Der Humbucker gehört seit den frühen Tagen der E-Gitarre zu den wichtigsten Bauteilen des Instruments. Nicht umsonst überwiegen die Vorteile des Doppelspulers im Vergleich zum Single Coil, wenn es in höhere Drive-Regionen geht: Der Humbucker unterdrückt das Brummen deutlich zuverlässiger als Single Coils, wodurch sich diese Tonabnehmer besonders seit dem Aufkommen härterer Stilrichtungen für Genres von Classic Rock bis Metal etabliert haben.

Taucht man noch tiefer in das Thema und vor allem in dessen Historie ein, so begegnen einem Begriffe wie PAF-Style, Vintage PAF oder PAF-Replika, die längst zum festen Sprachgebrauch vieler Gitarristinnen und Gitarristen gehören. Zahlreiche Hersteller – von Gibson und Seymour Duncan bis hin zu Bare Knuckle, DiMarzio oder EMG – orientieren sich bis heute an den Eigenschaften dieses legendären Tonabnehmers. Doch was steckt eigentlich hinter dem Begriff PAF, warum gilt er bis heute als Referenz für klassische Ur-Humbucker und wer war der Mann, der ihn entwickelte?

Seth Lover und die Suche nach einem brummfreien Tonabnehmer

Anfang der 1950er-Jahre dominierten Single-Coil-Pickups den Markt. Gibson setzte auf den breiteren, aber dennoch einspuligen P-90, Fender etablierte parallel seine Telecaster- und Stratocaster-Single-Coils. Klanglich überzeugten diese Tonabnehmer mit Transparenz und Dynamik, hatten jedoch einen entscheidenden Nachteil: das typische 60-Hz-Netzbrummen, das besonders bei höheren Lautstärken und der damit einhergehenden Übersteuerung der Verstärker deutlich hörbar wurde.

Genau diesem Problem nahm sich Seth Lover an. Der Ingenieur arbeitete damals als Entwickler bei Gibson und beschäftigte sich bereits mit Schaltungen zur Unterdrückung von Störgeräuschen in Verstärkern. Seine Idee war ebenso simpel wie revolutionär: Statt einer einzelnen Spule kombinierte er zwei Spulen mit entgegengesetzter Wickelrichtung und umgekehrter Magnetpolarität. Das Brummen wurde dadurch gegenseitig ausgelöscht, während das Nutzsignal erhalten blieb – der erste serienreife Humbucker war damit geboren.

Warum heißt der Pickup eigentlich „PAF“?

Bereits 1955 reichte Gibson gemeinsam mit Seth Lover das Patent für den neuen Tonabnehmer ein. Da sich die Erteilung des Patents jedoch mehrere Jahre hinzog, versah Gibson sämtliche Humbucker zunächst mit einem kleinen Aufkleber auf der Unterseite, auf dem „Patent Applied For“ stand.

Aus dieser unscheinbaren Beschriftung entwickelte sich später die bis heute bekannte Bezeichnung PAF. Obwohl das Patent schließlich nach etwa vier Jahren offiziell 1959 erteilt wurde, verwendete Gibson die entsprechenden Aufkleber noch bis Anfang der 1960er-Jahre weiter. Heute bezeichnet der Begriff vor allem die zwischen 1956 und 1962 produzierten Original-Humbucker, die unter Sammlern Höchstpreise in vier- bis fünfstellige Regionen erzielen.

Der Sound einer ganzen Generation

Besonders eng verbunden ist der PAF mit den legendären Gibson Les Paul Standards von 1957 bis 1960. Die Kombination aus Mahagonikorpus, Ahorndecke und den neuen Humbuckern prägte den Look und Sound dieser Zeit und beeinflusste zahllose Blues-, Rock- und spätere Hardrock-Aufnahmen.

Im Vergleich zu Single Coils lieferten die PAFs mehr Ausgangsleistung, ein kräftigeres Mittenbild und deutlich weniger Nebengeräusche. Gleichzeitig blieben sie enorm dynamisch und reagierten sensibel auf Anschlagstärke sowie auf das Volume-Poti der Gitarre. Gerade in Verbindung mit den damals aufkommenden Röhrenverstärkern, die zunehmend in die Verzerrung gefahren wurden, entstand jener warme, offene und dennoch durchsetzungsfähige Klang, der bis heute als klassischer PAF-Sound bezeichnet wird.

Interessant ist dabei, dass frühe PAFs keineswegs alle identisch waren. Unterschiedliche Wicklungszahlen, Fertigungs- und Bauteiltoleranzen sowie verschiedene Alnico-Magnete – darunter Alnico II, III und V – sorgten dafür, dass kaum zwei Originale exakt gleich klangen. Gerade diese kleinen Unterschiede tragen bis heute zum Mythos der frühen Gibson-Humbucker bei.

Vom PAF zum T-Top

Nach den ersten PAF-Generationen entwickelte Gibson den Humbucker kontinuierlich weiter. Zunächst folgten die sogenannten Patent Number Pickups, die technisch stark an den ursprünglichen PAF angelehnt waren. Ab 1967 führte Gibson schließlich die bekannten T-Top-Humbucker ein, deren Fertigung stärker standardisiert wurde und die bis Mitte der 1970er-Jahre in zahlreichen Gibson-Modellen zum Einsatz kamen.

Trotz dieser Weiterentwicklungen blieb der ursprüngliche PAF für viele Gitarristinnen und Gitarristen das klangliche Ideal, an dem sich unzählige spätere Humbucker orientieren sollten.

Seth Lovers Innovationen neben dem PAF-Humbucker

Obwohl Seth Lover vor allem als Erfinder des PAF-Humbuckers bekannt wurde, prägte er die Gitarrenwelt noch weit darüber hinaus. Während seiner Zeit bei Gibson entwickelte er unter anderem den Maestro Fuzz, eines der ersten serienmäßig erhältlichen Fuzz-Pedale überhaupt.

1967 wechselte Lover schließlich zu Fender und entwarf dort den bis heute geschätzten Wide Range Humbucker, der unter anderem in der Telecaster Deluxe, Telecaster Custom, Telecaster Thinline und Starcaster zum Einsatz kam. Anders als klassische Humbucker setzte dieser auf CuNiFe-Magnete und verlieh den Instrumenten einen deutlich transparenteren Grundcharakter.

Deshalb gilt er bis heute als beliebte Alternative für Gitarristinnen und Gitarristen, die den Humbucker-Sound mit mehr Brillanz bevorzugen. Heute findet man Wide Range Humbucker unter anderem wieder in zahlreichen Fender-Custom-Shop-Modellen sowie in aktuellen Neuauflagen der klassischen Telecaster-Modelle.

Nachdem Seth Lover für Fender Verstärker und Pickups entwickelt hatte, arbeitete er später außerdem eng mit Seymour Duncan zusammen. Gemeinsam entwickelten Seth Lover und der Tonabnehmerhersteller Mitte der 1990er-Jahre den Seymour Duncan SH-55 Seth Lover, der eine möglichst originalgetreue Neuauflage des historischen Gibson PAF darstellen sollte.

Bis heute Vorbild für unzählige Humbucker

Auch fast 70 Jahre nach seiner Entwicklung zählt der PAF-Humbucker zu den einflussreichsten Tonabnehmern der Gitarrengeschichte und wird bis heute gerne und häufig kopiert. Ob Boutique-Hersteller oder große Marken – kaum ein klassischer Humbucker kommt heute ohne den Verweis auf den legendären „Patent Applied For“-Tonabnehmer aus. Was einst als technische Lösung gegen störendes Netzbrummen begann, entwickelte sich zu einem der prägendsten Sounds der Rock- und Bluesgeschichte und machte Seth Lover zu einer der wichtigsten Persönlichkeiten des modernen Gitarrenbaus.

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Vor allem umfangreiche Sammlungen mit um die 100 Liedern sind eine lohnende Anschaffung, denn hier findet wirklich jeder etwas, das ihm gefällt. Diese Bücher decken verschiedene Musikrichtungen ab und sorgen dafür, dass für jede Stimmung der passende Titel dabei ist.

Große Pop- und Rock-Sammlungen für jede Gelegenheit

Wer möglichst viele Songs in einem Buch haben möchte, ist am besten mit Pop-Rock-Sammlungen mit vielen verschiedenen Liedern beraten. Ein absoluter Klassiker ist zum Beispiel Das Ding von Edition Dux. Dabei handelt es sich um eine Reihe Notenbücher mit um die 400 Titeln in einem Buch. Hier findest du nahezu jeden Hit von Rock-Klassikern über aktuelle Popsongs, Schlager bis hin zu Kinderliedern. Es ist wahrlich jedes Genre vertreten. Dazu gibt es die Ausgaben jeweils einmal schlicht mit Texten und Akkordsymbolen sowie einmal mit zusätzlicher Notenschrift. Auch Das Fetenbuch für Alt und Jung aus dem Verlag Schott Music lohnt sich, da es ebenfalls jede Generation mit einer großartigen Songauswahl begeistert. Solche Sammlungen eignen sich besonders für Gitarristen, die abwechslungsreich spielen und alle Teilnehmer der Runde abholen möchten.

Der Vorteil liegt dazu auf der Hand: Statt ein ganzes Sammelsurium von Gitarren-Songbooks mitzunehmen, reicht oft ein einziges Buch aus, um einen kompletten Abend musikalisch zu gestalten.

Gitarren-Songbooks für Fingerstyle Guitar

Wer lieber instrumentale Musik spielt, eher für eine musikalische Untermalung der gemeinsamen Zeit sorgen oder einfach einen entspannten Abend allein auf der Terrasse verbringen möchte, findet auch in einer Fingerstyle-Sammlung wunderschöne Arrangements. Dabei bietet Hal Leonard Fingerpicking Acoustic schöne Versionen bekannter Songs für Sologitarre. Auch Folk und klassische Musik sind ideal für rein instrumentale Gitarrenmusik und sind besonders etwas für Vollblutgitarristen und Fortgeschrittene.

Gitarren-Songbooks mit den größten Hits eines Künstlers

Wer die Musik des Lieblingskünstlers oder der Lieblingsband besonders gerne spielt, findet in Künstler-Sammlungen eine praktische Alternative zu allgemeinen Songbooks.

Ausgesprochen gefragt sind Sammlungen der Beatles, Johnny Cash, Ed Sheeran oder Taylor Swift. Gerade weltberühmte und legendäre Musiker bieten viele Songs, die ein breit aufgestelltes Publikum sofort erkennt und mag. So können auch hier möglichst viele mitsingen oder -spielen. Sehr beliebt sind zudem die Bücher der Reihe The Little Black Songbook, da sie zahlreiche bekannte Songs in besonders kompakter Form enthalten.

Genrespezifische Songbooks

Genrespezifische Gitarren-Songbooks geben die Möglichkeit, gezielt in deinen Lieblings-Musikstil einzutauchen und das eigene Repertoire nach den persönlichen Vorlieben auszubauen. Ob Country, Blues, Folk, Jazz, Rock oder Singer-Songwriter: für nahezu jedes Genre gibt es Sammlungen mit den Top-Songs verschiedener Musiker. Das macht es besonders leicht, genau die Musik zu spielen, die am meisten begeistert.

So bietet Hal Leonard eine ganze Reihe an Gitarren-Songbooks verschiedener Genres. Hier findest du umfangreiche Sammlungen aus Rock, Country, Flamenco, der den Sommer-Spirit besonders einfängt, oder sogar eine Auswahl an Disney-Klassikern.

Worauf sollte man beim Kauf eines Gitarren-Songbooks achten?

Nicht jedes Notenbuch passt zum Gitarristen, weshalb du einige Punkte beim Kauf definitiv beachten solltest. Zunächst ist es wichtig, ein Gitarren-Songbook zu wählen, das zu deinem Spielniveau passt. Als Anfänger raten wir dir zum Beispiel von komplizierten Fingerstyle-Arrangements ab. Fokussiere dich auf Songbooks mit leichten Akkorden und gut spielbaren Arrangements. Von da kommen wir direkt zum nächsten Punkt: die Notation. Stelle sicher, dass du mit der Notation der Lieder vertraut bist. Falls du beim Noten- oder Tabs-Lesen Hilfe brauchst, schaue dir gerne die entsprechenden Beiträge an.

Warum sich gemischte Gitarren-Songbooks besonders lohnen

Während einzelne Künstlerbücher vor allem Fans einer Band ansprechen, bieten große Songbook-Sammlungen deutlich mehr Flexibilität. Unterschiedliche Musikrichtungen, wechselnde Schwierigkeitsgrade und eine große Auswahl bekannter Titel sorgen dafür, dass immer ein passender Song zur Stimmung gefunden wird.

Gerade im Sommer, wenn häufig spontan musiziert wird, zahlt sich diese Vielfalt aus. Ob Familienfeier, Grillabend oder Campingplatz: Mit einer gut gefüllten Songbook-Sammlung gehen die Ideen nie aus, und jeder findet einen Titel, den er gerne spielt oder mitsingt.

Fazit

Ein gutes Gitarren-Songbook ist weit mehr als eine Sammlung von Akkorden und Noten. Es liefert Inspiration für gemeinsame Musikabende und bringt viele bekannte Songs an einem Ort zusammen. Wer sich für den Sommer neu ausstatten möchte, trifft mit umfangreichen Pop- und Rock-Sammlungen oder den vielseitigen Little Black Songbooks eine ausgezeichnete Wahl. Sie bieten genügend Abwechslung für viele Stunden Gitarrenspiel und machen es leicht, Freunde und Familie musikalisch zusammenzubringen.

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Und doch zählt der Tube Screamer heute zu den einflussreichsten Overdrives aller Zeiten. Doch warum genießt ausgerechnet dieses vergleichsweise einfach aufgebaute Pedal einen derart legendären Ruf? Wir haben einen Blick auf den Sound und die bewegte Geschichte des grünen Schreihalses geworfen und genauer beleuchtet, was ihn bis heute so besonders macht.

Die Anfänge bei Maxon in den späten 1970er-Jahren

Anfänglich mit der Beatmusik der Sechzigerjahre, spätestens jedoch mit dem Rock n‘ Roll der Seventies begannen zerrende Gitarrensounds in Mode zu kommen. Während die Pioniere wie Dave Davies von The Kinks noch ihre Lautsprechermembran für Hits wie You Really Got Me zerschnitten, um den ikonischen Fuzz-Sound zu erreichen, kamen bald die ersten Effektpedale auf, die ähnliche Zerreffekte erzeugten, ohne hierfür das eigene Equipment beschädigen zu müssen. So lieferte Mike Matthews von Electro Harmonix mit dem LPB-1 einen simplen, jedoch effektiven Booster zum Übersteuern des Preamp. Keith Richards nutzte hingegen recht prominent ein Maestro FZ-1 Fuzz Tone auf dem Stones-Hit Satisfaction von 1965 und löste so einen regelrechten Hype um den damals völlig neuen Gitarrenklang aus.

Maxon OD808 – der erste Tube Screamer

1979 entwarf Susuma Tamura, der damals als Ingenieur bei Elektronikhersteller Maxon arbeitete, den OD808-Schaltkreis. Im Vergleich zu anderen Pedalen der Zeit wie z. B. dem zwei Jahre zuvor erschienenen Boss OD-1 oder den damals erhältlichen Fuzz-Effekten sollte der Schaltkreis organisch klingen und in puncto Zerre nicht allzu dick auftragen: „Die eigentliche Herausforderung war es, einen allzu dramatischen Effekt zu vermeiden, der nichts mehr vom eigentlichen Gitarrensound übrig ließ“, beschrieb Tamura selbst den Entstehungsprozess des Pedals. „Ich wollte einen weicheren Distortion-Effekt erreichen, der den Originalsound der Gitarre beibehält“.

Hierfür setzte er auf einen Soft-Clipping-Schaltkreis, den er um einen Operationsverstärker herum entwickelte. Die ersten Prototypen nutzten hierfür importierte Op-Amps von Fairchild und Motorola, später kam schließlich der weitaus günstigere und bis heute gefeierte JRC4558D Chip zum Einsatz.

Während sich Maxon mit dem OD808 auf den heimischen Markt konzentrierte, begann Hoshino Gakki – hierzulande besser bekannt unter dem Namen Ibanez – schon bald Interesse an dem Pedal zu zeigen und es in Lizenz unter dem Namen Ibanez TS808 Tube Screamer Pro auf internationaler Ebene zu vermarkten.

Ibanez TS9 Tube Screamer – der Topseller

Nach dem durchschlagenden Erfolg des TS808 und seinen anhaltend hohen Verkaufszahlen kam in den frühen Achtzigerjahren mit dem Ibanez TS9 Tube Screamer ein Nachfolger auf den Markt. Der TS9 präsentierte sich ebenfalls im knalligen Froschgrün, kam allerdings in einem neu gestalteten Gehäuse mit großer Fußwippe zum An- und Ausschalten des Effekts. Die unter der Haube befindliche Schaltung ist weitestgehend gleich geblieben, allerdings wurden zwei Widerstände in der Ausgangssektion minimal angepasst, wodurch der Sound etwas präsenter und direkter wurde.

Der TS9 avancierte schon bald zum Standardprodukt, das seit Einführung im Jahr 1982 zu den meistverkauften Pedalen der Serie zählte. Allerdings war der TS9 über all die Jahre hinweg auch nicht durchgehend beständig, was seine verwendeten Komponenten anbelangt. Während die früheren Modelle noch auf den aus dem 808 bekannten JRC4558D Operationsverstärker setzten, wurden zwischenzeitlich auch zahlreiche Modelle mit anderen Chips wie z. B. dem Toshiba TA75558 oder dem eher als minderwertig betrachteten JRC 2043DD gefertigt. Kein Wunder, dass die Preisunterschiede der verschiedenen Versionen unter Fans und Sammlern auf dem Gebrauchtmarkt teils gravierend ausfallen und zahlreiche Modelle nachträglich mit Mods verändert wurden.

TS5, TS10 & Co – die weniger bekannten Vertreter

Dass nicht hinter jedem Produkt der Tube-Screamer-Familie eine entsprechende Erfolgsstory steht, haben einige weniger bekannte und weniger beliebte Vertreter eindrucksvoll unter Beweis gestellt. Beispielsweise der von 1986 bis in die frühen Neunzigerjahre angebotene Ibanez TS10. Das Modell aus der Power Series erschien im recht klobigen Gehäuse und setzte auf qualitativ minderwertige Teile, die häufiger für Ausfälle sorgten. Dementsprechend konnte der TS10 sowohl unter Screamer-Fans als auch bei Gitarristen im Allgemeinen keinen Blumentopf gewinnen.

Auch den bis zum Ende der Neunzigerjahre erhältlichen Modellen TS5 „Soundtank“ und dem darauffolgenden TS7 „TONE LOK“ waren nicht der Erfolg der ikonischen Vorgänger beschieden. Obwohl der TS5 als direkter Nachfolger des wenig geschätzten TS10 noch einige Fans finden konnte, war es wahrscheinlich das Kunststoffgehäuse und auch wieder die billigeren Komponenten, die Interessenten dazu brachten, sich eher nach gebrauchten TS9 umzuschauen. Insofern war klar, dass Ibanez zu Beginn der Neunzigerjahre wieder anfing, den populären TS9 zu produzieren.

TS9DX Turbo und TS-MINI – die aktuelle Generation

Spätestens ab hier war klar, dass die über lange Jahre etablierten Platzhirsche Erfolgsmodelle TS808 und TS9 die wahren Erfolgsmodelle sind, auf die sich Ibanez fortan konzentrieren sollte. Während der reguläre TS9 und der TS808 in zahlreichen Handwired- und Anniversary-Reissues angeboten wurde, erweiterte der Hersteller mit dem TS9DX Turbo die auf die beiden Klassiker konzentrierte Produktpalette. Dieser erweiterte das klassische Three-Knob-Layout zu um einen vierten Mode-Regler, der eigentlich ein Drehschalter mit vier Positionen ist. Diese eignen sich, um dem TS9 graduell mehr Bass und Lautstärke bei weniger Distortion zu verleihen. Ebenso kam eine Bassversion TS9B hinzu, die mit einer 2-Band-Klangregelung und Mix-Regler für das Clean-Signal sogar fünf Regler aufweist.

Ibanez TS9DX Turbo

Ibanez TS9B Bass

Für platzbewusste Pedalboard-Tüftler gibt es übrigens noch den Ibanez TS-MINI. Unter der Haube verbirgt sich ein vollständiger Tube-Screamer-Schaltkreis, der allerdings auf ein besonders platzsparendes Mini-Format eingedampft wurde. Auch für preisbewusste Spieler ist er durchaus interessant, da er die aktuell günstigste erhältliche Version des grünen Treters darstellt.

TS808 oder TS9? Die große Glaubensfrage

Eine grundlegende Frage, die man häufig in Online-Foren findet und unter TS-Fans oft sehr hitzig diskutiert wird: Ist der TS808 oder der TS9 das bessere Pedal? Und wo liegt überhaupt der Unterschied? Da die beiden Schaltkreise nicht nur sehr ähnlich sind, sondern auch aus analogen Komponenten mit bauartbedingten Toleranzen bestehen, ist es schwer, hier eine eindeutige Unterscheidung zu treffen. Viele Gitarristen beschreiben den Sound der jeweiligen Pedale jedenfalls wie folgt:

TS808:

• Etwas weicher im Klang, mit warmem Vintage-Charakter
• Runder Charakter mit subtilem Zerrverhalten
• Ideal für Blues und Rock

TS9:

• Präsenterer, moderner Sound
• Etwas aggressiverer Charakter
• Mehr Attack, ideal für Rock und Metal

Ob die Unterschiede tatsächlich hörbar sind oder ins Reich der Legenden gehören, ist seit jeher wie gesagt Gegenstand angeregter Diskussionen. Fakt ist jedenfalls, dass es entgegen der obigen Beschreibung zahlreiche Gitarristen gibt, die nachhaltig bewiesen haben, dass beide Pedale alles können. Wenn du also einen TS808 hast und damit Metal spielen möchtest, wird er dich sicherlich nicht enttäuschen.

Tube Screamer – Berühmte Klone und Nachbauten

Dass ein so erfolgreiches Pedal wie der Tube Screamer schon bald Nachahmer finden würde, sollte klar sein. Heutzutage gibt es etliche Pedale, die den simplen, jedoch effektiven TS-Schaltkreis nicht nur nachbauen, sondern ihm auch einige moderne Features und Vorzüge verpassen, die es wirklich in sich haben. Höchste Zeit, euch unsere beliebtesten TS-Style Pedale vorzustellen:

1. JHS The Bonsai

Das JHS The Bonsai zählt ohne Frage zu den versiertesten TS-Pedalen. Sage und schreibe 9 verschiedene Schaltungen, die allesamt den ikonischsten Screamer-Voicings nachempfunden sind, befinden sich hier gemeinsam unter einer Haube. Wer also nicht weiß, welches Tube-Screamer-Pedal das richtige für die eigene Effektkette ist oder es schlichtweg mag, eine üppige Auswahl an OD-Schaltkreisen zur Verfügung zu haben, wird das JHS Bonsai lieben!

• Neun TS-Schaltungen unter einer Haube
• Regler für Volume, Drive und Tone
• Vollständig analog aufgebaut

2. Way Huge Smalls Green Rhino Mk V

Allein die Tatsache, dass es von ihm mittlerweile schon die fünfte Überarbeitung gibt, sollte Beweis genug für die Popularität des Way Huge Green Rhino sein. Das Drive-Pedal, dass sowohl in Bezug auf Klangfarbe als auch  Gehäusefarbe so manches mit dem Vorbild gemein hat, erweitert die üblichen drei Regler um einen Freq- und einen Curve-Regler. Während ersterer bei wahlweise 100 oder 500 Hz anhebt oder senkt, bietet Curve die Möglichkeit, allzu harsche Höhen zu bändigen.

• Mini-Version des Way Huge Green Rhino
• Freq-Regler zur Anhebung oder Senkung bei 100 Hz oder 500 Hz
• Curve-Regler als Lowpass-Filter

3. Electro Harmonix East River Drive

Auch die New Yorker Effekttüftler um Pedallegende Mike Matthews haben sich an eine eigene Interpretation des Schaltkreises gewagt. Das Resultat nennt sich Electro Harmonix East River Drive und zählt ganz klar zu den günstigeren Designs. Es setzt ebenfalls auf den JRC4558-Chip und dasselbe Regler-Layout des Originals. Das Resultat sind sahnige Soft-Clipping-Sounds, die vom leichten Dynamik-Boost bis hin zum saftigen Drive-Sound reichen.

• Günstige TS-Alternative
• JRC4558-Chip
• Regler für Volume, Drive und Tone

4. Behringer TO800 Vintage Tube Overdrive

Noch günstiger wird es dann bei Behringer mit dem TO800 Vintage Tube Overdrive. Wer kein Problem mit dem Kunststoff-Gehäuse des Pedals hat, kann hier bereits für ca. 23 Euro einen richtigen Schaltkreis im TS-Stil erhalten, der alle klassischen Eigenschaften erstaunlich gekonnt abdeckt. Insofern ist es nicht verwunderlich, dass der TO800 ganz klar zu den beliebtesten Pedalen im Taschengeld-Bereich zählt.

• Günstigster TS-Schaltkreis
• Regler für Volume, Drive und Tone
• Originale 4558 IC und MA150 Dioden

5. Origin Effects Halcyon Green Overdrive

Wer hingegen Wertigeres sucht und eher in Richtung Boutique-Sparte schaut, wird beispielsweise das Origin Effects Halcyon Green Overdrive entdecken. Hier verbirgt sich unter dem Metallgehäuse quasi ein Tube Screamer auf Steroiden: Mit zwei grundlegenden Voicings, Adaptive Circuitry zur Anpassung des Sounds auf die jeweilige Anschlagsstärke und Dry-Regler zum stufenlosen Zumischen des Clean-Signals erweitert das Halcyon Green den elementaren Schaltkreis um einige besonders nützliche Features.

• Made in England
• Analoger Schaltkreis
• Adaptive Circuitry mit dreistufigem Adapt Switch
• Voice Switch mit zwei Voicings

Fazit

Der Ibanez Tube Screamer ist eine wahre Legende unter den Overdrives, die den Gitarrensound zahlloser Musiker geprägt hat. Zweifelsohne gehört es zu den wenigen Effektpedalen, die den Status einer echten Ikone erreicht haben. Seine charakteristische Mittenanhebung, das dynamische Ansprechverhalten und die Fähigkeit, Röhrenverstärker auf musikalische Weise anzuschieben, machen ihn seit Jahrzehnten zur ersten Wahl für Blues-, Rock- und Metal-Gitarristen gleichermaßen.

Auch nach über vier Jahrzehnten hat der grüne Klassiker nichts von seiner Faszination verloren. Ob als sanfter Overdrive, transparenter Clean-Boost oder Tightener, der den High-Gain-Amp in Richtung knalliger Zere schubst – der Tube Screamer kann all das und noch viel mehr. Wer also auf der Suche nach dem passenden Overdrive für erstklassige Sounds mit unverkennbarem Röhrencharakter sucht, wird mit einem Tube Screamer garantiert nichts falsch machen!

Quellen

• Interview mit Susumu Tamura – guitarplayer.com
• Tube Screamer History – analogman.com
• Green Giant: History of the Tube Screamer – premierguitar.com
• Ibanez.com

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Dass dieser Sound nicht das Ergebnis einer akribisch geplanten Strategie, sondern einer vermeintlich falschen Plektrumhaltung ist, erzählt Wong mit sichtlicher Begeisterung. Im Gespräch, das wir vor seinem Konzert in Köln im Backstage-Bereich des Carlswerk Victoria führten, spricht er über den Einfluss der rechten Hand auf den persönlichen Klang, warum ihn seine Dozenten an der Universität zunächst umlernen wollten, weshalb seine Signature-Strat etwas kleiner ausfällt als das Original und wie aus der Zusammenarbeit mit Herstellern wie Fender, Ernie Ball Music Man, Seymour Duncan, Neural DSP oder Wampler Instrumente und Werkzeuge entstanden sind, die exakt seiner Vorstellung von Spielgefühl und Sound entsprechen.

Interview

Cory, bevor wir über deine Gitarren reden: Wie groß ist der Einfluss deiner Anschlagstechnik auf deinen Sound?

Die klassische Technik sieht ja vor, das Plektrum so zu halten, dass der Zeigefinger darunter liegt und das Plektrum gerade über die Saite geführt wird. Ich halte das Plektrum dagegen genau andersherum – und leicht schräg statt gerade. Wenn ich nach unten anschlage, drücke ich das Plektrum durch die Saite hindurch. Beim Upstroke ziehe ich die Saite gewissermaßen wieder nach oben. Ganz ähnlich wie ein Slap-Bassist. Dadurch hat mein Anschlag ganz automatisch einen anderen Attack als bei vielen anderen Gitarristen.

Lange Zeit habe ich selbst behauptet, die linke Hand spiele keine Rolle für den Sound. Ich dachte: Hauptsache, die rechte Hand läuft gleichmäßig. Dann habe ich großartige Gitarristen genau meine Parts spielen hören. Und ich dachte: Warum klingt das nicht wie ich? Technisch war alles korrekt – aber es klang eben nicht nach mir. Natürlich gibt es solche Phänomene immer. Niemand klingt wie Eddie Van Halen. Sie können seine Sachen spielen, aber sie klingen trotzdem nicht wie er. Irgendwann wurde mir klar, dass der Winkel meines Plektrums einen riesigen Anteil an meinem Sound hat.

Deine Musik verlangt viel Attack. Hast du deine Technik darauf ausgerichtet entwickelt oder ging das ganz natürlich?

Es hat sich einfach so ergeben. So halte ich das Plektrum eben. An der Universität haben meine Lehrer allerdings gesagt: „Du hast die schlechteste Technik der rechten Hand, die wir je gesehen haben. Das musst du ändern.“ Also habe ich anderthalb Jahre lang versucht, die „richtige“ Technik zu spielen. Das Ergebnis waren Probleme mit dem Handgelenk, weil sich diese Haltung für mich völlig unnatürlich anfühlte. Mein Handgelenk war ständig angespannt. Vor allem aber klang ich plötzlich nicht mehr wie ich selbst. Wenn ich mir Aufnahmen anhörte, dachte ich nur: Das bin ich nicht.

Irgendwann habe ich dann beschlossen: Egal. Ich spiele wieder auf meine Weise, weil das nach mir klingt. Es ist bequemer, lockerer und völlig mühelos. Außerdem gibt es viele andere Gitarristen, die das Plektrum ähnlich halten – etwa Pat Metheny, George Benson oder Isaiah Sharkey. Jeder Mensch hat eben eine etwas andere Anatomie von Handgelenk und Fingern. Deshalb fühlt sich für jeden etwas anderes natürlich an.

Dein Gitarrensound ist gleichzeitig dünn und warm. Wie lange hat es gedauert, bis du deinen Ton gefunden hast?

Das ist lustig, denn es hat ziemlich lange gedauert, und er ist eher zufällig entstanden. Ich war schon immer ein Strat-Typ. Ich habe viele Gitarren besessen – und besitze immer noch viele –, aber auf einer Strat habe ich mich immer am wohlsten gefühlt. In meiner Heimatstadt habe ich unzählige Gigs und Studiosessions gespielt und dabei nach und nach Dinge gefunden, die sich für mich irgendwie besonders angefühlt haben. Ich habe einfach so gespielt, wie ich die Gitarre hören wollte und wie ich mich auf dem Instrument ausdrücken wollte. Deshalb bin ich eher zufällig bei diesem Stil und dem Sound gelandet.

Ein Großteil meiner Harmonik stammt aus dem Jazz, den ich als junger Musiker gespielt und gehört habe. Der Rhythmus kommt aus Funk und R&B – aus diesem ganzen Feeling. Die Energie wiederum stammt aus meiner Zeit mit Punkrock. Und melodisch greife ich gerne auf meinen Pop-Hintergrund zurück. All diese Einflüsse zusammen haben letztlich ganz unbewusst meinen eigenen Stil geformt. Später, als Vulfpeck bekannter wurde und mehr los war, entwickelte sich auch dieser Sound in der vierten Pickup-Position. Ich mag diesen warmen, blubbernden Ton, der trotzdem noch genug Durchsetzungskraft besitzt.

Schaltest du nie aus Versehen auf die fünfte Position?

Doch, ständig. Genau deshalb hat meine Signature-Gitarre einen „Fourth Position Panic Button“. Man drückt einfach den Knopf und egal, wo sich der Pickup-Schalter gerade befindet – die Gitarre springt sofort auf die vierte Position. Das ist ein nettes Feature.

Die Stratocaster ist wohl die Funk-Gitarre schlechthin. Was macht deine Signature-Version im Vergleich zu einer normalen Strat für dich besonders?

Sie hat eine ganze Reihe moderner Features. Zum Beispiel den konturierten Hals-Korpus-Übergang. Dadurch kommt man sehr leicht und schnell in die hohen Lagen. Außerdem hat sie einen sehr schnellen Hals, der etwas schlanker ist – ähnlich wie bei der Fender American Ultra. Dazu kommt ein Compound-Radius, wodurch sich die Gitarre über das gesamte Griffbrett hinweg stimmstabiler spielt.

Die Pickups habe ich gemeinsam mit Seymour Duncan entwickelt. Sie basieren auf den Antiquity-Surf-Pickups, weil ich deren Clean-Sound liebe. Sobald ich bei diesen Pickups allerdings Overdrive zugeschaltet habe, war mir der Hochtonbereich etwas zu unsauber. Also haben wir verschiedene Magnete und Wicklungen ausprobiert. Am Ende sind wir bei Alnico-5-Magneten gelandet und haben die Pickups etwas heißer gewickelt. Außerdem haben wir am Steg einen gestackten Humbucker eingebaut.

Ich mag den Steg-Pickup einer Strat grundsätzlich sehr, aber oft ist er mir einfach zu hell und zu dünn. Der Wechsel von den anderen Pickup-Positionen zum Steg fühlt sich dann fast wie ein kompletter Szenenwechsel an.
Gleichzeitig mochte ich den Sound eines Humbuckers am Steg schon immer – fett, groß und trotzdem mit genügend Brillanz. Aber ich mag das Aussehen eines Humbuckers in einer Strat einfach nicht. Ich liebe den klassischen SSS-Look. Deshalb haben wir einen gestackten Humbucker entwickelt.

Und die Korpusform der Gitarre ist etwas anders, richtig?

Was die Korpusform betrifft, hatte ich eine Vermutung, die später – völlig unabhängig voneinander – durch Nile Rodgers bestätigt wurde: Ich wollte, dass der Strat-Korpus ungefähr zwei Prozent kleiner wird. Im Grunde dieselbe Form, aber so, als würde man sie beim Schleifen einfach noch fünf Minuten länger bearbeiten.

Es gibt ja ohnehin minimale Größenunterschiede zwischen verschiedenen Strats – allein durch den Schleif- und Lackierprozess. Mir war aber aufgefallen, nachdem ich so viele Strats gespielt hatte, dass die etwas kleineren Exemplare einen ganz bestimmten Attack hatten. Da war einfach etwas Besonderes.

Bei Fender reagierte man zunächst etwas skeptisch: „Wirklich? Dafür müssten wir neue Formen bauen und einiges ändern. Wir besprechen das und melden uns.“ Zwei Tage später riefen sie mich zurück. Sie sagten: „Du wirst es nicht glauben, aber Nile Rodgers hat exakt dasselbe verlangt.“ Auch er hatte beim Prototyp seiner Hitmaker gesagt: „Die ist zu groß.“ Fender antwortete ihm: „Nein, das ist die Standardgröße einer Strat.“ Und Nile meinte: „Nein. Ich spiele meine Gitarre seit Jahrzehnten. Diese hier ist größer als meine. Sie muss etwas kleiner werden – dann bekommt sie genau dieses gewisse Etwas.“ Daraufhin sagte Fender zu mir: „Du und Nile seid beide Rhythmusgitarristen mit einem sehr ausgeprägten Gespür für Spielgefühl und Klang. Wenn ihr unabhängig voneinander dasselbe fordert, muss etwas dran sein.“ Also haben wir das ausprobiert – und das Ergebnis war wirklich beeindruckend. Inzwischen haben mir viele Spieler gesagt, dass das für sie die beste Strat von der Stange ist, die sie seit Jahren gespielt haben – sowohl vom Spielgefühl als auch vom Klang.

Hast du schon mal Strat-Type-Gitarren anderer Marken ausprobiert?

Ja. John Mayer und ich haben sogar Gitarren getauscht. Er hat mir eine seiner Silver Skys geschickt – eine, die er selbst auf Tour gespielt hat. Eine fantastische Gitarre. Das Modell heißt Nebula und ist in einem schimmernden Blau-Lila, wirklich großartig. Im Gegenzug habe ich ihm eine meiner Strats gegeben, die ihm ebenfalls sehr gefallen hat. Die Silver Sky hat allerdings ihren ganz eigenen Klang. Sie sieht zwar wie eine Strat aus, klingt aber anders. Ich habe außerdem einige andere Strat-ähnliche Gitarren gespielt, etwa die Music Man Cutlass. Das sind für mich die beiden besten Instrumente dieser Art: die Music Man Cutlass und die Silver Sky. Beide fühlen sich großartig an.

Wie viele Gitarren hast du momentan auf Tour dabei?

Zwei. Meine Signature-Strat und die Music Man StingRay II. An dieser Gitarre habe ich ebenfalls mitentwickelt, weil ich auf der Suche nach einer Humbucker-Gitarre war. Ich habe damals viele verschiedene Humbucker-Gitarren ausprobiert, aber keine gefunden, die mich wirklich überzeugt hat.

Ich bin mit den Leuten von Ernie Ball gut befreundet – ihnen gehört ja auch Music Man. Also habe ich mit Brian Ball darüber gesprochen. Wir haben uns verschiedene Modelle angesehen. Ich wollte zum Beispiel die Luke ausprobieren oder vielleicht eine Valentine mit Humbuckern oder andere Gitarren aus ihrem Programm. Dabei fiel mir auf, wie cool ich die Korpusform der StingRay finde. Diese tropfenförmige Pickup-Einfassung und das ganze Design – ich hatte so etwas bei einer E-Gitarre noch nie gesehen. Brian fragte mich dann: „Wenn du so eine Gitarre bauen würdest – was müsste sie können?“

Wir haben einfach zusammengesessen und geplaudert. Irgendwann meinte er: „Du scheinst eine ziemlich konkrete Vorstellung zu haben. Wir wollen ohnehin so eine Gitarre entwickeln, haben aber niemanden, der das Projekt inhaltlich mit vorantreibt. Hättest du Lust, uns dabei zu helfen?“ Am Ende wurde daraus eine fantastische Zusammenarbeit. Ich liebe diese Gitarre.

Und dein Pedalboard? Es wirkt recht klein…

Ich benutze einen Quad Cortex, auf dem mein Archetype-Cory-Wong-Plug-in läuft. Dazu kommt der Wong Compressor, den ich gemeinsam mit Wampler entwickelt habe, das Hotone Wong-Press-Volume/Wah-Expression-Pedal und der Optimus Overdrive, den ich zusammen mit Jackson Audio entwickelt habe. Im Grunde besteht mein Board also fast nur aus Geräten, an deren Entwicklung ich beteiligt war. Wenn ich das laut ausspreche, klingt das eigentlich ziemlich verrückt. Ich bin unglaublich dankbar, dass ich solche Möglichkeiten bekommen habe. Das macht wirklich Spaß.

Mit diesem Equipment finde ich sehr unkompliziert einen professionellen Sound. Und für die Hersteller ist die Zusammenarbeit mit Musikern ebenfalls interessant, weil wir ihnen sagen können: „Das brauchen wir wirklich. Genau das wünschen wir uns draußen auf der Bühne.“ Dadurch entstehen letztlich bessere Produkte.

Hast du trotzdem Verstärker auf der Bühne?

Ja, aber nur, damit ich etwas Bühnenlautstärke habe. Die Verstärker werden nicht einmal mikrofoniert. Die beiden XLR-Ausgänge meines Quad Cortex gehen direkt an die PA. Die Ausgänge 3 und 4 gehen in die Verstärker. Benutze ich dabei Amp-Simulationen und schicke sie trotzdem in echte Amps? Ja. Aber das ist mir egal. Ich brauche lediglich etwas Lautstärke auf der Bühne. Breche ich damit irgendwelche Regeln? Klar.

Für manche schon allein dadurch, dass du überhaupt einen Quad Cortex benutzt…

Ja, wahrscheinlich schon. Aber ich bekomme dadurch Abend für Abend denselben Sound. Genau deshalb liebe ich das Gerät. Außerdem ist es ja mein Plug-in, das wir gemeinsam mit Neural DSP entwickelt haben. Das hat unglaublich lange gedauert, weil wir wirklich jedes Detail genau ausarbeiten wollten.

Ich habe bei vielen anderen Geräten den Eindruck: Entweder sie klingen hervorragend oder sie fühlen sich hervorragend an. Bei den Sachen von Neural DSP stimmt für mich beides. Sie klingen richtig und sie fühlen sich auch richtig an. Mir ist außerdem aufgefallen, dass ich bei manchen anderen Modelern zwar einen tollen Cleansound hinbekomme. Sobald ich aber Pedale oder Overdrive davor schalte, muss ich zu viele Kompromisse eingehen. Bei meinem Archetype-Cory-Wong-Plug-in haben wir genau dieses Problem gelöst. Ganz ehrlich: Das Ergebnis ist verrückt gut. Du wirst es heute Abend hören.

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Doch wie sieht es aktuell eigentlich bei uns in der Gitarrenwelt aus, in der eine ähnliche Debatte über die ‚fleischlose Alternative‘ ebenfalls jahrzehntelang recht angeregt, oft sogar hitzig geführt wurde? Richtig, es geht um klassisch röhrengetriebene Amps und ihre digitalen Simulationen. Und hier hat sich bekanntermaßen ja schon vor vielen Jahren so einiges getan. Gerade die letzten Modelling-Generationen wie die zahlreichen Headrush Floorboards oder das recht umfangreiche Helix-Sortiment von Line 6 haben längst eindrucksvoll unter Beweis gestellt, dass gut gemachtes Modelling der in die Jahre gekommenen Röhrenbauweise schon seit längerem problemlos das Wasser reichen kann.

EVH 5150III Hypersonic 6L6 1×12 Combo

Da es gerade einfach viel zu warm für laute und schwere Röhrenamps ist, habe ich spontan den Entschluss gefasst, mir einen der zahlreichen luftig-leichten Digitalversionen meines geliebten 5150-Verstärkers vorzunehmen. Der 5150 ist nicht irgendein Verstärkermodell, er ist der Urvater einer ganz eigenen Gattung. Nämlich jener gnadenlos zerrenden Röhrenboliden, die nicht nur den Sound ihres Taufpaten Eddie Van Halen, sondern auch den Klang einer ganzen Rock- und Metal-Generation geprägt haben.

Mit dem EVH 5150III Hypersonic als jüngste Ausführung bleibt Eddies Company EVH dem 5150-Ethos treu, schlägt aus technischer Sicht jedoch neue Wege ein. Denn im Gegensatz zu den restlichen Familienmitgliedern verzichtet die Hypersonic-Ausführung gänzlich auf Vor- und Endstufenröhren und setzt stattdessen vollständig auf digitales Modelling. Dennoch verspricht der Hersteller authentische Sounds, die sich nahtlos in die Tradition der Serie einfügen. Ob das Konzept wie bei veganen Burgern wirklich aufgeht und inwieweit sich der Neuzugang im Vergleich zu einem klassisch gebauten 5150-Röhrenverstärker behaupten kann, schauen wir uns im Test genauer an!

Der 5150-Sound – die Geschichte hinter der Legende

Um den 5150III Hypersonic Combo ausreichend bewerten zu können, müssen wir uns vorab auf einen kurzen Exkurs in die Geschichte des Kultverstärkers begeben. Diese beginnt nämlich bei niemand Geringerem als Eddie Van Halen, der mit sensationellen Tapping-Einlagen und blitzschnellen Shred-Künsten in den Achtzigerjahren weltweit für Furore sorgte. Dabei hat allerdings nicht nur sein höchstvirtuoses Spiel, sondern auch sein ikonischer „Brown Sound“ Geschichte geschrieben: Hierfür nutzte Eddie anfänglich seinen britischen Marshall 1959 Super Lead „Plexi“, den er der Legende zufolge mithilfe eines Variac-Trafos von 240 Volt Betriebsspannung auf die für die USA üblichen 110 Volt drosselte. Anschließend drehte er alle Regler am Verstärker auf Anschlag, um so die maximale Endstufensättigung für seine einzigartige Zerre und Kompression zu erreichen.

Zu Ende der Achtzigerjahre begann Eddie schließlich, gemeinsam mit Peaveys Lead Engineer James Brown ein eigenes Signature-Modell zu entwickeln. Hierfür nahm man sich den Schaltkreis des Soldano SLO-100, der wiederum auf einem gemoddeten Marshall-Top basierte, zur Vorlage. Das Ergebnis war der 1990 vorgestellte Peavey 5150 mit monströsem 12AX7-Röhrenquintett in der Vorstufe und brachialen 120 Watt Leistung aus vier 6L6-Endstufenröhren. Insofern ist es wirklich kein Wunder, dass der Amp im Hard Rock, Hardcore, Death Metal und generell allem, was deftige Zerre voraussetzt, quasi über Nacht seinen bis heute währenden Legendenstatus erreichte.

Nachdem der Vertrag zwischen Eddie Van Halen und Peavey im Jahr 2004 schließlich ausgelaufen war, trennten sich die Wege von Endorser und Endorsee. Eddie nahm den Namen 5150 mit zu seiner frisch gegründeten EVH Company, wo der Amp nach leichten Anpassungen auch wieder als 5150 erhältlich war. Peavey behielt hingegen die Rechte am Schaltkreis und bot ihn fortan baugleich in Anlehnung an Peaveys 40. Geburtstag (1965 bis 2005) unter der Bezeichnung Peavey 6505 an.

EVH 5150III Hypersonic – hochqualitatives Modelling und Digitalendstufe

Der EVH 5150III Hypersonic ersetzt die klassische 12AX7-Vorstufe durch zeitgemäßes Verstärker-Modelling. Auch die sonst übliche 6L6-Röhrenendstufe ist beim 5150III Hypersonic einer digitalen Endstufe gewichen. Mit 50 Watt Leistung reicht sie zwar nicht an die enormen Leistungsreserven des klassischen 5150 Power Amp heran, der im Ursprungsmodell bis zu 120 Watt aus seinen vier 6L6-Strahlpentoden bezogen hat. Doch seien wir ehrlich: Wer braucht in Zeiten von Home Recording und fortschrittlicher PA- und Monitoring-Systeme noch derart viel Leistung? Vor allem der Roadie wird den Verzicht auf Röhrenpower dankend annehmen, denn der 5150III Hypersonic bringt mit seinen knapp unter 20 Kilogramm statt der sonst üblichen 35 kg erstaunlich wenig Gewicht für einen typischen 1x12er-Amp auf die Waage.

Dennoch lässt sich in der Produktbezeichnung des Verstärkers der Zusatz „6L6“ erkennen. Die Digitalendstufe des Hypersonic zielt also ganz klar darauf ab, das charakteristische Verhalten der 6L6 authentisch zu reproduzieren. Je nach Einsatzbereich lässt sich die Endstufenleistung übrigens in verschiedenen Schritten von voller 50-Watt-Power auf 35, 25, 10, 5 oder 1 Watt reduzieren, das Dynamikverhalten der 6L6 ist hier vollständig nachgestellt, so das Versprechen des Herstellers.

Dreikanaliger Aufbau von Clean bis Abrissbirne

Vor allem alte 5150-Veteranen werden sich schnell in der Bedienung des EVH 5150III Hypersonic zurechtfinden. Denn hier ist eigentlich alles beim Alten geblieben: Kanal 1 bietet klare Cleans, Kanal 2 dringt hingegen in Crunch- und Mid-Gain-Gefilde vor. Das richtige Zerrgewitter entlädt sich schließlich in Kanal 3. Allen drei Kanälen gemein sind ihre separaten Regler für Gain und Volume sowie ebenfalls voneinander unabhängige 3-Band-Klangregelungen. Diese sind für die ersten beiden Kanäle als Doppelstock-Potis ausgeführt, was auf den ersten Blick zwar recht smart wirkt, in der Praxis jedoch einige Schwächen mit sich bringt. Die momentane Einstellung des äußeren Rings ist nämlich nur schwer ablesbar, zusätzlich läuft man Gefahr, bei Bedienung der Regler ungewollt die Settings für den jeweils anderen Kanal zu verstellen.

Als global einstellbare Parameter gibt es zusätzlich noch die berühmten Presence- und Resonance-Regler sowie einen Onboard-Reverb-Effekt. Besonders praktisch für die High-Gain-Fraktion: Jeder Kanal verfügt über ein eigenes Noise Gate, mit dem sich das berüchtigte Grundrauschen des Verstärkermodells gut bändigen lässt. Wer also vom aggressiv eingestellten Kanal 3 auf den vergleichsweise zahmen Kanal 2 wechselt, kann für beide Gain-Settings optimierte Noise Gates verwenden und muss nichts zwischenzeitlich verstellen.

Praktische Features per MIDI und USB

Ein weiterer Vorteil der digitalen Bauweise des Hypersonic ist die Möglichkeit, unterschiedliche Ausgangssignale für alle erdenklichen Einsatzbereiche bereitzustellen. Für Fans komplexer Schalt-Setups befindet sich ein MIDI-Eingang zur Kanalumschaltung oder zur Steuerung der Effektschleife an Bord. Die Home-Recorder unter uns werden hingegen den symmetrischen Ausgang mit zwei schaltbaren Cabinet-Simulationen sicherlich zu schätzen wissen. Ein besonders praktisches Feature, das wohl die wenigsten Röhrenverstärker bieten können, ist der Kopfhöreranschluss. Wenn der Amp nicht nur im Proberaum sondern auch in der Mietwohnung zum Einsatz kommen soll, ist ein Headphone-Ausgang nämlich ein absolutes Must-Have!

Sound-Test: 5150 vs. 5150

Nachdem die Rahmenbedingungen soweit geklärt sind, kommen wir ans Eingemachte: den Sound-Check! Als Referenz nutze ich meinen eigenen Peavey 6505+, der im Jahr 2010 in den Vereinigten Staaten gebaut wurde und vor kurzem erst einen frischen Vorstufenröhrensatz erhalten hat (was bei sechs 12AX7-Röhren in der Vorstufe heutzutage keineswegs günstig ist!).

Channel 1 – Klare Cleans

Der Clean-Sound des ersten Kanals spaltet seit jeher die Gemüter. Während die einen nur wenig mit den unverzerrten Klängen des 5150 anfangen können und sie als historische Schwachstelle des ikonischen High-Gain-Boliden betrachten, sehen ihn andere hingegen als absoluten Geheimtipp und solide Basis für Effektpedale. Die besten Ergebnisse lassen sich erzielen, wenn man ihn etwas in die Endstufensättigung fährt. Auf diesem Weg kann man ihm nämlich eine natürlich klingende Kompression entlocken. Hierfür lässt sich der 5150III Hypersonic aber glücklicherweise in der Leistung reduzieren, um auch auf geringeren Lautstärke-Levels den Effekt einer gesättigten Endstufe erzeugen zu können. Das macht der 5150III Hypersonic tatsächlich so gut, dass man schnell vergessen kann, dass im 5150III Hypersonic gar keine echten 6L6-Röhren arbeiten.

Channel 2 – von Crunch bis Drive

Etwas rockiger wird es dann im zweiten Kanal, dessen Stärken ganz klar im berühmten ‚Edge-of-Breakup‘-Bereich liegen. Vor allem in Kombination mit externen Drive-Pedalen lässt sich hier ein breit aufgestelltes Klangspektrum abdecken, das den 5150 durchaus versierter erscheinen lässt, als sein Ruf der reinen High-Gain-Schleuder vermuten lässt. Auch hier weiß der 5150III Hypersonic Combo im Vergleich mit seinem röhrenbestückten Vorfahren wirklich zu überzeugen. Lediglich auf höheren Gain-Settings macht sich ein leichtes Grundrauschen bemerkbar. Dank separatem Noise Gate lässt sich aber auch dieses recht gut in den Griff kriegen.

Hier profitiert der Amp übrigens auch sehr von seinem integrierten Reverb-Effekt, der der klassischen Vollröhrenausführung leider fehlt. Auch wenn der Effekt nur global steuerbar und sehr rudimentär gestaltet ist, sorgt er doch für eine gewisse Raumfülle, die so manchem Riff etwas mehr Plastizität verleiht.

Channel 3 – High-Gain bis zum Abwinken

Der eigentliche Star ist jedoch ganz klar der dritte Kanal, der absolut alle Gain-Reserven des 5150III freigibt. Hier zeigt sich im Endeffekt der wahre Charakter des 5150, der hier voll und ganz in seinem Element ist. Mit bis zur Hälfte aufgedrehtem Gain-Regler sind die meisten Tonabnehmer-Typen schon bestens bedient. Vor allem mit aktiven EMG-Pickups, die für ihren starken Output bekannt sind, wird nur vergleichsweise wenig vom enormen Gain-Spektrum des dritten Kanals benötigt, um noch mit einigermaßen ausreichender Definition den Zerrbereich zu bedienen.

Für das klassische Metal-Setup drehen wir den Gain-Regler allerdings nur ein wenig auf, maximal zu einem Viertel. Den Rest übernimmt ab hier dann ein externes Overdrive-Pedal, das genutzt wird, um den High-Gain-Kanal ‚anzupusten‘. Und das ist wirklich Wahnsinn, wie gut das digitale Abbild des Originals hier reagiert! Egal ob ich mich mit Palm Mutes in die Saiten grabe, schnelle perkussive Thrash-Riffs spiele oder mich an flinken Leads versuche, der EVH 5150III Hypersonic macht absolut alles mit. Auch hier ist die regelbare Endstufenleistung wirklich Gold wert. Denn wo das Röhren-Topteil auf maximale Lautstärke gefahren oder mit einem externen Attenuator gedrosselt werden muss, zeigt sich die Hypersonic-Variante jederzeit und in jedem Einsatzbereich stets von ihrer Schokoladenseite.

Symmetrischer Recording-Ausgang mit Boxensimulation

Bisher haben wir uns für den Sound-Test auf den Klang des verbauten Celestion EVH G12H Anniversary Lautsprechers mit 30 Watt Belastbarkeit und 12 Zoll großer Membran konzentriert. Der stellt auch tatsächlich eine gelungene Ergänzung zum Sound des 5150III Hypersonic dar und weiß den 5150-Sound gekonnt in Szene zu setzen. Die Höhen sind definiert, die Mitten werden konturiert wiedergegeben und der Bassbereich ist straff. Hier gibt es also nichts zu beanstanden.

Wer die klanglichen Qualitäten des Verstärkers auch digital nutzen und aufnehmen möchte, kann hierzu auf den rückseitigen XLR-Anschluss zurückgreifen. Bei Betätigung des Mute-Schalters wird der integrierte Lautsprecher des Verstärkers stummgeschaltet, sodass wir auch nachts um 3 Uhr lautlos üben und recorden können. Zur Wahl stehen zwei verschiedene Cabinet-Simulationen, die über den XLR-Ausgang verwendet werden können. Seit dem Firmware-Update der Version 1.1.1.4, das sich übrigens ganz entspannt über den rückseitigen USB-C-Anschluss durchführen lässt, besteht auch Support für den EVH IR Manager. Hierüber lassen sich die beiden IR-Slots mit einer Auswahl verschiedenster Lautsprecher- und Mikrofonkombinationen belegen, die garantiert für jeden Stil den passenden Klangcharakter bereithalten. Alternativ lässt sich die Cabinet-Simulation am Verstärker selbst auch gänzlich abschalten, sodass wir ebenfalls eigene IR-Lösungen weiter flussabwärts in der Signalkette verwenden können.

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Dieses kompromisslose Selbstverständnis zieht sich durch das gesamte Album. Produzent Bob Ezrin sitzt zum inzwischen sechsten Mal hinter den Reglern und hat sich längst als unverzichtbarer Sparringspartner etabliert. „Die Zusammenarbeit mit Bob hat der Band eine große Last abgenommen, weil wir nicht mehr versuchen müssen, alles selbst zu machen“, erklärt Paice. Das Ergebnis ist ein Album, das druckvoll, direkt und ausgesprochen lebendig wirkt.

Simon McBride tut der Band gut

Besonders auffällig ist dabei erneut Simon McBride. Nachdem der Nordire auf ‚=1‘ noch beweisen musste, dass er Steve Morse nicht kopieren will, sondern Deep Purple etwas Eigenes geben kann, spielt er auf ‚SPLAT!‘ endgültig seine eigene Rolle als vollwertiger Teil des Bandsounds. Seine Riffs treiben Songs wie ‚Arrogant Boy‘ oder ‚Diablo‘ kraftvoll voran, gleichzeitig streut der PRS-Endorser immer wieder melodische und überraschende Gitarrenideen ein, die den klassischen Purple-Sound erweitern, statt ihn bloß zu zitieren. Dem einen oder anderen mag bei seiner Spielweise ein wenig die Risikobereitschaft fehlen, aber Hand und Fuß haben seine Beiträge immer. Die Hammond-Orgel von Don Airey bleibt unterdessen das zweite prägende Element – und genau dieses Wechselspiel aus Gitarre und Orgel wird in den 13 Songs immer wieder in den Mittelpunkt gestellt.

Auch Sänger Ian Gillan sieht in McBride einen entscheidenden Faktor. „Simon hat einen ganz eigenen Stil und ein hervorragendes Gespür für den Aufbau eines Songs“, sagt der Sänger. Noch wichtiger sei aber die neue Dynamik innerhalb der Band: „Seit Simon zur Band gekommen ist, bin ich eigentlich die ganze Zeit begeistert. Alles läuft ganz natürlich und mühelos. Das Songwriting fällt uns leicht, die Bühnenshows entwickeln sich wie von selbst, und die Fans lieben es.“

Offiziell bezeichnet Deep Purple ‚SPLAT!‘ sogar als ihr härtestes Werk seit vielen Jahren. Gleichzeitig knüpfen die Songs bewusst an die Dynamik der frühen Siebziger an, also der Phase, in der Klassiker wie ‚Machine Head‘ entstanden. Gillan selbst spricht von Material, das wieder mit ‚Highway Star‘, ‚Smoke on the Water‘ oder ‚Lazy‘ kompatibel sei – nicht als Kopie, sondern wegen der Balance, Dynamik und des gemeinsamen Spiels.

Tracklist

01. Arrogant Boy
02. Diablo
03. The Rider
04. The Lunatic
05. The Only Horse in Town
06. Sacred Land
07. The Beating of Wings
08. Guilt Trippin‘
09. Scriblin‘ Gib’rish
10. Jessica’s Bra
11. Third Call
12. My New Movie
13. Splat!

Album-VÖ: 03. Juli 2026
Label: earMusic
www.deeppurple.com

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Das Pico Shimmer erweitert die kompakte Pico-Serie von Electro Harmonix um ein vielseitiges Ambient-Reverb, das auf den Shimmer-Algorithmen der Oceans Reverb-Pedale basiert. Das neue Effektpedal kombiniert Hall, Delay, Modulation und Synthese in einem besonders platzsparenden Gehäuse und ermöglicht atmosphärische Klanglandschaften und experimentelle Texturen für experimentierfreudige Gitarristinnen und Gitarristen.

Drei Shimmer-Voicings für unterschiedliche Texturen

Im Mittelpunkt des Electro Harmonix Pico Shimmer stehen drei unterschiedliche Klangmodi, die EHX als Intergalactic, Off-World und Etherdust bezeichnet. Während Intergalactic den klassischen oktavierten Shimmer-Reverb mit Plate-Hall, modulierter Delay-Sektion und String-Synthese kombiniert, setzt Off-World auf weichere Synth-Flächen mit stärker ausgeprägter Modulation.

Der dritte Modus, Etherdust, verfolgt dagegen einen experimentelleren Ansatz und erzeugt durch zufällig variierende Delay-Zeiten granulare Glitch-Effekte sowie stotternde Echo-Strukturen.

Spannend ist hierbei, dass gerade Granular-Effekte selten für unter 200 € zu bekommen sind, weshalb der neue kompakte Shimmer-Ableger eine gute Alternative für hochpreisige Boutique-Vertreter sein kann.

Flexible Klanggestaltung

Neben den Reglern für Blend, Tone und Time verfügt das Pico Shimmer über einen Voice-Regler, mit dem sich stufenlos zwischen Plate-Reverb, klassischem Shimmer und synthetischen String-Klängen überblenden lässt. Die Hallzeit reicht dabei bis zu einer Infinite-Reverb-Funktion, die sich zusätzlich per Fußschalter momentweise aktivieren lässt und lang anhaltende Ambient-Flächen ermöglicht.

Über sekundäre Reglerfunktionen lassen sich außerdem Parameter wie Reverb-Anteil, Delay-Zeit sowie Modulationstiefe und -geschwindigkeit anpassen. Drei wählbare Buffered-Bypass-Modi – Digital, Analog und Hybrid – sind ebenfalls mit an Bord des neuen Pico Shimmer ab.

Ein kleiner Konsorte für experimentierfreudige Gitarristinnen und Gitarristen

Mit dem Pico Shimmer erweitert Electro Harmonix die Pico-Serie somit um ein weiteres Spezialpedal für Ambient-, Post-Rock- und Cinematic-Sounds und bringt umfangreiche Shimmer-Effekte zu einem fairen Preis in ein äußerst kompaktes Format.

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Fotos: Electro Harmonix

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Warum ist die Gitarrendecke so wichtig?

Die Gitarrendecke ist das Herzstück der Klangproduktion. Sie schwingt beim Spielen am stärksten und hat maßgeblichen Einfluss auf Lautstärke, Dynamik und Klangfarbe. Aus diesem Grund schenken Gitarrenbauer der Decke besonders viel Aufmerksamkeit und wählen die Materialien sorgsam aus. Dabei sind die beliebtesten Deckenhölzer Fichte und Zeder.

Fichte: der vielseitige Klassiker

Fichte ist mit Abstand das am häufigsten verwendete Deckenholz bei Westerngitarren. Dabei weisen Sitka-Fichte, Adirondack-Fichte oder Engelmann-Fichte alle ähnliche Grundeigenschaften auf und unterscheiden sich lediglich in geringen Nuancen.

Beliebt ist Fichte aufgrund ihres klaren und brillanten Klangs, kräftigen Höhen und ihrer schnellen Ansprache. Das leichte Holz ist ausgesprochen schwingungsfreudig und erzeugt daher einen unfassbaren Dynamikumfang, der dir vielseitige Möglichkeiten des Ausdrucks erlaubt. Spielst du sanft, klingt die Gitarre fein und ausgewogen, während kräftiges Strumming reichlich Lautstärke liefert.

Vorteilhaft ist daher ihre Vielseitigkeit. Sowohl Strumming als auch Picking klingen hervorragend, weshalb sich die Fichtendecke für nahezu alle Musikrichtungen eignet. Noch dazu entwickelt sie mit den Jahren noch mehr Klangfülle. Dies kann ihr jedoch auch als Nachteil ausgelegt werden. Im Neuzustand kann sie zunächst etwas steif wirken und benötigt eine gewisse Einspielzeit, um ihr Potenzial zu entfalten. Aber dann klingt die Gitarrendecke aus Fichte umso besser.

Zeder: warm und direkt

Die Zeder kommt besonders bei Konzertgitarren zum Einsatz, findet jedoch auch bei hochwertigen Westerngitarren immer mehr Fans.

Ihr Klang zeichnet sich durch einen warmen, weichen Charakter aus, der sehr direkt erklingt. Zeder reagiert sensibel auf Anschläge, was eine ausgezeichnete Voraussetzung für Fingerstyle und klassische Spieltechniken ist. Darüber hinaus zeichnen sich Gitarrendecken aus Zeder durch eine schnelle Klangentfaltung nach kurzer Einspielzeit aus. Bereits nach kürzester Zeit klingt die Gitarre ausgereift und ist schnell voll einsatzfähig.

Im Gegensatz zur Fichte erzeugt das Holz jedoch weniger Dynamik bei kräftigem Anschlag und ist etwas empfindlicher gegenüber Druck und Kratzern. Da es jedoch weniger beim Strumming und mehr beim Fingerstyle zum Einsatz kommt, ist der erste Kritikpunkt durchaus hinzunehmen. Mechanischer Belastung kann man zudem mit einem Schlagbrett entgegenwirken. Ist die Gitarrendecke nicht schon beim Kauf mit einem solchen ausgestattet, lässt sich das Instrument problemlos nachrüsten.

Welche Musik passt zu welchem Holz?

Fichte ist besonders populär unter Singer-Songwritern, die eine authentische Begleitung für ihre Stimme suchen. Kräftige Anschläge und eine gekonnt eingesetzte Dynamik eignen sich ideal für Pop, Rock, Country, Folk oder auch begleitend im Band-Kontext. Wenn eine Gitarrendecke aus Fichte genau zu deinem Musikstil passt, bist du beispielsweise mit der Yamaha FG 830 gut beraten. Diese Dreadnought-Westerngitarre verfügt über eine massive Fichtendecke und überzeugt mit ihrem großartigen Preis-Leistungs-Verhältnis.

Zeder eignet sich unterdessen für Fingerstyle, klassische Musik und ruhige Akustikstücke. Klassische Gitarristen schätzen ihren warmen Klang mit ihrer unmittelbaren Ansprache, bei der selbst feinste Nuancen deutlich zu hören sind. Hier empfiehlt sich unter anderem die Alhambra Z-Nature CW EZ. Neben einer massiven Zederndecke ist sie mit einem Tonabnehmer ausgestattet, was sie nicht nur zu einem perfekten Hobby- sondern ebenso zu einem soliden Bühneninstrument macht.

Unabhängig von der Holzart gilt: Eine massive Decke beeinflusst den Klang meist stärker als die Entscheidung zwischen Fichte und Zeder. Zum Unterschied zwischen massiven und laminierten Gitarrenhölzern erfährst du hier noch mehr: Massivholz oder Laminat-Gitarre – die Unterschiede erklärt.

Gibt es eine objektiv bessere Wahl?

Eigentlich nicht. Möchtest du eine vielseitige Gitarre für unterschiedliche Spielstile und Genres, bist du mit einer Gitarrendecke aus Fichte am besten beraten. Eine Zederndecke spricht hingegen Gitarristen an, die sich eher der klassischen Spielliteratur widmen und einen warmen Klang bevorzugen.

Letztlich solltest du darüber hinaus auch andere Faktoren wie Korpusform, Beleistung, Hölzer für Boden und Zargen und vieles mehr berücksichtigen. Du wirst dich wundern, wie verschieden zwei Gitarren mit derselben Deckenholzart klingen können. Das zeigt auch, dass am Ende dein Gehör entscheidet. Die beste Gitarrendecke ist schlichtweg die, die dich dazu bringt, immer wieder zur Gitarre zu greifen.

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Neue Signature-Gitarre für den Black Dahlia Murder-Gitarristen

Mit der Pro Plus Signature Brandon Ellis Kelly KE27 erweitert Jackson seine Signature-Serie um ein neues Modell für besonders technisch versiertesten Metal-Gitarristinnen und -Gitarristen. Brandon Ellis, Leadgitarrist der US-Death-Metal-Band The Black Dahlia Murder, machte sich mit seinem präzisen Spiel, schnellen Legato-Läufen und komplexen Soli einen Namen und gehört heute zu den prägenden Gitarristen der modernen Extreme-Metal-Szene.

Seine neue KE27 ist dabei keine bloße Farbvariante der bislang erhältlichen Brandon Ellis Signature Kelly mit ihrem auffälligen Green Crackle-Finish. Statt der bisherigen 24 Bünde setzt das neue Modell auf sage und schreibe 27 Jumbo-Bünde, die auf einer verkürzten 25,1″-Mensur Platz finden. Ja, richtig gehört! Dieses Modell besitzt weder eine Baritone-Mensur noch die übliche 25,5″-Mensur. Neben dem edlen Gold Crackle-Finish machen diese ungewöhnlichen Features die neue Brandon Ellis KE27 besonders interessant und lohnt definitiv einen genaueren Blick.

Kelly mit 27 Bünden & Gotoh Double-Locking-Tremolo

Die neue KE27 basiert auf der klassischen Kelly-Korpusform, setzt technisch jedoch auf moderne Spezifikationen. Ein Nyatoh-Korpus trifft auf einen durchgehenden Ahornhals mit Graphitverstärkung, der für hohe Stabilität und langes Sustain sorgen soll. Hinzu kommen ein Ahorngriffbrett mit 12″-16″-Compound-Radius, insgesamt 27 Jumbo-Edelstahlbünde sowie eine leicht verkürzte 25,1″-Mensur, die Bendings und schnelles Solospiel erleichtern soll, ohne die Intonation bei tieferen Tunings zu beeinträchtigen.

Auch beim Tremolosystem orientiert sich Jackson an Brandon Ellis‘ persönlichen Vorlieben. Ein Gotoh GE1996T Double-Locking-Tremolo arbeitet zusammen mit einem Floyd Rose R2-Klemmsattel, dessen engerer Saitenabstand besonders schnelles Spiel unterstützen soll.

Seymour Duncan Signature-Pickups

Klanglich setzt die Signature-Kelly auf eine eigens entwickelte Seymour-Duncan-Pickup-Bestückung. Am Steg sitzt der Brandon Ellis Signature Dyad Parallel Axis Humbucker, dessen Hybrid-Spulenkonstruktion sowohl hohe Ausgangsleistung als auch eine besonders klare Notentrennung verspricht.

Per Push/Pull-Funktion im Volume-Regler lässt sich der Humbucker zusätzlich von serieller auf parallele Verschaltung umschalten und erweitert das Klangspektrum um offenere, brillantere Sounds mit geringerem Output.

Am Hals kommt dagegen ein Seymour Duncan PA-STK zum Einsatz, der brummfreie Clean- und Lead-Sounds für melodische Passagen liefern soll. Ergänzt wird die Ausstattung durch einen 3-Wege-Toggle, Jackson-Druckgussmechaniken, Dunlop Dual Locking Strap Locks sowie ein passendes Gigbag.

Ein echtes Metal-Brett!

Mit der neuen Brandon Ellis Kelly KE27 baut Jackson sein Angebot an modernen Signature-Instrumenten weiter aus und bringt hier einen Wirklich interessanten Konsorten an den Start. Hochwertige Hardware, reichlich Stabilität und speziell entwickelte Seymour-Duncan-Pickups und allem voran die 27 Jumbo-Bünde machen das Instrument vor allem für technisch anspruchsvolle Gitarristinnen und Gitarristen interessant, die eine moderne Interpretation der Brandon Ellis-Kelly mit einem etwas edleren Finish suchen.

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Fotos: Fender/Jackson

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Mit dem White Whale Junior erweitert Crazy Tube Circuits sein Effektportfolio um eine kompaktere Variante des analogen Spring-Reverb- und Tremolo-Pedals. Während der große White Whale V2 mit zahlreichen Einstellmöglichkeiten und erweiterten Routing-Funktionen vor allem anspruchsvolle Soundtüftler anspricht, konzentriert sich der Junior auf das Wesentliche: authentischen Federhall und klassisches Vintage-Tremolo in einem deutlich pedalboardfreundlicheren Format.

Features des kompakten Ablegers

Echter Federhall bleibt erhalten

Trotz der kleineren Bauform verzichtet Crazy Tube Circuits nicht auf das Herzstück der Serie. Wie bereits der White Whale V2 arbeitet auch der Junior mit einem echten 3-Feder-Halltank, der über eine speziell entwickelte analoge Treiberschaltung angesteuert wird.

Ergänzt wird der Hall durch eine Röhren- und Sättigungsemulation, wodurch der charakteristische Klang klassischer Vintage-Federhallgeräte besonders authentisch eingefangen werden soll.

Auch die Tremolo-Sektion bleibt vollständig analog und orientiert sich an den bekannten Bias- und Opto-Schaltungen klassischer Vintage-Röhrenverstärker. Reverb und Tremolo verfügen über eigene Fußschalter und lassen sich unabhängig voneinander oder gemeinsam einsetzen.

Fokus auf Bedienkomfort

Im Vergleich zum White Whale V2 verfolgt der Junior einen reduzierten Ansatz und setzt damit vollen Fokus auf Kompaktheit. Statt zahlreicher Federhall-Längen und unterschiedlicher Tremolo-Modi konzentriert sich das Pedal auf jeweils einen sorgfältig abgestimmten Grundcharakter.

Auch Features wie die frei wählbare Effektreihenfolge, Expression- oder Remote-Switcher-Anschlüsse entfallen zugunsten einer deutlich kompakteren Bauweise und einer etwas übersichtlicheren Bedienung.

Die wichtigsten Klangparameter bleiben dennoch erhalten: Über Dwell, Tone, Mix und Volume lässt sich der Federhall flexibel anpassen, während Speed, Intensity und Volume die Tremolo-Parameter steuern.

True Bypass mit Relaistechnik sowie ein speicherbarer Einschaltzustand machen das Pedal ziemlich flexibel für Live- und Proberaum-Einsätze.

Vintage-Sounds auf kleinem Raum

Wer den charakteristischen Klang klassischer Fender-Federhall- und Tremolo-Verstärker auf das Pedalboard holen möchten, dabei aber auf möglichst wenig Platz angewiesen ist, der findet im neuen White Whale Junior einen umfangreichen Hall- und Tremolo-Begleiter.

Wer auf die erweiterten Routing- und Soundoptionen des White Whale V2 verzichten kann, erhält mit dem Junior eine entsprechend kompakte Alternative, die den analogen Grundcharakter seines großen Pedal-Bruders beibehält.

Features im Überblick:

• Vollanaloger Spring-Reverb und Tremolo mit echtem 3-Feder-Halltank
• Spezielle Treiberschaltung für authentischen Federhall
• Analoge Röhren- und Sättigungsemulation für den Reverb
• Amp-Style-Tremolo nach Vintage Bias- und Opto-Schaltungen
• Regler Reverb: Dwell, Tone, Mix, Volume
• Regler Tremolo: Speed, Intensity (Depth), Volume
• Zwei separate Fußschalter für Reverb und Tremolo
• Relaisbasiertes True Bypass für beide Effektsektionen
• Power-Up-Bypass-Preset (merkt sich den letzten Schaltzustand)
• Betrieb mit 9 V DC (Center Negative) Netzteil (nicht im Lieferumfang enthalten)
• Handgefertigt in Griechenland

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