders das Schlagzeug. Bob Daisley spielte bei vier Songs Bass, darunter „Rising Force“.

Turners Gespür für eingängige Melodien und die aufgeräumte Produktion gaben der Musik mehr Luft. Stücke wie „Heaven Tonight“, „Dreaming (Tell Me)“ und „Hold On“ rückten Malmsteen näher an den melodischen Hardrock jener Jahre, ohne seine Handschrift glattzubügeln. „Odyssey“ erreichte Platz 40 der US-Albumcharts – höher kam dort keines seiner späteren Alben.

Riff mit rhythmischer Präzision

„Rising Force“ eröffnet die Platte und führt zugleich zu Malmsteens Anfängen zurück. So hatte bereits seine schwedische Demokassette geheißen, ebenso das Solodebüt von 1984. Der Begriff war mithin Bandname, Gütesiegel und künstlerisches Programm zugleich. Das Haupt-Riff dieser schnellen Nummer treibt den Song voran, lässt Turners Gesang Platz und gewinnt seine Wirkung vor allem aus rhythmischer Präzision. Erst im Solo öffnet Malmsteen sämtliche Schleusen. Typisch sind der Wechsel aus abgestoppt gespielter tiefer E-Saite und offene Töne auf den Saiten darüber. An Tonmaterial verwendet Malmsteen ausschließlich die Blues-Tonleiter in E.

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Wie funktioniert ein Kapodaster überhaupt?

Ein Kapodaster verkürzt die Länge der schwingenden Saite, indem er sie an einem bestimmten Bund herunterdrückt. Das Ergebnis: Die Tonhöhe aller Saiten steigt, während die gewohnten Akkordgriffe erhalten bleiben. Denn je kürzer oder kleiner der schwingende Körper, desto heller der Klang.

Das erleichtert dir das Gitarrenspiel um ein Vielfaches. Auch wenn du schon lange spielst und dir Barré-Griffe keine Schwierigkeiten mehr bereiten, musst du dir wahrscheinlich eingestehen, dass du sie vermeidest, wenn es geht. Mit einem Kapodaster kannst du ganz bequem weiterhin offene Akkorde spielen und trotzdem in einer anderen Tonart musizieren. Genau aus diesem Grund ist der Kapodaster für viele Singer-Songwriter und Fingerstyle-Enthusiasten die absolute Standardausrüstung.

In diesem Video bekommst du übrigens neben Tipps zum Spielen eines großartigen Songs einen Eindruck, wie dir ein Kapodaster das Spiel deutlich erleichtern kann.

Der häufigste Fehler: die falsche Position

Intuitiv setzt du deinen Kapodaster beim ersten Gebrauch wahrscheinlich mittig zwischen zwei Bünde. Das erscheint logisch, führt aber häufig zu schnarrenden Saiten oder unsauberen Akkorden. Verwende ihn stattdessen genau so, wie du deinen Zeigefinger beim Greifen eines Barré-Griffes setzen würdest: möglichst nah hinter dem Bundstäbchen.  Die Saiten benötigen so weniger Druck und schwingen sauberer. Das verbessert den Klang und sorgt zudem dafür, dass die Gitarre länger in Stimmung bleibt. Setze ihn zudem gerade auf, sodass jede Saite an der gleichen Stelle angedrückt wird. Damit vermeidest du Ungleichheiten bei der Stimmung.

Weniger Druck ist oft mehr

Damit kommen wir gleich zum nächsten Punkt. Übt ein Kapodaster einen hohen Druck aus, funktioniert er zwar zuverlässig, birgt aber auch Nachteile. Neben den bereits genannten Folgen werden die Saiten stärker gedehnt und klingen schnell zu hoch. Gerade bei hochwertigen Gitarren fällt das schnell auf. Praktischer sind daher Kapodaster, die eine einstellbare Spannung besitzen. Hier kannst du etwas experimentieren und den optimalen Druck finden, der den sauberen Klang der Saiten erhält.

Kurz nachstimmen lohnt sich

Doch auch wenn der Kapodaster perfekt sitzt, ändert sich die Saitenspannung minimal. Aus diesem Grund empfiehlt es sich, die Gitarre einmal kurz nachzustimmen. Ein kurzer Blick auf das Stimmgerät, und die Gitarre ist wieder top eingestellt. Gerade ältere Saiten oder wechselnde Temperaturen sorgen für ein schnelles Verstimmen des Instruments, weshalb sich dieser kleine Aufwand schnell bezahlt macht.

Mehr als nur eine andere Tonart

Du denkst, ein Kapodaster dient nur dem Transponieren von Songs? Weit gefehlt! Gleichzeitig verändert er nämlich den Charakter der Gitarre.

Je höher der Kapodaster sitzt, desto höhenbetonter und brillanter wird der Klang. Eine Dreadnought klingt so weniger basslastig und weitaus transparenter, während Fingerstyle-Stücke an Leichtigkeit gewinnen. Dabei gibt es keine Regel, welcher Bund der richtige ist. Probiere ruhig nach Lust und Laune, bis dein Ohr entscheidet, was gut klingt.

Welcher Kapodaster passt zu mir?

Im Handel finden sich zahlreiche verschiedene Modelle, die sich vor allem in der Bedienung unterscheiden.

Kapodaster mit Druckfeder sind die ideale Wahl, wenn du live schnell die Tonart wechseln musst. Unterdessen bieten dir Kapodaster mit Schraubmechanismus die bereits erwähnte feinere Abstimmung für die optimale Intonation. Darüber hinaus lohnt sich für Vielspieler durchaus die Investition in einen hochwertigen Kapodaster.

Achte beim Kauf aber unbedingt auf die Ausführung des Kapodasters. Western- und E-Gitarren haben gewölbte Griffbretter, während Konzertgitarren flache Griffbretter besitzen. Such dir daher unbedingt das richtige Modell für deine jeweilige Gitarrenart aus. Der falsche Kapodaster übt schließlich keinen gleichmäßigen Druck auf die Saiten aus und erzeugt Schnarren, Dämpfung und eine unsaubere Intonation.

Kapodaster: richtig einsetzen, besser klingen

Du siehst also: Ein Kapodaster eröffnet dir sowohl ein leichteres Spiel als auch ganz neue klangliche Möglichkeiten. Neben einer Tonlage, in der sich deine Stimme wohlfühlt, und einer angenehmen Spielbarkeit verleiht er Songs einen frischen Sound. Noch dazu ist er ganz leicht anzuwenden, was ihn zu einem wahren Wunder-Zubehör macht, auf das nicht nur Anfänger, sondern auch gestandene Profis gerne zurückgreifen.

Unser Tipp: Spiele deine Lieblingssongs bewusst einmal mit verschiedenen Kapodaster-Positionen. Vielleicht entdeckst du dabei Klangfarben und Möglichkeiten, die du vorher gar nicht auf dem Schirm hattest.

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Da stellt sich die Frage: Wie gut halten meine digitalen und analogen Effektpedale, meine E-Gitarren oder meine Verstärker die Hitze aus? Muss man sich Sorgen machen, wenn das Pedalboard den ganzen Nachmittag in der Sonne steht oder wenn der Röhrenverstärker beim Open Air-Gig ohnehin schon glüht wie ein Hochofen?

Die gute Nachricht vorweg: Die meisten modernen elektronischen Geräte sind robuster, als man zunächst vermuten würde. Dennoch gibt es einige Komponenten, die deutlich sensibler auf Hitze reagieren als andere. Besonders Instrumente aus Holz, Röhrenverstärker sowie Effektpedale mit Germanium-Bauteilen können sich bei hohen Temperaturen anders verhalten, den Klang verändern oder im schlimmsten Fall dauerhaft Schaden nehmen.

Wie stark dein Equipment wirklich von hohen Temperaturschwankungen beeinflusst wird und worauf du am besten achten solltest, erfährst du im folgenden Artikel!

E-Gitarren

Holz arbeitet permanent bei hohen Temperaturschwankungen

Für eine E-Gitarre stellt eine konstante Außentemperatur von 30, 35 °C oder höher zunächst kein grundsätzliches Problem dar. Kritisch wird es vielmehr dann, wenn starke Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen hinzukommen. Also etwa nach Sommergewittern, bei extrem schwülen Bediengungen.

Holz arbeitet dabei permanent und reagiert extrem sensibel auf seine Umgebung. Halskrümmung, Saitenlage und Intonation können sich bereits innerhalb weniger Stunden bei extremen Schwankungen verändern. Das beste Beispiel hierfür ist eine bereits stark aufgeheizte Venue, egal ob Winter oder Sommer: Zwischen dem letzten Soundcheck und dem Beginn der Show kann sich eine Gitarre bereits deutlich stärker verstimmen, obwohl sie kurz zuvor noch sauber gestimmt war. Malt man sich nun aus, wie stark sich ein Instrument in einem aufgeheizten Auto oder über Stunden in der prallen Sonne auf einer Open-Air-Bühne erwärmt, wird schnell deutlich, weshalb Gitarren besonders empfindlich auf direkte Sonneneinstrahlung reagieren.

Dunkle Lackierungen erhitzen sich dabei deutlich stärker als helle Oberflächen, wodurch Lacke weicher werden können. Vor allem Nitrolacke gelten als anfälliger für sogenannte Finish Checks oder Druckstellen. Auch Leimverbindungen und Griffbretter profitieren davon, wenn Instrumente möglichst im Koffer und nicht über Stunden im heißen Auto oder auf der Festivalbühne in der prallen Sonne stehen.

Weitere Tipps zur richtigen Holzpflege im Sommer: Gitarrenpflege im Sommer: So schützt du deine Akustikgitarre

Verstärker und Effektpedale

Röhrenverstärker

Ein weit verbreiteter Irrglaube lautet, dass Röhrenverstärker hohe Außentemperaturen problemlos verkraften, schließlich arbeiten die Röhren selbst bei mehreren hundert Grad Celsius. Tatsächlich betrifft Hitze jedoch weniger die Röhren selbst als vielmehr die umliegenden Bauteile.

Transformatoren, Elektrolytkondensatoren, Widerstände und Netzteile altern bei dauerhaft hohen Temperaturen schneller. Gleichzeitig verschlechtert sich die Kühlung des gesamten Verstärkers, wenn bereits die Umgebungsluft sehr warm ist und die Röhrenoberfläche Temperaturen von ca. 100 °C bis 250 °C erreichen kann, während im Röhreninneren Temperaturen weit darüber hinaus entstehen.

Deshalb sollte ein Röhrenamp stets ausreichend belüftet werden und niemals direkt nach dem Transport im heißen Auto ohne ausreichende Abkühlung betrieben werden.

Hierbei gelten selbstverständlich die herkömmlichen Regeln für einen Röhrenverstärker: Nach der Nutzung, solange die Röhren noch warm sind und abkühlen, sollte eine permanente Kühlung sichergestellt werden. Die meisten Röhrenverstärker besitzen – je nach Bauweise – oberhalb oder an der Vorderseite Lüftungsschlitze, die unbedingt freigehalten werden müssen, damit die entstehende Hitze ungehindert entweichen kann und eine zuverlässige Kühlung des Verstärkers gewährleistet bleibt.

Effektpedale: Analoge Schaltungen reagieren unterschiedlich auf Hitze

Bei Effektpedalen lohnt sich ein genauerer Blick auf die verwendete Technik. Die meisten modernen Overdrives, Delays oder Modulationseffekte arbeiten mit Siliziumbauteilen, deren elektrische Eigenschaften selbst bei sommerlichen Temperaturen äußerst stabil bleiben. Klangliche Veränderungen durch Außentemperaturen sind hier in der Praxis kaum bis gar nicht wahrnehmbar. Insgesamt können Instrumente und Röhrenverstärker daher als deutlich anfälliger gegenüber Hitze sein, als Effektpedale mit Siliziumbauteilen.

Anders sieht es bei Germanium-Schaltungen aus. Vor allem Vintage-Fuzzes wie das frühe Fuzz Face aus den 1960er-Jahren oder das legendäre Klon Centaur können nachweislich hörbar auf Temperaturschwankungen reagieren. Mit steigender Temperatur verändert sich das elektrische Verhalten der Germanium-Transistoren, wodurch sich der Arbeitspunkt (Bias) verschieben kann.

Dadurch kann ein Germanium-Fuzz bei der nächsten Probe oder dem nächsten Gig hörbar anders klingen, obwohl am Pedal selbst keinerlei Einstellungen verändert wurden. Das Ergebnis sind hörbare Unterschiede im Zerrverhalten, Sustain oder Gate-Effekt. Dieses Phänomen wird von vielen Vintage-Fans sogar bewusst geschätzt, geht jedoch gleichzeitig mit einem weniger konstanten und damit etwas unberechenbareren Betriebsverhalten einher.

In der Regel werden Germanium-Transistoren aufgrund ihrer Anfälligkeit nur noch selten in modernen Effektpedalen verbaut, jedoch finden sich immer wieder Reissues bestimmer Germanium-Effekte, wie beispielsweise das Fulltone OCD-GE Gold Germanium Overdrive.

Digitale Modeler und Multieffekte

Moderne Modeler von Line 6, Kemper, Neural DSP, Boss oder Fractal Audio arbeiten mit leistungsfähigen Prozessoren, deren Betriebstemperaturen deutlich höher liegen als normale Außentemperaturen. Dennoch besitzen nahezu alle Geräte interne Schutzmechanismen gegen Überhitzung.

Problematisch wird es meist nicht aufgrund der Prozessoren selbst, sondern durch direkte Sonneneinstrahlung auf Displays oder eine unzureichende Luftzirkulation. Besonders OLED- oder LCD-Displays können sich stark aufheizen und bei extremer Hitze schlechter ablesbar werden. Wer seinen Modeler auf der Festivalbühne nutzt, sollte ihn daher möglichst vor direkter Sonneneinstrahlung schützen. Klangliche Veränderungen oder ein verändertes Ansprechverhalten, wie sie bei Germanium-Schaltungen auftreten können, sind bei digitalen Geräten unter normalen Einsatzbedingungen hingegen nicht zu erwarten.

Hitze im Auto: Die Gefahr des mobiles Gewächshauses

Wirklich kritisch wird es häufig erst, wenn Equipment über längere Zeit im Auto liegt. An sonnigen Sommertagen können sich Fahrzeuginnenräume innerhalb kurzer Zeit auf Temperaturen von deutlich über 60 °C bis 70 °C aufheizen – quasi wie ein mobiles Gewächshaus, nur gefährlicher. Solche Bedingungen stellen weder für Instrumente noch für Elektronik eine ideale Umgebung dar.

Neben dem Holz leiden insbesondere Lacke, Klebstoffe, Batterien, Akkus, Kunststoffteile oder andere elektronische Bauteile unter der dauerhaften Hitze. Auch Pedale mit integrierten Lithium-Ionen-Akkus oder Wireless-Systeme sollten deshalb nicht über Stunden im geschlossenen Fahrzeug bei direkter Sonneneinstrahlung verbleiben. Wenn ein geschlossenes Auto für Kleinkinder und Tiere bei schnell ansteigenden Innentemperaturen zur tödlichen Gefahr werden kann, sollte dein Gear nicht unbedingt genau unter solchen Bedingungen gelagert werden.

Wer sein Equipment transportiert, sollte es möglichst schnell ausladen und im besten Fall direkt im Backstage lagern (oder zumindest im Schatten). So lässt sich das Equipment generell schonen und einem schnelleren Verschleiß durch hohe Temperaturen effektiv vorbeugen.

Praktische Tipps für heiße Tage

Schon mit einfachen Maßnahmen lässt sich das Risiko hitzebedingter Probleme deutlich reduzieren:

• Gitarren möglichst nie längere Zeit in direkter Sonneneinstrahlung oder im heißen Auto lagern.
• Röhrenverstärkern ausreichend Luft zur Kühlung geben und – besonders wichtig – Lüftungsschlitze während und nach der Nutzung immer freihalten. Außerdem sollten keine größeren Gegenstände oder weitere Topteile auf dem Verstärker abgestellt werden.
• Pedalboards nach Möglichkeit beschatten (Koffer oder Abdeckung) und nicht dauerhaft auf aufgeheiztem Asphalt oder in direkter Sonneneinstrahlung stehen lassen.
• Nach starken Temperaturwechseln Instrumenten etwas Zeit geben, sich an die Umgebung anzupassen, und die Stimmung regelmäßig prüfen.
• Akkubetriebene Geräte möglichst nicht dauerhaft hohen Temperaturen aussetzen.
• Lose Batterien, Netzteile oder Effektpedale möglichst verschlossen im Case aufbewaren

Fazit: Ein achtsamer Umgang bei Hitze zahlt sich aus!

Hohe Außentemperaturen sind für modernes Musikequipment meist weniger dramatisch, als häufig angenommen wird. Dennoch sollte man sich des Einflusses von Hitze auf Instrumente und elektronische Bauteile bewusst sein und keinesfalls unterschätzen. Während digitale Effektgeräte und Silizium-Schaltungen selbst heiße Sommertage in der Regel problemlos überstehen, reagieren Instrumente aus Holz, Röhrenverstärker mit ihren aufheizenden Röhren und insbesondere klassische Germanium-Effekte deutlich sensibler auf Temperatur- und Klimaveränderungen. Oft ist dabei weniger die absolute Hitze das Problem als vielmehr direkte Sonneneinstrahlung, schlechte Belüftung oder extreme Temperaturschwankungen. Wer seine Instrumente, Amps und Effekte entsprechend achtsam behandelt, wird selbst bei sommerlichen Festivalbedingungen und steigender Hitze lange Freude an seinem Equipment haben.

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Erst Jahre später fand ich heraus, dass es sich bei diesem vermeintlich magischen Trick um künstliche Flageolett-Töne handelte, die man auch Pinch Harmonics nennt. Trotz all der damals verfügbaren Tutorials und Tipps waren sie am Anfang jedoch alles andere als leicht, sie konstant zu erzeugen. Mal funktionierten sie, mal nicht, und ich hatte keine Ahnung, warum. Heute weiß ich, dass es die richtige Kombination aus Anschlagtechnik, Fingerposition und einer klitzekleinen Prise Physik ist, die den schreienden Effekt garantiert jedes mal klappen lässt. Wir zeigen dir alles, was du zum Thema Pinch Harmonics wissen musst und wie du sie in deine Soli einbauen kannst!

Was sind Pinch Harmonics?

Natürliches Flageolett

Um Pinch Harmonics richtig spielen zu können, ist es zunächst hilfreich zu verstehen, wie natürliche Flageolett-Töne funktionieren. Wie bereits erwähnt, handelt es sich bei Pinch Harmonics nämlich um nichts anderes als eine besondere Art dieser Flageolett-Töne. Einen natürlichen Flageolett-Ton können wir recht einfach erzeugen, indem wir die Leersaite mit einem Finger der Greifhand an bestimmten Stellen leicht berühren (nicht greifen!) und dann die Saite anschlagen.

Die einfachsten Flageolett-Töne können wir erreichen, indem wir eine beliebige Saite über dem Bundstab des 12. Bunds – also genau in der Mitte der schwingenden Saite – kurz berühren. Wenn wir alles richtig gemacht haben, sollte hier die Oktave der Leersaite zu hören sein. Also im Endeffekt derselbe Ton, wie wenn wir die Saite auf herkömmliche Weise im 12. Bund greifen.

Weitere natürliche Flageoletttöne können wir auf gleiche Weise erzeugen, indem wir den Finger über dem 7. Bundstab (bei einem Drittel der schwingenden Saite) berühren und den gleichen Ton wie im gegriffenen 17. Bund (Oktave + Quinte) erhalten. Über dem 5. Bund (ein Viertel der schwingenden Saite) hören wir schließlich die doppelte Oktave, vergleichbar mit dem gegriffenen 24. Bund. Das klappt sogar, wenn unsere Gitarre nur 22 Bünde hat

Es gibt noch weitaus mehr Punkte zwischen Sattel und Steg, die bei Berührung mit der Greifhand weitere Obertöne erzeugen. Die genannten sind jedenfalls die einfachsten, da sie konstant zu erzeugen und deutlich zu hören sind.

Künstliches Flageolett

Was ist jetzt aber ein künstliches Flageolett? Vom Prinzip her im Endeffekt nichts anderes als ein natürlicher Flageolettton, der allerdings nicht von der Leersaite, sondern von einer gegriffenen Saite aus gehend erzeugt wird. Hier ist eine einfache Methode, künstliche Flageolett-Töne zu erzeugen:

1. Greife einen beliebigen Ton auf dem Griffbrett. Ein guter Ausgangspunkt ist die D- oder G-Saite im 5. Bis 12. Bund.
2. Schlage die gegriffene Saite mit deinem Plektrum an.
3. Berühre die Saite ganz leicht mit einem Finger deiner rechten Hand zwischen Brücke und Griffbrettende.

Es kann gut sein, dass der Ton am Anfang abrupt endet, sobald du die Saite berührst. Wenn du allerdings einige verschiedene Positionen durchprobierst, wirst du irgendwann einen Punkt finden, an dem sich ein höherer Oberton ergibt, nachdem du die Saite berührt hast. Präge dir diese Positionen im Zusammenhang mit dem jeweils gegriffenen Bund gut ein, denn wir werden sie später noch brauchen!

So weit, so gut. Doch wie funktioniert das alles in der Praxis, wenn wir diese Obertöne fließend in unsere Soli einbauen möchten? Wenn wir zunächst die Saite greifen müssen, zeitgleich den richtigen Flageolett-Punkt berühren und auch noch die Saite anschlagen sollen, benötigen wir ja insgesamt drei Hände! Dimebag, Eddie und Zakk haben aber nachweislich nur zwei davon. Wie zur Hölle machen die das?

Pinch Harmonics – der entscheidende Trick

Des Rätsels Lösung verbirgt sich im Begriff Pinch Harmonic, genauer gesagt im Wort „Pinch“. Pinch heißt in diesem Fall, dass wir die Saite mit der Picking-Hand sozusagen ‚kneifen‘, um sowohl den Anschlag der Saite als auch die Berührung der Saite in einer Bewegung durchzuführen. Hierfür ist eine besondere Technik mit dem Plektrum erforderlich:

1. Greife die Saite wieder auf einem beliebigen Bund. Im Idealfall derselbe Bund, den du in der vorherigen Übung gegriffen hast.
2. Halte dein Plektrum so, dass die Kuppe deines Daumens die Spitze des Plektrums leicht überragt.
3. Spiele die Saite in einer schaufelnden Bewegung, sodass die Fingerkuppe gleich nach dem Plektrenanschlag die Saite berührt.

Probiere die Technik an denselben Stellen aus, an denen du eben erfolgreich Obertöne erzeugen konntest. Mit etwas Eingewöhnung kannst du schon bald Harmonics spielen, ohne dass du die Saite in getrennten Schritten anschlagen und berühren musst. Selbst wenn noch keine wirklichen Obertöne kommen: Sobald du spürst, dass die Fingerkuppe nach dem Anschlag mit dem Plektrum die Saite berührt, bist du schon Mal auf dem richtigen Weg!

Pinch Harmonics – Tipps & Tricks

Die richtige Position finden

Um die richtigen Positionen der rechten Hand für Pinch Harmonics zu ermitteln, gibt es leider keine einheitliche Lösung, da sie von vielen Aspekten wie dem gespielten Bund, der Mensur, der Pickup-Position und dem jeweiligen Gitarrenmodell abhängig sind. Probiere die oben genannte Bewegung an verschiedenen Stellen zwischen Bridge und Halstonabnehmer aus, bis du einen Oberton hören kannst und merke dir die Positionen.

Für jeden gegriffenen Ton gibt es meist mehrere Stellen, an denen du unterschiedliche Töne erzeugen kannst. Oft findest du sie in der Nähe des Halstonabnehmers, am Stegtonabnehmer oder genau dazwischen.

Die Greifhand spielt ebenfalls eine Rolle

Nicht zu unterschätzen ist übrigens die Rolle der linken Hand. Sie greift nicht nur den Grundton für den Pinch Harmonic, sondern kann auch maßgeblich Einfluss auf seinen Klang nehmen. Ein beliebtes Stilmittel, um Pinch Harmonics möglichst lebendig klingen zu lassen, ist das klassische Vibrato. Wenn du bereits eine gute Vibratotechnik entwickelt hast, hilft es nicht nur, dem Sound zusätzlichen Ausdruck zu verleihen, sondern kann auch helfen, den gespielten Harmonic länger klingen zu lassen.

Alternativ lassen sich Pinch Harmonics auch mit Bendings kombinieren. Im Gegensatz zu den sonst üblichen Flageoletts, die wir auf Leersaiten spielen, ermöglichen Pinch Harmonics nahezu alle Ausdrucksmöglichkeiten, die wir auch mit üblichen gegriffenen Tönen umsetzen können.

Den richtigen Sound einstellen

Manchmal kann es sein, dass man zwar alles richtig macht, aber trotzdem Kein wirklicher Ton zu hören ist. Daher solltest du sicherstellen, dass deine E-Gitarre, der Verstärker und die Pedale gut eingestellt sind, um Obertöne hörbar zu machen.

• Schalte deine E-Gitarre immer auf den Stegtonabnehmer. Drehe den Volume-Regler vollständig auf und lasse die Höhenblende immer vollständig geöffnet.
• Schalte deinen Verstärker auf einen Kanal, der den Sound verzerrt. Distortion sorgt nämlich dafür, dass Obertöne lauter und kräftiger klingen.
• Schalte dein Overdrive-Pedal an. Wenn du ein OD-Pedal hast, kannst du es nutzen, um dem Gitarrensignal mehr Power zu verleihen. Die besten Ergebnisse erzielst du, indem du die Ausgangslautstärke des Pedals erhöhst, das Gitarrensignal also schon verstärkt wird, bevor es den Verstärker erreicht. Alternativ kannst du hierfür auch andere Effektpedale mit regelbarer Ausgangslautstärke (z. B. Equalizer-Pedale) verwenden.

Pinch Harmonics in der Praxis: die besten Riffs zum Üben

1. Pantera – Cemetery Gates

Mit dem Song Cemetery Gates vom Album Cowboys From Hell hat die Band Pantera ein absolutes Paradebeispiel geschaffen, das vor verschiedenen Harmonic-Techniken wie Pinch Harmonics und Squeals nur so strotzt. Eine hervorragende Lektion für Pinch Harmonics stellt hier das Main Riff dar, das gleich nach dem Intro zu hören ist (ca. ab 1:32).

Das Besondere ist, dass Gitarrist Dimebag Darrell seine Pinch Harmonics nicht nur als einmaligen Effekt, sondern als gezielte Klangfarbe für die Melodie nutzt. Wir haben hier also viele aufeinander folgende Pinch Harmonics, die in unterschiedlichen Positionen gespielt werden. Insofern ist das Riff eine wahre Konsistenz-Übung, die dich lehrt, Pinch Harmonics zuverlässig zu treffen.

2. Black Label Society – Stillborn

Dass sich Pinch Harmonics auch in klassisches Alternate Picking einbauen lassen, beweist der Song Stillborn von Black Label Society. Das grundlegende Riff findet von der Greifhand her betrachtet nur im zweiten Bund auf der E-Saite statt, daher können wir uns also vollständig auf die Technik der rechten Hand konzentrieren.

Zakk Wylde spielt Pinch Harmonics ausschließlich auf den Downstrokes und trifft die Harmonics in der Nähe der Position des Mitteltonabnehmers. Lediglich der letzte Ton der Phrase findet auf der nächsttieferen Position in Richtung Halstonabnehmer statt. Wenn du zur Studioaufnahme spielen möchtest, musst du jede Saite um einen Halbton tiefer stimmen.

3. No More Tears – Ozzy Osbourne

Ebenfalls von Zakk Wylde, der dieses Mal allerdings für Ozzy Osbourne die Gitarre schwingt, stammt das nächste Übungsbeispiel. In No More Tears vom gleichnamigen Album aus dem Jahr 1991 verwendet er ganz am Ende des ikonischen Riffs einen besonders prägnanten Pinch Harmonic, der sowohl einen Bend als auch expressives Vibrato verwendet.

Der Song ist in Drop C# gespielt, also die tiefe E-Saite um drei Halbtöne tiefer gestimmt, alle anderen Saiten um einen Halbton tiefer.

Fazit

Pinch Harmonics gehören ganz klar zu den eindrucksvollsten und spektakulärsten Spieltechniken im Werkzeugkoffer des Rock- und Metalgitarristen. Auch wenn sie anfänglich schwer zu meistern scheinen, lassen sie sich doch erstaunlich schnell in alle möglichen Riffs und Leads integrieren. Wichtig ist, dass du nicht mit Kraft, sondern lieber mit Präzision an die Sache herangehst und die Koordination zwischen Daumen, Plektrum und Anschlagsposition optimierst. Denn der Sound eines einzigen perfekt platzierten Pinch Harmonic kann faden Riffs Leben einhauchen und den entscheidenden Unterschied bedeuten.

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Wer sich durch das schier endlos wirkende Plektrum-Sortiment wühlt, merkt schnell: Die Auswahl ist riesig und die Unterschiede oft nur in Nuancen erkennbar. Neben den bekannten Standardformen gibt es kleine Jazz-Picks, große Dreiecksplektren, besonders spitz zulaufende Varianten oder sogar Modelle aus Holz, Metall und Filz. Dazu kommen unterschiedliche Materialien, Oberflächen und Stärken. Natürlich passt nicht jede Kombination und Variante zu jedem Gitarristen, deswegen bringen wir hier Licht ins Dunkel.

Formen

Der Allrounder

Wenn allgemein von einem Plektrum die Rede ist, haben die meisten Gitarristen automatisch die klassische Tropfenform vor Augen. Sie gilt seit Jahrzehnten als Standard und ist bei nahezu jedem Hersteller zu finden. Die Größe liegt gut zwischen den Fingern, die Spitze eignet sich gleichermaßen für Akkorde und Solospiel, und auch Anfänger kommen damit meist sofort zurecht.

Kein Zufall also, dass unzählige Gitarristen nie etwas anderes verwenden. Wer stilistisch zwischen Rock, Pop, Blues und Akustikgitarre pendelt, findet hier meist den besten Kompromiss.

Jazz-Plektren

Ganz anders fühlen sich sogenannte Jazz-Plektren an. Sie sind deutlich kleiner und laufen spitzer zu. Anfangs wirken sie fast ungewohnt, weil weniger Material zwischen den Fingern liegt. Nach kurzer Eingewöhnung verstehen viele Spieler allerdings, warum diese Form seit Jahren eine treue Fangemeinde besitzt.

Durch die kurze Spitze entsteht ein sehr direkter Kontakt zur Saite. Das macht schnelle Läufe, Alternate Picking oder präzise Rhythmusfiguren einfacher kontrollierbar. Längst spielen nicht nur Jazzmusiker mit dieser Form. Auch viele Gitarristen aus Metal, Fusion oder Progressive Rock greifen mittlerweile zu kleinen Picks wie dem Dunlop Jazz II oder ähnlichen Modellen.

Das Dreieck

Wer dagegen kräftig anschlägt oder viel Rhythmusgitarre spielt, landet häufig bei dreieckigen Plektren. Sie liegen satter in der Hand und besitzen gleich drei identische Spitzen. Ist eine Spitze abgenutzt, wird das Plektrum einfach weitergedreht.

Gerade Bassisten schätzen diese Form seit Jahren. Aber auch auf der Gitarre fühlen sich Triangle-Picks erstaunlich komfortabel an, vor allem wenn der Anschlag etwas energischer ausfällt.

Spitze Spitze

In den vergangenen Jahren haben außerdem moderne Formen an Beliebtheit gewonnen, die zwar ungefähr die Größe eines Standard-Plektrums besitzen, deren Spitze aber deutlich schärfer ausläuft. Hersteller bezeichnen diese Modelle oft als „Sharp“, „Flow“ oder ähnlich.

Die Idee dahinter ist einfach: Je weniger Material die Saite berührt, desto leichter gleitet das Plektrum hindurch. Das Ergebnis ist ein definierter Attack mit wenig Widerstand – ein Grund, warum viele moderne Rock- und Metal-Gitarristen genau diese Formen bevorzugen.

Materialien

Mindestens genauso stark wie die Form beeinflusst das Material das Spielgefühl und den Klang. Zwei Plektren können identisch aussehen und sich trotzdem völlig unterschiedlich spielen.

Der Klassiker ist Zelluloid. Es gehört zu den ältesten Materialien überhaupt und vermittelt vielen Gitarristen genau dieses vertraute Vintage-Gefühl. Der Anschlag wirkt angenehm ausgewogen und besitzt eine leichte Wärme, die vor allem bei Rock, Blues und Pop gut funktioniert.

Nylon fühlt sich dagegen weicher an und bietet oft mehr Grip. Selbst wenn die Hände auf der Bühne etwas feucht werden, bleibt das Plektrum erstaunlich sicher zwischen den Fingern. Viele Einsteiger landen deshalb zunächst bei Nylon, doch auch erfahrene Gitarristen schätzen den geschmeidigen Anschlag.

Zu den beliebtesten Materialien überhaupt gehören heute Delrin und ähnliche Kunststoffe wie Tortex. Sie verbinden hohe Haltbarkeit mit einem sehr ausgewogenen Klang und nutzen sich deutlich langsamer ab als viele weichere Materialien. Wer im Musikgeschäft wahllos in eine Plektrum-Schublade greift, hält mit großer Wahrscheinlichkeit irgendwann eines dieser Modelle in der Hand.

Etwas härter geht Ultex zur Sache. Diese Plektren fühlen sich steif an, übertragen den Anschlag sehr direkt auf die Saite und liefern einen ausgesprochen klaren Attack. Gerade Spieler, die viel Wert auf Präzision legen, schwören auf dieses Material.

Daneben existieren zahlreiche Speziallösungen. Holzplektren bringen einen warmen, leicht organischen Charakter mit, nutzen sich allerdings schneller ab. Metallplektren liefern einen extrem brillanten, fast schon aggressiven Anschlag und eignen sich eher als klangliche Besonderheit denn als täglicher Begleiter. Filzplektren wiederum kommen vor allem bei Ukulelen oder sehr sanft gespielten Akustikgitarren zum Einsatz, weil sie den Anschlag deutlich abrunden.

Dick oder dünn?

Fast noch wichtiger als Material und Form ist die Stärke des Plektrums. Dünne Modelle unter 0,60 Millimeter geben beim Anschlag stark nach. Dadurch entstehen lockere, offene Akkorde mit viel Dynamik, ideal für Strumming auf der Westerngitarre.

Im Bereich zwischen etwa 0,70 und 0,88 Millimetern fühlen sich viele Gitarristen zu Hause. Diese Stärke bietet genügend Flexibilität für Rhythmusarbeit, gleichzeitig aber ausreichend Kontrolle für Soli. Entsprechend groß ist hier auch das Angebot der Hersteller.

Ab etwa einem Millimeter verändert sich das Spielgefühl deutlich. Das Plektrum biegt sich kaum noch und setzt nahezu jede Bewegung der Hand unmittelbar um. Das sorgt für einen sehr definierten Anschlag und spart Kraft, weshalb viele Leadgitarristen zu dickeren Picks greifen.

Wie Plektren in Handarbeit hergestellt werden, kann man übrigens in diesem sympathischen Porträt sehen:

Am Ende entscheiden die eigene Hand und die Spielweise

Wer Gitarristen nach ihrem Lieblingsplektrum fragt, bekommt selten dieselbe Antwort. Manche spielen seit dreißig Jahren ausschließlich ein einziges Modell, andere wechseln je nach Instrument oder Musikstil. Schließlich kostet ein Plektrum oft weniger als oder nur etwas mehr als einen Euro, kann sich aber anfühlen, als hätte man ein anderes Instrument in der Hand.

Deshalb lohnt sich gerade hier für viele das Experimentieren mehr als bei manchem deutlich teureren Ausrüstungsgegenstand. Ein kleines Sortiment verschiedener Formen, Materialien und Stärken verrät oft schneller als jede Produktbeschreibung, welches Plektrum wirklich zur eigenen Spielweise passt. Und nicht selten landet man am Ende wieder bei genau dem Modell, das man ganz am Anfang in der Hand hatte, nur diesmal aus Überzeugung – oder eben doch aus Gewohnheit.

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Wer verschiedene Verstärker über eine Lautsprecherbox verglichen hat, merkt nämlich schnell, dass der Charakter des Gitarrenlautsprechers maßgeblichen Einfluss darauf hat, wie der angeschlossene Verstärker klingt. Egal, ob Celestion Greenback, Vintage 30, Creamback, Jensen oder Eminence, sie alle haben ihre völlig eigenen Klangeigenschaften, die teils gravierende Unterschiede im Sound mit sich bringen.

In diesem Artikel werfen wir einen Blick auf die bekanntesten Gitarrenlautsprecher und erklären, welche Eigenschaften sie auszeichnen und für welche Musikstile sie sich besonders eignen.

Worauf sollte man beim Kauf eines Gitarrenlautsprechers achten?

Ob ein Gitarrenlautsprecher für dein Equipment geeignet ist oder nicht, hängt von einigen Eigenschaften ab, die du vor Kauf auf jeden Fall überprüfen solltest:

Membrandurchmesser

Die offensichtlichste Eigenschaft eines Lautsprechers ist der Membrandurchmesser. Wenn du einen bestehenden Lautsprecher in einer Box tauschen möchtest, solltest du natürlich einen Ersatzlautsprecher mit derselben Membrangröße nehmen, damit er in die Box passt. Aus klanglicher Sicht sorgt eine größere Membran für eine bessere Darstellung tieferer Frequenzen, allerdings spricht eine große Membran nicht ganz so schnell an wie eine kleinere Membrangröße. Zu den gängigen Membrangrößen von Gitarrenlautsprechern zählen 8, 10 und 12 Zoll.

Belastbarkeit (Watt)

Die Belastbarkeit in Watt gibt an, welche Leistung der Lautsprecher im Dauerbetrieb verarbeiten kann. Wenn dein Lautsprecher eine Belastbarkeit von 30 Watt angegeben hat, solltest du also besser nicht mit einem 50 Watt starken Verstärker bei voller Leistung spielen, da der Lautsprecher sonst Schaden nehmen kann. Gerade bei Röhrenverstärkern sollte die Gesamtbelastbarkeit immer etwas höher sein als die maximale Ausgangsleistung des Verstärkers, da die ausgegebene Leistung eines voll aufgerissenen Röhren-Amp die angegebene Maximalleistung übersteigen kann.

Impedanz

Eine weitere wichtige Eigenschaft eines Lautsprechers ist seine Impedanz. Die Impedanz ist der Wechselstromwiderstand, der in Ohm gemessen wird. Glücklicherweise gibt es im Bereich der Gitarrenlautsprecher nur drei verwendete Impedanzen: 4, 8 und 16 Ohm. Viele Röhrenverstärker haben entweder verschiedene Ausgänge für unterschiedliche Impedanzen oder einen gemeinsamen Ausgang, der über einen Schalter für 4-, 8- oder 16-Ohm-Lautsprecher eingestellt werden kann.

Achtung: Wer mehrere Lautsprecher an einen Verstärker anschließen möchte, muss unbedingt darauf achten, welche Gesamtimpedanz sich ergibt! Diese ist davon abhängig, wie die Lautsprecher miteinander verkabelt sind.

Seriell vs. Parallel: Lautsprecher richtig verkabeln

Im Grunde gibt es zwei Möglichkeiten, Lautsprecher miteinander zu verkabeln: Seriell oder parallel. Um für unsere Box die richtige Verschaltungsmethode zu wählen, schauen wir uns beide im Vergleich an:

Serienschaltung

Wenn Lautsprecher seriell verschaltet werden, heißt das, dass das Signal erst durch den ersten Lautsprecher geht und danach erst den zweiten Lautsprecher passiert. Heißt, das Plussignal geht an den Pluskontakt von Lautsprecher 1, der Minuskontakt von Lautsprecher 1 wird mit dem Pluskontakt von Lautsprecher 2 verbunden, danach geht der Minuskontakt von Lautsprecher 2 an den Pluskontakt von Lautsprecher 3, usw.

In diesem Fall werden die Impedanzen der einzelnen Lautsprecher einfach addiert. Wer also eine Box mit vier 4-Ohm-Lautsprechern seriell verkabelt, erhält eine Gesamtimpedanz von 16 Ohm.

Parallelschaltung

Alternativ können Lautsprecher auch parallel verschaltet werden. Die Lautsprecher werden also nicht hintereinandergeschaltet, sondern simultan angesprochen. Hier geht das Signal gleichzeitig an die Pluspole aller Lautsprecher und wird von allen Minuspolen wieder abgeführt.

Die Rechnung zur Ermittlung der Gesamtimpedanz ist zumindest auf dem Papier etwas komplizierter als bei der seriellen Verschaltung. Hier gilt nämlich folgende Formel:

Sieht kompliziert aus, ist es aber eigentlich nicht, wenn man sich die Rechnung an einem Beispiel anschaut. Angenommen, wir wollen zwei 8-Ohm-Lautsprecher parallel verkabeln. Dann ergeben sich folgende Rechenschritte:

1. Kehrwert beider Impedanzen addieren

Zuerst nehmen wir die beiden Impedanzen und ermitteln den Kehrwert, indem wir Zähler und Nenner tauschen. Aus 8 Ohm wird dann 1/8. Wenn wir diese addieren, erhalten wir 1/8 + 1/8 = 2/8 bzw. 1/4.

2. Kehrwert des Ergebnisses nehmen

Anschließend errechnen wir den Kehrwert des Ergebnisses, indem wir wieder Zähler und Nenner tauschen. Aus 1/4 wird dann 4, die errechnete Gesamtimpedanz ergibt also 4 Ohm.

Und hier wird es dann in der Praxis recht einfach: Wenn wir zwei Lautsprecher mit gleicher Impedanz parallel schalten, halbiert sich die Impedanz. Die oben genannte Formel müssen wir nur anwenden, wenn wir zwei Lautsprecher mit unterschiedlichen Impedanzen miteinander verschalten möchten.

Eine beliebte Kombination für vier Lautsprecher mit 8 Ohm ist es daher, die Lautsprecher parallel und seriell zu verdrahten. Dadurch verdoppeln und halbieren wir die Impedanz und erhalten unterm Strich wieder 8 Ohm.

Gitarrenlautsprecher – die bekanntesten Speaker im Überblick

Nachdem die grundlegenden Eigenschaften eines Gitarrenlautsprechers geklärt sind, ist es höchste Zeit, einen Blick auf die bekanntesten und meistgenutzten Vertreter zu werfen.

Celestion G12M Greenback – der Vintage-Klassiker

Absoluten Legendenstatus genießt der Celestion G12M Greenback, der bereits seit den 1960er-Jahren den Rock-Sound vieler Amps prägt. Am besten klingt er, wenn er auf hohen Lautstärken gespielt wird und bei beginnender Kompression den begehrten Vintage Crunch erzeugt. Von Jimi Hendrix über Angus Young und Jimmy Page bis hin zu Eric Clapton haben zahlreiche Gitarristen den Greenback auf so manch legendärer Aufnahme genutzt. Wer mit dem Sound der Jungs vertraut ist, weiß also schon ziemlich gut, wohin die Reise mit diesem Lautsprecher geht.

Celestion G12M Greenback – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 25 Watt Belastbarkeit
• 55 Hz – 5000 Hz Übertragungsbereich
• Keramikmagnet
• Warmer, mittiger Sound, ideal für Rock und Blues

Celestion Vintage 30 – der Speaker für moderne Sounds

Mindestens genauso legendär ist der Celestion Vintage 30, dessen Name nicht unbedingt seinen besten Einsatzbereich beschreibt. Der Vintage 30 ist nämlich der absolute Favorit zahlreicher Rock- und Metalgitarristen und vor allem im Modern Metal besonders beliebt. Der 12-Zoll-Lautsprecher mit 30 Watt Belastbarkeit zeichnet sich durch straffe Bässe und eine hohe Durchsetzungskraft aus, die vor allem in den klar artikulierten Höhen zur Geltung kommt. Kein Wunder, dass er besonders im High-Gain-Bereich seine Fans findet.

Celestion Vintage 30 – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 60 Watt Belastbarkeit
• 70 Hz – 5000 Hz Übertragungsbereich
• Keramikmagnet
• Durchsetzungsfähiger Sound mit straffen Bässen und klaren Höhen, ideal für Rock und Metal

Celestion G12M-65 Creamback – der differenzierte Vintage-Speaker

Wer den Sound des Greenback mag, wird den Celestion Creamback lieben: Als Weiterentwicklung des Greenback bietet er eine weitaus höhere Belastbarkeit und einen weiter gefassten Dynamikumfang, weshalb er expressive Spielstile besonders gut umsetzen kann. Daher ist er ideal für Spieler, die gerne den ‚Edge of Breakup‘ ihres Verstärkers erkunden, also mit gerade genug Gain spielen, um je nach Anschlagsstärke sowohl Clean- als auch Crunch-Sounds zu erreichen.

Celestion G12M-65 Creamback – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 65 Watt Belastbarkeit
• 75 Hz – 5000 Hz Übertragungsbereich
• Keramikmagnet
• Ausdrucksstarker Sound mit großem Dynamikumfang, ideal für Blues und Classic Rock

Celestion G12H Anniversary – Vintage mit mehr Power

Ebenfalls vom Greenback ausgehend, ist der Celestion G12H Anniversary die perfekte Alternative für Spieler, die den Greenback zwar schätzen, jedoch noch mal etwas mehr Power brauchen. Im direkten Vergleich liefert er mehr Bässe mit strafferem Attack und mehr Headroom. Das Resultat ist ein Lautsprecher, der sowohl am oberen als auch am unteren Rand des Frequenzbereichs mehr Wumms auf die Waage bringt. Kein Wunder, dass viele Gitarristen ihn treffenderweise als „Greenback mit Muskeln“ bezeichnen.

Celestion G12H Anniversary – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 30 Watt Belastbarkeit
• 75 Hz – 5000 Hz Übertragungsbereich
• Keramikmagnet
• Kraftvolle Hochmitten, straffe Bässe und präsente Höhen ideal für 60s & 70s Rock

Celestion Alnico Blue –Inbegriff des Brit Sound

Der letzte Celestion-Lautsprecher unserer Liste ist der Celestion Alnico Blue, der im Gegensatz zu den vorher genannten Vertretern auf Alnico-Magneten setzt. Er wird bereits seit vielen Jahren standardmäßig im berühmten Vox AC30 Verstärker verbaut. Wer also den Gitarrensound der Beatles oder Brian Mays Griffbrettarbeit von Queen zu schätzen weiß, wird mit dem Celestion Alnico Blue einen vertrauenswürdigen Begleiter finden.

Celestion Alnico Blue – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 15 Watt Belastbarkeit
• 75 Hz – 5000 Hz Übertragungsbereich
• Alnico-Magnet
• Gedämpftes Attack mit warmen Mitten und glockenartigem Top-End, perfekt für ausdrucksstarke Brit-Sounds

Jensen P12R – der US-Klassiker

Neben den etablierten Platzhirschen des britischen Herstellers Celestion finden sich auf der anderen Seite des großen Teichs natürlich auch zahlreiche hervorragende Alternativen. Gerade Fender-Fans werden ihr Loblied auf die Lautsprecher des US-amerikanischen Herstellers Jensen anstimmen, da sie zur Standardausrüstung der legendären Fender-Verstärker wie dem Twin Reverb zählen. Kein Wunder, dass sie vor allem im Bereich des Country, Surf, Rockabilly und Jazz ganz klar die Lautsprecherboxen dominieren.

JensenP12R – Eigenschaften

• 12 Zoll Membrandurchmesser
• 25 Watt Belastbarkeit
• 8 Ohm Impedanz
• Alnico-Magnet
• US-Voicing, ideal für Surf, Rock, Country, Rockabilly, Bluegrass u. v. m.

Eminence – vielseitige Alternativen

Ebenfalls in den USA ansässig ist der Hersteller Eminence, der ein weitgefasstes Spektrum unterschiedlichster Lautsprecher führt. Zu den bekanntesten Lautsprechern zählen der Cannabis Rex mit namensgebender Hanfmembran, der Swamp Thang für dicke, saftige Sounds mit viel Sustain und der Texas Heat als perfekte Ergänzung für Southern Rock Sounds.

Fazit

Gitarrenlautsprecher sind nicht nur dazu da, den Verstärker-Sound laut zu machen. Sie sind ein maßgeblicher Teil unseres Sounds, dessen Einfluss niemals unterschätzt werden sollte. Egal, ob strahlkräftige Vintage-30-Sounds, glockig-klare Klänge eines Alnico Blue oder cremige Rock-Sounds eines Creamback: sie alle verleihen dem Verstärker ihren maßgeblichen Charakter. Insofern ist es also nie verkehrt, sich genauer mit den verschiedenen Lautsprechertypen zu beschäftigen und die richtige Ergänzung für deinen persönlichen Sound zu finden!

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Warum ist die Gitarrendecke so wichtig?

Die Gitarrendecke ist das Herzstück der Klangproduktion. Sie schwingt beim Spielen am stärksten und hat maßgeblichen Einfluss auf Lautstärke, Dynamik und Klangfarbe. Aus diesem Grund schenken Gitarrenbauer der Decke besonders viel Aufmerksamkeit und wählen die Materialien sorgsam aus. Dabei sind die beliebtesten Deckenhölzer Fichte und Zeder.

Fichte: der vielseitige Klassiker

Fichte ist mit Abstand das am häufigsten verwendete Deckenholz bei Westerngitarren. Dabei weisen Sitka-Fichte, Adirondack-Fichte oder Engelmann-Fichte alle ähnliche Grundeigenschaften auf und unterscheiden sich lediglich in geringen Nuancen.

Beliebt ist Fichte aufgrund ihres klaren und brillanten Klangs, kräftigen Höhen und ihrer schnellen Ansprache. Das leichte Holz ist ausgesprochen schwingungsfreudig und erzeugt daher einen unfassbaren Dynamikumfang, der dir vielseitige Möglichkeiten des Ausdrucks erlaubt. Spielst du sanft, klingt die Gitarre fein und ausgewogen, während kräftiges Strumming reichlich Lautstärke liefert.

Vorteilhaft ist daher ihre Vielseitigkeit. Sowohl Strumming als auch Picking klingen hervorragend, weshalb sich die Fichtendecke für nahezu alle Musikrichtungen eignet. Noch dazu entwickelt sie mit den Jahren noch mehr Klangfülle. Dies kann ihr jedoch auch als Nachteil ausgelegt werden. Im Neuzustand kann sie zunächst etwas steif wirken und benötigt eine gewisse Einspielzeit, um ihr Potenzial zu entfalten. Aber dann klingt die Gitarrendecke aus Fichte umso besser.

Zeder: warm und direkt

Die Zeder kommt besonders bei Konzertgitarren zum Einsatz, findet jedoch auch bei hochwertigen Westerngitarren immer mehr Fans.

Ihr Klang zeichnet sich durch einen warmen, weichen Charakter aus, der sehr direkt erklingt. Zeder reagiert sensibel auf Anschläge, was eine ausgezeichnete Voraussetzung für Fingerstyle und klassische Spieltechniken ist. Darüber hinaus zeichnen sich Gitarrendecken aus Zeder durch eine schnelle Klangentfaltung nach kurzer Einspielzeit aus. Bereits nach kürzester Zeit klingt die Gitarre ausgereift und ist schnell voll einsatzfähig.

Im Gegensatz zur Fichte erzeugt das Holz jedoch weniger Dynamik bei kräftigem Anschlag und ist etwas empfindlicher gegenüber Druck und Kratzern. Da es jedoch weniger beim Strumming und mehr beim Fingerstyle zum Einsatz kommt, ist der erste Kritikpunkt durchaus hinzunehmen. Mechanischer Belastung kann man zudem mit einem Schlagbrett entgegenwirken. Ist die Gitarrendecke nicht schon beim Kauf mit einem solchen ausgestattet, lässt sich das Instrument problemlos nachrüsten.

Welche Musik passt zu welchem Holz?

Fichte ist besonders populär unter Singer-Songwritern, die eine authentische Begleitung für ihre Stimme suchen. Kräftige Anschläge und eine gekonnt eingesetzte Dynamik eignen sich ideal für Pop, Rock, Country, Folk oder auch begleitend im Band-Kontext. Wenn eine Gitarrendecke aus Fichte genau zu deinem Musikstil passt, bist du beispielsweise mit der Yamaha FG 830 gut beraten. Diese Dreadnought-Westerngitarre verfügt über eine massive Fichtendecke und überzeugt mit ihrem großartigen Preis-Leistungs-Verhältnis.

Zeder eignet sich unterdessen für Fingerstyle, klassische Musik und ruhige Akustikstücke. Klassische Gitarristen schätzen ihren warmen Klang mit ihrer unmittelbaren Ansprache, bei der selbst feinste Nuancen deutlich zu hören sind. Hier empfiehlt sich unter anderem die Alhambra Z-Nature CW EZ. Neben einer massiven Zederndecke ist sie mit einem Tonabnehmer ausgestattet, was sie nicht nur zu einem perfekten Hobby- sondern ebenso zu einem soliden Bühneninstrument macht.

Unabhängig von der Holzart gilt: Eine massive Decke beeinflusst den Klang meist stärker als die Entscheidung zwischen Fichte und Zeder. Zum Unterschied zwischen massiven und laminierten Gitarrenhölzern erfährst du hier noch mehr: Massivholz oder Laminat-Gitarre – die Unterschiede erklärt.

Gibt es eine objektiv bessere Wahl?

Eigentlich nicht. Möchtest du eine vielseitige Gitarre für unterschiedliche Spielstile und Genres, bist du mit einer Gitarrendecke aus Fichte am besten beraten. Eine Zederndecke spricht hingegen Gitarristen an, die sich eher der klassischen Spielliteratur widmen und einen warmen Klang bevorzugen.

Letztlich solltest du darüber hinaus auch andere Faktoren wie Korpusform, Beleistung, Hölzer für Boden und Zargen und vieles mehr berücksichtigen. Du wirst dich wundern, wie verschieden zwei Gitarren mit derselben Deckenholzart klingen können. Das zeigt auch, dass am Ende dein Gehör entscheidet. Die beste Gitarrendecke ist schlichtweg die, die dich dazu bringt, immer wieder zur Gitarre zu greifen.

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Dabei sind Kirchentonleitern eigentlich gar nicht so schwer. Noch wichtiger: Sie sind kein Selbstzweck. Niemand spielt einen Modus, bloß weil er einen komplizierten Namen hat. Vielmehr sind sie ein Werkzeug, das seine ganz eigenen Möglichkeiten mit sich bringt, um Melodien und Soli interessanter zu gestalten.

In diesem Artikel verzichten wir bewusst auf komplizierte Musiktheorie und erklären die Kirchentonleitern so, wie sie im Musikeralltag wirklich funktionieren.

Was sind Kirchentonleitern?

Zunächst einmal zur wichtigsten Frage, was Kirchentonleitern überhaupt sein sollen. Übrigens vorab: Nein, sie werden nicht nur für Sakralmusik in der Sonntagsmesse gebraucht

Die Kirchentonarten sind verschiedene Tonleitern, die sich – genau wie eine Dur- oder Moll-Tonleiter – aus bestimmten Tönen zusammensetzen. Sie können ganz eigene Emotionen hervorrufen und bieten oft eine gute Abwechslung zu den sonst üblichen Dur- und Moll-Tonarten. Die Kirchentonarten bilden sich übrigens genau wie Dur und Moll auch aus jeweils sieben verschiedenen Tönen. Allerdings sind die Intervalle zwischen den einzelnen Tönen anders angeordnet. Im Grunde sind Kirchentonleitern also nichts anderes als verschiedene Klangfarben derselben Tonleiter.

Kirchentonarten herleiten leicht gemacht

„Puh, heißt das etwa, dass ich jetzt noch mehr Skalen büffeln muss?“ Die Antwort ist ein ganz klares: Nein! Wenn du eine Dur- oder Mollskala spielen kannst, kannst du im Endeffekt schon automatisch alle Kirchentonleitern spielen. Um zu verstehen, wie das funktioniert, schauen wir uns folgendes Beispiel an:

Nehmen wir zunächst die Töne der C-Dur-Tonleiter:

C – D – E – F – G – A – H – C

Wenn wir die Töne von C bis C spielen, hören wir ganz klar eine C-Dur-Tonleiter, die natürlich super passt, wenn wir eine Lead-Stimme über ein Stück in C-Dur spielen. So weit, so gut. In dieser Tonskala steckt allerdings weit mehr als nur die C-Dur-Tonleiter. Wir können nämlich auch dieselben Töne nehmen, sie allerdings etwas anders anordnen, sodass beispielsweise der Ton A unser Start- und Endpunkt wird:

A – H – C – D – E – F – G – A

Und schon haben wir A-Moll. Die beiden Tonarten C-Dur und A-Moll teilen sich nämlich denselben Tonvorrat.

Unser Griffbild für die A-Mollskala in der 5. Position und die C-Durskala an gleicher Stelle sind also völlig identisch:

Das heißt in der Praxis: Wer eine Durskala spielen kann, kann automatisch auch Moll spielen. Man muss die Skala nur zwei Töne vorher anfangen und beenden.

Was passiert allerdings, wenn wir alle anderen Töne aus der Skala als Bezugstöne ausprobieren? Richtig, wir erhalten unsere Kirchentonarten. Wenn du also bereits die Dur- oder Moll-Skala ganz gut beherrschst, kannst du dich ab hier ganz entspannt zurücklehnen und in Ruhe die exotischen Klangfarben der Kirchentonarten erkunden, ohne neue Skalen lernen zu müssen

D, wie Dorisch

Fangen wir mit der zweiten Stufe von C-Dur an, nämlich dem Ton D, um Dorisch zu erhalten:

D –E – F – G – A – H – C – D

Wenn wir die Töne hintereinander von D bis D spielen, klingt es fast schon wie eine Mollskala. Allerdings ist ein Ton unterschiedlich: das H. D-Dorisch passt also sehr gut zu D-Moll, bringt durch diesen einen Tonunterschied allerdings auch Anleihen der D-Dur-Skala mit sich. Dorisch lässt sich aus klanglicher Sicht daher ganz gut als ‚etwas optimistischer klingendes Moll‘ beschreiben.

Tipp: D-Dorisch kannst du gut mit einem D-Moll-Akkord und einem G-Dur-Akkord begleiten. Vor allem, wenn der Ton H der Skala zum G-Dur-Akkord gespielt wird.

Berühmte Beispiele für Dorisch:

• Scarborough Fair – Simon & Garfunkel
• Riders on the Storm – The Doors
• What Shall We Do with the Drunken Sailor – traditionelles Shanty

Phrygisch – Zwischen Orient und Metal

Die nächste Tonart, die sich ergibt, wenn wir unsere C-Dur-Skala von E bis E spielen, nennt sich Phrygisch:

E – F – G – A – H – C – D – E

Phrygisch zeichnet sich vor allem dadurch aus, dass zwischen dem Grundton E und dem zweiten Ton F nur ein Halbtonschritt liegt. Das gibt Phrygisch seine ganz besondere Würze, die der Tonart etwas Orientalisches und Geheimnisvolles gibt. Kein Wunder, dass vor allem die Metalheads Phrygisch gerne nutzen, um ihren Leads einen dunklen und exotischen Touch zu verleihen. Aber auch spanisch anmutende Melodien greifen gerne auf diesen Modus zurück.

Tipp: Da Phrygisch – bis auf den Halbtonschritt am Anfang – viele Überschneidungen mit der Mollskala aufweist, passt es besonders gut zu Moll-Akkorden. In E-Phrygisch kannst du gut die Akkorde E-Moll und F-Dur gut verwenden.

Berühmte Beispiele in Phrygisch:

• A Place for My Head – Linkin Park
• Candy Shop – 50 Cent
• Wherever I May Roam – Metallica

Lydisch – Dur in der Schwebe

Von F bis F ergibt sich als nächstes dann Lydisch. Lydisch ist im Endeffekt eine Durskala, allerdings mit einer übermäßigen vierten Stufe, die man auch die „lydische Quarte“ nennt:

F – G – A – H – C – D – E – F

Dadurch ergibt sich ein sogenannter Tritonus zwischen dem Grundton F und dem Ton H, der den lydischen Modus so besonders macht. Lydisch hat einen verträumten und schwerelosen Charakter, daher nutzen Filmkomponisten diesen Modus gerne, um weite, offene und große Klangfarben zu erzeugen.

Tipp: Lydisch ist eng mit der jeweiligen Dur-Tonart verwandt. Allerdings verändert die erhöhte vierte Stufe die Verwendung der anderen Akkorde. Ein gute Ansatz ist es, den Grundakkord F-Dur und den der zweiten Stufe G-Dur zu spielen, da im G-Dur der lydische Ton H enthalten ist.

Berühmte Beispiele in Lydisch:

• Jurassic Park Theme – John Williams
• Maria aus West Side Story – Leonard Bernstein
• The Riddle – Steve Vai

Mixolydisch – Der Rock-Klassiker

Von G bis G ergibt sich dann Mixolydisch auf G:

G – A – H – C – D – E – F – G

Mixolydisch ist nach Dur und Moll eine der am häufigsten verwendeten Tonarten in der Rockmusik. Der mixolydische Modus ist im Endeffekt eine Dur-Skala ohne Leitton, da der letzte Schritt vom siebten Ton zum G ein Ganzton, also zwei Bünde weit ist. Das verleiht ihm seinen offenen und rauen Charakter, der ideal zu Rock, Jazz und Blues passt.

Tipp: Mixolydisch kann problemlos über die entsprechenden Dur-Akkorde gespielt werden. Durch die kleine Sieben passt der Septakkord des Grundtons – in unserem Fall G7 –besonders gut.

Berühmte Beispiele in Mixolydisch:

• Norwegian Wood –The Beatles
• Wild Thing – The Troggs
• Watermelon Man –Herbie Hancock

Lokrisch – der sonderbare Exot

Da wir bereits wissen, dass sich von A bis A die Mollskala ergibt und über die Mollskala sicherlich bereits genug gesagt worden ist, kommen wir direkt zur nächsten und letzten Skala: Lokrisch. Lokrisch ergibt sich, wenn wir die C-Durtöne von H bis H spielen:

H – C – D – E – F – G – A – H

Lokrisch wird tatsächlich nur sehr selten verwendet, da es sehr instabil ist und auch klanglich eher als ‚acquired Taste‘ zu bezeichnen ist. Während die anderen Kirchenmodi noch ganz klare Verwandtschaft zu den jeweiligen Dur- oder Moll-Skalen aufweisen und sich lediglich in einem Ton von ihnen unterscheiden, verändert H-Lokrisch gleich zwei Töne im Vergleich zur H-Moll-Skala. Dadurch ist diese Tonart sehr schwer in unsere Dur/Moll-Gewohnheiten zu implementieren und findet allenfalls Anwendung im Jazz oder Progressive Metal.

Tipp: Wenn du Lokrisch begleiten möchtest, funktionieren am ehesten Mollakkorde mit verminderter Quinte. Das heißt, dass du beispielsweise den H-Mollakkord nicht als H – D – F# spielst, sondern stattdessen H – D – F.

Berühmte Beispiele in Lokrisch:

• Army of Me – Björk
• Dust to Dust – John Kirkpatrick
• Gliese 710 – King Gizzard & the Lizard Wizard

Ionisch & Äolisch –altbekannte Klassiker

Zwei Modes haben wir bewusst ausgelassen, da du sie sicherlich schon kennst: Ionisch und Äolisch. Ionisch erhältst du, wenn du die C-Dur-Skala von C bis C spielst. Äonisch ergibt sich, wenn du sie von A bis A spielst. Ionisch ist also lediglich ein anderer Name für Dur, und Äolisch ein anderer für Moll.

Muss ich die Kirchentonleitern alle auswendig kennen?

Auch hier ein klares: Nein! Wie du bereits gemerkt hast, reicht die Kenntnis über eine gewöhnliche Dur- oder Mollskala völlig aus, um alle Kirchentonarten spielen zu können. Du musst dir lediglich merken, von welchem Ton der Skala aus du spielen musst, um die jeweilige Kirchentonart zu erreichen. Und auch hier lohnt es sich, wenn du dich zunächst auf die einfacheren Tonarten konzentrierst, die am häufigsten Anwendung finden:

• Dorisch
• Mixolydisch
• Lydisch

Mache dich mit den jeweiligen Klangwirkungen der Skalen vertraut und experimentiere ein wenig mit ihnen. Beispielsweise mithilfe eines Looper-Pedals, um Skalen zu bestimmten Akkorden zu testen. So kannst du gut herausfinden, ob ein gewisser Modus für deine eigene Musik geeignet ist oder nicht.

Fazit

Kirchentonleitern sind nicht nur weitaus simpler als gedacht. Sie eignen sich auch wunderbar, um die überwiegend durch Dur und Moll geprägte Musiklandschaft um einige interessante Klangfarben zu bereichern und das nächste Solo oder den nächsten Song etwas interessanter zu gestalten. Wenn du die einzelnen Modes ausprobierst, wirst du nämlich schnell merken, dass jede Tonart ihren ganz eigenen Charakter hat. Selbstverständlich solltest du hier immer mit den Ohren voran gehen und nicht allzu verkopft arbeiten: Spiele entspannt zu Backing Tracks, experimentiere mit den Skalen und finde deinen eigenen Ausdruck in ihnen, um der nächsten Improvisation das gewisse Etwas zu verleihen.

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1. Nur auf den Preis achten

Verständlicherweise spielt der Preis beim Kauf einer Akustikgitarre eine wichtige Rolle. Es gibt Gitarren in Hülle und Fülle von günstigen Modellen ab bereits 60 Euro bis hin zu Profiinstrumenten, die locker mehrere tausend Euro kosten.

Dabei ist der Fehler jedoch nicht, die günstigste Gitarre zu kaufen, sondern die Gitarre nur nach dem Preis auszuwählen. Schon im unteren Preissegment gibt es absolut solide Einsteigerinstrumente, allerdings auch solche, deren Verarbeitung, Bespielbarkeit und Klang zu wünschen übrig lassen. Achte daher stattdessen auf eine gute Verarbeitung, eine angenehme Bespielbarkeit sowie eine stabile Stimmung. Lies dir auch die Bewertungen und Erfahrungen anderer Spieler durch. Für viele Modelle findest du außerdem ausführliche und ehrlich geschriebene Testberichte.

Unser Tipp: Setze dir ein Budget, aber bewerte die Gitarre nicht ausschließlich nach dem Preis. Eine günstige Gitarre bietet dir einen hervorragenden Einstieg, muss aber auch qualitativ überzeugen.

2. Beim Kauf einer Akustikgitarre nur auf die Optik achten

Klar gibt es echt schicke Akustikgitarren und viele Hersteller ziehen in puncto Design auch sämtliche Register, allerdings sollte dies auf der Liste der Prioritäten ganz unten stehen. Ein schönes Finish und viele dekorative Details sind zweifellos beeindruckend, sagen aber wenig über Klang, Spielgefühl und Verarbeitung aus. Denn eine Gitarre, die fantastisch aussieht, muss nicht zwangsläufig zu deinem Spielstil passen.

Höre dir daher Soundbeispiele an und probiere das Instrument nach Möglichkeit selbst aus. Besonders Halsprofil, Saitenlage und die Korpusform beeinflussen das Spiel enorm und können dir das Üben ordentlich verhageln, wenn sie nicht passen.

3. Die falsche Korpusform wählen

Nicht jede Akustikgitarre fühlt sich gleich an. Im Bereich der Westerngitarren unterscheiden sich Dreadnought, Grand Auditorium, Concert oder Jumbo deutlich im Klang und der Ergonomie. Da die Dreadnought das beliebteste Modell ist und die traditionelle Westerngitarre repräsentiert, greifen auch viele Anfänger nach ihr, obwohl sie mit einer kleineren Korpusform besser beraten wären.

Kurzer Überblick: Die große Dreadnought zeichnet sich durch kräftige Bässe aus und eignet sich ideal für kräftiges Strumming. Speziell unter Singer-Songwritern und Countrymusikern erfreut sie sich einer hohen Beliebtheit. Einen ausgewogenen Klang für viele Spielstile erzeugt unterdessen die kompaktere Grand Auditorium, die man aufgrund ihrer Vielseitigkeit als einen wahren Allrounder bezeichnen kann. Concert-Westerngitarren hingegen sind in ihrer Bauform kleiner und haben oftmals eine kürzere Mensur, etwa die Grand Concert von Taylor. Sie sind daher besonders für kleinere Leute geeignet. Wer nach einer Extraportion Lautstärke und Klangvolumen sucht, landet schlussendlich wahrscheinlich bei einer Jumbo.

Da du dich am Anfang allerdings noch an das Instrument gewöhnen musst, spielt der Komfort eine große Rolle. Berücksichtige also nicht nur deinen Spielstil, sondern auch deine Körpergröße. Gerade Kinder, Jugendliche und kleinere Erwachsene kämpfen oft mit zu großen Instrumenten. Das ist nicht zu unterschätzen, denn eine unpassende Größe beeinträchtigt Haltung, Technik und Spielspaß. Aus diesem Grund gibt es auch unter den Konzertgitarren neben der 4/4-Größe (also der Vollgröße) 1/4-, 1/2-, 3/4- und 7/8-Gitarren, die sich optimal an Alter und Größe anpassen lassen. Kleinere Westerngitarren-Korpusformen sind hingegen Parlor-Gitarren, Mini-Gitarren oder auch Reisegitarren. Dank dieser umfassenden Auswahl findet garantiert jeder die richtige Korpusform.

4. Die Bedeutung der Tonhölzer überschätzen

Der Fehler vieler Kaufberater besteht darin, Tonhölzer zu einem der wichtigsten Kaufkriterien zu machen. Für Fortgeschrittene und Profis ergibt dies durchaus Sinn, doch die Zielgruppe Anfänger sollte den Fokus auf andere Kriterien legen. In der Praxis haben nämlich andere Faktoren deutlich mehr Einfluss auf die Zufriedenheit mit einer Gitarre. Stelle dir beim Kauf einer Akustikgitarre daher lieber die Fragen:

• Fühlt sich die Gitarre gut an?
• Macht sie Spaß?
• Passt die Größe zu mir?
• Gefällt mir der Klang?
• Liegt sie in meinem Budget?

Natürlich haben Tonhölzer Einfluss auf den Klang einer Akustikgitarre, allerdings sind die Unterschiede subtiler, als viele Marketingtexte vermuten lassen. Ein Anfänger wird vermutlich die klanglichen Unterschiede zwischen Sitka-Fichte und Adirondack Fichte nicht heraushören können.

Vertraue deinen Händen und Ohren daher mehr als einem Datenblatt. Eine Gitarre, die du gerne in die Hand nimmst, ist mehr Wert als ein Instrument, das auf dem Papier die perfekten Spezifikationen aufweist.

5. Nur auf massive Tonhölzer setzen

Taucht man tiefer in das Thema Akustikgitarren ein, kommt man um zwei Begriffe nicht herum: massiv und laminiert. Gitarren, die über eine massive Decke verfügen oder sogar vollmassiv gefertigt sind, charakterisieren sich durch eine bessere Resonanz und sind teurer als Modelle aus Laminat. Laminierte, also geschichtete Tonhölzer, weisen hingegen einen weniger komplexen Klang auf, sind aber auch günstiger und robuster gegenüber Klimaeinflüssen.

Doch die klanglichen Unterschiede sollten dich nicht verunsichern. Ist die Gitarre gewissenhaft durch qualifiziertes Fachpersonal gefertigt, klingen auch laminierte Tonhölzer hervorragend. Gerade Anfängergitarren bestehen meist aus Laminat und bereiten viel Freude. Möchtest du aber keinesfalls auf die Durchsetzungsstärke einer Massivholzgitarre verzichten, sind Modelle mit einer massiven Decke oft der beste Kompromiss zwischen Preis und Klangqualität. Unter anderem findest du im Sortiment von Fender eine Auswahl teilmassiver Akustikgitarren zum verhältnismäßig kleinen Preis.

6. Das Spielgefühl beim Kauf einer Akustikgitarre ignorieren

Eine Gitarre kann hervorragend klingen, aber trotzdem nicht zu dir passen. Fühlt sie sich beim Spielen unangenehm an, steht sie in absehbarer Zeit wahrscheinlich nur in der Ecke, was schade wäre. Gründe für ein ungutes Spielgefühl sind vielfältig. Dazu zählen zu breite oder zu schmale Hälse, eine zu hohe Saitenlage oder auch ungewohnte Halsprofile, die das Spielen unnötig erschweren.

Achte dabei auf jeden Fall auf die Halsbreite, das Halsprofil, die Saitenlage, den Griffbrettradius und das Gesamtgewicht. Eine bequem spielbare Gitarre motiviert deutlich mehr als ein klanglich perfektes, aber unhandliches Instrument.

7. Funktionen kaufen, die man (noch) nicht braucht

Viele Einsteiger achten beim Kauf einer Akustikgitarre auf möglichst viele Features wie Tonabnehmer, Cutaway oder spezielle Elektroniksysteme. Am Anfang brauchst du diese jedoch nicht, weil für dich zunächst das Erlernen des Instruments im Vordergrund stehen sollte. Wenn du dabeibleibst und live spielen möchtest, kannst du deine Gitarre immer noch nachrüsten lassen oder dir ein Instrument für Fortgeschrittene anschaffen. Letzteres machen sowieso die meisten, denn wer einmal Feuer gefangen hat, wird schnell zum Sammler.

8. Wichtiges Zubehör nicht berücksichtigen

Die Gitarre selbst ist nur ein Teil der Investition. Zusätzlich benötigst du Zubehör zur Aufbewahrung, Pflege und zum Spielen. Wichtig ist dabei die Art der Aufbewahrung. Um die Gitarre speziell bei Extremtemperaturen vor Klimaeinflüssen zu schützen, solltest du definitiv einen Gitarrenkoffer oder ein Gigbag erwerben. Die gute Nachricht: Viele Modelle haben bereits eines der beiden Optionen im Lieferumfang, sodass du ein Behältnis schon einmal von der Liste streichen kannst. Auch ein Gitarrenständer zur vorübergehenden Aufbewahrung ist dringend empfehlenswert, denn „mal eben schnell an die Wand lehnen“ führt schnell zu „ab zur Reparatur“ . Pflegeprodukte wie ein Mikrofasertuch und das ein oder andere Reinigungsmittel sind ebenfalls ratsam.

Bevor du losspielst, solltest du deine Gitarre natürlich stimmen, ansonsten wird es schräg. Stelle also sicher, dass du beim Kauf einer Akustikgitarre gleich ein Stimmgerät dazupackst. Alternativ gibt es mittlerweile viele ausgezeichnete Möglichkeiten, die Gitarre mit dem Handy zu stimmen. Ein Satz frischer Saiten darf auch gleich gerne mit in den Warenkorb. Saiten sind Abnutzungsgegenstände und müssen regelmäßig gewechselt werden, da sie mit der Zeit ihre klangliche Brillanz verlieren. Weiteres Zubehör wie Kapodaster oder Plektren sind zu Beginn noch nicht zwingend erforderlich, weshalb du sie einfach besorgen kannst, wenn du merkst, dass du sie brauchst.

9. Sich von Trends statt vom eigenen Bedarf leiten lassen

Wenn du vor dem Kauf einer Akustikgitarre zunächst recherchiert hast, hast du bestimmt schon viele Trends mitbekommen. Darüber hinaus hast du vielleicht einen Lieblingskünstler, dem du nacheiferst und der ganz zufällig in Zusammenarbeit mit einem Hersteller ein Signature-Modell auf den Markt gebracht hat.

Doch die populärste oder die perfekte Gitarre für einen Profi muss nicht zwingend die richtige Wahl für dich sein. Frage dich vor dem Kauf, welche Features du für ein komfortables Spiel brauchst, welche Musik du spielst und welche Klangcharakteristik dir gefällt. Ein Fingerstyle-Spieler hat andere Anforderungen als ein Singer-Songwriter oder Lagerfeuer-Gitarrist. Die beste Akustikgitarre ist diejenige, die dich zum Spielen inspiriert.

10. Die Gitarre nicht in die Hand nehmen oder ausprobieren

Ein unterschätzter Fehler ist definitiv, die Gitarre zunächst nicht auszuprobieren. Den vielfach erwähnten Spielkomfort testest du nämlich nur, wenn du verschiedene Instrumente anspielst und miteinander vergleichst. Zwar ist Online-Shopping bequem und war noch nie so leicht wie heute, aber hier bekommst du nicht die Möglichkeit, dich umfassend durchs Sortiment zu spielen. Grundlegend ist nämlich auch die Entscheidung, ob du mit einer Konzert- oder einer Westerngitarre starten möchtest – und diese Entscheidung ist unkomplizierter in einem Gitarrengeschäft zu treffen, wo du nicht erst einen Kaufvertrag eingehen und dann einige Tage auf die Lieferung warten musst.

Außerdem können zwei Instrumente auf dem Papier nahezu identische Spezifikationen haben und sich dennoch völlig unterschiedlich anfühlen. Selbst innerhalb einer Modellreihe können minimale Unterschiede auftreten, zwischen denen für dein persönliches Empfinden aber Welten liegen. Wer keine Möglichkeit hat, ein Musikgeschäft zu besuchen, sollte zumindest auf aussagekräftige Testberichte, Klangbeispiele und Kundenbewertungen zurückgreifen.

Verlasse dich also nicht ausschließlich auf technische Daten oder Produktfotos. Entscheidend ist, wie sich die Gitarre in den Händen anfühlt und ob sie dich zum Spielen motiviert. Die beste Akustikgitarre ist am Ende diejenige, die du gerne und regelmäßig in die Hand nimmst.

Fazit: Fehler beim Kauf einer Akustikgitarre vermeiden

Der Kauf einer Akustikgitarre sollte niemals eine spontane Entscheidung sein. Wer sich vorab mit der Thematik beschäftigt und sich ein Bild darüber macht, wohin er genau möchte, vermeidet teure Fehlkäufe und findet schneller das passende Instrument. Nimm dir die Zeit, verschiedene Modelle zu vergleichen, höre genau hin und achte auf dein persönliches Spielgefühl. Letztendlich entscheidet die Verbindung zwischen Musiker und Instrument.

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Warum Hitze für Gitarren problematisch ist

Da Akustikgitarren in erster Linie aus Holz, also einem natürlichen Material, bestehen, reagieren sie stark auf ihre Umgebung. Steigen die Temperaturen stark an oder schwankt die Luftfeuchtigkeit über längere Zeit, geht das nicht spurlos an den Tonhölzern vorbei. Diese können sich verziehen und im schlimmsten Fall entstehen Risse im Korpus.

Eine besondere Gefahr besteht, wenn die Gitarre länger im Auto bleibt. Wir alle kennen die Hitze, die einen schier überwältigt, wenn man im Sommer in ein aufgeheiztes Auto steigt und uns der Innenraum Temperaturen von über 50 Grad Celsius um die Ohren schlägt. Für die Akustikgitarre bedeutet dies, potenzielle Schäden an den Holzteilen und sogar eine Schwächung von Leimverbindungen.

Direkte Sonneneinstrahlung vermeiden

Auch wenn es natürlich ausgesprochen angenehm ist, während des Jammens auch noch Sonne zu tanken, sollte deine Akustikgitarre dem Sonnenlicht nicht zu lange ungeschützt ausgesetzt sein. Die intensive Wärme kann das Finish beschädigen und zu Spannungen im Holz führen. Deine Gitarre kriegt also praktisch einen Sonnenbrand.

Daher empfiehlt es sich, beim Spielen im Freien ein schattiges Plätzchen zu suchen. Damit tust du nicht nur deiner Gitarre einen Gefallen, sondern gleich auch noch deiner Haut. Zur Aufbewahrung sollte das Instrument im Koffer oder Gigbag gelagert werden. Neben der richtigen Gitarrenpflege behalte also auch die Umgebungsbedingungen genauestens im Auge.

Die richtige Luftfeuchtigkeit erhalten

Die optimale Luftfeuchtigkeit für Akustikgitarren liegt bei 45 bis 55 Prozent. Im Sommer kann diese regional allerdings stark schwanken. Feuchte Gewitterluft oder ein Urlaub am Meer können das Holz stark aufquellen lassen. Hingegen herrscht während Hitzeperioden und auf dem Festland ein sehr trockenes Klima.

Um den Feuchtigkeitsgehalt der Luft kontinuierlich messen zu können, hilft ein kleines Hygro-Thermometer im Gitarrenkoffer. Bei Bedarf können spezielle Gitarrenbefeuchter oder -entfeuchter eingesetzt werden, um ein gesundes Klima für dein Instrument zu schaffen. Hier hat die Firma D’Addario übrigens ein sehr praktisches Produkt zur Gitarrenpflege entwickelt. Das D’Addario PW-HPK-01 Humidity Auto Control System bietet eine doppelte Feuchtigkeitskontrolle und hält den Feuchtigkeitsgehalt konstant bei 45 bis 50 Prozent. Es passt sich ganz von selbst dem Jahreszeitenwechsel, geographischen Standort und der Temperatur an.

Gitarrenpflege nach dem Spielen

Da die Schweißproduktion an warmen Tagen natürlich ordentlich angekurbelt wird , gelangen entsprechend mehr Schweiß und Hautfette auf Saiten, Griffbrett und Lackoberflächen. Aus diesem Grund solltest du deine Gitarre nach jedem Spiel kurz reinigen. Hierfür reicht meist ein weiches Mikrofasertuch und gelegentlich ein String Cleaner, den du bereits für kleines Geld bei jedem Musikalienhändler bekommst. Lack und Saiten danken es dir mit einer längeren Lebensdauer.

Transport im Sommer

Neben der richtigen Gitarrenpflege spielt auch der Transport eine wichtige Rolle. Wer seine Gitarre häufig unterwegs nutzt und sie auch mit in den Urlaub nehmen möchte, sollte auf den Transport achten. Hochwertige Gitarrenkoffer bieten dabei einen besseren Schutz vor Temperaturschwankungen als Gigbags. Wie bereits erwähnt, solltest du die Gitarre auch niemals zu lange in einem geparkten Auto lassen.

Bringst du die Gitarre von einer sehr heißen Umgebung in einen klimatisierten Raum, solltest du sie zunächst einige Minuten im geschlossenen Koffer lassen. Das Instrument kann sich so besser an die neue Temperatur gewöhnen.

Anzeichen für Hitzeschäden erkennen

Ein regelmäßiger Blick auf die Gitarre in Kombination mit einer gewissenhaften Gitarrenpflege hilft dabei, Schäden zu verhindern oder zumindest frühzeitig zu erkennen und rechtzeitig zu beheben. Warnsignale, bei denen die Alarmglocken schrillen sollten, sind:

• Veränderungen der Saitenlage
• Sichtbare Risse im Holz
• Wölbungen der Decke
• Hervorstehende Bundenden
• Locker werdende Leimverbindungen

Fallen dir solche Veränderungen auf, solltest du die Ursache mit Hilfe der richtigen Gitarrenpflege und -aufbewahrung möglichst schnell beheben und bei Bedarf einen Fachmann aufsuchen.

Fazit

Mit etwas Aufmerksamkeit und einer angemessenen Gitarrenpflege bringst du deine Akustikgitarre problemlos durch den Sommer. Entscheidend sind der Schutz vor Hitze, die richtige Luftfeuchtigkeit und die regelmäßige Reinigung. Sofern du deine Gitarre also keiner extremen Hitze, Sonneneinstrahlung und zu hoher oder zu niedriger Luftfeuchtigkeit aussetzt und nach jedem Spiel einen kurzen Moment in die Gitarrenpflege investierst, wirst du definitiv lange etwas von ihr haben.

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