Dieses kompromisslose Selbstverständnis zieht sich durch das gesamte Album. Produzent Bob Ezrin sitzt zum inzwischen sechsten Mal hinter den Reglern und hat sich längst als unverzichtbarer Sparringspartner etabliert. „Die Zusammenarbeit mit Bob hat der Band eine große Last abgenommen, weil wir nicht mehr versuchen müssen, alles selbst zu machen“, erklärt Paice. Das Ergebnis ist ein Album, das druckvoll, direkt und ausgesprochen lebendig wirkt.

Simon McBride tut der Band gut

Besonders auffällig ist dabei erneut Simon McBride. Nachdem der Nordire auf ‚=1‘ noch beweisen musste, dass er Steve Morse nicht kopieren will, sondern Deep Purple etwas Eigenes geben kann, spielt er auf ‚SPLAT!‘ endgültig seine eigene Rolle als vollwertiger Teil des Bandsounds. Seine Riffs treiben Songs wie ‚Arrogant Boy‘ oder ‚Diablo‘ kraftvoll voran, gleichzeitig streut der PRS-Endorser immer wieder melodische und überraschende Gitarrenideen ein, die den klassischen Purple-Sound erweitern, statt ihn bloß zu zitieren. Dem einen oder anderen mag bei seiner Spielweise ein wenig die Risikobereitschaft fehlen, aber Hand und Fuß haben seine Beiträge immer. Die Hammond-Orgel von Don Airey bleibt unterdessen das zweite prägende Element – und genau dieses Wechselspiel aus Gitarre und Orgel wird in den 13 Songs immer wieder in den Mittelpunkt gestellt.

Auch Sänger Ian Gillan sieht in McBride einen entscheidenden Faktor. „Simon hat einen ganz eigenen Stil und ein hervorragendes Gespür für den Aufbau eines Songs“, sagt der Sänger. Noch wichtiger sei aber die neue Dynamik innerhalb der Band: „Seit Simon zur Band gekommen ist, bin ich eigentlich die ganze Zeit begeistert. Alles läuft ganz natürlich und mühelos. Das Songwriting fällt uns leicht, die Bühnenshows entwickeln sich wie von selbst, und die Fans lieben es.“

Offiziell bezeichnet Deep Purple ‚SPLAT!‘ sogar als ihr härtestes Werk seit vielen Jahren. Gleichzeitig knüpfen die Songs bewusst an die Dynamik der frühen Siebziger an, also der Phase, in der Klassiker wie ‚Machine Head‘ entstanden. Gillan selbst spricht von Material, das wieder mit ‚Highway Star‘, ‚Smoke on the Water‘ oder ‚Lazy‘ kompatibel sei – nicht als Kopie, sondern wegen der Balance, Dynamik und des gemeinsamen Spiels.

Tracklist

01. Arrogant Boy
02. Diablo
03. The Rider
04. The Lunatic
05. The Only Horse in Town
06. Sacred Land
07. The Beating of Wings
08. Guilt Trippin‘
09. Scriblin‘ Gib’rish
10. Jessica’s Bra
11. Third Call
12. My New Movie
13. Splat!

Album-VÖ: 03. Juli 2026
Label: earMusic
www.deeppurple.com

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Für die Geburtstagsfeier haben sich zahlreiche Weggefährten und Blues- sowie Rockgrößen angekündigt. Mit dabei sind Eric Clapton, John Mayer, Susan Tedeschi, Derek Trucks, Jon Batiste, Aloe Blacc, Joe Bonamassa, Gary Clark Jr., Shemekia Copeland, Robert Cray, Samantha Fish, Eric Gales, Billy F Gibbons, Ivan Neville, Robert Randolph, Bobby Rush, Isaiah Sharkey, Kenny Wayne Shepherd, Jimmie Vaughan, Ally Venable, Willie Weeks und Kim Wilson. Weitere Gäste sollen in den kommenden Wochen noch bekanntgegeben werden. Als musikalischer Leiter fungiert Rolling-Stones-Schlagzeuger Steve Jordan.

Vorbild unzähliger Gitarristen

Buddy Guy zählt zu den prägenden Figuren des modernen Blues und gilt als einer der einflussreichsten Gitarristen seiner Generation. Der 1936 im US-Bundesstaat Louisiana geborene Musiker zog Ende der 1950er-Jahre nach Chicago, wo er schnell Teil der dortigen Bluesszene wurde. Bei Chess Records nahm er mit Größen wie Muddy Waters, Howlin’ Wolf und Willie Dixon auf und veröffentlichte zugleich eigene Singles. Obwohl sein virtuoses, oft aggressives Gitarrenspiel seiner Zeit voraus war und kommerziell zunächst nur begrenzten Erfolg hatte, entwickelte sich Guy zu einem entscheidenden Bindeglied zwischen dem traditionellen Chicago Blues und der Rockmusik.

Musiker wie Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Jimmy Page und Stevie Ray Vaughan nannten ihn später als wichtigen Einfluss. Mit Alben wie ‚Damn Right, I’ve Got the Blues‘ (1991) gelang ihm schließlich auch der internationale Durchbruch. Im Laufe seiner Karriere gewann Buddy Guy neun Grammy Awards, erhielt 2015 die Presidential Medal of Freedom – die höchste zivile Auszeichnung der USA – und wurde sowohl in die Rock and Roll Hall of Fame als auch in die Blues Hall of Fame aufgenommen. Trotz seines nahenden 90. Geburtstags steht er weiterhin regelmäßig auf der Bühne und zählt zu den letzten noch aktiven Vertretern der klassischen Chicago-Blues-Generation.

www.buddyguy.net

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DAS PROJEKT

JazzrockTV ist ein Projekt von Ralf Schmitz & Georg Pilger, das sie vor 17 Jahren gestartet haben. Das Konzept ist einfach: Im eigenen Veranstaltungsraum, der wie eine Mischung aus Ton- und Video-Studio ausgestattet ist, können Bands und/oder Solistinnen live performen, während ihr Auftritt einmal ins Netz gestreamt wird, parallel auch mitgeschnitten und später aufbereitet werden kann.

Die Konzerte unter dem Motto „Jam In The Basement“ finden vor kleinem Publikum statt, und wer eins der maximal 40 Tickets haben möchte, muss sich vorab anmelden. Der Eintritt ist frei, erwartet wird von den Besuchern aber eine fairer Hut-Beitrag für die Künstlerinnen und Künstler. Insgesamt ist JazzrockTV ist ein nicht-kommerzielles Projekt. Es dient nicht der finanziellen Gewinnerzielung und wird von den Betreibern privat finanziert. Und das ist ohne Frage eine sehr sympathische Art der Kulturförderung, die auf viel Idealismus und Engagement basiert. Und auf großer Begeisterung für diese Musik zwischen Jazz, Rock und dem Rest der Welt: Denn feinsten Funk, poppigen Spul oder ethnisch inspirierte Klänge kann man hier auch erleben. Die Welt ist bekanntlich bunt, und die Musikwelt von Georg Pilger und Ralf Schmitz ebenso.

ACTS & ARTISTS

„Das Herzstück von JazzrockTV ist unser hübsches kleines Studio mitten im Herzen von Köln“, beschreiben die beiden ihr Projekt. „Und wir hatten bereits eine Menge großartiger Gäste.“ Zu denen gehörten unter anderem die Lars Duppler Band, Rüdiger Baldauf, Brian Hughes, Bernard Fowler, Tom Brechtlein, George Whitty, Janek Gwizdala, Nils Wülker, Marcus Schinkel, Martin Sasse, Joo Kraus, das Matti Klein Soul Trio, T.Ziana, The New Conrad Miller Trio, Sängerin Elisabeth Lohninger, Flötistin Isabelle Bodenseh und viele mehr.

Vielen Künstlerinnen und Künstlern sind die Musik-Fans Georg Pilger und Ralf Schmitz aber auch für Interviews begegnet, darunter Snarky Puppy, Mo’Blow, Mezzoforte, Lee Sklar, Pino Palladino, Billy Cobham, Omar Hakim, The Yellowjackets, Jeff Lorber Fusion, Bob James, Level 42, Wolfgang Schmid, Hellmut Hattler, Alphonso Johnson, John Patitucci, Victor Wooten, Etienne Mbappé, Biréli Lagrène, Steve Lukather, Robert Trujillo, Claus Fischer, Dean Brown, Torsten Goods und Michael Landau.

Der Anteil an Saiteninstrumenten, also von Acts mit Gitarristen und Bassistinnen, ist relativ groß, was ganz sicher auch mit persönlichen musikalischen Vorlieben der beiden Initiatoren zu tun hat: Jimmy Haslip, Stevie Salas, das originelle Cover-Projekt Fremde Federn, das Rouzbeh Asgarian Trio, Max Clouth & Ragawerk und das Axel Fischbacher Trio waren schon bei JazzrockTV zu erleben.

MUSIK ENTDECKEN

Für Qualität in Bild & Ton sorgt regelmäßig Martin Ernst – www.martin-ernst.de – Musiker, Komponist, Produzent, Verleger und Mitinhaber von muxx.tv. Martin bei der Arbeit zu beobachten macht wirklich Spaß, denn man merkt in jedem Moment, dass er Musik liebt. Und wenn er mal kurz zufrieden lächelt, dann ist die Band wirklich gut. Auch die Band, die (noch) keiner kennt.

Und keine Frage, bei Jam In The Basement kann man so einiges entdecken. Zuletzt bewies das die Band Woodbeez aus Hannover, die sich absolut beeindruckend diesem soulig-jazzig-groovendem Pop-Sound, irgendwo zwischen Steely Dan, Commodores, Earth Wind & Fire und den Doobie Brothers, widmen. Ritchie Staringer (kb), Tobi Reckfort (dr), Jacco Herhaus (b), Johann Horst (g), die beiden großartigen Background-Sängerinnen Emilie Sandin und Esther Odefey und der wirklich einzigartige Sänger Rafiandi Giri lieferten am 18. Mai 2026 bei JazzrockTV eine packende Show ab. Westcoast-Sound mit Biss! Diese so spannende wie unterhaltsame Band sollte man entdecken: www.woodbeez.de

Zurück zu JazzrockTV: Fans und Follower auf der ganzen Welt verfolgen inzwischen die gestreamten Konzerte und/oder schauen sich die perfekt bearbeiteten Live-Videos und Interview-Mitschnitte an. Georg Pilger: „Das passiert via www.JazzrockTV.de, auf YouTube, iTunes, Vimeo und als Teil des Live-Fernsehsenders MUXX.TV, der online sowie über Kabel- und Astra-Satellitenfernsehen zu empfangen ist. Die Social-Media-Kanäle von JazzrockTV auf Facebook, Instagram und Twitter verzeichnen täglich einen Anstieg der Follower-Zahlen um Tausende weltweit. Bis heute sind allein die Aufrufe auf YouTube und Vimeo auf über 1.000.000 gestiegen.“

JazzrockTV ist, wie bereits erwähnt, nicht-kommerziell und setzt auf die Crowdfunding-Unterstützung der Fans über www.patreon.com/JazzrockTV
Kontaktieren kann man Ralf Schmitz & Georg Pilger über ihre Website www.JazzrockTV.de. Und da kann man sich auch direkt für den Newsletter und einen Konzertbesuch registrieren lassen. Lohnt sich!

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www.facebook.com/JazzrockTV
www.instagram.com/JazzrockTV

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Der Albumtitel bezieht sich auf dieses rätselhafte Radiosignal, das 1977 Astronomen für einen kurzen Moment glauben ließ, nicht allein im Universum zu sein. Muse interessiert dabei weniger die wissenschaftliche Erklärung als die Sehnsucht, die dahintersteckt. Was wäre, wenn tatsächlich jemand antworten würde? Diese Frage zieht sich durch das gesamte Album. Hinter den kosmischen Bildern stecken Zweifel, Hoffnung und der Wunsch nach Nähe. Das Universum dient diesmal weniger als Bühne für den Weltuntergang als vielmehr als Spiegel menschlicher Gefühle – kumuliert in so Sätzen wie „I can never cry again“ oder „I’ve used up every ounce of luck“.

Musikalisch bleiben Muse ihrer DNA treu. Matthew Bellamys Gitarrenwände (gespielt auf seiner Manson Guitar Works Signature) treffen auf Synthesizer, orchestrale Arrangements auf elektronische Beats, darüber Bellamys Stimme. Das klingt gewohnt gigantisch, wirkt aber durch die dann doch vergleichsweise abgespeckte Produktion deutlich stringenter als auf manchen Vorgängern. Die Band verzichtet weitgehend auf überflüssige Umwege und vertraut wieder stärker ihren Songs.

Natürlich bleibt ‚The Wow! Signal‘ ein großes und theatralisches Album, das einen (gerade im Zusammenhang mit den Videos) an Action-Epi aus Hollywood denken lässt. Aber der Bombast wirkt diesmal nicht wie Selbstzweck, sondern trägt die Songs, statt sie zu erdrücken. Muse scheinen gelernt zu haben, ihren Hang zum Größenwahn zu dosieren.

Tracklist

01. The Dark Forest
02. Nightshift Superstar
03. Shimmering Scars
04. Cryogen
05. Be With You
06. Hexagons
07. The Sickness In You & I
08. Unravelling
09. Hush
10. Space Debris

Album-VÖ: 26. Juni 2026
Label: Warner / Helium-3
www.muse.mu

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Von Bruce Springsteen bis Whitney Houston

Er selbst spielte kein Instrument, und doch hatte in den vergangenen 60 Jahren wohl kaum jemand einen so großen Einfluss auf den Lauf der Musikgeschichte wie Clive Davis. Mit seinem Tod verliert die Musikwelt zweifelsfrei eine ihrer prägendsten Persönlichkeiten. Der legendäre Musikmanager und Produzent starb am 22. Juni 2026 im Alter von 94 Jahren. Über sechs Jahrzehnte hinweg drückte er der internationalen Musiklandschaft wie kaum ein anderer seinen Stempel auf.

Er war Entdecker, Förderer und Visionär mit einem außergewöhnlichen Gespür für Künstler und Songs. So holte er in seiner Zeit bei Columbia Records (1967-1973) unter anderem Janis Joplin, Bruce Springsteen, Santana, Billy Joel, Aerosmith, Chicago und Pink Floyd zum Label. Nach seinem Ausscheiden 1973 gründete er Arista Records und schrieb dort das nächste Kapitel Musikgeschichte. Unter seiner Führung entwickelten sich Barry Manilow, Patti Smith, Aretha Franklin und Dionne Warwick weiter, später entstanden mit LaFace Records und Bad Boy Records zudem Plattformen für Künstler wie TLC, Toni Braxton, Usher, Outkast und The Notorious B.I.G.

Clive Davis war dabei mehr als ein klassischer Manager. Er griff in Repertoirefragen ein, entschied über Singles und Arrangements und bewies immer wieder einen außergewöhnlichen Instinkt für Hits. Seine Überzeugungskraft machte ihn zu einer der einflussreichsten Figuren der amerikanischen Musikindustrie. Insgesamt war er an Hunderten Nummer-eins-Erfolgen beteiligt und wurde im Laufe seiner Karriere mit fünf Grammy Awards ausgezeichnet. Bereits im Jahr 2000 wurde er als Non-Performer in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Auf die Nachricht von seinem Tod reagierten zahlreiche Musiker mit bewegenden Worten:

„Verstand die Kraft zeitgenössischer Musik“

„Hier drüben auf der E Street trauern wir um den Tod des großartigen Plattenmanagers und engen Freundes Clive Davis. Mit 22 Jahren veränderte er mein Leben, als er mich bei Columbia Records unter Vertrag nahm. Er begegnete mir als völlig unbekanntem 22-Jährigen mit demselben Respekt und derselben Freundlichkeit wie später, nach all meinen Erfolgen. Ein großer Mensch. Unsere Gedanken, unsere Gebete und unsere ganze Liebe sind bei ihm.“
(Bruce Springsteen)

„Unsere Gedanken sind bei den Freundinnen, Freunden und der Familie von Clive Davis – und bei all den Künstlern und Musikliebhabern, deren Leben er mit seiner Vision, seinem Talent und seiner Großzügigkeit verändert hat. 1972 entdeckte er Aerosmith, damals eine unbekannte Barband, und nahm uns kurz darauf bei Columbia Records unter Vertrag. Er hielt auch während unseres Comebacks in den 1980er-Jahren zu uns, als unsere Zukunft keineswegs gesichert war. Ein großer Mensch, dessen Lebenswerk zur Melodie der modernen Kultur wurde und dessen Andenken immer ein Segen sein wird.“
(Aerosmith)

„Er glaubte von Anfang an an mich – als ich gerade einmal 18 Jahre alt war und nur sehr wenige erkannten, wozu ich fähig war. […] Sein Einfluss reicht weit über die Musik hinaus. Er lebt in den unzähligen Künstlern weiter, die er gefördert hat, in den Träumen, die er Wirklichkeit werden ließ, und in der Liebe, die er so vielen Menschen entgegengebracht hat. Hätte er in mir damals nicht den ersten Schimmer dessen erkannt, was einmal werden sollte, hätten wir beide uns vielleicht nie kennengelernt und wären nie gemeinsam auf diese tiefe musikalische Reise gegangen. Wir werden heute und für immer dein außergewöhnliches Leben, dein Vermächtnis und dein großes Herz feiern. Du wirst uns mehr fehlen, als Worte ausdrücken können. Umso dankbarer bin ich, dass ich dich so lange an meiner Seite haben durfte.“
(Alicia Keys)

„Clive Davis überzeugte mich vor vielen Jahren, bei Columbia Records zu unterschreiben. Er erkannte das Talent großer Musiker und verstand die Kraft zeitgenössischer Musik. Ich werde Clive immer dankbar dafür sein, dass er die entscheidende Bedeutung des Songwritings erkannt hat. Während seiner Amtszeit als Präsident von Columbia Records hat er das Ansehen der Musikindustrie zweifellos gestärkt.“
(Billy Joel)

„Für mehr als ein halbes Jahrhundert wurden die größten Superlative bemüht, um den unvergleichlichen Clive Davis zu beschreiben und ihm Tribut zu zollen. Ohne Clive hätte es sehr gut sein können, dass es Earth, Wind & Fire nicht gegeben hätte – zumindest nicht so, wie unsere Geschichte geschrieben wurde. Wir sind für die Rolle, die er in unserem Leben gespielt hat, für immer dankbar. Wir werden unseren Freund schmerzlich vermissen. Ein Gentleman mit Stil. Ein Genie. Ein Gigant. Der große Clive Davis. Liebe und Gebete für seine Familie.“
(Earth, Wind & Fire)

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Kein Duo sondern eine komplette Band: Gitarrist Philipp Schiepek und Lorenz Widauer an der Trompete haben sich für ihr gemeinsames Album ,Bangers & Ballads‘ mit Bassist Michael Acker und Schlagzeuger Matheus Jardim noch zwei kompetente Begleiter ins Boot geholt, die ihrer Musik zu knackigen Grooves verhelfen. Modern Jazz spielen die vier aus Deutschland, Österreich, Rumänien und Brasilien stammenden Musiker. Schiepek und Widauer hatten sich bei den Salzburger Festspielen im Sommer 2021 kennengelernt und kurz darauf war klar, dass sie ein gemeinsames Projekt starten wollen.

Widauers virtuose Linien werden hier getragen von Philipp Schiepeks oft leicht sphärischen Gitarren-Sounds, immer mit etwas Raumklang angereichert. Interessante Voicings und virtuose Soli mit gekonnter Dramaturgie hat dieser Gitarrist drauf. Schiepek (* 1994) hat mit ,Golem Dance‘ (2019), dem Duo-Album ,Cathedral‘ (2021) mit Walter Lang und vor allem mit ,Versuch zu träumen‘, im Trio mit Henning Sieverts (b) und Bastian Jütte (dr), letzteres 2024 auf dem eigenen Label Wooden Waggon Records erschienen, schon einige beachtliche Alben veröffentlicht. Außerdem war er Preisträger des Kulturwettbewerbs Gasteig 2018, des BMW Welt Young Artist Jazz Award 2020 und des Bayerischen Kunstförderpreises. Ein engagierter und kreativer Gitarrist. Seit Ende 2025 ist Philipp Schiepek Professor für Jazz-Gitarre an der Hochschule für Musik und Theater München. Schön, wenn wirklich aktive und kompetente Musikerinnen und Musiker an solche Jobs kommen.

Lorenz Widauer war ursprünglich als klassisch ausgebildeter Pianist aktive, kam dann erst später zur Trompete und erst im Musikstudium zum Jazz. Er hat u.a. mit Christian Muthspiels Orjazztra Vienna, Shake Stew, Yvonne Moriels sweetlife:quartet und seiner eigenen Formation Chez Fría gearbeitet; von 2021 bis 2024 war er Solotrompeter in der Produktion „Jedermann“ bei den Salzburger Festspielen.

Auf ihrem gemeinsamen Album ist ein Highlight das unbegleitete Duo ,Rebecca‘, einer Komposition von Philipp Schiepek, der hier absolut stilübergreifend mit sehr intelligenten Mitteln begleitet – nein: Er setzt den warmen Trompetenlinien eigene Klangbilder entgegen. Mit Akkorden, Arpeggios, eingeflochtenen Flageolett-Tönen, aus denen er dann kurz auch eigene Singlenote-Linien entwickelt, um anschließend wieder in den Dialog mit seinem Mitmusiker zurückzufinden. ,Rebecca‘ ist vielleicht das stärkste Stück dieses Albums, weil es das musikalische Konzept der beiden Bandleader und Komponisten am klarsten offenlegt.

Aber auch in den Tracks mit Rhythm-Section, z.B. in Schiepeks ,The One‘ oder Widauers ,Prelude‘ dominiert ihr dialogischer Ansatz, perfekt eingebettet in lebendige Schlagzeug-Ausbrüche und tiefe, tragende, teils gestrichene Töne vom Kontrabass. Ähnlich spannend gelungen ist der vorletzte Album-Track ,Too Many Questions‘. Insgesamt gefallen mir die ruhigen, sphärischen Stücke am besten, denn hier kommen die musikalischen Persönlichkeiten am direktesten rüber. Schönes Album.
www.philippschiepek.de
www.lorenzwidauer.at

ARNE JANSEN & STEPHAN BRAUN: SHORT STORIES

Gitarrist Arne Jansen und Kontrabassist & Cellist Stephan Braun sind ein wirklich cooles Duo. Und zwei sehr variable Musiker. Auf ,Going Home‘ (2023) hatten die beiden sich Stücke der legendären Gitarre-Band Dire Straits vorgenommen, das ich damals mit „Gewagtes Repertoire – gelungene Umsetzung. Respekt!“ kommentierte. Die ,Short Stories‘ des gleichnamigen neuen Albums sind eigene Kompositionen.

Während Jansen seine Linien und Chords immer wieder mit dezenten Loops und Raumklängen anreichert und so ganz eigene Sounds ausbreitet, hört man das Cello mal in klassischem Einsatz, gestrichen mit Bogen, dann aber auch gezupft; in tieferen Lagen spielt Stephan Braun tragend und virtuos zugleich.

Dabei lässt die Musik immer ganz viel Raum, kommt mit einer unglaublichen Ruhe aus den Lautsprechern und wirkt trotz des Einsatzes von Delay, Reverb und anderen Effekten nie überladen. Nein, eher minimalistisch, oft fast meditativ. Man schwebt mit diesem Duo durch Klanglandschaften.

Das Finale bestreiten Arne Jansen und Stephan Braun nach neun Eigenkompositionen mit einem Klassiker, dessen Verfasser und Interpret klangästhetisch eigentlich aus einer ganz anderen Ecke kommt: Singer/Songwriter-Ikone Bob Dylan wird mit der Interpretation eines seiner Meisterstücke, ,A Hard Rain’s a-Gonna Fall‘, gewürdigt. Und sie interpretieren diesen Klassiker sehr sensibel, fast vorsichtig. Von Dylans Crunch-Stimme und seiner Wut spürt man hier nichts.

Der Song, der 1962 unter dem Eindruck der Kuba-Krise entstand, die die Welt an den Rand einer militärischen Katastrophe brachte, hat leider nicht an Aktualität verloren, findet Arne Jansen. Das Stück endet nach 4 Minuten und 32 Sekunden. Der Wahnsinn geht weiter. Die Musik für den Frieden danach gibt’s schon. Was für eine Welt.

www.arnejansen.com
www.stephanbraun.com

BLACK DOG GROOVE SOCIETY: DOG DANCE

Eine Hammond-Orgel klingt einfach immer megacool und irgendwie auch nach guter Laune. Daher kommt man schon bei den ersten Takten dieses neuen Albums nicht um ein breites Grinsen herum. Black Dog Groove Society sind Saxophonistin & Bass-Klarinettistin Katharina Maschmeyer, Gitarrist Nils Pollheide, Schlagzeuger Hardy Fischötter und eben Dirk Schaadt am großen, schmatzenden Tastenmonster, das kurz vor dem Ausladen des Band-Transporters vor Gigs immer alle Mitmusiker unsichtbar werden lässt. Oder sie haben Rücken.

Zurück zur Musik: Diese Band swingt und pulsiert, vor allem Dank des unglaublichen Drives von Hardy Fischötter, absolut zeitlos, mit unglaublicher Energie. Wobei das klassische Orgel-Trio mit Drums und Gitarre natürlich nie um ein gewisses traditionelles Flair herumkommt. Da war wohl Tony Williams‘ Band Lifetime in der Besetzung mit Larry Young und John McLaughlin die große, niemals wieder erreichte Ausnahme der Jazz-Geschichte.

Organ-Player Dirk Schaadt hat neben seinem eigenen Trio u.a. mit mit Künstlern wie Sydney Youngblood, Marla Glen, Molly Duncan (Average White Band), Mirja Boes oder Tom Gaebel gearbeitet, live und im Studio. Hardy Fischötter spielte bereits 1988 in der legendären Kölner„Franck Band“. Von 1989 bis 2013 war er Mitglied des Trios von Gitarristin Susan Weinert und spielte außerdem mit Charlie Mariano, Richard Bona, Henrik Freischlader, Larry Carlton, Cosmo Klein und Ali Claudi. Gitarrist Nils Pollheide und Saxophonistin Katharina Maschmeyer sind schon lange ein künstlerisches Team, und auch hier harmonieren sie wieder perfekt. Wobei Pollheide am deutlichsten die zeitgenössischen Zutaten in den Band-Sound fließen lässt.

Bestes Beispiel dafür ist seine Komposition ,For Sco‘, die keine Fragen offen lässt. Mit angezerrtem Ton jagt er virtuos, bluesig, boppig durch den von Vorbild John S. inspirierten Track. Gefolgt von Katharina Maschmeyer, die am Tenorsaxophon ähnlich energetisch abgeht. Eine tolle Musikerin. „Die Stücke sind beeinflusst von zeitgenössischen Jazz Musikern wie Seamus Blake, Joshua Redman, John Scofield, Larry Carlton und Larry Goldings, andererseits finden sich auch Elemente von Blue Note-Legenden aus den 1950-1960er Jahren wie Hank Mobley, Grant Green und Larry Young“, lese ich im Text zum Album. Black Dog Groove Society haben als Formation das Talent, diese künstlerischen Einflüsse aus gut 60 Jahren Jazz-Historie mit rotem Faden zu fusionieren. Dieses zweite Album der Band ist vielleicht noch mal einen Schritt nach vorne gegangen – und es klingt auch sehr gut. Eingespielt wurde im bandeigenen „Confusing Cats Studio“ in Osnabrück, aufgenommen und gemischt hat es Nils Pollheide. Gute Arbeit.

www.katharina-maschmeyer.com
www.nilspollhei.de
www.dirkschaadt.com
hardyfischoetter.de

STEPHANIE WAGNER & NORBERT DÖMLING FLUTE ‚N‘ BASS: ELEKTROLYTE

Unter dem Projektnamen „Flute ’n‘ Bass“ sind Stephanie Wagner & Norbert Dömling mit Querflöte und Kontrabass seit vielen Jahren aktiv. Ihre CD ,Traces‘ (2023) wurde für den „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ nominiert. Jetzt haben die beiden bisher rein akustisch spielenden Duo-Partner ihr Konzept verändert. Statt am Kontrabass, ist Norbert Dömling nun mit E‑Bass und sechssaitigem Fetless-E-Bass bei der Arbeit. Außerdem kommen jetzt auch diverse Effektgeräte und Looper zum Einsatz.

Was den beiden wichtig ist: Ihre Musik entsteht weiterhin in Echtzeit, live, ohne vorbereitete Loops oder Backing-Tracks. Auf ihrem neuen Album macht sich diese Erweiterung der klanglichen Mittel sehr deutlich bemerkbar. ,Elektrolyte‘ baut immer wieder auf interessanten, oft geräuschhaften Loops auf, kommt aber genau so oft zum klassischen, zweistimmigen Duo von Flöte und Bass zurück. Um dann wieder mit perkussiven Spielweisen beider Instrumente und Blas- und Klappengeräuschen der Flöte neue Klänge zu kreieren. Stephanie Wagner ist hier mit C-Flöte und auch Alt- bzw. Bass-Flöte zu hören.

Insbesondere für Bassisten interessant ist die Geschichte von Dömlings Stück ,Mr. Weber‘. „2015 wurde ich vom Jazz-Institut Darmstadt eingeladen, bei einem Gesprächskonzert mit Eberhard Weber Solo-Bass mit Loop-Delay zu spielen, da Eberhard leider nicht mehr selbst spielen konnte. Als erstes Stück spielte ich dort eine völlig freie Improvisation. Das wurde damals aufgenommen, und hieraus habe ich jetzt einen Teil der damals spontan entstandenen Akkordfolge genommen und eine neue Komposition für 4-string E-Bass mit ungewöhnlichen Klängen und Altflöte für die neue CD geschrieben.“ 
Das darauf folgende Stück ,Seeheimer Nachtleben‘ gehört zu den interessantesten des Albums, denn hier zeigt Dömling noch mal seine gesamte Ausdruckspalette an den verschiedenen Bässen. Stephanie Wagners Komposition ,Voyage‘ beschließt das Album mit einem ruhigen, sehr klaren Thema, das etwas an die Musik von Erik Satie erinnert. Begleitet wird es von virtuosen Basslinien mit sehr schönen Flageolett-Tönen. In diesem Finale harmonieren Flute ’n‘ Bass absolut großartig. Tolles Duo!

www.flute-and-bass.doemling.com
www.stephaniewagner-jazzflute.com
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Vorerst kein neues Album

„We’re gonna do it, we’re gonna play“, erklärt Gould auf Nachfrage nach einer möglichen Reunion. Die Band habe gemeinsam entschieden, dass sie noch einige Jahre in der Lage sei, die auch physisch anspruchsvollen Shows auf dem gewohnten Niveau zu spielen. Deshalb wolle man es noch einmal versuchen.

Ein neues Album wird es derweil wohl nicht geben: „Mit dieser Band ist es wirklich schwer, Alben zu machen. Ich habe mit dieser Band noch kein einziges Album aufgenommen, bei dem ich sagen könnte, dass es Spaß gemacht hat“, gibt Gould zu. „Ich mag die Musik, ich mag, was wir geschaffen haben und ich bin froh, dass wir es gemacht haben. Aber Spaß gemacht hat es eigentlich nie. Deshalb muss ich wirklich darüber nachdenken, ob ich das noch einmal machen möchte.“

Fast weltweite Tournee

Dafür wird Gould jedoch in puncto Tourplänen konkreter: Faith No More wollen demnach 2027 wieder in Europa, Südamerika, Australien und den USA auftreten. Als möglichen Startzeitpunkt nennt er Januar oder Februar. Die Rückkehr wäre das erste gemeinsame Auftreten der Band seit 2016. Eine bereits angekündigte Reunion-Tour für 2020 fiel zunächst der Corona-Pandemie zum Opfer. Die später neu angesetzten Termine wurden 2021 abgesagt, nachdem Sänger Mike Patton aufgrund psychischer Belastungen seinen Rückzug erklärte. In den folgenden Jahren äußerten sich die Bandmitglieder mehrfach widersprüchlich über die Zukunft von Faith No More. Keyboarder Roddy Bottum sprach zeitweise sogar von einer „semi-permanenten Pause“, während Gould Anfang 2025 einräumte, selbst nicht genau zu wissen, wie es um die Band stehe. Jetzt haben sich die Bandmitglieder anscheinend auf einen neuen gemeinsamen Anlauf verständigt.

Faith No More im Netz:

Offizielle Website

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Interessantes haben auch die anderen Interviewpartner Andreas Björler, Innes Sibun und Björn Meyer zu berichten, ganz zu schweigen von Laura, Coen und Rudi Bults von The Fellowship Of Acoustics, deren Firma dieses Jahr 25. Jubiläum feiert.

Hardware & Setup

Getestet werden E-Gitarren von Fender, Shergold und Hopf, Bässe von Harley Benton und Lakland sowie (Pre-)Amps von Fame und Laney. Im Workshop-Teil geht’s dann um John Scofield, Brent Mason, um Pentatonik, Fuzz-Pedale und Künstliche Intelligenz. Buntes Programm, kann mal wohl sagen!

Highlights der Ausgabe

Interviews

• Kuddel & Die Toten Hosen: Und wenn einmal der Abschied naht …
• Kiefer Sutherland: Mr. Americana
• Anders Björler & At The Gates: Der lange Abschied
• Innes Sibun: Viel von Robert Plant gelernt
• Björn Meyer: Tiefe hören
  

Tests

• Fender 75th Anniversary American Ultra II Telecaster, E-Gitarre
• Shergold Masquerader Standard SM11, E-Gitarre
• Fender California Standard Monterey E, Acoustic
• Lakland HH-30 Hutch Hutchinson Signature Bass
• Fame Magician 15 & GC-112 Vintage 30 Cab, Tube/Modeling-Head
• Laney DB-EAST-PRE Nathan East Preamp

Workshops

• Solo Basics: „Softly, as in a Morning Sunrise” – Teil 3
• Blues Bootcamp: The King of Nashville – Brent Mason
• Bass Basics: Griffbrett-Orientierung, Pentatonik – Teil 2
• Till & Tone: Fuzzinierend, Captain!
• Parts Lounge: KI-K.O.? – Teil 2

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„Ein schelmisches Album“

2011 zogen sich Produzent Ben Hillier und Coxon gemeinsam in die Pool Studios in Bermondsey zurück und nahmen innerhalb weniger Wochen rund 20 Songs auf. „Wir sind ständig zwischen den 20 Songs hin- und hergesprungen und haben sie ziemlich ungeordnet aufgenommen“, erinnert sich der Gitarrist. „Im Grunde hatten wir einfach jede Menge Spaß.“ Schnell zeigte sich jedoch, dass das Material in zwei unterschiedliche Richtungen driftete. Ein Teil entwickelte sich zu dem kantigen, von Post-Punk und elektronischen Einflüssen geprägten Album ‚A+E‘, das 2012 erschien. Die übrigen Stücke landeten dagegen auf einem separaten Stapel, der schließlich den Namen ‚Castle Park‘ erhielt.

„A+E war so ungestüm, dem Album war einfach alles scheißegal“, erinnert sich Coxon. „Es bestand aus Riffs, die einem direkt um die Ohren fliegen, und hatte etwas herrlich Freches. Daneben gab es aber diese andere Seite, aus der Castle Park entstand – ein schelmisches Album über Romantik, Trennungen, Herzschmerz und das Gefühl von Entfremdung.“ Dieser Gegensatz prägt das Album bis heute.

Der Titel verweist auf einen Park in Coxons Heimatstadt Colchester, wo er als Jugendlicher viel Zeit verbrachte. Entsprechend durchziehen Erinnerungen, verlorene Beziehungen und nostalgische Bilder das gesamte Album. „Ein paar Beziehungen waren gescheitert, und ich hatte damals immer wieder mit Herzschmerz zu kämpfen. Entsprechend stark war der Jugendliche in mir noch präsent.“ Trotzdem oder gerade deswegen kommen die zehn Songs erstaunlich leichtfüßig daher. Sentimental und beschwingt gleichzeitig.

Schrammelige Signature-Sounds

Bereits der Opener ‚Billy Says‘ macht deutlich, warum diese Stücke nicht auf ‚A+E‘ gelandet sind. Statt schroffer Gitarren und elektronischer Ausbrüche gibt es hier melodieverliebten britischen Gitarrenpop, der an The Jam, The Kinks, The Who oder die Beatles der mittleren Sechzigerjahre erinnert. Auch die Nähe zu Blurs ‚Modern Life Is Rubbish‘ und ‚Parklife‘ lässt sich stellenweise kaum überhören. Gleichzeitig bleibt Castle Park unverkennbar ein Solowerk. Coxon setzt stärker auf klassische Songstrukturen, eingängige Refrains und fein ausgearbeitete Arrangements. Immer im Mittelpunkt: Schrammelige E- oder A-Gitarren, meistens Dur-Akkorde intonierend.

Coxon hatte im Jahr 2011 gerade ein Signature-Modell einer Fender Telecaster auf den Leib geschneidert bekommen, mit einem Seymour Duncan SH-1 Humbucker am Hals, einem klassischen Tele-Singlecoil am Steg sowie einem Eschekorpus und Palisandergriffbrett. Die Fender Graham Coxon Telecaster basiert auf der modifizierten 1968er Telecaster des Blur-Gitarristen und ist heute nicht mehr erhältlich. (Am nähesten an die Coxon-Spezifikationen kommt aktuell die Fender Player II Modified Telecaster SH MN.)

Akkordfolgen im Traum

Mit Stücken wie ‚There’s A Little House‘, ‚Easy‘ oder ‚Alright‘ bewegt sich das Album teilweise näher am klassischen Pop als viele seiner früheren Soloveröffentlichungen. Coxon selbst bezeichnet ‚Castle Park‘ als „a lot softer and warmer record“. Dennoch bleibt genug Raum für Experimente. Das verträumte ‚Isn’t It Funny‘ entstand teilweise aus einem Traum: „Die gesamten Background-Gesänge und die Akkordfolgen habe ich im Traum gehört“, erzählt Coxon. „Da dachte ich nur: Mein Gott, daraus muss ich einen Song machen.“ Das Instrumental ‚Mélodie Pour Christine‘ erweitert das Klangbild um barocke Streicher, während ‚Dripping Soul‘ mit seinem galoppierenden Rhythmus und den Morricone-Anleihen stark an Coxons Soundtrack-Arbeiten erinnern.

Tracklist

01. Billy Says
02. Alright
03. When You Find Out
04. Isn’t It Funny
05. There’s A Little House
06. Easy
07. Dripping Soul
08. Forget Today
09. Mélodie Pour Christine
10. All The Rage

Album-VÖ: 19. Juni 2026
Label: Transgressive Records / PIAS Records
www.grahamcoxon.co.uk

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Im Interview spricht er über sein neues Instrumental-Album ‚Shekinah‘ (mit Colaiuta und Laboriel), seinen Werdegang, seine prägenden Einflüsse von Hendrix und den Doobie Brothers, darüber, weshalb er alten Stratocasters vertraut, Verstärker nicht überbewertet und warum ihn ein einfacher Groove oft mehr beeindruckt als jede technische Höchstleistung. Darüber hinaus geht es um die Autorität von Jeff Beck, und darüber, weshalb Gitarristen seiner Meinung nach manchmal Gefahr laufen, nur noch Verwalter ihrer eigenen Vergangenheit zu sein. Ein interessantes Gespräch mit einem sympathischen Gitarristen.

Interview

Das innere Hymnenbuch

Beim Hören deines neuesten Albums hatte ich den Eindruck, dass du ein Gitarrist bist, der sehr unaufgeregt spielt – emotional und technisch versiert, wenn es nötig ist, aber ohne die Technik in den Vordergrund zu stellen.

Ja, für mich steht die Melodie im Mittelpunkt. Das habe ich mir bei dieser Produktion noch einmal bewusst gemacht. Virtuosität und Technik sind großartig, aber wenn du im Zirkus zum dritten Mal denselben Flickflack siehst, denkst du irgendwann: Schön und gut – aber was macht das eigentlich mit mir? Ich finde es spannend, Virtuosität als Stilmittel einzusetzen. Manchmal muss es auch brennen. Beim Auto willst du schließlich auch ab und zu aufs Gas treten. Aber was bei mir hängen bleibt, was mich wirklich berührt, sind meist die Melodie und die Akkorde.

Ich komme ursprünglich vom Songwriting, schreibe Songs und singe auch. Das hat meine Sichtweise verändert. Früher war für mich der Song oft nur die Umrandung eines Gitarrensolos. Alles andere war zweitrangig, Hauptsache das Solo war gut. Heute denke ich anders. Musik soll mich berühren, und dafür sind Melodie und Harmonik entscheidend. Ich liebe Akkorde und diese Momente, in denen Akkorde und Melodie perfekt ineinandergreifen. Jemand hat meine Musik einmal als „hoffnungsvolle Melancholie“ beschrieben. Das trifft es eigentlich ganz gut. Ich war nie der Typ, der bei Tempo 180 möglichst schnell und wild spielen wollte. Vielleicht hat das mit dem Alter zu tun, vielleicht auch nicht – eigentlich mochte ich das noch nie besonders.

Was mich ursprünglich an Popmusik begeistert hat, waren die Doobie Brothers. Dann kam Jimi Hendrix. Für mich war das zunächst eine völlig andere Welt. Durch meinen kirchenmusikalischen Hintergrund kannte ich Blues gar nicht. Die Harmonik und die mehrstimmigen Gesänge der Doobie Brothers lagen mir viel näher. Zusammen mit diesem Groove hat mich das komplett abgeholt. Und dann kam Hendrix dazu. Was mich an ihm fasziniert hat, war nicht in erster Linie seine Virtuosität, sondern die Autorität, mit der er dieses Instrument gespielt hat. Er hat gezeigt, was man mit einer Gitarre überhaupt alles machen kann.

Kirchenmusik auf der einen Seite und Hendrix auf der anderen – das ist ein ziemlich großer Gegensatz. Hat dieses Spannungsfeld auch etwas mit deiner heutigen Musik zu tun?

Ich glaube, dass das bis heute in mir steckt – irgendwo zwischen Wahnsinn und Wohlerzogenheit. Ich hatte keine wilde Jugend, keine Drogenvergangenheit, und bin eher diszipliniert aufgewachsen. Aber die Leidenschaft und das Wesen der Musik zu entdecken, das hat mich total gepackt. Ich wollte unbedingt verstehen, wie das alles funktioniert.

Angefangen habe ich mit klassischem Klavierunterricht. Irgendwann merkte ich aber, dass es nicht mein Ding ist, alles exakt so zu spielen, wie es auf dem Blatt steht. Also begann ich, Akkorde zu verändern und auszuprobieren. Meine Klavierlehrerin erklärte mir daraufhin die musikalischen Zusammenhänge: Tonleitern, Kadenzen, den Quintenzirkel. Als ich das verstanden hatte, habe ich dieses Wissen auf die Gitarre übertragen. Natürlich kam später der Blues dazu, der viele dieser Regeln wieder infrage stellt. Aber das theoretische Fundament hat mir geholfen, das System zu verstehen und mir meinen eigenen Weg zu erarbeiten.

Also weißt du bei dem, was du tust, genau, was du da tust?

Mittlerweile schon. Wobei ich manchmal auch versuche, dieses Wissen wieder zu vergessen. Ich denke beim Spielen nicht permanent über Musiktheorie nach, aber musikalische Konzepte interessieren mich weiterhin. Im vergangenen Jahr habe ich mich noch einmal hingesetzt, meine L-5 genommen und Jazzstandards geübt. Das hat mir viel Spaß gemacht. Gleichzeitig habe ich gemerkt, dass das im Kern nicht meine eigene Emotionalität widerspiegelt.

Bruce Hornsby sprach kürzlich in einem Interview von seinem „Hymn Book“, seinem persönlichen Choralbuch. Er hat bestimmte harmonische Verbindungen, zu denen er immer wieder zurückkehrt. Zwischendurch bewegt er sich in ganz andere musikalische Welten, teilweise fast in Richtung Schönberg, kommt aber immer wieder zu diesen vertrauten Akkordfolgen zurück. Das konnte ich sofort nachvollziehen. Ich glaube, ich habe ebenfalls so ein inneres Hymnenbuch, aus dem ich mich immer wieder bediene.

Die Amerika-Connection

Aber dein einziger Unterricht, was Musiktheorie betrifft, war der Klavierunterricht?

Ich war später noch an der Musikhochschule in Hamburg. Dort gab es Ende der 80er diesen Modellversuch Popularmusik. Ansonsten hatte man in Deutschland damals kaum Möglichkeiten, Popmusik zu studieren. Dort habe ich gemerkt, dass es auch andere Musiker gibt – und dass ich noch einige blinde Flecken habe, die ich füllen muss. Relativ bald begann dann die Studioarbeit. Daraus habe ich mich irgendwann wieder verabschiedet, weil ich merkte, dass ich meinen eigenen Weg finden muss. Ich hatte Glück, dass das funktioniert hat.

Diese instrumentale Musik ist aber nur eine Seite von dem, was ich tue. Ich schreibe auch Songs und bin mit meiner Frau akustisch unterwegs. Wir spielen Duo-Konzerte zusammen und treten auch öfter im Dom auf. Aber die Gitarre war immer meine erste Leidenschaft. Deshalb denke ich ab und zu: Jetzt muss mal wieder nur die Gitarre ran. Kein Gesang, kein Text, nichts. Nur Gitarre. Das mache ich seit den späten 80ern. ‚One For All‘ war die erste CD, damals war schon Abraham Laboriel dabei. Danach kam ‚Rockland‘ mit den Bissonette-Brothers, anschließend ‚Rainmaker‘ mit Vinnie Colaiuta.

Wie kommt diese Amerika-Connection überhaupt zustande?

Ich kann nichts dafür, das ist so passiert. Vinnie habe ich durch einen Freund kennengelernt, den Schweizer Produzenten und Keyboarder Matthias Heimlicher, mit dem ich viel zusammenarbeite. Er war irgendwann in Europa, und Matthias rief mich an und sagte: „Du hast doch dieses Instrumentalprojekt. Vinnie kommt gerade aus Norwegen vorbei. Willst du, dass er auf deiner Platte spielt?“ Ich dachte mir: Da gibt es schlechtere Möglichkeiten. So ist dieser Kontakt entstanden.

Abraham kenne ich schon seit Ende der 80er-Jahre. Wir haben uns bei einer Fernsehshow kennengelernt. Ich habe dort mit einer Band gespielt, und er war mit Koinonia da. Ein Freund von mir fragte ihn damals, ob er auf meiner Platte spielen würde. So haben wir uns angefreundet. Später hat er mich mit seiner Band in Europa mit auf Tournee genommen. Seitdem gibt es eine enge Verbindung.

Was ihre Instrumente betrifft, sind die beiden meine größten Helden. Sie zusammen an einem Ort zu haben, war für mich etwas Besonderes. Ich habe riesigen Respekt vor ihrer Musikalität. Das war eine herrliche Zeit.

Und die Bissonette-Brüder?

Die habe ich über einen anderen Freund kennengelernt. Ich habe einen sehr guten Freund in Nashville, der mit Gregg studiert hat. Als Gregg und Matt Bissonette einmal mit Joe Satriani hier in Köln waren, haben wir uns getroffen und sie zum Essen eingeladen. Als ich ihnen erzählte, dass ich ein Instrumentalalbum machen möchte, boten sie an, darauf zu spielen. So haben wir uns später in Amerika wieder getroffen. Man denkt immer, man sei Welten voneinander entfernt. Aber das stimmt gar nicht.

„Autorität im Klang und in der Melodie“

Du hattest gerade gesagt, Vinnie und Abe seien deine größten Helden. Am Anfang waren es aber die Doobie Brothers und Hendrix. Was ist dazwischen musikalisch passiert?

Mit Hendrix ging es los. Insgesamt war es aber vor allem der Sound der amerikanischen Westküste, also vor allem die Doobie Brothers. Danach wurde alles immer kitschiger und kitschiger. Doch genau diese Produktionen, auf denen Leute wie Steve Lukather oder Michael Landau in den 80ern gespielt haben, fand ich großartig. Vor allem dann, wenn sie ihre eigenen Sachen gemacht haben. Michael Landaus „Tales From The Bulge“ ist ein unglaubliches Album. Das war für mich über viele Jahre eine ständige Inspirationsquelle.

Ein weiteres Highlight war „Guitar Shop“ von Jeff Beck. Diese Platte hat mich wirklich tief berührt. Jeff Beck hat für viele Jahre das Zepter übernommen. Für mich war er der Meister der Melodie. Ich habe mich immer gefragt: Warum ist das so schön? Wie macht er das? Und auch bei Jeff Beck ist es nicht die Virtuosität, die mich fasziniert. Es ist diese Autorität im Klang und in der Melodie.

Autorität finde ich ein großartiges Wort in diesem Zusammenhang.

Ja, und das ist tatsächlich ein spannender Begriff. Autorität zu entwickeln, ist unglaublich schwierig. Dafür braucht man eine gewisse Reife und auch die Bereitschaft, Dinge wie Geschwindigkeit irgendwann hinter sich zu lassen und stattdessen die Melodie in den Mittelpunkt zu stellen. Jeff Beck hat mir immer wieder gezeigt: Es geht um die Melodie. Pass auf die Melodie auf, denn sie ist das, was bleibt.

Interessanterweise hat Mark Knopfler das auch. Auf seinen Studioaufnahmen fällt einem das vielleicht gar nicht so stark auf. Aber wenn man ihn live erlebt, denkt man irgendwann: Boah, das ist jetzt wirklich ganz groß. Das ist genau diese Autorität.

Hast du durch deinen christlichen Hintergrund eine andere Spiritualität beim Musikmachen? Du scheinst ja schon tief im Glauben verwurzelt zu sein.

Ja, das bin ich. Aber eher aus einer inneren Freude heraus. Nicht, weil ich kirchlich irgendeine Funktion erfüllen müsste – das interessiert mich eigentlich nicht.

In Amerika ist das ein bisschen anders als hier. Dort kommen viele großartige Musiker aus den Gospelkirchen. Das ist gewissermaßen der Schmelztiegel von R&B, Jazz, Hip-Hop und vielen anderen Stilrichtungen. Von dort kommt unglaublich viel musikalische Energie, natürlich auch in Verbindung mit dem Blues, der wiederum ganz andere Wurzeln hat.

In Deutschland ist die Situation anders. Unsere musikalische Tradition basiert auf Chorälen, auf Paul Gerhardt und Bach. Das ist eine wunderbare Kultur, eine großartige Kultur sogar. Aber sie liegt eben rund 300 Jahre zurück. Ich habe manchmal das Gefühl, dass wir in Deutschland den Übergang in die Gegenwart nicht vollständig geschafft haben. Natürlich gibt es inzwischen Worship-Musik und moderne Popkultur, und ich bin selbst Teil davon. Das ist mir wichtig.

Mein Wunsch wäre, dass sich die Kraft, die in diesem Glauben steckt, musikalisch in einer viel größeren Vielfalt ausdrückt. Mit mehr Freude, mehr Leidenschaft und auch mehr Ekstase. Das gelingt uns hier noch nicht besonders gut. In Deutschland darf man am Samstagabend im Stadion, in der Disco oder auf einem Konzert ausgelassen feiern. Am Sonntagmorgen soll man dann möglichst still sitzen bleiben. Das finde ich seltsam. Mit der Schönheit des Glaubens oder der Erfahrung von etwas Göttlichem hat das für mich wenig zu tun.

Als Songwriter und Sänger hat man mit Worten immer eine Geschichte zu erzählen oder eine Botschaft, die man vermitteln möchte. Was ist die Botschaft deiner instrumentalen Musik?

Gute Frage. Für mich steht Schönheit im Vordergrund. Der Titel der CD ist „Shekinah“, ein jüdischer Begriff für Herrlichkeit. Ich mag dieses Wort sehr und verstehe auch aus meinem Glauben heraus, was es bedeutet. Aber zunächst geht es für mich darum: Mach etwas, das schön ist. Es geht dabei auch nicht so sehr um mich.

Als wir für die Aufnahmen in Amerika waren, habe ich den Jungs gesagt: Passt auf, es geht nicht um mich. Wir wollen alle Spaß haben. Vinnie habe ich gesagt, dass er nicht vorsichtig sein soll, sondern reinhauen darf. Aber Vinnie ist so musikalisch, dass er alles sofort richtig interpretiert.

Ich finde es auf der Platte sehr angenehm, dass bei ihm kaum diese Fähigkeit zum Frickeln durchkommt, sondern vor allem seine Musikalität. Die ist einfach unfassbar.

Ja. Vinnie kann einen einfachen Bumm-Tschak im Viervierteltakt spielen, und es zieht dir die Schuhe aus. Das ist schon eine besondere Gabe. Bei Abraham ist es genauso. Wenn Abraham eine Ballade spielt, kommen mir die Tränen.

Equipment

Du sagst in einem YouTube-Video über dein Pedalboard, dass es dir eigentlich egal sei, welchen Verstärker du benutzt. Ist das wirklich so?

Ganz egal ist es natürlich nicht. Ich liebe alte Marshalls oder klassische Blackface-Fender in den passenden Boxen. Aber wenn so etwas gerade nicht verfügbar ist, kann ich auch mit anderen Dingen sehr gut leben. Ich hatte zum Beispiel lange einen kleinen Fender Pro Junior mit einem einzelnen Zehnzöller. Wenn man den auf eine Marshall-Box stellt, klingt das grandios. Und das Ganze kostet gerade einmal ein paar hundert Euro.

Und wie sieht es bei Gitarren aus?

Ich habe einige Stratocasters. Besonders interessant finde ich einen bestimmten Jahrgang: 1972. Damals waren die Hälse noch relativ kräftig. Später wurden sie wieder dünner, davor waren sie ebenfalls eher schlank. Aber Anfang der 70er gab es eine Phase mit wirklich stabilen Hälsen. Das sind großartige Instrumente.

Natürlich muss man an solchen Gitarren hin und wieder etwas machen – Bünde erneuern, Kleinteile austauschen und ähnliche Dinge. Aber diese Instrumente schwingen und vibrieren auf eine besondere Weise. Das vermisse ich bei vielen neueren Gitarren.

Deine Haupt-Strat sieht allerdings deutlich jünger aus.

Das ist eine 77er. Sie ist ziemlich schwer, funktioniert aber hervorragend, obwohl sie im Laufe ihres Lebens bestimmt hundertmal umgebaut wurde. Ich hatte sie überall auf der Welt dabei, und sie hat mich nie im Stich gelassen. Es ist etwas Besonderes, einem Instrument über Jahrzehnte hinweg vertrauen zu können. Irgendwann entsteht daraus eine echte Beziehung.

Wo geht deiner Meinung nach die Entwicklung der Gitarre hin?

Das frage ich mich tatsächlich manchmal. Wenn man ehrlich ist, hat es seit den 1960er-Jahren bei der E-Gitarre keine wirkliche Revolution mehr gegeben. Natürlich gab es Verbesserungen, Verfeinerungen und neue Ideen. Aber im Kern spielen wir immer noch Les Pauls, Stratocasters und Telecasters. Deshalb frage ich mich gelegentlich, ob für die elektrische Gitarre überhaupt noch einmal ein neuer Horizont aufgeht. Ob noch etwas kommt, das unser Verständnis dieses Instruments grundlegend verändert. Andererseits ist unsere Wahrnehmung vielleicht längst auf diese Klänge geeicht. Vielleicht verbinden wir einen guten Gitarrensound automatisch mit einer Stratocaster vor einem Marshall und einer 4x12er-Box.

Manchmal habe ich den Eindruck, dass wir Gitarristen unser eigenes Museum betreiben. Ein Museum, das wir mit großer Leidenschaft pflegen, das aber langsam dicht macht, weil die nächste Generation schon längst sagt: Das ist doch alles Altherren-Zeug. Und noch dazu gibt es kaum ein so konservatives Völkchen wie die Gitarristen.

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