Diese Künstlerin ist ein Phänomen: Geboren wurde die afroamerikanische Bassistin, Sängerin, Komponistin am 29. August 1968 als Michelle Johnson in West-Berlin, als Tochter eines in Deutschland stationierten US-Soldaten, der übrigens auch Saxophonist war. Die Familie zog aber schon Anfang der 1970er Jahre nach Virginia, USA. Als Teenager begann sie E-Bass zu spielen, studierte Musik und kreierte sich einen Künstlernamen: Me’shell NdegéOcello. Der wurde dann, als 1993 ihr erstes Album ,Plantation Lullabies‘ für Furore sorgte, ständig falsch geschrieben, daher vereinfachte die Künstlerin die Schreibweise ab Ende der 1990er auf Meshell Ndegeocello.

,Plantation Lullabies‘ erschien, trotz diverser Angebote u.a. von Princes Paisley Park und Warner Brothers, bei Madonnas damals neuer Produktionsfirma Maverick, wo Meshell als erster Act überhaupt unter Vertrag genommen wurde.

Auf diesem Debüt waren so einige etablierte Künstlerinnen & Künstler wie die Pianistin Geri Allen, Saxophonist Joshua Redman und Funk-Gitarrist Wah Wah Watson zu hören; zu ihrer Live-Band gehörten neben Watson auch noch David Fiuczynski (g), Federico Gonzalez Peña (kb) und David Gamson (dr), plus ein zweiter Bassist. Sie selbst spielte nur in Instrumental-Parts Bass.

Es folgte eine Karriere mit inzwischen insgesamt 16 Solo-Alben, über die sich Meshell Ndegeocello hohes Ansehen in der Musikszene, irgendwo zwischen Jazz, R&B, Soul, Funk, HipHop und Reggae und dem Rest der Klangwelt, erarbeitet hat. Was unter anderem auch zu zwölf Grammy-Nominierungen und zahlreichen Kooperationen führte: Chaka Khan, Carlos Santana, Rolling Stones, Prince, Madonna, Paul Simon, Basement Jaxx, Marcus Miller, John Mellencamp, Herbie Hancock, Joe Henry, Wendy Melvoin & Lisa Coleman, Cassandra Wilson, Jack DeJohnette, Angélique Kidjo …

Das neue Album: Synonym

Musikalische Begegnungen und Kooperationen bleiben der mittlerweile 58-jährigen Künstlerin, die bei Live-Auftritten in der Vergangenheit oft eher schüchtern und wortkarg rüberkam, anscheinend weiter wichtig. ,Synonym‘ heißt ihr Anfang Oktober 2026 veröffentlichtes neues Album, und auf dem schlichten grünen Cover der Doppel-LP prangt ein Aufkleber mit der Gästeliste. Unter anderem waren bei dieser Produktion mit dabei Chaka Khan, Cat Power, Robert Glasper, Brandi Carlile, Lianne La Havas, Cynthia Erivo, Lizz Wright und Khruangbin-Bassistin Laura Lee. Dazu kommen jede Menge Studiomusiker, u.a. hört man Wendy Melvoin und Doyle Bramhall an den Gitarren und auch Banjo-Legende Bela Fleck ist zu erleben. Und ganz wichtig – Vocals & Bass: Meshell Ndegeocello

,Synonym‘ ist ihr drittes Album für das legendäre Blue-Note-Label, nach ihren zuletzt gefeierten Veröffentlichungen ,The Omnichord Real Book‘ (2023) und dem beeindruckenden,No More Water: The Gospel Of James Baldwin‘ (2024), die ihr beide erstmals Grammy-Auszeichnungen einbrachten.

Die fünfzehn Album-Tracks von ,Synonym‘ sind alle Duette, und zu hören sind berühmte Songs aus sechs Jahrzehnten Pop-Historie, die Meshell Ndegeocello in ihrer grenzüberschreitenden Art nicht einfach nachspielt sondern sie genreübergreifend, auf ihre ganz eigene Art, interpretiert.

Los geht’s mit dem von Aretha Franklin & George Michael bekannten Hit ,I Knew You Were Waiting (For Me)‘, den Meshell hier mit der englischen Sängerin & Schauspielerin Cynthia Erivo interpretiert. Die anfängliche transparente Leichtigkeit geht dabei immer mehr in eine absolut intensive Atmosphäre, mit extrem kochendem Drum-Beat über. Absolut originell! Das gilt auch für das coole Reggae-Arrangement von Human Leagues 80s-Hit ,Don’t You Want Me‘, hier zu hören im Duo mit der fantastischen Cat Power. Was für ein cooler Bass! Eine echte Groove-Lektion.

Etwas angestrengter kommt ,Don’t Stop The Music‘ vom 80s-R&B-Duo Yarbrough & Peoples rüber, bei dem Pianist Robert Glasper ein paar Vocoder-Faxen beisteuert. Aber auch hier überzeugt wieder Meshell Ndegeocellos kraftvolle Bassline. Und dann ,Islands In The Stream‘ – das klingt doch wie … richtig: Wie The Bee Gees! Die Gibb-Bros. hatten den Song für eine 1983 erschienene Single von Kenny Rogers & Dolly Parton geschrieben. Meshell hat die legendäre und hier eher brav klingende Kollegin Chaka Khan als Duo-Partnerin gewählt.

Komplett umgekrempelt wurde Bob Dylans ,It Ain’t Me Babe‘ mit Singer/Songwriter Madison Cunningham. Passagenweise ist daraus eine sehr abgefahrene Sound-Collage geworden, und im Hintergrund pickt sich Banjo-Man Bela Fleck in Rage. Großartig! Und dann US-Rapper Ja Rules ,Always on Time‘, mit Khruangbin-Bassistin Laura Lee – bei diesem Track sind beide Sängerinnen auch am Bass zu hören.

Im souligen ,Be Real Black For Me‘, einer Komposition von Charles Mann, Donny Hathaway und Roberta Flack, sind dann mit Meshell, Emily King & Lizz Wright gleich drei Vokalistinnen aktiv. Und beim 1984er Motown-Hit von Dennis Edwards & Siedah Garrett, ,Don’t Look Any Further‘ ist die wunderbare Lianne La Havas zu hören, auch als Gitarristin.

Fazit

Und so geht’s auch in der zweiten Hälfte von ,Synonym‘ weiter: Jede Menge starke Stimmen, spannende Arrangements, ganz große Basslinien und immer wieder feine Sound-Überraschungen. Wer modernen, handgemachten R&B, Soul und unkonventionelle Stilmixe mag, wird dieses Song-Album lieben. Auch wenn es nur teilweise die Experimentierfreude von ,The Omnichord Real Book‘ (2023) oder die intellektuelle Ernsthaftigkeit von ,No More Water: The Gospel Of James Baldwin‘ (2024) aufweist – es ist ein klingendes, modernes great american songbook im besten Sinne.

NDEGEOCELLO ALBUMS
Plantation Lullabies (1993)
Peace Beyond Passion (1996)
Bitter (1999)
Cookie: The Anthropological Mixtape (2002)
Comfort Woman (2003)
The Spirit Music Jamia: Dance Of The Infidel (2005)
The World Has Made Me the Man of My Dreams (2007)
Devil’s Halo (2009)
Weather (2011)
Pour une âme souveraine: A Dedication to Nina Simone (2012)
Comet, Come to Me (2014)
Ventriloquism (2018)
The Omnichord Real Book (2023)
No More Water: The Gospel of James Baldwin (2024)
Synonym (2026)

MORE MESHELL
www.meshell.com

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Der SR500N-MAM richtet sich an Bassist:innen, die nicht nur einen bestimmten Vintage-Sound suchen, sondern ein Instrument für unterschiedliche musikalische Situationen. Ob Pop, Rock, Funk, Gospel, Fusion, Coverband oder Recording: Der Bass bringt die Voraussetzungen mit, sich schnell an Rolle, Arrangement und Amp-Setup anzupassen.

Soundgear-Konzept mit modernem Auftritt

Die SR-Serie gehört seit Jahrzehnten zu den wichtigsten Bassreihen von Ibanez. Ihr Grundgedanke ist klar: Ein ergonomisch geformter Korpus trifft auf einen ausgesprochen schlanken, schnell spielbaren Hals. Der SR500N-MAM bleibt diesem Konzept treu und setzt auf einen konturierten Okoume-Korpus, der sich angenehm an den Körper schmiegt.

Okoume ist ein vergleichsweise leichtes Holz und passt gut zum modernen Charakter des Basses. Die Bauform wirkt weniger wuchtig als bei traditionellen P- oder J-Bass-Modellen. Das kann bei längeren Proben, Konzerten oder Sessions ein echter Vorteil sein. Besonders Spieler:innen, die ein kompaktes Instrument bevorzugen oder beim Spielen viel Bewegungsfreiheit schätzen, dürften mit dem SR-Design schnell zurechtkommen.

Das dunkelblaue Matt-Finish wirkt edel und eigenständig, ohne den Bass optisch zu überfrachten. Zusammen mit der schwarzen Hardware entsteht ein moderner, klarer Auftritt, der gut zur Klangphilosophie des Instruments passt.

Schlanker Hals, flaches Spielgefühl

Ein zentraler Grund für die anhaltende Beliebtheit vieler SR-Bässe ist ihr Halsprofil. Beim SR500N-MAM verwendet Ibanez einen fünfteiligen Hals aus geröstetem Ahorn und Walnuss. Die mehrteilige Konstruktion soll für Stabilität sorgen; der geröstete Ahorn ist zudem auf bessere Widerstandsfähigkeit gegenüber Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen ausgelegt.

Mit einer Sattelbreite von 38 mm bewegt sich der Hals deutlich auf der schlanken Seite. Die Halsstärke beträgt 19,5 mm am ersten und 21,5 mm am zwölften Bund. Das Resultat ist ein schnelles, eher flaches Spielgefühl, das besonders für moderne Spieltechniken, schnelle Linien und den Wechsel zwischen Fingerstyle, Plektrum und Slap geeignet ist.

Das Palisandergriffbrett besitzt 24 Medium-Bünde und einen Radius von 305 mm. Die volle Zwei-Oktaven-Erweiterung pro Saite und die tief ausgeformten Cutaways erleichtern den Zugang zu den hohen Lagen. Das kommt Sololinien, Akkordspiel und melodischen Bassparts entgegen. Die Abalone-Oval-Inlays sind dabei dezent genug, um die klare Optik nicht zu stören, aber im Bühnenalltag gut sichtbar.

Die Longscale-Mensur von 34 Zoll liefert die vertraute Saitenspannung eines klassischen Viersaiters. Ab Werk ist der Bass mit D’Addario EXL165-Saiten in .045–.105 bespannt. Das ist eine universelle Wahl, mit der sich der SR500N-MAM sowohl für dynamisches Fingerstyle-Spiel als auch für definierte Plektrum-Sounds und Slap einsetzen lässt.

Nordstrand Big Break Pickups

Für die Tonabnahme setzt Ibanez auf zwei passive Nordstrand Big Break Humbucker. Sie sitzen im modernen Soapbar-Format, arbeiten jedoch mit einer Split-Coil-Konstruktion. Dadurch kombinieren sie einen kräftigen, druckvollen Klang mit der klaren Ansprache eines Singlecoils – bei gleichzeitig guter Nebengeräuscharmut.

Der Hals-Pickup ist die passende Adresse für runde, tragfähige und fundamentstarke Basssounds. Er sollte sich besonders für Pop, Soul, Singer/Songwriter, R&B und alle Situationen eignen, in denen der Bass einen warmen Unterbau liefern soll, ohne an Definition zu verlieren. Der Steg-Pickup bringt mehr Attack und Durchsetzungskraft. Hier treten Anschlag, Artikulation und ein engeres Bassfundament deutlicher in den Vordergrund – ideal für Rock, Fusion, Pick-Spiel, Slap oder dichte Produktionen.

In der Mittelstellung verbindet der SR500N-MAM beide Klangwelten zu einem klaren, kontrollierten Allround-Sound. Sein Charakter bleibt dabei modern und eher präzise als rau oder vintage-orientiert. Das ist eine Stärke, wenn ein Bass im Mix sauber arbeiten und schnell auf unterschiedliche Anforderungen reagieren soll.

Wer allerdings den knurrigen, ungeschliffenen Charakter eines alten Precision oder Jazz Bass sucht, wird beim Ibanez einen anderen Ansatz finden. Der SR500N-MAM möchte nicht möglichst nostalgisch klingen, sondern ein flexibles Werkzeug mit zeitgemäßer Ansprache sein.

Aktiver 3-Band-EQ mit wählbaren Mitten

Die Elektronik ist eines der stärksten Argumente für den SR500N-MAM. Neben Volume und Pickup-Balance stehen Regler für Bass, Mitten und Höhen zur Verfügung. Damit lässt sich der Grundsound schnell an Amp, Raum, Band oder Aufnahmesituation anpassen.

Besonders interessant ist der zusätzliche Dreiwegschalter für die Mittenfrequenz. Er legt den Fokus des Mittenreglers auf 250, 450 oder 700 Hz. Damit lässt sich nicht nur mehr oder weniger Mittenanteil einstellen, sondern gezielt beeinflussen, welche Aufgabe der Bass im Arrangement übernimmt.

Bei 250 Hz lässt sich der Klang voller und kräftiger gestalten. Das kann helfen, wenn ein Bass mehr Wärme und Gewicht liefern soll. Die Stellung bei 450 Hz eignet sich gut für präsente, ausgewogene Band-Sounds. Hier gewinnt der Bass an Kontur, ohne schnell scharf oder nasal zu werden. Bei 700 Hz treten Attack und Definition stärker hervor. Diese Einstellung kann sinnvoll sein, wenn sich einzelne Noten besser durch Gitarren, Keyboards oder ein dichtes Schlagzeugbild durchsetzen sollen.

Der 3-Band-EQ ermöglicht damit eine deutlich gezieltere Klangbearbeitung als einfache Standard-Elektroniken. Gerade für Spieler:innen, die mit verschiedenen Bands, unterschiedlichen Backlines oder im Homerecording arbeiten, ist das ein echter praktischer Vorteil. Statt ständig am Verstärker oder an einem externen Preamp nachzujustieren, lässt sich der Grundsound direkt am Instrument anpassen.

Passivmodus als klangliche und praktische Erweiterung

Der SR500N-MAM besitzt einen EQ-Bypass-Schalter. Wird die aktive Elektronik deaktiviert, arbeitet der Bass passiv. Der Höhenregler übernimmt dann die Funktion eines klassischen Tone-Reglers. Das erweitert die Möglichkeiten des Instruments sinnvoll: Der Sound wird nicht automatisch zu einem Vintage-Ton, kann aber etwas direkter, puristischer und zurückhaltender eingestellt werden.

Der Passivmodus ist außerdem ein wichtiger Praxisvorteil. Sollte die Batterie im ungünstigsten Moment leer sein, bleibt das Instrument spielbar. Das ist bei einem aktiven Bass keineswegs selbstverständlich und macht den SR500N-MAM als Arbeitsinstrument deutlich verlässlicher.

In Verbindung mit den Nordstrand-Pickups ergeben sich zwei grundsätzlich unterschiedliche Arbeitsweisen: Aktiv liefert der Bass mehr Kontrolle, Reserven und moderne Präsenz; passiv kann er etwas unmittelbarer und reduzierter eingesetzt werden. Wer einen Bass für viele Situationen sucht, profitiert genau von dieser Flexibilität.

MR5S-Steg und anpassbarer Saitenabstand

Beim Steg verwendet Ibanez den MR5S. Der Saitenabstand beträgt 19 mm und entspricht damit dem, was viele Viersaiter-Spieler:innen als komfortablen Standard empfinden. Das bietet genug Platz für eine kontrollierte rechte Hand und eignet sich sowohl für Fingerstyle als auch für Slap-Techniken.

Die einzelnen Saitenreiter lassen sich um jeweils 1,5 mm seitlich verschieben. So kann der Saitenabstand in einem gewissen Rahmen an die persönliche Spielweise angepasst werden. Das ist kein Feature, das jede:r sofort nutzen wird, aber ein Zeichen dafür, dass Ibanez die Anpassbarkeit des Instruments ernst nimmt.

Die Hardware ist schwarz gehalten und fügt sich stimmig in das Gesamtbild ein. Ein Koffer oder Gigbag gehört allerdings nicht zum Lieferumfang. Das sollte beim Kauf eingeplant werden, wenn der Bass regelmäßig zur Probe, zum Gig oder ins Studio transportiert wird.

Für Bühne, Probe und Homestudio

Der Ibanez SR500N-MAM ist ein typischer Bass für Menschen, die mit einem Instrument viele Aufgaben abdecken möchten. In einer Coverband kann er vom warmen Begleitsound bis zur präsenten Rock-Linie unterschiedlichste Rollen übernehmen. Im Studio helfen die klare Ansprache und die nebengeräuscharmen Pickups dabei, ein gut kontrollierbares Signal aufzunehmen. Auch für Musikschulen, ambitionierte Hobby-Musiker:innen oder semiprofessionelle Live-Anwendungen bietet das Konzept viel Gegenwert.

Sein schlanker Hals dürfte vor allem Bassist:innen gefallen, die Geschwindigkeit, Reichweite und ein geringes Griffgefühl schätzen. Wer dagegen ein besonders massives Halsprofil oder ausschließlich traditionelle Sounds bevorzugt, sollte den Bass vor dem Kauf anspielen. Der SR500N-MAM will nicht alles imitieren, sondern seine eigene moderne Klangsprache anbieten.

Im Preisbereich um 700 Euro ist die Kombination aus Nordstrand-Pickups, aktiv/passiv schaltbarer Elektronik, wählbaren Mittenfrequenzen und einstellbarem Saitenabstand sehr attraktiv. Der Bass bietet nicht nur viele Funktionen auf dem Datenblatt, sondern Funktionen, die sich im musikalischen Alltag tatsächlich einsetzen lassen.

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Thinline-Korpus mit Cutaway

Während traditionelle Konzertgitarren meist auf einen vergleichsweise voluminösen Korpus setzen, geht Ortega bei der Glamsuite einen anderen Weg. Der Thinline-Korpus ist lediglich 83 mm tief und dürfte sich dadurch gerade im Sitzen angenehm nah am Körper spielen lassen. Ein Cutaway erleichtert zusätzlich den Zugang zu den hohen Lagen.

Bei den Hölzern bleibt die Gitarre dagegen klassisch: Die Decke besteht aus Fichte, während für Boden und Zargen Ahorn zum Einsatz kommt. Akzente setzen das Walnuss-Binding sowie eine ebenfalls aus Walnuss gefertigte Armauflage.

Black Rainbow Sparkle als Blickfang

Der eigentliche Hingucker steckt allerdings schon im Namen: Ortega versieht das limitierte Modell mit einem Black Rainbow Sparkle Finish. Die hochglänzende Lackierung kombiniert eine dunkle Grundoptik mit glitzernden, mehrfarbigen Reflexionen und verleiht der Konzertgitarre einen ausgesprochen modernen Auftritt.

Zusammen mit dem schlanken Korpus, Cutaway und der Armauflage entsteht so ein Instrument, das sich optisch deutlich von der traditionellen Naturholz-Ästhetik klassischer Konzertgitarren absetzt.

Schlanker Hals und 48-mm-Sattel

Auch beim Hals entfernt sich die Glamsuite ein Stück weit von traditionellen Konzertgitarrenmaßen. Ortega verbaut einen Slim Neck aus Nato mit einem 48 mm breiten Sattel. Damit fällt der Hals am Sattel schmaler aus als bei vielen klassischen Nylonstring-Gitarren und soll insbesondere Spielern entgegenkommen, die von einer Steelstring- oder E-Gitarre wechseln.

Das Walnussgriffbrett bietet 19 Bünde, während die klassische 650-mm-Mensur beibehalten wird. Eine weitere Besonderheit ist der integrierte 2-Way Truss-Rod, über den sich die Halskrümmung in beide Richtungen korrigieren lässt.

Für Bühne und Proberaum gerüstet

Die Ortega Glamsuite ist nicht ausschließlich als akustisches Instrument gedacht. Für den verstärkten Einsatz stattet Ortega die Gitarre mit dem MagusPro/G Tonabnehmersystem aus. Ein integriertes Stimmgerät erleichtert das schnelle Stimmen auf der Bühne oder im Proberaum.

Zum Lieferumfang gehört außerdem ein Gigbag, sodass die limitierte Gitarre direkt mit einer passenden Transportmöglichkeit kommt.

Die Features der Ortega Glamsuite Black Rainbow Sparkle im Überblick

• Limitierte 4/4-Konzertgitarre aus Ortegas The Private Room Series
• 83 mm tiefer Thinline-Korpus mit Cutaway
• Fichtendecke
• Boden und Zargen aus Ahorn
• Slim Neck aus Nato
• 48-mm-Sattelbreite
• Walnussgriffbrett mit 19 Bünden
• 650-mm-Mensur
• 2-Way Truss-Rod
• Binding und Armauflage aus Walnuss
• Black Rainbow Sparkle Finish in Hochglanzlackierung
• Ortega MagusPro/G Tonabnehmersystem
• Integriertes Stimmgerät
• Gigbag im Lieferumfang

Mit der Ortega The Private Room Glamsuite Black Rainbow Sparkle interpretiert der Hersteller die Konzertgitarre betont modern. Thinline-Korpus, schmalerer Hals, Cutaway und Tonabnehmer richten den Blick klar auf komfortables und bühnentaugliches Spielen, während das extravagante Sparkle Finish dafür sorgt, dass die limitierte Nylonstring auch optisch kaum mit einer klassischen Konzertgitarre verwechselt werden dürfte.

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Mit „The Age Of Everything“ erscheint am 2. Oktober nun Johnny Marrs fünftes reguläres Soloalbum über BMG. Dabei bleibt der Gitarrist auch nach Jahrzehnten ein Musiker, dessen eigene Handschrift sich schnell erkennen lässt. Gerade sein Gitarrenspiel hat mit seinen schimmernden Sounds, offenen Akkorden und einem melodischem Stempel einen Stil geprägt, der bis heute den Kreis mit dem britischem Gitarrenpop schlißt. Gleichzeitig hat Marr nie ausschließlich in dieser musikalischen Vergangenheit gelebt. Elektronische Einflüsse und Dance-Rhythmen gehörten spätestens mit Electronic, seinem gemeinsamen Projekt mit New-Order-Sänger Bernard Sumner, ebenso zu seinem musikalischen Vokabular. Genau diese beiden Seiten treffen auch auf den bisher veröffentlichten Songs des neuen Albums wieder aufeinander.

Songwriting zwischen London, Nordamerika und Manchester

Entstanden ist „The Age Of Everything“ an verschiedenen Stationen. Marr schrieb das Material zunächst in London, entwickelte Teile davon anschließend während einer Tour an der Ostküste Nordamerikas weiter und nahm das Album schließlich in seiner Heimatstadt Manchester auf. Das Ergebnis umfasst zehn Stücke und folgt auf das 2022 erschienene Doppelalbum „Fever Dreams Pts 1–4“. Marr selbst beschreibt die neue Platte als eine für ihn besonders kathartische Veröffentlichung.

Auch der Albumtitel entstand laut Marr bereits früh während des Schreibprozesses. „The Age Of Everything“ bezieht sich dabei auf ein Gefühl der Überforderung innerhalb einer zunehmend von Technologie geprägten Kultur, soll aber ausdrücklich nicht ausschließlich negativ verstanden werden. Marr stellt diesem Überfluss ebenso die Möglichkeiten gegenüber, die daraus entstehen können. Damit steht hinter dem Titel weniger eine konkrete Geschichte als vielmehr eine Beobachtung des gegenwärtigen Lebensgefühls.

Bereits 2024 berichtete er, dass ein Teil neuer Ideen unterwegs entstanden sei. Statt sich dabei vollständig auf moderne Produktionsumgebungen zu verlassen, kehrte er für erste Gitarrenideen zu einem vergleichsweise unmittelbaren Ansatz mit Looper und übereinandergeschichteten Gitarrenspuren zurück.

Typisch Johnny Marr – aber nicht ausschließlich Gitarrenpop

Einen ersten Eindruck davon liefern die drei vorab veröffentlichten Singles „Spin“, „Ophelia“ und „It’s Time“. Schon hier zeigt sich ein Stil, der ziemlich unmittelbar als Johnny Marr zu erkennen ist. Die Songs bewegen sich grundsätzlich in einem britisch geprägten Gitarrenpop, der immer wieder melancholische Akkordfolgen mit treibenden Rhythmen verbindet. Gleichzeitig wirken die Stücke nicht wie der Versuch, den Klang seiner früheren Bands einfach zu reproduzieren, sondern lässt durchaus seine eigene Handschrift erkennen.

Besonders charakteristisch bleibt natürlich Marrs Umgang mit der Gitarre. Statt sich mit großen verzerrten Riffs in den Vordergrund zu stellen, entstehen viele der prägnanten Momente durch cleane, räumliche und häufig Chorus-artige Gitarrensounds. Akkorde, kleine melodische Figuren und übereinandergelegte Gitarrenflächen greifen ineinander und übernehmen damit mindestens ebenso viel rhythmische wie harmonische Arbeit. Denken wir zurück an den Entwicklungsprozess mit Looper und mehrschichtigen Gitarrenspuren, so merkt man wie viele melodische Ideen im Mastering-Endresultat geblieben sein müssen.

Es ist genau jene Art von Gitarrenspiel, bei der nicht unbedingt ein einzelnes Riff heraussticht, sondern mehrere vergleichsweise einfache Elemente gemeinsam einen wiedererkennbaren Sound ergeben. Daraus resultieren eben solche Ohrwürmer, die gerne etwas länger im Kopf verweilen dürfen.

Abwechlungsreiche Nummern

Schon der Opener „Spin“ legt mit ordentlich Groove vor und gibt dem Album einen entsprechend treibenden Dance-Beat-Einstieg. Etwas ernster und düsterer präsentiert sich dagegen „Fire With Fire“, bei dem vor allem das Riff und das generelle Arrangement für eine dichte Atmosphäre sorgen. Einen deutlichen Kontrast dazu bildet „In And Out Of Love“: Der Song schlägt als klassischer Lovesong ruhigere und gefühlvollere Töne an und entwickelt durch seinen 6/8-Takt einen leicht wiegenden Charakter, der fast schon zum Walzer einladen möchte.

„It’s Time“ zeigt wiederum eine etwas direktere Seite des Albums. Marr beschreibt den Song als Reaktion auf gesellschaftlichen Zynismus und Korruption, dem er bewusst einen gewissen Idealismus entgegenstellen wollte. Musikalisch fällt das Stück entsprechend energisch und beinahe hymnisch aus.

Eine lange Geschichte nach The Smiths

Dass Johnny Marr noch immer so unmittelbar mit The Smiths verbunden wird, ist keine Überraschung. Gemeinsam mit Morrissey prägte er innerhalb weniger Jahre einen Gitarrenstil, dessen Einfluss sich weit über die eigentliche Lebensdauer der Band hinaus bemerkbar machte. Marrs Karriere nach deren Ende zeigt allerdings ebenso deutlich, dass er sich nie auf diese Rolle beschränkt hat.

Neben seiner Arbeit mit The The gründete er zusammen mit Bernard Sumner Electronic und war später unter anderem Mitglied von Modest Mouse und The Cribs. Hinzu kommen zahlreiche Arbeiten mit anderen Künstlern sowie Projekte außerhalb klassischer Bandstrukturen. Seine eigentliche Solokarriere nahm spätestens mit „The Messenger“ von 2013 dauerhaft Fahrt auf. „The Age Of Everything“ führt diese Entwicklung nun als fünftes Solo-Studioalbum weiter.

Dabei scheint Marr heute weniger daran interessiert zu sein, seine musikalische Vergangenheit hinter sich zu lassen, als deren unterschiedliche Bestandteile selbstverständlich nebeneinanderzustellen. Gitarrenpop, Alternative Rock und elektronische Einflüsse müssen sich bei ihm nicht gegenseitig ausschließen. Gerade die ersten Songs von „The Age Of Everything“ vermitteln deshalb den Eindruck eines Musikers, der seinen charakteristischen Stil längst gefunden hat, sich innerhalb dieses Rahmens aber weiterhin genügend Freiheiten lässt.

The Age Of Everything: Starke Mischung mit Johnny Marr-Siegel

Insgesamt umfasst das neue Album zehn Songs. Neben den drei bereits bekannten Singles warten damit sieben weitere Stücke darauf, zu zeigen, wie weit Marr die bisher erkennbare Mischung aus melancholischem Gitarrenpop, treibenden Rhythmen und elektronischen Einflüssen auf Albumlänge ausbaut.

„The Age Of Everything“ erscheint am 2. Oktober 2026 über BMG.

Tracklist:

1. Spin
2. Beyond The Rain
3. It’s Time
4. How Come
5. Ophelia
6. That Feeling
7. In And Out Of Love
8. Just Once More
9. Fire With Fire
10. All In A Life

Album-VÖ: 2. Oktober 2026
Label: BMG

johnnymarr.com

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Damit ist der EX-4 in erster Linie für alle interessant, die grundsätzlich an ihrem vorhandenen Setup festhalten möchten, für bestimmte Songs oder kurze Situationen aber zusätzliche Effekte oder komplexere Signalketten benötigen. Statt Chorus, Delay, Reverb oder speziellere Sounds jeweils als separates Pedal unterbringen zu müssen, kann der Effects Expander gleich mehrere dieser Aufgaben übernehmen.

120 BOSS Effekte für E-Gitarre und Bass

Das Herzstück des EX-4 bildet eine Bibliothek mit 120 hochwertigen BOSS Effekten. Darunter befinden sich die klassischen Kategorien Overdrive und Distortion, Modulation, Delay und Reverb. Hinzu kommen speziell auf Bass abgestimmte Effekte sowie einige der exotischeren BOSS-Effekte wie Slow Gear oder Slicer. Technisch arbeitet der EX-4 mit 48 kHz Samplingrate, 24-Bit-A/D-Wandlung, 32-Bit-D/A-Wandlung und interner 32-Bit-Fließkommaverarbeitung.

Bis zu vier Effektblöcke lassen sich gleichzeitig betreiben. Dabei muss es sich nicht zwangsläufig um vier unterschiedliche Effekte handeln, denn auch mehrere Instanzen desselben Effekttyps sind möglich. Wer beispielsweise zwei unterschiedliche Delays innerhalb einer Signalkette benötigt, kann diese entsprechend konfigurieren.

Interessant wird das EX-4 zusätzlich durch die Möglichkeiten bei der Signalführung. Neben einfachen seriellen Effektketten erlaubt das Pedal auch parallele Routings und Wet/Dry-Konfigurationen. Die Reihenfolge der Effektblöcke lässt sich ebenfalls verändern. Zusätzlich stehen eigenständige Funktionsblöcke für Foot Volume, zwei Noise Suppressor, Send/Return sowie Divider/Mixer bereit. Ein globaler EQ übernimmt bei Bedarf die übergreifende Klangregelung.

Gear Suite Presets für den schnellen Zugriff auf spielbereite Sounds

Trotz der zahlreichen Möglichkeiten soll der EX-4 nicht erst nach längerer Programmierarbeit einsatzbereit sein. Dafür hat BOSS die sogenannte Gear Suite integriert. Für die unterschiedlichen Effekttypen stehen hier bereits vorbereitete Parametereinstellungen zur Verfügung, die sich über einen Regler auswählen lassen. Eigene Einstellungen können anschließend bearbeitet und als Favoriten gespeichert werden.

Für komplette Sounds stehen insgesamt 128 Presets für Gitarre und Bass sowie weitere 128 User-Speicherplätze zur Verfügung. Zwei unterschiedliche Betriebsarten sollen dabei sowohl den klassischen Pedalboard-Einsatz als auch die Arbeit mit vorbereiteten Sounds abdecken. Im Manual Mode verhält sich der EX-4 stärker wie eine Zusammenstellung einzelner Bodenpedale, während der Memory Mode den Zugriff auf gespeicherte Effektkonfigurationen ermöglicht. Bei bestimmten Konfigurationen können Delay- und Reverb-Fahnen zudem beim Speicherplatzwechsel vollständig ausklingen.

Display und Routing

Farbdisplay und frei belegbare Fußschalter

Bedient wird der EX-4 über ein 2,4″ Farbdisplay, auf dem unter anderem die komplette Signalkette, einzelne Effektblöcke und deren Parameter dargestellt werden. Vier separate FX-Taster gehören jeweils zu den entsprechenden Effektblöcken. Ein kurzer Tastendruck schaltet den jeweiligen Effekt ein oder aus, während durch längeres Drücken die Bearbeitung der Parameter aufgerufen wird. Die Farben der Taster orientieren sich dabei an der Darstellung des jeweiligen Effekts im Display.

Für eine schnelle Bedienung – beispielsweise im Porberaum oder auf der Bühne – stehen zwei Multifunktionsschalter mit umlaufenden Farb-LEDs zur Verfügung. Ihre Funktionen können sowohl global als auch individuell für einzelne Speicherplätze konfiguriert werden. Neben dem einfachen Ein- und Ausschalten von Effekten lassen sich beispielsweise Preset-Wechsel, Master Bypass und Tap Tempo auf die Schalter legen. Darüber hinaus unterstützt der EX-4 weitergehende Zuweisungen zur Steuerung einzelner Parameter.

Externe Pedale werden Teil der Effektkette

Gerade bei den Anschlüssen wird deutlich, dass BOSS den EX-4 als Ergänzung für bestehende Pedalboards konzipiert hat. Insgesamt vier Audiobuchsen ermöglichen zunächst einen normalen Mono- oder Stereo-Betrieb. Zwei davon können alternativ als Send und Return genutzt werden. Dadurch lassen sich vorhandene Effektpedale in den Loop des EX-4 integrieren und innerhalb der internen Effektkette positionieren.
So muss beispielsweise ein vorhandenes Lieblings-Overdrive nicht zugunsten der internen Effekte vom Board verschwinden. Stattdessen kann es Bestandteil eines umfangreicheren Routings werden, das interne und externe Effekte miteinander kombiniert.

Zusätzliche Steuerungsmöglichkeiten bieten ein Anschluss für bis zu zwei externe Fußschalter beziehungsweise ein Expression-Pedal sowie TRS-MIDI-In und -Out. Damit lässt sich der EX-4 auch in komplexere MIDI-Setups mit externen Controllern, Switching-Systemen oder MIDI-Clock integrieren. Ein USB-C-Anschluss ist ebenfalls vorhanden.

Multieffekt statt Pedalboard oder warum nicht einfach beides?

Mit dem EX-4 verfolgt BOSS damit einen durchaus interessanten Mittelweg zwischen klassischem Einzelpedal und umfangreichem Multieffektgerät, das jedoch die Grenze zwischen Multieffekt und Modeling-Pedal mit Amps und Cabs nicht überschreitet. Wer bereits ein sorgfältig zusammengestelltes Amp-Setup und Pedalboard besitzt, benötigt schließlich nicht zwangsläufig noch einen vollständigen Modeler inklusive Amp- und Cabinet-Simulationen. Gleichzeitig können zusätzliche Modulations-, Delay- oder Spezialeffekte schnell für Platzprobleme sorgen.

Vier gleichzeitig nutzbare Effekte, flexible Routings und 120 unterschiedliche Effekttypen decken eine Menge zusätzlicher Aufgaben ab, während vorhandene Pedale weiterhin Bestandteil des Setups bleiben können. Mit 117 x 138 x 63 mm und 800 Gramm bleibt das Gerät dabei vergleichsweise kompakt. Das benötigte PSA-S Netzteil gehört bereits zum Lieferumfang.

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Photo Credit: Roland/Boss

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In dem kleinen Ort zwischen Bielefeld und Hannover werden Victor Smolski, ehemals Gitarrist bei Rage und Almanac, sowie Fusion-Gitarrist Julian Scarcella, den Workshop gemeinsam mit Soundexperte Steffen Klimasch und Theorie-Dozent Mario Ehrenberg-Kempf leiten. Auf dem Programm stehen Spieltechnik, Improvisation, Rhythmus und Sound. Zwischendurch arbeiten Anfänger und Fortgeschrittene in getrennten Gruppen.

Vorab bekommen die Teilnehmer ein Workshop-Heft, Übe-Backings und Videos zu zwei eigens geschriebenen Stücken: „Rookie Grooves“ für den Einstieg und „Victor*ious“ für Fortgeschrittene. Einen anderen Blick auf schnelles Gitarrenspiel liefern der Musikpsychologe Reinhard Kopiez und der Musikwissenschaftler Kilian Vogt. Ihr Gastvortrag „Speed Kills“ fragt, was beim Shredding im Gehirn passiert und welche Übemethoden bei hohem Tempo helfen.

Der Einlass und das Equipment-Setup beginnen um 10:30 Uhr, der Workshop startet um 11 Uhr. Um 20 Uhr folgt ein öffentliches Konzert mit den Dozenten sowie Mario Ehrenberg-Kempf und Sebastian Salas. Bei den letzten beiden Stücken spielen die Workshop-Teilnehmer mit.

Programm und Tickets gibt es auf der Veranstaltungsseite von radio aktiv

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Die Jackson Chris Rörland SL7 kombiniert einen Nyatoh-Korpus mit Ahorn-Furnieren und einem durchgehenden, dreiteiligen Ahornhals im schnellen Speed-Neck-Profil. Auf dem Ebenholzgriffbrett stehen 24 Jumbo-Bünde und ein von 12″ auf 16″ ansteigender Compound-Radius bereit, der komfortables Rhythmusspiel und schnelle Leads gleichermaßen unterstützen soll.

Für den passenden High-Gain-Sound sorgen zwei aktive EMG 81-7H und 85-7H Humbucker, die speziell im Zusammenspiel mit der siebensaitigen Konstruktion für druckvolle Riffs und klar definierte Leads prädestiniert sind. Komplettiert wird die Ausstattung durch ein Floyd Rose 1000 Series Tremolo, das ausdrucksstarke Vibratos und extreme Pitch-Effekte ermöglicht und damit natürlich auch auf Chris Rörlands persönlichem Signature-Modell nicht fehlen darf.

Die Features im Überblick

• Nyatoh-Korpus mit Ahornfurnier
• Dreistreifiger Neck-Thru-Hals aus Ahorn
• Ebenholzgriffbrett mit 24 Jumbo-Bünden
• 12″-16″-Compound-Griffbrettradius
• 26,5″-Mensur (673 mm)
• EMG 85-7H Hals-Humbucker
• EMG 81-7H Steg-Humbucker
• Floyd Rose 1000 Series Tremolo
• Satin Black Finish
• Inklusive Gigbag

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Am 24. September 1966 frühmorgens von New York in London angekommen, ändert Chas Chandler als erstes die Schreibweise von Hendrix‘ Vornamen: Jimi anstatt Jimmy hat seiner Meinung nach mehr Prägnanz, bleibt besser in Erinnerung – ein perfekter Markenname eben, der zum Aufbau eines Star-Images dazugehört. Und so wurde aus Jimmy James, wie der Künstler James Marshall Hendrix sich zuletzt nannte, Jimi Hendrix.

Chandler war ein Mann aus dem Musikvolk, ein Musiker mit Feeling für Trends und für das Business – er besaß also genau das, was bis heute ganz oft und immer wieder fehlt, wenn es darum geht, im Umfeld von Musik Geld zu verdienen. Und es ist ganz egal ob es dabei um Songs, Instrumente oder Fachmagazine geht: Insider-Wissen, Feeling, Liebe zur Kun$t und Respekt vor dem Publikum – ohne das geht gar nichts. Zumindest geht es sonst nicht lange gut. Chas Chandler wusste ganz genau, was er mit Jimi Hendrix erreichen wollte.

Jimi Jammin‘

Hendrix wird von Chas Chandler im Londoner Hyde Park Towers Hotel untergebracht. Die erste Jam-Session findet am selben Abend im Scotch Of St. James Club in London statt, wo Jimi allerdings nur als Gitarrist, instrumental, in Erscheinung tritt. In Jimi Hendrix’ ersten Tagen in der britischen Hauptstadt kommt es zu mehreren weiteren Jams, unter anderem mit dem Organisten Zoot Money und einem Gitarristen namens Andrew James Somers, der Ende der 1970er-Jahre als Andy Summers mit der Band The Police Erfolg haben sollte. Auch Jeff Beck wurde auf den Kollegen aus USA aufmerksam.

26.09. Chas Chandler und Jimi besuchen die Audition für Eric Burdon’s New Animals im Londoner Birdland Club. Hendrix jammt mit der Band. Eric Burdon meint später, ab diesem Moment sei er ein „Jimi Hendrix Addict“ geworden.

27.09. Jam im Scotch Of St. James Club mit The V.I.P.s, die ab 1968 unter dem Namen Spooky Tooth bekannt wurden.

28.09. Hendrix jammt im Jam im Les Cousins, London mit dem Alexis Korner Trio.

Experience Auditions

29.09. Jimi Hendrix trifft Noel Redding zum ersten Mal beim Vorspielen im Londoner Birdland Club. Redding war zu einer weiteren Audition für Eric Burdon’s The New Animals gekommen, die einen Gitarristen suchten. Seine Bewerbung hatte keinen Erfolg. Chas Chandler fragte ihn, ob er statt dessen nicht Bass für Hendrix spielen könne. Hendrix mochte angeblich Noels Frisur und sein dezentes Auftreten, weshalb er den Zuschlag erhielt. Zu einer der Auditions für die neue Hendrix-Band hatte Chandler u.a. auch Drummer Mitch Mitchell eingeladen. Bis zuletzt im Rennen war neben Mitchell noch Ansley Dunbar – beide spielten auf gleich hohem Niveau. Angeblich wurde schließlich eine Münze geworfen – und Mitch Mitchell wurde der Schlagzeuger der neu gegründeten The Jimi Hendrix Experience.

Ende September – über das genaue Datum sind sich Zeitzeugen und Experten uneinig – jammt Hendrix im Londoner Blaises Club mit The Brian Auger Trinity. Der französische Rock & Roller und Pop-Star Johnny Halliday ist im Publikum und lädt Hendrix ein in Frankreich mit ihm auf Tour zu gehen.

Im Blaises waren auch einige Größen der Londoner Musikszene anwesend, u.a. auch Andy Summers: „Jimi stellte damals die ganze Londoner Gitarrenszene auf den Kopf, mit dem was er da live machte …“ Und der ebenfalls anwesende spätere Pink-Floyd-Gitarrist David Gilmour meinte zu dieser Jam-Session: „Er war von Anfang an ein absolutes Phänomen.“

Right Time, Right Place

1965/66 waren Jahre, in denen die Popmusik, aber vor allem auch der Jazz und der Rock-Underground, sehr bunte Blüten trieben und aus allen möglichen Konventionen ausbrachen. Wenn man die ersten Aufnahmen von David Bowie (als Davy Jones mit den Bands Manish Boys und den Lower Third) hört, oder auch die fast zeitgleich in den USA entstandenen musikalischen Wahnsinns-Trips von The Velvet Underground, dann wird klar, dass der Punk der 70er Jahre keine Revolution war, sondern die etwas verspätete kommerzielle Verwertung dieser Art von wirklich schräger Mittsechziger-Außenseiter-Musik. Jimi Hendrix war so gesehen zur richtigen Zeit an beiden Orten – New York und London – wo gerade eine Menge passierte und die Akzeptanz von Publikum und Industrie relativ groß war.

Die großartigen Alben

• The Beatles – Revolver
• The Rolling Stones – Aftermath
• The Kinks – Face to Face
• The Beach Boys – Pet Sounds
• The Mothers of Invention – Freak Out!
• Bob Dylan – Blond On Blonde
• The Velvet Underground & Nico – dito.
• John Coltrane – A Love Supreme
• John Coltrane – Ascension

entstanden alle zwischen 1965 und 1966. Und was dann zwischen 1967 und 1970 passierte, mit den Beatles, mit der Tony Williams Lifetime in der Besetzung mit John McLaughlin und Jack Bruce, mit Miles Davis‘ Meisterwerk ,Bitches Brew‘ und natürlich mit den Alben von Jimi Hendrix, prägte den Ruf der 1960er-Jahre als legendäre Umbruch-Dekade absolut zu Recht.

Über Promotion

Resümiert man die Aktivitäten dieser ersten Woche von Jimi Hendrix in London, steht ohne Frage fest: Sein Entdecker Chas Chandler hatte in den USA nicht einfach nur einen besonders bunten und schrägen Vogel entdeckt, mit dem er sie britische Musikszene aufmischen wollte. Man darf nie vergessen: Jimmy Hendrix war damals nur ein Sideman, ein Tour-Gitarrist und Begleitmusiker, der es in einem Club in Greenwich Village, New York mal solo bzw. mit eigener Band versuchte. Das Interesse an seinen Shows hielt sich 1966 in Grenzen, wenn auch seine musikalische Genialität am Instrument klar erkennbar war. Aber in einer Stadt, die voller Musik ist, geht der Einzelne oft unter. Daran hat sich bis heute nichts geändert …

Chas Chandler Revisited

Bryan „Chas“ Chandler (*1938 +1996) war als Bassist der Animals einmal ein kompetenter Musiker, und war Mitglied einer der erfolgreichsten Rock-Bands der 1960er. Er kannte auch das Geschäft. Als er Hendrix im September 1966 im „Café Wha?“ im Greenwich Village live erlebt hatte, war er sich schnell sicher, diese Art von Musik, irgendwo zwischen Blues, Soul, Pop und Rock, in England erfolgreich präsentieren zu können. Die britische Szene hatte schon relativ früh eine ausgesprochene Affinität zum amerikanischen Rock & Roll und vor allem zum Blues entwickelt.

Chandler hatte von Anfang an einen Plan, der an Pragmatismus und Effizienz kaum zu überbieten war – und den zog er erfolgreich durch: Er nahm Hendrix unter Vertrag, brachte ihn nach London, besorgte ein Hotelzimmer, machte ihn in der Szene bekannt, ließ ihn in Jams für Furore sorgen, und suchte mit seinem neuen Künstler ganz schnell zwei Mitmusiker, um aus dem amerikanischen Gitarristen & Sänger einen Szene-kompatiblen Live-Act mit Charts-Potenzial zu machen. Und das alles, mehr oder weniger, in einer Woche. Da waren also mindestens zwei Könner am Werk: Einer an der Gitarre, der andere am Telefon. Kunst kommt eben immer auch von Machen.
Demnächst geht’s weiter mit JIMI 66 #3 Oktober!

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JIMI HENDRIX
MUSIKER POPSTAR MYTHOS
von Lothar Trampert. Mit über 100 Abbildungen,
darunter 40 Fotos von Günter Zint aus dem Star Club Hamburg
Hardcover mit Schutzumschlag 404 Seiten
ISBN-13: 9783819246296
Verlag: BoD – Books on Demand 2025
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Vom Modulationseffekt zum Sounddesign-Werkzeug

Der ursprüngliche Electro Harmonix Echoflanger stammt aus den späten Siebzigern – EHX selbst dokumentiert das Pedal bereits für das Jahr 1977. Statt sich auf einen einzelnen Modulationseffekt zu beschränken, kombinierte die Schaltung mehrere Möglichkeiten zur zeit- und tonhöhenbasierten Klangmodulation. Technische Grundlage war eine analoge Bucket-Brigade-Schaltung (BBD), mit der sich Chorus- und Flanger-Sounds ebenso erzeugen ließen wie kurze Echos und deutlich experimentellere Modulationen.

Statt sich also wie beim damaligen Electric Mistress Flanger oder Small Clone Chorus nur auf einen Effekt zu beschränken, schöpfte EHX das Maximum aus der analogen BBD-Schaltung aus und kombinierte Flanger-, Chorus- und Slap-Back-Effekt in einem einzigen Gehäuse.

Damit nahm der Echoflanger eine interessante Position zwischen klassischem Effektpedal und frühem Sounddesign-Werkzeug ein. Die vier Betriebsarten Filter Matrix, Flange, Chorus und Slap Back deckten für damalige Verhältnisse bereits ein ungewöhnlich breites Spektrum ab, wodurch der Echoflanger streng genommen ein frühes Multieffektpedal mit zahlreichen Möglichkeiten war.

Im Filter-Matrix-Modus wird beispielsweise die automatische Modulation des Flangers deaktiviert, sodass ein statischer Kammfilter entsteht. Slap Back nutzt dagegen die kurze Verzögerung der Chorus-Schaltung, jedoch ohne deren Modulation, wodurch das kurz verzögerte Effektsignal als Slap-Back-Delay kategorisiert werden kann. Das Konzept tauchte später bei Electro Harmonix auch unter den Namen Polyflange und Polychorus auf. Eine spätere Stereo-Polychorus-Version führte diese Idee mit Chorus, Flange, Filter Matrix und einem als Double Track bezeichneten kurzen Slapback-Effekt weiter.

Adrian Belew und der Echoflanger

Nach seinen frühen Stationen bei Frank Zappa und David Bowie sowie während seiner Zusammenarbeit mit Talking Heads und Tom Tom Club wurde der Echoflanger zu einem festen Bestandteil von Adrian Belews Equipment. Statt ihn lediglich für konventionellen Chorus oder Flanger einzusetzen, schöpfte Belew die extremen Modulationsmöglichkeiten des Pedals gerne als Bestandteil seiner eigenen Klangsprache voll aus.

Electro Harmonix nennt dabei einige besonders charakteristische Beispiele: Der Echoflanger war an Belews Steel-Drum-artigem Gitarrensound auf „Genius of Love“ von Tom Tom Club beteiligt. Auch seine berühmten tierähnlichen Gitarrenklänge – der Elefant in „Elephant Talk“ von King Crimson und das Nashorn in seinem Solostück „The Lone Rhinoceros“ – entstanden laut Hersteller mithilfe des Pedals. Der Echoflanger blieb entsprechend lange Bestandteil seines Rigs.

Sechs Modi im neuen Adrian Belew Echoflanger

Für die Neuauflage bleibt Electro Harmonix bei den vier klassischen Betriebsarten Filter Matrix, Flange, Chorus und Slap Back, ergänzt diese jedoch um Slap Back + Filter Matrix und Chorus + Flange. Gerade letzterer Modus hat eine interessante Vorgeschichte: Belew entdeckte bei seinem alten Echoflanger, dass sich der Mode-Regler zwischen den Positionen Flange und Chorus „parken“ ließ. Aus diesem eigentlich nicht vorgesehenen Zwischenzustand ist bei der Neuauflage nun ein eigener, reproduzierbarer Effektmodus geworden.

Chorus + Flange kombiniert dementsprechend den bewegten Kammfilter des Flangers mit dem verdichtenden Echocharakter des Chorus. Slap Back + Filter Matrix verbindet dagegen den statischen Kammfilter mit einem kurzen Echo und erweitert damit ebenfalls das ursprüngliche Konzept.

Die übrigen Modi bleiben näher am historischen Vorbild: Filter Matrix ermöglicht statische, glockenartige Filterklänge und manuelles Flanging, während der Flange-Modus die klassischen bewegten Kammfilter-Sounds abdeckt. Chorus reicht von seichten Signal-Dopplungen bis zu Rotary-artigen Klangfarben, und Slap Back stellt einen kurzen, nicht modulierten Echoeffekt bereit.

Von dezentem Chorus bis zur Selbstoszillation

Auch die Bedienoberfläche macht deutlich, dass der Echoflanger nicht nur für klassische Modulationssounds gedacht ist. Mit Rate wird die Geschwindigkeit der Modulation eingestellt, während Width deren Umfang bestimmt. Über den Tune-Regler lässt sich der Mittelpunkt der Modulation verschieben und damit bestimmen, in welchem Bereich sich die klangliche Veränderung des modulierten Signals bewegt. Besonders weitreichend greift der Feedback-Regler ein: Je nach Einstellung reicht das Spektrum von zurückhaltender Modulation bis zur vollen Selbstoszillation.

Auf der Rückseite befindet sich außerdem ein Blend-Schalter, mit dem das trockene Eingangssignal aus dem Ausgangssignal entfernt werden kann. Dadurch lässt sich das Pedal von traditionellen Chorus- und Flanger-Klängen in Richtung ausgeprägter Vibrato-Effekte bewegen. Für räumliche Setups stehen Stereo-Ausgänge zur Verfügung, während die Neuauflage mit True Bypass über mechanische Relais an einigen Stellen technisch modernisiert wurde.

Gesuchte Originale und der Kurt-Cobain-Faktor

Originale Exemplare des Echoflangers und seiner späteren Polychorus-Verwandten sind heute nicht nur selten, sondern auf dem Gebrauchtmarkt teilweise ausgesprochen teuer. Je nach Version, Baujahr und Zustand werden für die Vintage-Pedale Preise im hohen dreistelligen bis weit in den vierstelligen US-Dollar-Bereich verlangt. Gerade beim Polychorus dürfte auch Kurt Cobain einen erheblichen Anteil an der anhaltenden Bekanntheit des Pedals haben. Electro Harmonix selbst dokumentiert, dass Cobain den Polychorus während der In Utero-Ära unter anderem für das Solo von „Heart-Shaped Box“, „Radio Friendly Unit Shifter“ und „Scentless Apprentice“ verwendete.

Interessanterweise beschränkt sich die Verbindung zu Nirvana nicht einmal auf den Polychorus: Auch ein Echoflanger gehörte zu Cobains Equipment, wobei beide Modelle aufgrund ihres eng verwandten Schaltungskonzepts für ähnliche Sounds eingesetzt wurden. Vor diesem Hintergrund dürfte die Neuauflage des Adrian Belew Echoflangers nicht nur für Fans von Belews charakteristischen Modulationssounds interessant sein. Sie bietet zugleich erstmals seit längerer Zeit wieder einen direkten Zugang zu diesem speziellen Electro-Harmonix-Konzept, ohne dafür nach einem seltenen und entsprechend kostspieligen Vintage-Original suchen zu müssen.

Ein spannendes Stück EHX-Geschichte kehrt zurück

Der Adrian Belew Echoflanger ist damit weniger eine bloße Wiederauflage eines alten Chorus-/Flanger-Pedals als eine Rückkehr zu einem Effektkonzept, bei dem das Überschreiten klassischer Effektgrenzen von Anfang an Teil der Idee war. Besonders passend ist deshalb, dass ausgerechnet Belews einst entdeckte Zwischenstellung von Chorus und Flange nun offiziell Bestandteil der Neuauflage geworden ist.

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Rex Brown steht für einen Bass-Sound, der selbst neben zwei massiven Gitarren nicht zur bloßen Tieftonstütze wird. Genau an diesem Punkt setzt sein neues Euro-4-Signature-Modell an: Es soll nicht zwingend historische Pantera-Sounds kopieren, sondern den klaren, mittenstarken und kontrollierten Charakter seiner langjährigen Spector-Bässe in ein zeitgemäßes Serieninstrument übersetzen. Das Ergebnis ist ein Bass, der auffällt, sich aber nicht im reinen Show-Finish erschöpft.

Spector Euro 4 Rex Brown Signature: Konstruktion und Ausstattung

Grundlage ist Spectors ergonomische, doppelt ausgeschnittene NS-Form mit durchgehendem, dreiteiligem Ahornhals. Diese Konstruktion sorgt für eine direkte Ansprache und ein langes, gleichmäßiges Ausschwingen. Die Korpusflügel bestehen aus leichtem Empress-Holz; darüber liegt eine Decke aus geflammtem Ahorn. Das ist eine stimmige Kombination: Der Bass soll auf der Bühne nicht zur Belastung werden, behält aber die substanzielle, hochwertige Anmutung eines Euro-Modells.

Der 34-Zoll-Hals trägt ein Griffbrett aus indischem Palisander mit 24 Bünden und „Smoke Crown“-Einlagen. Dazu kommen ein Messingsattel, gekapselte Spector-Mechaniken sowie eine verriegelnde Aluminiumbrücke mit Messingreitern. Goldene Hardware, Script-Logo und Rex Browns Signatur auf der Rückseite der Kopfplatte machen klar, dass dieser Bass auch optisch bewusst als Signature-Modell gedacht ist. Ein Spector-Gigbag gehört zum Lieferumfang.

Die Desert-Gold-Lackierung ist dabei glücklicherweise kein greller Effektlack, sondern wirkt je nach Licht warm, erdig und elegant. Sie passt zum eher klassischen Spector-Design und hebt den Bass trotzdem von den üblichen Schwarz-, Natur- oder Burst-Finishes ab.

Halsgefühl und Ergonomie

Der Hals ist auf Rex Browns bevorzugtes Profil abgestimmt und will vor allem eines vermitteln: Sicherheit. Er fühlt sich nicht wie ein ultradünner Modern-Hals an, bleibt aber für einen kräftig gebauten Bass angenehm kontrollierbar. Durch den weit ausgeschnittenen unteren Cutaway sind auch die hohen Lagen gut erreichbar. Für lange Proben, Shows oder Recording-Sessions ist die ausgewogene, körpernahe Form ein echter Vorteil.

Der Neck-through-Aufbau bringt das typische Spector-Gefühl mit: Noten setzen sich schnell durch, der Bass reagiert präzise auf Anschlagnuancen und wirkt über das Griffbrett hinweg sehr homogen. Wer einen bewusst vintage-weichen, trägen Precision-Bass sucht, wird hier nicht fündig. Wer ein straffes, modernes Instrument mit souveräner Haptik mag, dagegen schon.

Auch die Wahl der 34-Zoll-Mensur ist sinnvoll. Sie hält das Spielgefühl vertraut und unterstützt ein klares, festes E-Saiten-Fundament, ohne dass der Bass in Richtung Longscale-Spezialist abdriftet. Die 24 Bünde erweitern die musikalische Reichweite gegenüber vielen klassischen P/J-Konzepten deutlich. Melodische Linien und höher liegende Doppelgriffe sind erreichbar, ohne dass sich der Bass wie ein reines Solo-Instrument anfühlt.

EMG PJ-X und TonePump-Preamp

Klanglich kombiniert der Euro 4 Rex Brown Signature einen EMG P-X am Hals mit einem EMG J-X an der Brücke. Diese P/J-Konfiguration macht deutlich mehr Sinn, als das Modell auf eine Pantera-Schublade zu reduzieren: Der P-Pickup liefert Fundament, Körper und die vertraute Autorität im unteren Mittenbereich; der J-Pickup ergänzt Definition, Attack und Biss.

Geregelt wird über zwei Lautstärkeregler sowie einen aktiven Bass- und Höhen-Boost/Cut. Der Spector TonePump-Preamp ist kein neutraler Studio-EQ, sondern Teil des Sounds: Er verleiht dem Bass ein festes Low-End, präsente Mitten und die nötige Kontur für dicht arrangierte Gitarrenwände. Mit beiden Pickups offen entsteht ein kompakter, moderner Rock-Sound, der mit Plektrum sehr überzeugend funktioniert. Der Hals-Pickup allein kann aber ebenso ein kräftiges, rundes Fundament für Classic Rock, Soul oder Pop liefern.

Praktisch ist der von hinten erreichbare Trimpot für den Ausgangspegel. Damit lässt sich der Preamp sinnvoll an Verstärker, Pedalboard oder Audio-Interface anpassen, ohne die Elektronikfachabdeckung abzunehmen. Gerade bei einem so kräftig ausgelegten Aktivbass ist das mehr als nur ein Detail.

Der Regelweg verlangt allerdings ein wenig Aufmerksamkeit. Der TonePump arbeitet sehr effizient: Schon kleine Korrekturen können den Gesamteindruck deutlich verändern. Das ist im positiven Sinn musikalisch, weil sich ein zu weicher Amp oder ein zu dichter Mix schnell zurechtrücken lässt. Wer jedoch eine besonders feinfühlige, fast chirurgische Klangregelung mit vielen Mittenfrequenzen erwartet, wird eher zu einem Bass mit parametrischem Preamp greifen. Der Spector will eine Klangidee liefern – nicht jede erdenkliche Klangidee simulieren.

Was der Pickup-Mix bringt

Mit dem Hals-Pickup entsteht ein gehaltvoller, tragender Ton, der beim Fingerstyle sehr direkt wirkt und im Arrangement ein solides Zentrum setzt. Der Bridge-Pickup schiebt die Ansprache nach vorn: Linien erhalten mehr Kontur, Ghost Notes treten stärker hervor und Plektrumspiel gewinnt an Knurren. Im Mischbetrieb wirkt der Bass kompakt und geschlossen, mit dem für Spector typischen Fokus in den tragenden Mitten.

Damit ist der Euro 4 Rex Brown Signature deutlich vielseitiger, als Name und Optik zunächst vermuten lassen. Ein leichter Bass-Boost und zurückgenommene Höhen liefern einen breiten, druckvollen Rock-Ton; mehr Höhen und Bridge-Pickup ergeben ein schnelles, artikuliertes Signal für moderne Produktionen. Für stark traditionelle Motown- oder Kontrabass-Ästhetik ist die klangliche Grundhaltung zwar zu offen und zu aktiv, aber für Pop, Alternative, Hard Rock, Metal und zeitgenössischen Gospel ist sie sehr plausibel.

Im Band- und Studio-Kontext

Die Stärke dieses Spectors liegt in seiner klaren Position im Mix. Die tiefen Saiten bleiben definiert, die Noten haben einen hörbaren Kern und der Bass behauptet sich, ohne ausschließlich über extreme Höhen oder künstliche Härte zu arbeiten. Das ist genau die Art von Klang, die für moderne Rock- und Metal-Produktionen, aber auch für Pop- und Alternative-Arrangements sehr gut funktioniert.

Fingerstyle-Spiel profitiert von der tragfähigen P-Charakteristik und dem gleichmäßigen Sustain. Mit Plektrum wird der Bass deutlich aggressiver, bleibt aber kontrolliert. Slap ist möglich und profitiert von der schnellen Ansprache, ist jedoch nicht die eigentliche Kernkompetenz dieses Modells. Sein Zuhause sind Grooves mit Autorität, präzise Achtel, angezerrte Sounds und Basslinien, die im Mix nicht um Aufmerksamkeit bitten müssen.

Im Studio ist das besonders angenehm: Das Direktsignal bringt bereits einen klaren Rahmen mit und benötigt bei sorgfältig gewählter Einstellung oft weniger Korrektur-EQ als ein deutlich weicher abgestimmtes Instrument. In einer Gitarrenproduktion helfen die präsenten Mitten, die Tonhöhe der Basslinie hörbar zu machen, ohne sie zwangsläufig lauter mischen zu müssen. Am Amp oder über ein modernes Bass-Preamp-Pedal lässt sich dieses Profil dann je nach Kontext noch von trocken und fokussiert bis groß und angezerrt ausbauen.

Für sehr dynamische Spieler:innen ist der regelbare Ausgangspegel ein relevanter Praxispunkt. Ein niedriger eingestellter Pegel gibt dem Amp mehr Spielraum, während ein höherer Pegel Pedale und Amp-Eingänge schneller antreibt. Gerade bei härterem Plektrumanschlag lohnt es sich, den Trimpot nicht vorschnell auf Maximum zu drehen: Der Bass liefert auch so genügend Schub.

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