Doch was ist eigentlich, wenn der Künstler derart eigenartige Ansprüche an seine Instrumente stellt, dass man sich überhaupt fragen muss, wie man sie eigentlich noch spielen können soll? Höchste Zeit, einen Blick auf die größten Kuriositäten der Gitarrenwelt und ihre Spieler zu werfen und euch unsere Top 5 Picks der ungewöhnlichsten Signature-E-Gitarren aller Zeiten vorzustellen!

1. Rick Nielsens 1981 Hamer Five-Neck – Fünf Hälse für ein Halleluja

Jimmy Page machte damals mit Led Zeppelin die doppelhalsige Gibson EDS-1275 populär. Chris Squire von Yes spielte gerne auf drei Hälsen und Michael Angelo Batio sogar auf vier. Doch was ist, wenn vier Hälse immer noch nicht ausreichen? Hier kommt Rick Nielsens Hamer Five-Neck ins Spiel. Das ungewöhnliche Instrument, das Rick prominent auf zahlreichen Live-Shows spielte, war übrigens keineswegs das einzige Resultat der kreativen Zusammenarbeit zwischen Frank Untermeyer von Hamer Guitars und dem Leadgitarristen von Cheap Trick.

Zu den ‚harmloseren‘ Designs zählten beispielsweise seine Explorer im Checkered-Look, etwas abgefahrene Modelle waren hingegen die Twisted Flying V oder die doppelhalsige ‚Uncle Dick‘. Das Highlight der Sammlung stellt allerdings klar seine Five-Neck dar, von der insgesamt drei Stück für Rick gebaut wurden. Ursprünglich wünschte sich Rick eine Gitarre mit sechs rund angeordneten Hälsen, die sich wie eine Revolvertrommel drehen lassen. Da aber bereits Billy Gibbons mit ZZ Top ein ähnliches Gimmick verwendete, entschied er sich für das etwas klassischere 5-Neck-Design. Die bekannteste Ausführung ist der orangefarbene Prototyp von 1981. Nach zahlreichen Museumsleihgaben befindet sich das kuriose Instrument nun an der Wand von Ricks Restaurant in Chicago.

2. Gretsch G6138 Bo Diddley – rechteckig, praktisch, gut?

Definitiv zu den aufsehenerregenden Designs zählt auch die ikonische Gitarre der Blues-Legende Bo Diddley. Ihre recht simple Formgebung, die im Grunde der Einfachheit selbstgebauter Diddley Bows folgt, könnte man sicherlich als Kombination aus maximaler Simplizität und minimaler Ergonomie beschreiben. Dennoch lag das Instrument bei kaum einem Künstler derart gut in der Hand wie bei Ellas Otha Bates aka „Bo Diddley“, der sich auf dem einzigartigen Instrument seinen Platz in zahlreichen Hall of Fames erspielte. Darunter die für Rock and Roll (1987), für Blues (2003) und posthum auch für Rhythm and Blues (2017).

Die Gretsch G6138 Bo Diddley ist allerdings nicht das einzige ungewöhnliche Modell des Ausnahmekünstlers. So baute Gretsch gemeinsam mit Bo die G6199 „Billy-Bo“ Jupiter Thunderbird, ein weiteres Instrument mit futuristischem Design, das an den Stil klassischer Cadillac-Heckflossen der Sixties erinnert. Heute ist der berühmteste Spieler dieses ikonischen Designs niemand Geringerer als Billy Gibbons von ZZ Top, der als einer der größten Fans von Bo Diddleys musikalischem Schaffen gilt.

3. Music Man Nigel Tufnel Signature – E-Gitarre für Speed Freaks

Wer die fiktive Band Spinal Tap kennt, weiß, dass deren Gitarrist Nigel Tufnel mitunter sonderbare Ansprüche an seine Gitarren und Verstärker stellt. Auf manche seiner Instrumente, wie biespielsweise der berühmt-berüchtigte Fender Bass VI mit originalem Preisschild, darf nicht einmal geschaut oder gezeigt, geschweige denn auch nur über ihn geredet werden. Eine andere seiner Gitarren, auf die man jedoch definitiv schauen und zeigen sollte, ist die Music Man Nigel Tufnel Mr. Horsepower – ein Instrument mit wahrlich viel Oktan und PS unter der Haube!

Die auf gerade einmal 25 Stück weltweit limitierte Auflage verfügt über insgesamt vier direkt nebeneinander angeordnete Humbucker-Pickups, die jeweils separate On/Off-Schalter mit eigenen Indikator-LEDs besitzen. Zusätzlich befindet sich ein Floyd Rose Tremolosystem mit speziell für das Modell gefertigtem Trem-Bar im Schalthebel-Look an Bord. Zu den weiteren Features der abgefahrenen Gitarre zählen ein heißes Hot Rod Flame Finish mit Clay Smith Cams Logo, ein Abgaskrümmer mit Auspuff und ein funktionierender Tachometer an Bord, der dir jederzeit anzeigt, wie schnell du spielst!

4. Buckethead Gibson Les Paul – Paula XXL

Wer die schneeweiße Gibson Buckethead Signature Les Paul sieht, könnte sie fälschlicherweise mit einem handelsüblichen LP-Modell von der Stange verwechseln. Sobald man sie allerdings in die Hand nimmt, wird recht schnell deutlich, wie riesig dieses Instrument tatsächlich ist! Die Gibson Buckethead Signature Les Paul weicht nämlich gravierend von der Standardrezeptur der Gibson Les Paul ab und setzt auf eine mörderisch lange 27″-Mensur und ein 24-bündiges Griffbrett ohne Einlagen. Kein Wunder, immerhin ist Buckethead selbst mit einer Körpergröße von fast zwei Metern der perfekte Nutzer dieses einzigartigen Instruments.

Zur weiteren Ausstattung seiner Signature-Gitarre zählen zwei rote Arcade-Style Kill Switches, mit denen Buckethead gerne während Live-Shows seine maschinengewehrartigen Stakkato-Salven abfeuert. Für den stimmigen Look sorgen hingegen die schneeweißen Sonderausführungen der beiden GIbson 496R und 500T Humbucker als passende Ergänzung zum Hochglanz-Finish in Alpine White. Die Gibson Buckethead Signature Les Paul wurde lediglich vorübergehend von 2009 bis 2011 gebaut. Fans und Sammler, die sich für das Instrument des talentierten und leicht verrückten Ausnahmekünstlers mit dem KFC-Eimer auf dem Kopf interessieren, können momentan also allenfalls auf dem Gebrauchtmarkt fündig werden.

5. Eddie Van Halen Shark – Ed’s alternative Bastelgitarre

Wer an Eddie Van Halens Gitarren denkt, wird unweigerlich seine berühmten ‚Frankenstrat‘-Modelle im Sinn haben. Kein Wunder, immerhin zählen die Superstrats mit Stripe-Look und unverkennbarem DIY-Charme ganz klar zu den berühmtesten Signature-Designs. Ein etwas weniger bekanntes Modell aus Eddies Fuhrpark ist hingegen die berühmt-berüchtigte Shark. Die Geschichte der Shark begann ursprünglich als schneeweiße Ibanez Destroyer, deren Korpusform Eddie mithilfe einer Säge gravierend modifizierte. Nachdem er ein größeres Stück Holz aus dem Heck schnitt und die Schnittkante mit gezackten Kanten versah, die an Zähne erinnern sollten, verlieh er ihr den ikonischen ‚Stripe‘-Look. Genau wie bei seinen Frankenstrats griff Eddie hierbei auf Klebeband und seine bevorzugten Spraydosen mit Schwinn Bicycle Paint zurück.

Auch wenn das Modell auf der ersten Van Halen World Tour im Jahr 1978 prominent zum Einsatz kam, war Eddie Van Halen keineswegs zufrieden mit dem Sound seiner modifizierten Shark. Ihm zufolge wurde der Klangcharakter des Instruments nämlich durch das Heraussägen des hinteren Holzstücks nachhaltig ruiniert. Obwohl er sich auf dem Cover des VH-Albums Women and Children First von 1980 noch mit seiner Shark ablichten ließ, spielte er die Gitarrenspuren der Scheibe lieber auf einer von Chris Holmes geliehenen Ibanez Destroyer ein. Dennoch ist die Shark ohne Frage ein wahrhaft ikonisches Signature-Design, das im Jahr 2019 von EVH als Reissue-Modell für Fans und Sammler neu aufgelegt wurde.

Fazit

Signature-Gitarren gibt es mittlerweile wie Sand am Meer. Die interessantesten und kuriosesten Gitarren-Designs entstehen aber genau dann, wenn Künstler alle bestehenden Regeln ignorieren und ihre Instrumente abseits alles bisher Dagewesenen entwerfen. Egal, ob es um nie dagewesene Bauformen, multiple Hälse oder ungewöhnliche Ausstattungsmerkmale geht: alle genannten Instrumente haben nicht nur einen hohen Wiedererkennungswert, sondern auch ihren ganz eigenen Charme, der den Charakter des zugehörigen Künstlers besser als jedes andere Instrument auszudrücken weiß.

Auch interessant:

Die fünf ungewöhnlichsten Signature-Gitarren aller Zeiten

Seit Anbeginn der Zeit werden E-Gitarren durch die Ansprüche ihrer berühmtesten Künstler geformt. Oftmals handelt [...]

> WEITERLESEN

Brian May gegen KI: „Wir brauchen sie nicht“

Brian May hat ein Problem mit künstlicher Intelligenz – und neuerdings auch mit einem fünften [...]

> WEITERLESEN

… macht Sachen: MARTIN HENGSTERMANN baut E-Gitarren aus Beton

Gitarren aus Holz gibt es genügend, Martin Hengstermann baut seine deshalb aus Beton. Genauer gesagt [...]

> WEITERLESEN

Green Day auf der großen Leinwand: Neuer Kinofilm und 24/7-YouTube-Kanal gestartet

Bei Green Day wird es im August nostalgisch: Während mit „Nimrods: A Green Day Comedy“ [...]

> WEITERLESEN

„Dieses wunderbare Instrument“: STEVE HACKETT und STEVE ROTHERY im Interview

Zwei Legenden haben sich gefunden: Steve Hackett (*1950) prägte in den Siebzigern als Gitarrist von [...]

> WEITERLESEN

Empfehlung von Mike Scott: Diana Winter erhält eigene Fame Acoustic

Diana Winter ist in Italien seit Jahren auf großen Popbühnen unterwegs und bekommt nun ihre [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: STOPPOK „26/70 – die Songs von Stoppok“

Alle Achtung! An die 100 Musiker sind auf ‚26/70 – die Songs von Stoppok‘ zu [...]

> WEITERLESEN

WEITERHÖREN: Musiktipps zur Horizonterweiterung #5

MIKAEL MÁNI: HALF SUN Die ersten Töne dieses neuen Albums von Gitarrist Mikael Máni klingen [...]

> WEITERLESEN

Plektren aus Schildpatt: Warum sie heute Geschichte sind

Kaum ein Material genießt unter Gitarristen einen so legendären Ruf wie Schildpatt. Vor allem Vintage-Fans [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Die fünf ungewöhnlichsten Signature-Gitarren aller Zeiten erschien zuerst auf Guitar-Player.

Damit wächst die Pro-Mod Plus Serie nicht nur optisch, sondern deckt innerhalb der bekannten DK24-Plattform unterschiedliche Anforderungen zwischen unkomplizierter Hardtail-Gitarre und ausgewachsener Floyd-Rose-Ausstattung ab.

Amber Tiger Eye und Zombie Fade HSS 2PT: Schicke Decke und vielseitige HSS-Ausstattung

Highlight der aktuellen Charvel-Neuheiten sind definitiv diese beiden Farbergänzungen der Pro-Mod Plus DK24 HSS 2PT, die im Frühjahr bereits im Finish „Blue Curaçao“ erschienen ist und nun in den beiden neuen Hochglanz-Finishes Amber Tiger Eye und Zombie Fade angeboten wird. Hier setzt Charvel auf eine HSS-Bestückung aus zwei Seymour Duncan SSL-6 Custom Flat Strat Single Coils an Hals und Mitte sowie einem TB-10 Full Shred Trembucker am Steg. Entsprechend breit fällt die klangliche Ausrichtung aus: klassische Single-Coil-Sounds und Zwischenpositionen stehen ebenso zur Verfügung wie der kräftigere Humbucker-Sound für Leads, Riffs und höhere Gain-Reserven.

Auch bei der Hardware unterscheidet sich die HSS-Ausführung von ihren neuen Geschwistern. Statt HT6 Hardtail Bridge oder Floyd Rose kommt ein Wilkinson WVS130-2P 2-Punkt-Tremolo zum Einsatz, ergänzt durch einen Graph Tech TUSQ XL Sattel und Charvel Locking-Mechaniken. Der Lindenkorpus, das schnelle Halskonzept und der Sculpted Shredder’s Cut Heel bleiben hingegen Teil des gemeinsamen DK24-Rezepts.

Neue HH-Dinkys mit Charvel HT6 Hardtail Bridge

Mit der Pro-Mod Plus Dinky DK24 HH HT EB stehen zunächst neue Hardtail-Varianten in Black Ash und Crème White bereit. Grundlage bildet jeweils ein Lindenkorpus mit geschraubtem Ahornhals und Charvels schlankem Speed Neck Profil. Der Sculpted Shredder’s Cut Heel hält den Übergang zwischen Hals und Korpus möglichst flach und erleichtert damit den Zugriff auf die hohen Lagen des Ebenholzgriffbretts. Dieses bietet den Charvel-typischen 12″–16″ Compound-Radius und insgesamt 24 Edelstahlbünde.

Seymour Duncan Nazgûl/Sentient Humbucker Set

Bei den Tonabnehmern setzt Charvel auf eine bewährte Kombination aus zwei Seymour Duncan Humbuckern aus Nazgûl und Sentient, die vor allem auf moderne Rock- und Metal-Sounds ausgelegt ist. Zur Steuerung stehen ein leichtgängiges 500K Low-Friction Volume-Poti und ein No-Load Tone-Regler bereit. Die feste Charvel HT6 Bridge richtet beide Modelle besonders an Spieler, die auf eine unkomplizierte Hardtail-Konstruktion und hohe Stimmstabilität setzen.

Alternativ mit Floyd Rose 1500

Wer auf die typischen Dive Bombs und ausufernde Vibrato-Effekte einer modernen Superstrat nicht verzichten möchte, bekommt die gleiche Grundidee auch mit Double-Locking-Tremolo. Die Pro-Mod Plus Dinky DK24 HH FR EB erscheint in Satin Black und Crimson Eclipse und setzt ebenfalls auf Lindenkorpus, Speed Neck, Ebenholzgriffbrett und 24 Edelstahlbünde.

Der entscheidende Unterschied befindet sich am anderen Ende der Saiten: Ein Floyd Rose 1500 Series Double Locking Tremolo trifft auf den dazugehörigen Locking-Sattel und macht die beiden Modelle fit für intensive Tremolo-Einsätze. Klanglich bleibt es bei der Nazgûl/Sentient-Kombination von Seymour Duncan. Damit stehen innerhalb der neuen HH-Ausführungen zwei klar getrennte Varianten bereit: schnörkellose HT6 Hardtails auf der einen und voll ausgestattete Floyd-Rose-Modelle auf der anderen Seite.

Mehr Auswahl innerhalb der Pro-Mod Plus Familie

Charvel erfindet die Dinky mit den neuen Modellen also nicht neu, erweitert die Pro-Mod Plus DK24 aber an sinnvollen Stellen, wodurch für jeden Geschmack etwas dabei sein dürfte. Besonders die vier HH-Versionen schaffen mit Hardtail und Floyd Rose zwei deutlich unterschiedliche Optionen auf derselben Grundplattform, während Amber Tiger Eye und Zombie Fade das bereits vorhandene HSS-Konzept um zwei auffällige Farbvarianten ergänzen. Allen Modellen gemeinsam bleibt die für moderne Charvels typische Ausrichtung mit schnellem Hals, flachem Compound-Radius, 24 Bünden und Seymour-Duncan-Pickups. Ein passendes Gigbag gehört bei den genannten Pro-Mod-Plus-Modellen ebenfalls zum Lieferumfang.

Auch interessant:

Gitarrenbau-Legende Wayne Charvel im Alter von 85 Jahren verstorben

“I don’t think you ever make anything perfect”, sagte Wayne Charvel einmal in einem Interview. [...]

> WEITERLESEN

Charvel American Neo-Classic San Dimas: 80s-Shred-Klassiker als Floyd Rose- & Hardtail-Variante

Charvel präsentiert neue San Dimas Modelle Bereit für Shred-Action in San-Dimas-Manier? Mit der neuen Neo-Classic-Serie [...]

> WEITERLESEN

Neue Charvel Pro-Mod Plus Dinky DK24 – moderne Superstrats mit Premium-Features

Charvel bleibt auch 2026 eine der spannendsten Adressen, wenn es um moderne Superstrats mit maximaler [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Charvel erweitert die Pro-Mod Plus Dinky Collection um neue Modelle erschien zuerst auf Guitar-Player.

Wenn Gitarristen versuchen, einen bestimmten Verstärkersound im Pedalformat einzufangen, stehen normalerweise große Namen wie Marshall, Fender oder Vox im Raum. Stu Mackenzie von King Gizzard & the Lizard Wizard geht die Sache erwartungsgemäß etwas anders an. Ausgangspunkt für den neuen JAM Pedals Tiny Amp Destroyer war ein günstiger Verstärker aus dem Gebrauchtwarenladen, dessen Sound alles andere als perfekt sein möchte, es den dem australischen Musiker jedoch voll angetan hat.

Die Vorliebe kommt dabei nicht ganz aus dem Nichts. Bereits in der Vergangenheit sprach Mackenzie darüber, günstige Mini-Verstärker weit über den vorgesehenen Arbeitsbereich hinaus aufzudrehen und gerade die dabei entstehenden Verzerrungen, Nebengeräusche und mitschwingenden Gehäuseteile interessant zu finden. Für Flight b741 experimentierte King Gizzard beispielsweise mit mehreren solcher günstigen Amps.

Zwei Boomster und ein kleiner Amp am Limit

Für den Sound, der schließlich zum Tiny Amp Destroyer führen sollte, ging Mackenzie noch einen Schritt weiter. Zwei JAM Pedals Boomster Clean Booster wurden vor seinen bevorzugten kleinen Pawn-Shop-Amp geschaltet und trieben dessen Eingang weit über das hinaus, wofür er eigentlich gedacht war. Genau der Punkt, an dem der Verstärker zunehmend komprimiert, boxig und instabil reagiert, wurde zur Grundlage des neuen Pedals.

JAM Pedals besorgte sich hierfür dasselbe Verstärkermodell und rekonstruierte Mackenzies Setup. Statt die Kombination jedoch schlicht nachzubauen, konzentrierte sich der griechische Hersteller auf deren charakteristisches Breakup und entwickelte daraus eine eigenständige Schaltung.

JAM selbst bringt das Konzept ziemlich treffend auf den Punkt: Der Tiny Amp Destroyer soll ausdrücklich kein klassischer „Amp in a Box“ sein, sondern vielmehr den Moment einfangen, in dem die kleine Kiste klanglich die Kontrolle verliert.

Einen Prototypen bekam Mackenzie schließlich während der King-Gizzard-Residency in Athen in die Hände. Nach Angaben von JAM Pedals verwendete er diesen anschließend für den Rest der Tour, wobei die Erfahrungen aus dem Live-Einsatz auch in die finale Version des Pedals einflossen.

G1, G2 und jede Menge Zerstörung

Herzstück des Tiny Amp Destroyer sind zwei unabhängig schaltbare Gain-Stufen. G2 übernimmt dabei die gemäßigtere Seite und reicht von leichtem Breakup bis zu klassischen Drive-Sounds, während G1 deutlich heißer abgestimmt ist und stärker in Richtung Overdrive und Distortion geht. Beide Stufen lassen sich natürlich miteinander kombinieren, wodurch erheblich dichtere und stärker gesättigte Sounds entstehen.

Level sowie eine aktive Bass- und Treble-Klangregelung mit Boost und Cut gelten gemeinsam für beide Gain-Stufen. Interessant wird es außerdem mit dem Magic-Schalter: Dieser verschiebt das Voicing gezielt in Richtung des komprimierten und boxigen Charakters des ursprünglichen Mini-Amps. Der zusätzliche Notch-Regler greift noch drastischer ein und nimmt mit zunehmender Einstellung einen bestimmten Frequenzbereich aus dem Signal. So lässt sich der Sound vom vollen, direkten Drive bis zu ausgehöhlten und bewusst eigenwilligen Zerrsounds formen.

Rooster Treble Booster gleich mit an Bord

Damit ist allerdings noch nicht Schluss. Ein dritter Fußschalter aktiviert einen eigenständigen Treble Booster, dessen Schaltung auf dem JAM Pedals Rooster basiert und am Anfang des Signalwegs sitzt. Entsprechend kann der Booster entweder alleine verwendet werden oder die nachfolgenden Gain-Stufen zusätzlich antreiben und dabei unter anderem den Bassbereich straffen.

Über einen internen Schalter stehen hierfür zwei unterschiedliche Voicings zur Verfügung. Ab Werk liefert JAM den Tiny Amp Destroyer mit der volleren Variante aus. Zusätzlich kann das Pedal in einen alternativen G1 Global Bypass Mode versetzt werden. In diesem Modus lassen sich beispielsweise G2 und Treble Booster vorwählen und anschließend gemeinsam über den G1-Fußschalter in den Signalweg holen.

Optisch stammt der Tiny Amp Destroyer ebenfalls aus dem direkten King-Gizzard-Umfeld: Das Artwork wurde von Jason Galea gestaltet, der seit Jahren für einen großen Teil der visuellen Welt rund um die Band verantwortlich zeichnet.

JAM Pedals Tiny Amp Destroyer: Release am 18. August

Nach einer ersten exklusiven Auflage von 30 Exemplaren beim Field of Vision Festival am 14. August erfolgt der weltweite Release des Tiny Amp Destroyer am 18. August 2026 über JAM Pedals und das internationale Händlernetz. Die ersten 50 direkt über JAM verkauften Exemplare sollen zudem von Stu Mackenzie und Jason Galea handsigniert werden.

Technisch arbeitet das True-Bypass-Pedal mit 9 V DC (Center Negative) und benötigt bei vollständig aktivierter Schaltung maximal 90 mA. Mit Abmessungen von 145 × 124 × 59 mm und einem Gewicht von 511 Gramm fällt der Tiny Amp Destroyer trotz seiner drei Fußschalter noch vergleichsweise kompakt aus.

Und irgendwie ist die Idee ziemlich sympathisch: Statt den nächsten Boutique-Amp zu emulieren, haben JAM Pedals und Stu Mackenzie ausgerechnet einem günstigen Mini-Verstärker ein eigenes Effektpedal gewidmet. Oder, wie Mackenzie seine Vorliebe für solche Sounds selbst zusammenfasst: „Shitty is pretty!“

Auch interessant:

JAM Pedals Tiny Amp Destroyer: Stu Mackenzies kleiner Pawn-Shop-Amp wird zum Effektpedal

Kleiner Übungsamp statt legendärem Vintage-Verstärker: Gemeinsam mit King-Gizzard-Mastermind Stu Mackenzie präsentiert JAM Pedals den neuen [...]

> WEITERLESEN

MXR Flanger/Doubler: Rack-Effekt aus den Siebzigern kehrt als Pedal zurück

MXR legt einen Klassiker aus der eigenen Firmengeschichte neu auf: Der neue MXR M226R Flanger/Doubler [...]

> WEITERLESEN

Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb im Test: Effektkosmos im Hosentaschenformat

Shimmer Reverbs und wilde Multieffektkombinationen sind immer wieder eine spannende Angelegenheit für Fans ausgefallener Klangtexturen [...]

> WEITERLESEN

Von Analog bis Digital: Der Weg vom Tape Echo bis zur digitalen Delay-Workstation

Das Delay ist seit Jahrzehnten einer der beliebtesten und gleichzeitig wichtigsten Effekte der modernen Musikgeschichte. [...]

> WEITERLESEN

Von Jazz Chorus bis Juno: Diese Chorus-Effekte prägten die 70er und 80er

Von Slash über Johnny Marr und Robert Smith bis hin zu Brian May oder Kurt [...]

> WEITERLESEN

Crazy Tube Circuits White Whale Jr. Test: echter Federhall

Federhall und Tremolo gehören zu jenen Effekten, die weniger durch spektakuläre Parameter als durch ihr [...]

> WEITERLESEN

Ibanez LD303 Layer Delayer Test: Rhythmische Echos mit eigener Handschrift

Ein Delay wiederholt Töne. Das Ibanez LD303 Layer Delayer organisiert diese Wiederholungen zu rhythmischen Strukturen. [...]

> WEITERLESEN

Fender Godzilla Distortion Test – Distortion mit Charakter statt High-Gain-Einheitsbrei

Mit dem Fender Godzilla Distortion wagt sich Fender in ein Terrain, das man nicht automatisch [...]

> WEITERLESEN

Hitzestress für dein Equipment: Was hohe Temperaturen mit E-Gitarren, Amps & Effektpedalen anrichten

Sommer, Festival-Saison und Außentemperaturen jenseits der 30 °C: Für den Freizeitkonsumenten ein Träumchen, für Musikerinnen [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag JAM Pedals Tiny Amp Destroyer: Stu Mackenzies kleiner Pawn-Shop-Amp wird zum Effektpedal erschien zuerst auf Guitar-Player.

Das Stück lebt vom Zusammenspiel der vier Musiker. Chad Smith hält den Beat schnörkellos in Bewegung, Flea setzt eine ebenso melodische wie robuste Basslinie dagegen und Anthony Kiedis legt seinen Gesang eng auf den Groove. Frusciantes Stratocaster-Gitarre besetzt dabei erstaunlich wenig harmonischen Raum. Sie liefert weder breite Akkorde noch ein dichtes Funk-Geschrammel, sondern eine einzelne Linie, die zugleich einen Teil der Rhythmusarbeit übernimmt.

Frusciante erklärte später, dass er den Rhythmuspart bei den Aufnahmen direkt mit Chad Smith einspielte und seine Spuren nur selten nachträglich korrigierte oder ausbesserte. Das hört man. ‚Can’t Stop‘ wirkt nicht wie am Raster zusammengesetzt, sondern wie eine gemeinsame Bewegung von Gitarre und Schlagzeug – präzise, aber keineswegs steril.

Das Riff

‚Can’t Stop‘ steht in Standardstimmung und bewegt sich in E-Moll. Dem viertaktigen Hauptriff liegt die Akkordfolge Em – D – Bm – C zugrunde. Frusciante verwendet die Grundtöne diese Akkorde und die Töne d und e in der höheren Oktave. Der Knackpunkt ist dabei die Dämpftechnik. Frusciante schlägt nicht gezielt nur die Saite des jeweiligen Melodietons an, sondern fährt mit dem Plektrum breit über mehrere oder sogar alle Saiten. Die Greifhand sorgt gleichzeitig dafür, dass ausschließlich der gewünschte Ton sauber hervortritt. Die übrigen Saiten liefern kurze, trockene Geräusche. Häufig berührt die Spitze des greifenden Fingers die tiefere Nachbarsaite, während seine flach aufgelegte Unterseite die höheren Saiten stilllegt. Der Daumen kann zusätzlich die tiefe E-Saite kontrollieren.

Übe zunächst ausschließlich die Anschlagshand. Lege die Greifhand locker über die Saiten und spiele durchgehende Sechzehntel mit Wechselanschlag. Erst wenn dieser stumme Groove stabil läuft, fügst du die gegriffenen Töne einzeln hinzu. Bei einem kräftigen Schlag über alle Saiten darf jeweils nur ein klarer Ton zu hören sein, umgeben von einem kurzen perkussiven Klick. Für den Sound genügen ein klarer Steg-Pickup und ein weitgehend cleaner Amp. Halte den Bassbereich schlank und verwende wenig Verzerrung. Wichtiger als ein bestimmtes Pedal ist ein entschlossener Anschlag. Zum Riff wird die Tonfolge erst, wenn die Anschlagshand unbeirrt durchläuft und die Greifhand jeden Ton aus einem Kranz stummer Saiten herausschält. Dann wird die Gitarre zum Teil des Schlagzeugs.

Auch interessant:

Lick Lab: Aerosmith „Walk This Way“ (Noten + Tabs)

Als ‚Walk This Way‘ 1975 auf dem Album ‚Toys in the Attic‘ erscheint, befindet sich [...]

> WEITERLESEN

Lick Lab: AC/DC „Thunderstruck“ (Noten + Tabs)

“It’s one of those songs that works great live because the audience instantly knows what’s [...]

> WEITERLESEN

Riff Lab: LENNY KRAVITZ „Always On The Run“ (Noten + Tabs)

Als 1991 die erste Single von Lenny Kravitz’ zweitem Album ‚Mama Said‘ erschien, war schnell [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Riff Lab: RED HOT CHILI PEPPERS „Can’t Stop“ (Noten + Tabs) erschien zuerst auf Guitar-Player.

Wer sich mit den etwas ausgefalleneren Effekten der Siebziger- und Achtzigerjahre beschäftigt, dürfte früher oder später über den MXR Flanger/Doubler stolpern. Das ursprüngliche Rackgerät kombinierte Flanger sowie einen Chorus-artigen Doubler in einem Gerät, das bereits 1979 in zeitgenössischen Anzeigen von MXR auftauchte. Der Flanger/Doubler war damit sowohl für Instrumenten- als auch Line-Pegel ausgelegt und bot schon damals umfangreiche Eingriffsmöglichkeiten in Delay-Zeit und Modulation des Ursprungssignals.

Nun kehrt das Konzept als MXR M226R Flanger/Doubler zurück: dieses Mal allerdings in kompakter Form als Effektpedal fürs Pedalboard. MXR setzt dabei weiterhin auf eine vollständig analoge Schaltung mit Bucket-Brigade-Devices, um den Charakter des ursprünglichen Geräts möglichst authentisch einzufangen.

Zwischen Jet-Flanger und gedoppelter Gitarre

Wie beim historischen Vorbild stehen zwei grundsätzlich unterschiedliche Betriebsarten bereit. Im Flanger-Modus geht es von dezenten Bewegungen bis zu den bekannten Jet-artigen Sweeps und stärkerer Resonanz. Manual beeinflusst den grundlegenden Charakter beziehungsweise die Delay-Zeit, während Width und Speed die Breite und Geschwindigkeit der Modulation bestimmen. Über Regen. kommt schließlich Feedback ins Spiel, wodurch der Effekt von dezenter Färbung bis zu wesentlich aggressiveren Resonanzen reicht.

Der zweite Teil des Pedals widmet sich dem namensgebenden Doubler. Hier wird dem Originalsignal eine zeitlich leicht versetzte zweite Ebene zur Seite gestellt. Je nach Einstellung entstehen dadurch breite, Chorus-artige Texturen oder sogar kurze Slapback-Echos. Über den Mix-Regler lässt sich anschließend festlegen, wie deutlich das bearbeitete Signal gegenüber dem trockenen Gitarrenton in Erscheinung tritt.

Historisch ist diese Kombination durchaus interessant: MXR bewarb das ursprüngliche Gerät Anfang der Achtziger mit einem Delay-Bereich von 0,25 bis 5 Millisekunden für den Flanger und 17,5 bis 70 Millisekunden für den Doubler. Dadurch konnte ein einzelnes Gerät schon damals ein erstaunlich breites Feld zwischen Flanging, Chorus und etwas stärker verzögerte Dopplungen abdecken.

Ein Stück Dimebag-Sound

Eine besonders prominente Verbindung besitzt der Flanger/Doubler zu Dimebag Darrell. Der Pantera-Gitarrist setzte das ursprüngliche MXR-Rackgerät als wichtigen Bestandteil seines Setups ein, um seinem Gitarrensound zusätzliche Breite zu verleihen. Entsprechend dürfte die Neuauflage nicht nur Fans klassischer Modulationseffekte interessieren, sondern auch Gitarristen, die sich mit Dimebags charakteristischem Sound beschäftigen.

Passenderweise hat das neue Pedal sogar bereits seinen Weg in das aktuelle Pantera-Umfeld gefunden: Zakk Wylde soll den neuen Flanger/Doubler bei den Pantera-Celebration-Shows bereits live eingesetzt haben.

Mehr als eine reine Vintage-Neuauflage

MXR beschränkt sich allerdings nicht darauf, die alte Rack-Schaltung einfach in ein kleineres Gehäuse zu verfrachten. Mit dem Invert-Schalter lässt sich die Polarität des Effektsignals umkehren, wodurch sich der Frequenzcharakter deutlich verändern und beispielsweise hohlere oder stärker auf die unteren Mitten konzentrierte Texturen erzeugen lassen.

Spannend für experimentellere Setups sind außerdem CV In und CV Out. Darüber lässt sich das Pedal mit Synthesizern, Sequencern, CV-fähigen Expression-Pedalen und weiterem Equipment verknüpfen. Ein zusätzlicher Line-Level-Schalter erleichtert wiederum den Betrieb mit stärkeren Eingangssignalen.

Auch optisch greift MXR das alte Konzept auf: Zwei LEDs visualisieren die Bewegung der Modulation und reagieren dabei auf die Einstellungen von Speed, Width und Manual. Gerade auf der Bühne lässt sich dadurch auf einen Blick nachvollziehen, was der aktuelle Sweep gerade veranstaltet.

Mit dem MXR M226R Flanger/Doubler bekommt damit ein ziemlich interessantes Stück Effektgeschichte eine zeitgemäße Neuauflage. Und statt lediglich einen weiteren klassischen Flanger auf den Markt zu bringen, behält MXR gerade die Kombination aus Flanging, Doubling und umfangreicher Modulationskontrolle bei, die bereits das ursprüngliche Rackgerät auszeichnete.

Auch interessant:

JAM Pedals Tiny Amp Destroyer: Stu Mackenzies kleiner Pawn-Shop-Amp wird zum Effektpedal

Kleiner Übungsamp statt legendärem Vintage-Verstärker: Gemeinsam mit King-Gizzard-Mastermind Stu Mackenzie präsentiert JAM Pedals den neuen [...]

> WEITERLESEN

MXR Flanger/Doubler: Rack-Effekt aus den Siebzigern kehrt als Pedal zurück

MXR legt einen Klassiker aus der eigenen Firmengeschichte neu auf: Der neue MXR M226R Flanger/Doubler [...]

> WEITERLESEN

Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb im Test: Effektkosmos im Hosentaschenformat

Shimmer Reverbs und wilde Multieffektkombinationen sind immer wieder eine spannende Angelegenheit für Fans ausgefallener Klangtexturen [...]

> WEITERLESEN

Von Analog bis Digital: Der Weg vom Tape Echo bis zur digitalen Delay-Workstation

Das Delay ist seit Jahrzehnten einer der beliebtesten und gleichzeitig wichtigsten Effekte der modernen Musikgeschichte. [...]

> WEITERLESEN

Von Jazz Chorus bis Juno: Diese Chorus-Effekte prägten die 70er und 80er

Von Slash über Johnny Marr und Robert Smith bis hin zu Brian May oder Kurt [...]

> WEITERLESEN

Crazy Tube Circuits White Whale Jr. Test: echter Federhall

Federhall und Tremolo gehören zu jenen Effekten, die weniger durch spektakuläre Parameter als durch ihr [...]

> WEITERLESEN

Ibanez LD303 Layer Delayer Test: Rhythmische Echos mit eigener Handschrift

Ein Delay wiederholt Töne. Das Ibanez LD303 Layer Delayer organisiert diese Wiederholungen zu rhythmischen Strukturen. [...]

> WEITERLESEN

Fender Godzilla Distortion Test – Distortion mit Charakter statt High-Gain-Einheitsbrei

Mit dem Fender Godzilla Distortion wagt sich Fender in ein Terrain, das man nicht automatisch [...]

> WEITERLESEN

Hitzestress für dein Equipment: Was hohe Temperaturen mit E-Gitarren, Amps & Effektpedalen anrichten

Sommer, Festival-Saison und Außentemperaturen jenseits der 30 °C: Für den Freizeitkonsumenten ein Träumchen, für Musikerinnen [...]

> WEITERLESEN

MXR Model 126 Flanger/Doubler Rack-Effekt – Foto: Universal Audio

Der Beitrag MXR Flanger/Doubler: Rack-Effekt aus den Siebzigern kehrt als Pedal zurück erschien zuerst auf Guitar-Player.

Mit der Affilele verlässt der kleine Affe nun gewissermaßen die Buchseiten und landet auf der Decke eines echten Musikinstruments. Herausgekommen ist eine Ukulele, die sich vor allem an Familien, junge Nachwuchsmusiker und Fans der Geschichte richtet, dabei aber keineswegs nur als dekoratives Fanprodukt gedacht ist.

Vom Kinderbuch zum Musikinstrument

Musik und Geschichten für Kinder haben einiges gemeinsam: Sie regen die Fantasie an, schaffen Erinnerungen und funktionieren besonders gut, wenn man sie gemeinsam erlebt. Genau an dieser Schnittstelle setzt die Fame Affilele an.

Wo ist mein Affi? basiert auf der erfolgreichen Anouk-Reihe von Hendrikje Balsmeyer und Peter Maffay. Im Mittelpunkt des Pappbilderbuchs steht ein für kleine Kinder sehr vertrautes Erlebnis: Das geliebte Kuscheltier ist plötzlich verschwunden und muss wiedergefunden werden. Das Buch richtet sich laut Verlag an Kinder ab 18 Monaten.

Die Affilele greift diese Verbindung zu Affi auf und überträgt sie auf ein Instrument, das wie kaum ein anderes für einen unkomplizierten Einstieg ins Musizieren steht: die Ukulele.

Konzertformat und Mahagoni

Technisch handelt es sich bei der Fame Affilele um eine Konzertukulele mit 385-mm-Mensur. Damit bietet sie etwas mehr Platz auf dem Griffbrett als viele kompakte Sopranmodelle und ist sowohl für kleinere als auch größere Hände interessant.

Bei der Holzauswahl setzt Fame auf einen bewährten Klassiker: Decke, Boden und Zargen bestehen aus laminiertem Mahagoni. Mahagoni gehört nicht ohne Grund zu den beliebten Materialien im Ukulelenbau. Bei der Affilele sorgt die Konstruktion für einen warmen, ausgewogenen Grundcharakter, der gut zum typischen, direkten Klang einer Ukulele passt.

Das macht das Instrument gleichermaßen für die ersten Akkorde, einfache Melodien und die Begleitung beim gemeinsamen Singen interessant. Gerade für Einsteiger ist ein unkomplizierter Sound von Vorteil: Akkorde lassen sich schnell zum Klingen bringen und schon mit wenigen Griffen können zahlreiche Songs begleitet werden.

Ein Instrument für die ersten musikalischen Schritte

Einsteigerinstrumente müssen vor allem eines sein: angenehm und unkompliziert zu spielen. Schließlich soll am Anfang die Freude am Musikmachen stehen und nicht der Kampf mit dem Instrument.

Die Fame Affilele besitzt einen Hals aus Selected Hardwood und ein widerstandsfähiges Composite-Griffbrett. Mit einer Sattelbreite von 36 mm bleibt genügend Raum zwischen den Saiten, um Akkorde sauber greifen zu können. Gleichzeitig bleibt der Hals kompakt genug für kleinere Hände.

Auch das Konzertformat spielt hier seine Stärken aus. Die 385-mm-Mensur bietet etwas mehr Platz für die Finger und macht die Ukulele damit nicht nur für Kinder interessant. Eltern, Gitarristen oder andere erwachsene Mitspieler können ebenfalls problemlos zur Affilele greifen.

Für die Stimmung sind verchromte Druckgussmechaniken zuständig. Gerade bei einem Instrument für Einsteiger ist eine zuverlässige Mechanik wichtig: Stimmen gehört schließlich von Anfang an zum Musizieren dazu.

Affi als Blickfang

Optisch hebt sich die Affilele deutlich von der klassischen Naturholz-Ukulele ab. Das Instrument trägt ein mattes Hand Rubbed Black Finish, das ihm einen modernen und zugleich zurückhaltenden Grundlook verleiht.

Der eigentliche Star sitzt jedoch auf der Decke: Affi. Das Motiv des kleinen Stoffaffen stellt unmittelbar die Verbindung zum Kinderbuch her und macht aus der Ukulele ein Instrument mit hohem Wiedererkennungswert.

Dabei funktioniert das Design gleich auf mehreren Ebenen. Wer die Geschichte kennt, entdeckt sofort den vertrauten Begleiter von Anouk. Gleichzeitig kann das Motiv gerade bei Kindern die Distanz zu einem zunächst unbekannten Musikinstrument verringern. Statt eines abstrakten Übungsgeräts wartet dort ein bekannter Charakter darauf, gemeinsam Musik zu machen.

Warum ausgerechnet eine Ukulele?

Für ein solches Konzept ist die Ukulele eine naheliegende Wahl. Vier Saiten, kompakte Abmessungen und leicht erlernbare Akkordformen ermöglichen schnelle Erfolgserlebnisse. Schon mit wenigen Akkorden lassen sich zahlreiche Kinderlieder, Popsongs und einfache Begleitungen spielen.

Hinzu kommt der soziale Aspekt. Eine Ukulele lässt sich schnell aus dem Regal nehmen, auf dem Sofa spielen oder mitnehmen. Musik muss damit nicht automatisch Übungszeit bedeuten. Eltern können Akkorde spielen, während die Kinder singen, Geschwister können gemeinsam musizieren und irgendwann wandert das Instrument vielleicht ganz selbstverständlich in die Hände des Nachwuchses.

Genau darin liegt der Charme der Fame Affilele: Das Instrument versucht nicht, Musik und die Welt von Wo ist mein Affi? nebeneinanderzustellen. Stattdessen werden beide miteinander verbunden.

Die Fame Affilele ist mehr als eine Ukulele mit Motiv

Natürlich fällt die Fame Affilele zuerst wegen ihres Designs auf. Doch hinter dem Affi-Motiv steckt eine vollwertige Konzertukulele mit laminiertem Mahagonikorpus, 385-mm-Mensur, 36-mm-Sattelbreite und Druckgussmechaniken.

Damit ist sie besonders für Familien und Einsteiger interessant, die nicht einfach irgendein erstes Instrument suchen. Wer Wo ist mein Affi? bereits aus dem Kinderzimmer kennt, bekommt einen zusätzlichen emotionalen Bezugspunkt. So wird aus der gemeinsamen Geschichte vielleicht irgendwann der erste gemeinsam gespielte Song.

Denn am Ende ist der schönste Einstieg in die Musik oft derjenige, der sich gar nicht wie Lernen anfühlt.

Auch interessant:

Warum Ukulele spielen so viel Spaß macht

Mit ihrem charmanten Klang und ihrem niedlichen Design hat sich die Ukulele in die Herzen [...]

> WEITERLESEN

Die Geschichte der Ukulele: Hawaii-Klassiker und Trendinstrument

Kaum ein anderes Instrument erzeugt ein solches Urlaubsgefühl wie die Ukulele. Ihr warmer Klang und [...]

> WEITERLESEN

Gitarre effektiv üben: 30 Minuten effizient nutzen

Zeit ist für viele Musikerinnen und Musiker der größte Engpass. Gerade heutzutage fällt es zunehmend [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Fame Affilele: Wenn aus einer Geschichte Musik wird erschien zuerst auf Guitar-Player.

Das ist natürlich sarkastisch gemeint, aber sein Ton ist damit gesetzt: „Das ist also die Art von Intelligenz, die bald die Welt beherrschen wird??!“, schreibt May und schiebt hinterher: „Vielleicht ist jetzt der Moment, zu erkennen: WIR BRAUCHEN KI GAR NICHT!!!“ Anschließend wird der Queen-Gitarrist deutlich ernster. Der Preis, den die Gesellschaft für diese vermeintlich unvermeidliche Entwicklung zahlen werde, sei viel zu hoch. Dabei geht es May inzwischen nicht mehr allein um Kunst und Musik. Er richtet sich auch gegen den Bau großer Rechenzentren in Großbritannien und deren Auswirkungen auf Umwelt und Landschaft. Seinen Post adressiert er auch direkt an den neuen britischen Premierminister Andy Burnham: „Lieber Andy – du musst das jetzt stoppen. Bevor es zu spät ist.“

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Sir Brian May (@brianmayforreal)

2023 als Wendepunkt

Ganz neu ist Mays Skepsis gegenüber KI nicht. Bereits 2023 sprach der Gitarrist und promovierte Astrophysiker in einem Interview ausführlich über das Thema. Damals bereitete ihm vor allem die Entwicklung innerhalb der Kunst Sorgen: „Wir werden nicht wissen, was von KI und was von Menschen geschaffen wurde.“ Alles werde zunehmend verschwimmen und schwerer auseinanderzuhalten sein. Seine Prognose fiel drastisch aus: „Ich glaube, wir könnten auf das Jahr 2023 als das letzte Jahr zurückblicken, in dem Menschen die Musikszene wirklich dominierten.“

Dabei argumentierte May damals keineswegs grundsätzlich technikfeindlich. KI könne durchaus „viele großartige Dinge“ hervorbringen, weil sie Menschen bei der Lösung von Problemen unterstützen könne. Gleichzeitig sah er schon damals ein enormes Missbrauchspotenzial – weit über die Musik hinaus. In einem weiteren Interview aus demselben Jahr sprach er ebenfalls über mögliche gefährliche Anwendungen künstlicher Intelligenz.

Drei Jahre später klingt May deutlich weniger abwägend. Aus der Sorge um die Zukunft menschlicher Kreativität ist grundsätzlicher Widerstand geworden. Dass ausgerechnet ein misslungenes Queen-Cover den Anlass dafür liefert, besitzt eine gewisse Komik. Das eigentliche Thema dahinter nimmt May allerdings sehr ernst: Wer erschafft künftig Musik und Bilder, wie lässt sich menschliche Arbeit davon unterscheiden – und welchen Preis zahlen wir für die dafür notwendige Infrastruktur? Seine Antwort fällt diesmal ungewöhnlich eindeutig aus: Vielleicht brauchen wir KI schlicht nicht. Zumindest in Musikerkreisen dürfte er damit auf wenig Widerspruch stoßen.

Über die Auswüchse, die KI in der Musik annehmen kann, haben wir schon an anderer Stelle berichtet:
„Die KI kann auch Blues – und viele fallen darauf rein“

Auch interessant:

Brian May gegen KI: „Wir brauchen sie nicht“

Brian May hat ein Problem mit künstlicher Intelligenz – und neuerdings auch mit einem fünften [...]

> WEITERLESEN

… macht Sachen: MARTIN HENGSTERMANN baut E-Gitarren aus Beton

Gitarren aus Holz gibt es genügend, Martin Hengstermann baut seine deshalb aus Beton. Genauer gesagt [...]

> WEITERLESEN

Green Day auf der großen Leinwand: Neuer Kinofilm und 24/7-YouTube-Kanal gestartet

Bei Green Day wird es im August nostalgisch: Während mit „Nimrods: A Green Day Comedy“ [...]

> WEITERLESEN

„Dieses wunderbare Instrument“: STEVE HACKETT und STEVE ROTHERY im Interview

Zwei Legenden haben sich gefunden: Steve Hackett (*1950) prägte in den Siebzigern als Gitarrist von [...]

> WEITERLESEN

Empfehlung von Mike Scott: Diana Winter erhält eigene Fame Acoustic

Diana Winter ist in Italien seit Jahren auf großen Popbühnen unterwegs und bekommt nun ihre [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: STOPPOK „26/70 – die Songs von Stoppok“

Alle Achtung! An die 100 Musiker sind auf ‚26/70 – die Songs von Stoppok‘ zu [...]

> WEITERLESEN

WEITERHÖREN: Musiktipps zur Horizonterweiterung #5

MIKAEL MÁNI: HALF SUN Die ersten Töne dieses neuen Albums von Gitarrist Mikael Máni klingen [...]

> WEITERLESEN

Plektren aus Schildpatt: Warum sie heute Geschichte sind

Kaum ein Material genießt unter Gitarristen einen so legendären Ruf wie Schildpatt. Vor allem Vintage-Fans [...]

> WEITERLESEN

5 Gitarristen, die viel zu früh gestorben sind – und oft unterschätzt werden

Jimi Hendrix, Randy Rhoads, SRV, Kurt Cobain – die üblichen Listen der früh verstorbenen Gitarristen [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Brian May gegen KI: „Wir brauchen sie nicht“ erschien zuerst auf Guitar-Player.

Das Grundrezept des Pico Shimmer ist dennoch ziemlich simpel: Ein Hall wird mit Pitch-Shifter und Delay kombiniert, wobei dem Effektsignal unter anderem zusätzliche Oktaven hinzugefügt werden und dadurch granular wirkende Texturen entstehen, die definitiv Lust auf stundenlanges Ausprobieren machen.

Neben Reverb, Delay und Pitch-Shifting kommen weitere Klangelemente zum Einsatz, die im wahrsten Sinne Synth- und Modulationssounds ermöglichen. Dadurch deckt das Pedal weit mehr als klassische Shimmer-Reverb-Sounds ab und erweitert die ohnehin bereits große Spielwiese des Pico Shimmer noch einmal um ein ganzes Stück.

Entsprechend reicht das Klangspektrum von bekannten oktavierten Hallfahnen über breite Synthesizer-artige Pads bis zu experimentellen Glitch- und Granular-Sounds, was auf dem Papier erst einmal nach viel klingt. Wie vielseitig sich diese Mischung in der Praxis einsetzen lässt, haben wir uns im Test genauer angesehen und gecheckt, ob sich in dem kompakten Pico-Gehäuse wirklich ein solch gigantischees Universum an Vielfalt versteckt, oder ob wir nur eine weitere überladene Effektschleuder bekommen.

Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb

Aufbau und Bedienung

Trotz des kompakten Formats bietet das Pico Shimmer mit Blend, Tone, Time und Voice vier Regler sowie einen zentralen Scene-Taster. Blend bestimmt das Verhältnis zwischen Direkt- und Effektsignal, Tone beeinflusst die Klangfarbe und Time reicht von vergleichsweise kurzen Hallfahnen bis hin zu ausgedehnten Reverb-Flächen. Eine zentrale Rolle übernimmt der Voice-Regler, über den sich der Charakter des Effekts zwischen Plate-artigem Reverb, klassischem Shimmer und zunehmend flächigen String-Synth-Texturen verschieben lässt.

Unter der Oberfläche steckt allerdings noch deutlich mehr. Über Sekundärfunktionen lassen sich unter anderem Reverb-Mix, Delay-Zeit sowie Tiefe und Geschwindigkeit der Modulation bearbeiten. Hinzu kommen drei Buffered-Bypass-Varianten in Form von Digital, Analog und Hybrid.

Auch der Fußschalter übernimmt mehr als die reine Bypass-Funktion: Wird er gehalten, lässt sich der aktuelle Hall über die Momentary-Infinite-Reverb-Funktion praktisch einfrieren und als stehende Fläche unter das weitere Spiel legen.

Die Effektbasis: Drei Scenes von klassisch bis experimentell

Über den Scene-Taster stehen Intergalactic, Off-World und Etherdust zur Auswahl, die sich im Charakter deutlich voneinander unterscheiden und quasi als erste Effektbasis dienen können. Intergalactic kommt dem klassischen Shimmer-Konzept am nächsten und kombiniert polyphones Pitch-Shifting mit Reverb, moduliertem Delay, Kompression und einer String-Synth-Engine, die wirklich fantastisch klingt. Gerade über den Voice-Regler lässt sich hier erstaunlich weit zwischen einem vergleichsweise konventionellen Hall und ausgeprägten synthetischen Klangflächen morphen und dank Zweitbelegung der Regler auch die Modulationstiefe weitreichend einstellen.

Off-World geht etwas weicher zu Werke und legt einen stärkeren Fokus auf die Delay-Modulation. Dadurch entstehen warme Texturen, die stellenweise eher an ältere Synthesizer-Pads als an einen klassischen Gitarrenhall erinnern. Etherdust schlägt schließlich die experimentellste Richtung ein: Randomisierte Delay-Zeiten erzeugen unregelmäßige Wiederholungen und Stutter-Effekte, die je nach Einstellung von kurzen granularen Klangpartikeln bis hin zu deutlich wahrnehmbaren Glitch-Echos reichen.

Als Lofi-Liebhaber bieten die drei Voicings für meinen Geschmack jede Menge Spielraum für Experimente. Gerade in Kombination mit anderen Pedalen liefert das Pico Shimmer einen echten Mehrwert, um bereits bestehende Pedalboards in die Extreme zu treiben: Meine Lieblingskombination bestand letztendlich aus einem Small Clone Chorus, dem Canyon und eben dem Pico Shimmer. Gerade aus bereits gefärbten Sounds – in meinem Fall nutzte ich den Chorus als Always-On-Sound – bekommt man wirklich saftige Klänge aus der E-Gitarre.

Sound und Praxis

Mit cleanem Grundsound zeigt das Pico Shimmer erwartungsgemäß besonders eindrucksvoll, was in seinen drei Algorithmen steckt. Akkorde und einzelne Noten lassen sich mit breiten Hallflächen unterlegen, wobei das Pitch-Shifting zusätzliche harmonische Ebenen erzeugt. Interessant ist vor allem, wie weit sich das Pedal vom typischen Shimmer-Klang entfernen lässt. Mit entsprechender Kombination aus Voice, Delay und Modulation entstehen orgelartige Sounds, synthetische Pads oder granulare Texturen, die das ursprüngliche Gitarrensignal teilweise nur noch als Ausgangspunkt verwenden und wirklich schöne Klangwelten erzeugen.

Granularsynthese für E-Gitarre – Die besten Tools für Grain-Texturen und Klangexperimente

Gleichzeitig muss das Pico Shimmer keineswegs permanent den gesamten Sound einnehmen oder präsent im Vordergrund stehen. Mit zurückhaltendem Blend und passend gewählter Voice-Einstellung lässt sich der Effekt extrem subtil unter das trockene Signal mischen. Gerade das erwies sich im Test auch mit verzerrten Lead-Sounds als ziemlich spannende Option. Statt den eigentlichen Gitarrensound in einer riesigen Hallwolke verschwinden zu lassen, kann im Hintergrund eine leicht synthetische Fläche entstehen, deren Tonhöhe dem gespielten Material folgt. Dadurch erhalten Soli zusätzliche räumliche und harmonische Tiefe, ohne ihren eigentlichen Charakter zu verlieren. Vor allem mit Drive-Effekten oder einem in die Sättigung getriebenen Verstärker lassen sich auch Setups mit deutlich aufgedrehterem Gain wunderbar vom Pico Shimmer untermalen, ohne dass es matschig klingt.

Wer es extremer möchte, bekommt auf der anderen Seite genügend Spielraum für unendlichen Hall und besonders verspielte Modulation. Gerade das Etherdust-Voicing kann mit höheren Effektanteilen sehr schnell in abstrakte Klangwelten abdriften, während Intergalactic mit ausgeprägtem Pitch-Anteil den typischen großen Shimmer-Sound liefert. Das eigentliche Vergnügen besteht daher weniger darin, eine einzelne optimale Einstellung zu finden, sondern vielmehr im Ausprobieren der unterschiedlichen Wechselwirkungen zwischen Reverb, Pitch-Shifting, Delay und Modulation.

Infinite Reverb

Auch die Momentary-Funktion macht in der Praxis Sinn und ist weit mehr als eine nette Dreingabe. Besonders das Infinite Reverb reagiert angenehm direkt und erlaubt es, Akkorde oder einzelne Töne als stehende Fläche festzuhalten und anschließend darüber weiterzuspielen. In Kombination mit den stärker synthetisch ausgelegten Einstellungen entsteht so beinahe eine zusätzliche Pad-Ebene, ohne dass dafür ein separater Looper oder gar ein Synthesizer benötigt wird.

Gerade hier spielt das kompakte Pedal seine umfangreiche Konzeption aus. Ein gehaltener Akkord kann beispielsweise als atmosphärischer Hintergrund dienen, während darüber ein weitgehend trockenes oder nur dezent mit Effekt versehenes Signal gespielt wird. Für Ambient, Post-Rock und experimentelle Sounds ergeben sich dadurch zahlreiche Möglichkeiten, die über einen gewöhnlichen Shimmer-Reverb hinausgehen.

Auch interessant:

Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb im Test: Effektkosmos im Hosentaschenformat

Shimmer Reverbs und wilde Multieffektkombinationen sind immer wieder eine spannende Angelegenheit für Fans ausgefallener Klangtexturen [...]

> WEITERLESEN

Squier Paranormal Baritone Jazzmaster im Test: Offset-Klassiker auf Tiefgang

Als Fender die Jazzmaster 1958 vorstellte, war sie ursprünglich – und wie der Name es [...]

> WEITERLESEN

Godin Artisan ST-II EN Whisky Burst Test – Premium-ST mit moderner Vielseitigkeit

Die Godin Artisan ST-II EN Whisky Burst richtet sich an Gitarristen, die klassische ST-Formen schätzen, [...]

> WEITERLESEN

Test: Córdoba Abasi Stage 7 – Moderne Nylonstring neu gedacht

Tosin Abasi gehört zu den Gitarristen, die sich nie mit dem Status quo zufriedengeben. Ob [...]

> WEITERLESEN

Crazy Tube Circuits White Whale Jr. Test: echter Federhall

Federhall und Tremolo gehören zu jenen Effekten, die weniger durch spektakuläre Parameter als durch ihr [...]

> WEITERLESEN

Litejam Smart Guitar RGB24/WH White im Test: Licht an! Lernerfolg auch?

Einfacher E-Gitarre lernen mit einem leuchtendem Griffbrett? Die Litejam Smart Guitar RGB24/WH White verfolgt genau [...]

> WEITERLESEN

Ibanez LD303 Layer Delayer Test: Rhythmische Echos mit eigener Handschrift

Ein Delay wiederholt Töne. Das Ibanez LD303 Layer Delayer organisiert diese Wiederholungen zu rhythmischen Strukturen. [...]

> WEITERLESEN

Rickenbacker 330 Mapleglo im Test: Der legendäre Jangle-Sound auf dem Prüfstand

Spätestens durch die Beatles und Motörhead-Bassist Lemmy Kilmister erlangte Rickenbacker Kultstatus, doch die Geschichte des [...]

> WEITERLESEN

Fender Godzilla Distortion Test – Distortion mit Charakter statt High-Gain-Einheitsbrei

Mit dem Fender Godzilla Distortion wagt sich Fender in ein Terrain, das man nicht automatisch [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Electro Harmonix Pico Shimmer Cosmic Reverb im Test: Effektkosmos im Hosentaschenformat erschien zuerst auf Guitar-Player.

3,3 kg in Tele-Anmutung

Die Idee entstand nicht aus bloßer Lust am schrägen Material. Hengstermann beschäftigte sich während seines Studiums an der Technischen Universität Dresden mit Carbonbeton und baut selbst schon länger Instrumente. Irgendwann trafen beide Interessen aufeinander. Drei Jahre vergingen bis zum Model 1.0, Teile der Konstruktion hat er inzwischen zum Patent angemeldet. Für Hengstermann liegt der Reiz des Materials gerade in dem, was Beton zunächst so wenig musikalisch erscheinen lässt: Er ist starr, gleichmäßig und weitgehend unbeeindruckt von den Bedingungen seiner Umgebung. Holz verändert sich mit Temperatur und Luftfeuchtigkeit, jedes Stück bringt seine eigenen Unregelmäßigkeiten mit. Carbonbeton soll demgegenüber reproduzierbare Eigenschaften, eine direkte Ansprache und langes Sustain ermöglichen Zu einem untragbaren Monolithen wird die Gitarre dennoch nicht. Der Korpus ist wesentlich dünner ausgeführt als bei vielen Holzinstrumenten. Mit 3,3 Kilogramm bleibt das Model 1.0 sogar unter dem Gewicht so mancher Les Paul.

Optisch hält sich Hengstermann ohnehin nicht an die üblichen Regeln. Seine Gitarren können Totenköpfe oder das Porträt Johann Sebastian Bachs tragen. Für das Comedy-Duo Elsterglanz baute er ein Modell im Stil der bevorzugten Biermarke der beiden Musiker – samt Kronkorken als Regler. Bei diesem Instrument blieb es nicht bei der Dekoration: Hengstermann ersetzte beim Anmischen des Betons einen Teil des Wassers durch Bier. Weil dessen Zucker das Abbinden bremst, verlängerte sich der Bau von ungefähr einer Woche auf einen Monat.

Prominente und private Abnehmer

Eine weitere seiner Gitarren ist im Video zu „Utopia“ von The Streets zu sehen. Sänger/Rapper Mike Skinner spielt dort ein Modell aus der Thüringer Werkstatt. Auch Musiker aus der Heavy-Metal-Szene sowie Kunden aus den USA, England und der Schweiz haben Hengstermanns Instrumente ausprobiert oder bestellt. Noch ist Dr. Hengstermann Guitars eine kleine Manufaktur. Hengstermann arbeitet hauptberuflich als Projektleiter bei einem Unternehmen in Jena und kann deshalb nur eine begrenzte Zahl von Instrumenten herstellen. Für 2026 rechnet er mit rund 20 Exemplaren. Angeboten werden sie vorwiegend direkt über die eigene Internetseite; im Showroom in Kahla lassen sie sich nach Terminvereinbarung anspielen.

Gitarristen diskutieren seit Jahrzehnten darüber, wie stark die Holzart den Klang einer massiven E-Gitarre beeinflusst. Hengstermann umgeht die Debatte auf angenehm handfeste Weise: Er lässt das Holz einfach weg. Ob Carbonbeton tatsächlich mehr Sustain, Klarheit und tonale Stabilität liefert, muss sich im direkten Vergleich zeigen. Dass eine Betongitarre weder unförmig noch bleischwer sein muss, hat er bereits bewiesen.

Dr. Hengstermann Guitars im Netz

Auch interessant:

Platte der Woche: BLACK LABEL SOCIETY „Engines Of Demolition“

„Ich bin immer am Spielen, permanent am Schreiben und ich finde immer etwas, worüber ich [...]

> WEITERLESEN

Warum Ukulele spielen so viel Spaß macht

Mit ihrem charmanten Klang und ihrem niedlichen Design hat sich die Ukulele in die Herzen [...]

> WEITERLESEN

Effektpedale sind tot? Von wegen!

„Pedals are dead“ – Sterben Effektpedale aus? Am 19. Oktober 2025 veröffentlichte der YouTuber EytschPi42 [...]

> WEITERLESEN

WEITERHÖREN: Musiktipps zur Horizonterweiterung #3

PHILIPP SCHIEPEK & LORENZ WIDAUER: BANGERS & BALLADS Kein Duo sondern eine komplette Band: Gitarrist [...]

> WEITERLESEN

Die neue Gitarre & Bass 09/2025 ist da!

Der September ist für Gitarristinnen und Gitarristen weit mehr als nur der Start in den [...]

> WEITERLESEN

Deutscher Rock & Pop Preis 2025 – jetzt anmelden!

Du hast Songs mit Herz, Leidenschaft und eigener Handschrift? Du willst deine Musik einem größeren [...]

> WEITERLESEN

… macht Sachen: VINNIE VINCENT verkauft neues Album für 2 Millionen Dollar

Das dürfte bei vielen für anhaltendes Kopfschütteln sorgen, ist in Wirklichkeit aber einer der spannendsten [...]

> WEITERLESEN

E-Gitarren und Schneemobile: Warum Yamaha in so vielen Bereichen erfolgreich ist

Meine Kinder fragten: „Auf deiner Akustikgitarre steht Yamaha und auf dem Motorrad vom Nachbarn auch. [...]

> WEITERLESEN

Höfner gerettet, GEWA übernimmt

Die Nachricht kam relativ schnell: Nur vier Monate nach der Insolvenzmeldung und wenige Wochen nach [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag … macht Sachen: MARTIN HENGSTERMANN baut E-Gitarren aus Beton erschien zuerst auf Guitar-Player.

Der Name Hollywood Vampires geht auf einen Trinkclub zurück, der sich in den Siebzigern im Obergeschoss des Rainbow Bar & Grill in Los Angeles traf. Alice Cooper gehörte ebenso dazu wie Keith Moon und Harry Nilsson; John Lennon, Ringo Starr und weitere Kollegen schauten vorbei. Wer Mitglied werden wollte, musste vor allem eines können: die anderen unter den Tisch trinken. Die heutige Band bewahrt den Namen, hat mit dem damaligen Lebenswandel aber nicht mehr viel gemein. Cooper lebt seit Jahrzehnten abstinent, und aus dem feuchtfröhlichen Zirkel ist eine disziplinierte Rockband geworden. Geblieben ist der Gedanke, die Musik verstorbener Freunde und Wegbereiter nicht ehrfürchtig zu konservieren, sondern sie laut zu spielen.

Eigene Stücke und Klassiker

Gegründet wurden die Hollywood Vampires Anfang der 2010er-Jahre. Cooper hatte Johnny Depp während der Dreharbeiten zu ‚Dark Shadows‘ kennengelernt und mit ihm gejammt; Aerosmith-Gitarrist Joe Perry komplettierte den Kern der Band. Das selbstbetitelte Debüt von 2015 bestand überwiegend aus Coverversionen und brachte eine lange Reihe prominenter Gäste zusammen. ‚Rise‘ zeigte 2019 mit deutlich mehr eigenem Material, dass die Vampires auch als reguläre Band funktionieren. Tommy Henriksen, seit vielen Jahren Gitarrist in Coopers Soloband, Produzent und wichtiger Mitspieler der Hollywood Vampires, gehört längst ebenso zum festen Gefüge.

Der Mitschnitt aus Montreux dokumentiert genau den Übergang zwischen diesen beiden Phasen. Der Abend beginnt mit „I Want My Now“ und „Raise The Dead“, zwei eigenen Stücken, ehe die Band ihre Ahnengalerie öffnet. Dabei entsteht keine fein säuberlich kuratierte Rockausstellung. Die Songs werden durch drei Gitarren, eine robuste Rhythmusgruppe und Coopers unverwechselbare Stimme gezogen, bis sie zum Sound dieser Band passen. Das darf schmutzig sein. Muss es sogar. Joe Perry, Johnny Depp und Tommy Henriksen besetzen dabei keineswegs dreimal denselben Platz. Dadurch entsteht hier ein breiter, rauer Bandsound, in dem nicht jede Lücke zwanghaft gefüllt wird.

Abwechslungsreiche Setlist

Unterstützt wird das Trio von Chris Wyse am Bass, Glen Sobel am Schlagzeug und Buck Johnson an Keyboards und Gitarre. Wyse übernimmt bei ‚Ace of Spades‘ den Leadgesang. Die Motörhead-Nummer gehört zu den bislang unveröffentlichten Coverversionen des Albums und wird nicht auf Hochglanz gebracht: Bass und Schlagzeug treiben, die Gitarren sägen. Auch sonst lebt die Setlist von guten Reibungen. ‚I Got A Line On You‘ von Spirit und Loves ‚7 And 7 Is‘ führen zurück in die späten Sechziger, während ‚Five To One‘ und ‚Break On Through‘ zu einem Doors-Medley zusammenwachsen. Natürlich bedienen sich die Musiker auch in den eigenen Katalogen. Alice Cooper steuert ‚I’m Eighteen‘ bei und beendet den Abend mit ‚School’s Out‘, das wie gewohnt Pink Floyds ‚Another Brick In The Wall‘ streift. Von Aerosmith kommen ‚Combination‘ und ‚Sweet Emotion‘. Darüber hinaus stehen sechs Eigenkompositionen stehen zwischen all den Klassikern.

Tracklist

01. I Want My Now
02. Raise the Dead
03. I Got a Line on You
04. 7 and 7 Is
05. My Dead Drunk Friends
06. Five to One / Break on Through
07. The Jack
08. Ace of Spades
09. Baba O’Riley
10. As Bad as I Am
11. The Boogieman Surprise
12. I’m Eighteen
13. Combination
14. People Who Died
15. Sweet Emotion
16. Welcome to Bushwackers
17. Heroes
18. Train Kept A-Rollin’
19. School’s out / Another Brick in the Wall

Album-VÖ: 14. August 2026
Label: earMusic
www.hollywoodvampires.com

Auch interessant:

Platte der Woche: GA-20 WITH CHARLIE MUSSELWHITE „Blues Now“

Der Blues ist tot? Charlie Musselwhite und GA-20 würden darüber vermutlich nur müde lächeln. Auf [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: THE STROKES „Reality Awaits“

Mit „Reality Awaits“ veröffentlichen The Strokes am 24. Juli ihr erstes Album seit sechs Jahren. [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: LENNY KAYE „Goin‘ Local“

Mit 79 Jahren veröffentlicht Lenny Kaye, seines Zeichens langjähriger Gitarrist der Patti Smith Group, sein [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: DEEP PURPLE „SPLAT!“

Mit über 130 Millionen verkauften Alben, 58 Jahren Bandgeschichte und einem Altersdurchschnitt von 73 (der [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: MUSE „The Wow! Signal“

Muse waren ja noch nie besonders gut darin, kleine Brötchen zu backen. Während andere Bands [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: GRAHAM COXON „Castle Park“

Fünfzehn Jahre sind im Musikgeschäft eine Ewigkeit. In dieser Zeit hat Graham Coxon zwei neue [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: SAMANTHA FISH „Paper Doll Live“

„Ich wollte einfach festhalten, was wir Abend für Abend machen. Es ging nicht darum, etwas [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: WALLIS BIRD „I Can See Your House From Here“

Was haben die Band Camel, die Jazz-Gitarristen John Scofield und Pat Metheny sowie die irische [...]

> WEITERLESEN

Platte der Woche: DEVIN TOWNSEND „The Moth“

Er fühle sich erleichtert, dass ‚The Moth‘ endlich abgeschlossen ist. Am 29. Mai veröffentlicht Devin [...]

> WEITERLESEN

Der Beitrag Platte der Woche: HOLLYWOOD VAMPIRES „At Montreux Jazz Festival“ erschien zuerst auf Guitar-Player.